Мульти-Шмульти

Он родился в Екатеринбурге в семье служащего. Прошёл всю Великую Отечественную войну, лишь спустя 40 лет получил заслуженную награду – Орден Отечественной войны II степени. В первые мирные годы служил музыкантом, солистом ансамбля воинской части. Демобилизовавшись, работал внештатным корреспондентом в редакции детского вещания Свердловского областного радиокомитета вплоть. Почти в тридцатилетнем возрасте рискнул поступить во ВГИК, и удалось. Николаевский учился режиссуре в мастерской Льва Кулешова и Александры Хохловой. В 1957 году он пришёл на Свердловскую киностудию, где стал вторым режиссёром художественного кино. Первым был Ярополк Лапшин.

Дебют Олега Николаевского «Журавлиная песнь» (1959) вошёл в историю как первый советский фильм-балет, снятый на натуре. В дальнейшем режиссёр пробовал себя в разных жанрах: приключения, драма, сказка, комедия. Самой успешной его работой была музыкальная комедия «Трембита» (1968) по мотивам оперетты Юрия Милютина. За год её посмотрели 51,2 млн человек, она заняла 46-е место среди абсолютных лидеров советского кинопроката. Фильм и сегодня не сходит с телеэкранов. В нём снимались Ольга Аросева, Николай Трофимов, Евгений Весник, Савелий Крамаров и другие любимые артисты. Ещё один известный фильм Николаевского – «Самый сильный» (1973) – по мотивам башкирских народных сказок о судьбе богатыря, который был хвастлив и бессердечен.

Николаевский также работал на хронике, ставил документальные фильмы, снимался в качестве актёра и занимался озвучкой. Но, что важно, он стал одним из тех, кто стоял у истоков самобытного мультипликационного кино Свердловской киностудии, поставив три мультфильма по мотивам сказов Павла Бажова: «Медной горы хозяйка» (1975), «Малахитовая шкатулка» (1976) и «Каменный цветок» (1977). Это были первые кукольные экранизации произведений уральского писателя.

Ещё один «родитель» уральской анимации Валерий Фомин часто задействовал Олега Павловича в своих мультфильмах как актёра. Кульминацией их сотворчества стал цикл «В гостях у деда Евлампия», отмеченный Государственной премией РФ 1997 года. Николаевский читал авторский текст во всех трёх фильмах «Супостат» (1993), «Гармонь» (1994) и «Жабёнок» (1995). Отыщите их в сети, получите удовольствие.

Сегодня повод поговорить об уникальном человеке, созидателе, творце, который посвятил свою жизнь кинематографу, создал множество интереснейших работ, но остался фактически неизвестным. Заслуженный деятель искусств РСФСР Олег Павлович Николаевский (16 ноября 1922 – 8 марта 1998).

Вспоминаем мультфильм «Серая шейка» (1948), созданный Леонидом Амальриком и Владимиром Полковниковым по мотивам рассказа Дмитрия Мамина-Сибиряка. Уточка по кличке Серая шейка повредила крыло и не смогла лететь со стаей на зимовку в тёплые края. За ней тут же начала охоту Лисица, но друзья-зайцы помогли Уточке не попасться в зубы хищницы.

Один из первых анимационных шедевров послевоенного «Союзмультфильма», лирично и в то же время пронзительно воспевающий дружбу и сострадание. В отличие от первоисточника, в мультфильме нет людей, животные самостоятельно спасают Серую шейку и, более того, расправляются с Лисицей. По законам советской драматургии, иначе и быть не могло, враг должен быть наказан. В ранних советских мультфильмах зло не прогоняли, а уничтожали. Однако этот факт не помешал воспринимать «Серую шейку» как гимн гуманизму и радости жизни.

Перед художником Александром Трусовым была поставлена задача отойти от гротескового, утрированного изображения животных и максимально приблизиться к реализму. Режиссеры Леонид Амальрик и Владимир Полковников особое внимание уделили тончайшей психологической разработке характеров. Каждый из персонажей фильма – личность: Серая шейка – нежное дитя, вынужденное взрослеть в борьбе за жизнь; Заяц – отважный подросток, преданный друг; Лиса – как водится, хитрая и коварная; Глухарь – мудрый старик со своими причудами. Все они разыгрывают перед зрителями сюжет о человеческих страстях, оставаясь при этом животными, не одеваясь в людские одежды и не копируя их образ жизни.

Корифей советской анимации Иван Иванов-Вано писал в своей книге «Кадр за кадром»: «Эта картина сыграла большую роль в борьбе за реализм, правдивость мультипликации, против еще бытовавшего в те времена неоправданного трюкачества. В этом смысле «Серая шейка» - фильм классический: по режиссерскому строю, убедительной, волнующей игре рисованных персонажей, их органическому слиянию с изобразительным миром декораций и эмоционально выразительной музыкой Юрия Никольского».

Историк анимации Георгий Бородин вспоминал: «Как рассказывал Леонид Амальрик, идея экранизации Мамина-Сибиряка пришла к нему во время войны, когда он лежал в одном из тыловых госпиталей. Тогда он услышал по радио трансляцию чтения этой сказки, и сразу понял, что для мультипликации это – находка. После войны, когда Амальрик и Полковников пребывали в поисках нового сюжета (а это было довольно существенной проблемой), то Леонид Алексеевич сказал соавтору: «Знаешь «Серую Шейку»? Лучшего материала мы не найдём!». Несколько слащавые диалоги фильма («Как будто из пансиона благородных девиц», как говорил Амальрик) принадлежат перу поэта Александра Коваленко, с которым Амальрик работал ещё в начале 1930-х годов…»

«Серая шейка» с успехом прошла по экранам многих стран мира – в Великобритании, во Франции, США, Индии, Китае, Австралии. Иванов-Вано приводит в своей книге выдержку из французской газеты «Се суар» от 16 декабря 1949 года о премьере фильма в Париже в кинотеатре «Плейель»: «Гвоздем сеанса, несомненно, была история утенка, зайца и злой лисы. Эта цветная короткометражка вызвала в толпе детей, заполнивших огромный зал «Плейель», крики энтузиазма и взрывы смеха. Утки чрезвычайно выразительны. Их мать, когда она летает, - настоящая утка, но в некоторых больших планах она показана почти человеческим персонажем: она оправляет свои перья, как широкую юбку, и делает такие жесты, как толстая важная дама… наконец, сам сюжет, чрезвычайно трогательный, очень ясно, без малейшего грубого морализирования, показывает дружбу и солидарность в мире животных…»

Именно «Серая шейка» определила пути развития жанра анимации в СССР на последующие десять-пятнадцать лет.

https://rutube.ru/video/8e77c0cfac1d8eb488141f26908ddd32/?ysclid=m3he4dy80437140706

Изначально Давыдов думал именно о полнометражном фильме, но, когда решался вопрос о запуске, был выбран многосерийный формат. Драматург Леонид Белокуров выстроил пять серий-эпизодов как пять этапов взросления Маугли. Перемонтаж в полнометражный вариант произошёл только в 1973 году (до этого надо было завершить прокат пятисерийной версии, отпечатанной большим тиражом). При этом Давыдову выдвинули требование существенно сократить метраж, и он с большим огорчением вырезал из полнометражной редакции несколько очень дорогих ему эпизодов. Но зарубежный прокат фильма был невозможен – права на экранизацию принадлежали студии Диснея, и тратить на их выкуп валюту советское киноруководство не стало.

Большую роль в успехе фильма сыграла мастерски подобранная «команда» мультипликаторов: Владимир Зарубин (к концу работы ставший художником-компоновщиком), Олег Сафронов (с феноменальной энергетикой выполнивший батальные эпизоды), мультипликаторы-анималисты Борис Бутаков и Виктор Лихачёв (которого называли «королём звериных сцен»), «универсалы» Владимир Крумин, Виктор Арсентьев, Вячеслав Котёночкин, Олег Комаров и другие. Бессменным художником-исполнителем декорационной части был Пётр Коробаев, работавший по эскизам Александра Винокурова.

Музыка к фильму «Маугли» - лучшая работа в кино выдающегося композитора-авангардиста Софии Губайдулиной. Там нет продолжительных, запоминающихся мелодий, все темы и эпизоды довольно короткие, условные, обозначенные характерными звуками и ритмами. Однако при этом рождается целая сюита, состоящая из мини-шедевров: похищение Маугли, битва с собаками, великая сушь, танец Каа, встреча с девушкой, любовь в джунглях… Музыка к «Маугли» вызвала высокий интерес кинематографистов к творчеству Губайдулиной, что позволило ей буквально выжить в годы официального запрета на исполнение ее произведений в концертах, радио- и телеэфире.

Отдельно хочется упомянуть и блистательных артистов, подаривших голоса персонажам: Мария Виноградова и Лев Шабарин (Маугли), Людмила Касаткина (Багира), Степан Бубнов (Балу), Владимир Ушаков (Каа), Анатолий Папанов (Шер-Хан), Сергей Мартинсон (Табаки), Лев Любецкий (Акела), Люсьена Овчинникова (Волчица), Юрий Хржановский (Бандар-лог и Белая кобра), Клара Румянова (эпизоды) и др.

Тигр Шер-Хан – прямолинейный, тупой убийца, не воспринимающий ни законов, ни чужих мнений, ни чужих слов. За это он и погибает в конце фильма не под копытами буйволов, а от руки благородного Маугли.

Что касается самого мальчика, он из забавного «лягушонка» с огромными глазами и непослушной челкой вырастает в настоящего мужчину с мощной грудной клеткой и накачанными от постоянного бега ногами, не теряя при этом почтения к своим воспитателям, проповедуя добро и справедливость и отчаянно бросаясь на борьбу со злом в любых проявлениях. Как анимационный персонаж-человек он в своем обаянии, что редко бывает, практически не уступает острохарактерному окружению персонажей-животных.

В фильме огромное количество второстепенных героев и массовки. Кажется, авторы решили показать весь животный мир джунглей. Стаи эксцентрических обезьян скачут по деревьям, как сорванная ураганом листва; потоки серых волков и красных собак врезаются друг в друга, как бурные, неестественного цвета реки; буйволы, слоны, олени, носороги, дикобразы, птицы – для всех нашлось место в сказке о Маугли. Чувствуется, с каким вниманием и уважением художники отнеслись к каждому из них. В сценах водопоя, беспечных игр, тревожного бега очень точно воспроизведены главные анатомические особенности каждого вида животных, а также их природная, естественная пластика.
В этом заслуга режиссера фильма Романа Давыдова, лучшего анималиста «Союзмультфильма». Он прошел колоссальную школу художника-графика и скульптора Василия Ватагина, поэтому на студии в рисовании животных сравниться с ним не мог никто.

Роман Давыдов был одним из самых крупных мастеров «Союзмультфильма», оригинально и самобытно мыслящим художником, экспериментатором в области пластики мультипликационного изображения, блестящим анималистом, непревзойдённым знатоком анатомии и биомеханики четвероногих. На «Союзмультфильме» Давыдов выделялся своеобразной манерой рисования, идущей вразрез с принятыми тогда диснеевскими принципами. Его «угловатые» персонажи уже тогда контрастировали с общей студийной стилистикой, и порой даже после «обкатки» мультипликата в прорисовке это было заметно на экране. Историк анимации Георгий Бородин писал: «В его эстетике (не только в мультипликате, но и в режиссуре) значительную роль играло плакатное начало. Роман Давыдов останется в истории отечественной мультипликации и как автор многочисленных монтажно-пластических экспериментов. Его манера монтажа давала монументальный эффект «работы крупными мазками». А уже в своих режиссёрских работах он смог полностью окунуться в разнообразнейшие поиски новых пластических выразительных средств (достаточно вспомнить танец Каа в «Похищении», пробег Маугли с двумя разноскоростными панорамами в «Возвращении к людям», «эффект параллакса» в эпизоде начала охоты в «Последней охоте Акелы» и многие другие примеры). Ещё один излюбленный приём Давыдова – мизансценировка кадра с соединением выразительной статичной композиции и движущейся детали. Фактически Давыдов применял элементы «лимитированной» анимации, но, в отличие от зарубежных коллег, делал это не ради экономии, а ради большей выразительности. Как удачно этот приём работал, можно убедиться в многочисленных эпизодах цикла «Маугли», в частности – в финале пятого фильма…»

Автором большинства типажей в «Маугли» был Пётр Репкин – непревзойдённый рисовальщик «Союзмультфильма». Он владел даром так точно и безукоризненно вести контурную линию, что повторить это не мог ни один цеховой художник. Сам Репкин говорил, что персонаж должен быть сделан так хорошо, чтобы даже цеха его не смогли испортить. Лишь двух героев (по словам Романа Давыдова) придумал сам режиссёр, а Репкин лишь прорисовал – Каа и Багиру.

По стечению обстоятельств, первый фильм о Маугли вышел одновременно с «Книгой джунглей» студии Disney. Сегодня обе версии довольно часто сравнивают и критики, и зрители. Главное отличие в том, что советский вариант более приближен к оригиналу, нежели американский. Версия Диснея более легковесная, водевильная, развлекательная, насыщенная гэгами и песнями, а сам Маугли на протяжении всего фильма остается маленьким мальчиком, которые никак не может решить, кто же он на самом деле. Он одинок и отталкивает от себя тех, кто хочет стать другом. «Союзмультфильм» же сосредоточился на теме вечной борьбы со злом, взрослении и мужании главного героя, для которого на первое место выходят такие понятия как честь, долг, дружба. Вопрос формирования ценностей и характера, определяющих становление человека, проходит через весь фильм и разрешается кульминацией – пробуждением любви у Маугли и уходом человека к людям. Именно поэтому фильм звучит эмоционально очень мощно и натуралистично.

Маугли с малых лет – воин. В фильме не угасает тревожная, напряженная атмосфера; сюжет насыщен сценами битв и поединков. «Маугли» с самого начала буквально устремлен к смерти. Слова «последняя битва» звучат уже на двенадцатой минуте фильма и несколько раз варьируются на протяжении всей картины, - писал о фильме кинокритик Сергей Кузнецов. – Две серии фильма завершаются образами смерти, и образы эти – танец Каа и песня Акелы… Каа – воплощение абсолютного могущества, неспешного и вместе с тем неотвратимого. Умирающий в финале четвёртого эпизода Акела – воплощение архетипа воина, достойно встречающего смерть в бою и уходящего в поля счастливой охоты… Иными словами, авторы сказали нам, что детство кончается, когда ты узнаешь, что смерть существует, а юность – когда умирает близкий тебе человек. Если угодно – когда понимаешь, что ты сам умрёшь…» (Сергей Кузнецов «Уйти из джунглей», журнал «Искусство кино», 2004, № 3).

«Мы с тобой одной крови!» - говорят при встрече животные, если не собираются нападать друг на друга, и этот «кровавый» пароль звучит на протяжении всей истории как клятва. Нарушившему – смерть.

Медведь Балу – старый учитель всех волков, сильный, добрый, сентиментальный, но все еще готовый сразиться с сотней-другой обезьян или собак.

Пантера Багира – в отличии от киплинговского мужского персонажа, очаровательная женщина, опасная, как все кошки, с вечной ухмылкой и огнем в глазах. Ее пластика и голос – отдельное достоинство фильма. Она не спрыгивает с дерева, а перетекает, как гигантская черная капля, а затем стремительно выпрямляется и улетает прочь, как стрела. Ее речь неспешная и убаюкивающая, и невозможно понять, что она предвещает – ласку или убийство. Удивительно, что это едва ли не единственная работа в анимации большой актрисы театра и кино Людмилы Касаткиной.

Удав Каа – самый мудрый, но при этом самый страшный персонаж фильма. Его появление на экране вызывает оторопь у каждого зрителя, независимо от его пола и возраста. Критик Сергей Кузнецов называет его самым ярким образом смерти в мировой анимации. Его танец перед бандерлогами под музыку Софии Губайдулиной действует гипнотически по обе стороны экрана. Съедение полчища обезьян, которое, к счастью, в фильме не показано – довольно жестокая месть за похищение «человеческого дитеныша» и довольно странный поступок для положительного героя, но таков «закон джунглей», по решению авторов фильма. Еще одна отличительная черта удава Каа – его речь. Разговаривает он как бы на выдохе, даже не шепотом, а выдыхаемым воздухом, еле слышно и очень медленно.
Вообще, почти все герои «Маугли» динамичны в своих движениях, но крайне неторопливы в своих речах. Видимо тем самым животные подчеркивают, что каждое их слово – на вес золота, и это надо ценить.

Вспоминая «Маугли» Романа Давыдова… Фильм вышел в пяти частях: «РАКША» (1967), «ПОХИЩЕНИЕ» (1968), «ПОСЛЕДНЯЯ ОХОТА АКЕЛЫ» (1969), «БИТВА» (1970), «ВОЗВРАЩЕНИЕ К ЛЮДЯМ» (1971). В 1973 году части были смонтированы в единый полнометражный фильм.

Сегодня смотрим мультфильм «Волшебное кольцо» в честь дня рождения художницы Веры Дмитриевны Кудрявцевой-Енгалычевой. Она постоянный соавтор, партнёр и муза всей жизни режиссёра Леонида Викторовича Носырева. Они давно единое целое.

О Леониде Носыреве узнали после маленького сюжета-песенки «Антошка» в самом первом выпуске альманаха «Веселая карусель». «Дили-дили, трали-вали!» - появился рыжий, конопатый, загорелый мальчишка в трусиках, настоящий символ солнца, олицетворение свободы.

«Это совпадало с моим мироощущением, - вспоминает Леонид Викторович. – Хотя я внешне не поход на своего героя, сам я какой-то угрюмый. Но в детстве я любил клоунов, цирк. И мультипликация – это скоморошья представление, всегда необычное, парадоксальное, смешное».

Леонид Носырев с юности увлекался рисованием, он окончил школу миниатюрной живописи в знаменитом Федоскино. Но и представить себе не мог, что когда-нибудь окажется на «Союзмультфильме». Окончив курсы художников-аниматоров, он участвовал в создании многих прекрасных кинолент. А затем группа молодых аниматоров решила заняться режиссурой. В 1969 году они создали киножурнал «Весёлая карусель». Визитной карточкой режиссёра Носырева на долгие годы стал «Антошка». Ему везло. Ни одного фильма он не сделал по приказу, по заказу, выполнял только свои идеи. Так появились «Рыжий, рыжий, конопатый», «Два веселых гуся», «Хомяк-ворчун»… Не у всех сюжетов находились поклонники. Будущая жена Леонида Носырева — художник Вера Кудрявцева — была, мягко говоря, не в восторге от этих фильмов. Позже она вспоминала:

«Мне все говорили: «Ты что, пойдёшь работать на студию, которая снимает такие мультфильмы, где дедушку можно убить лопатой?» Когда я увидела « Хомяка-молчуна», он мне показался грубоватым и однообразным. Во ВГИКе нас обучали красивым эскизам, а здесь какие-то скучные рыженькие типажики…»

Стилистика мультфильмов Леонида Носырева поменялась, когда он начал работать с Верой Кудрявцевой-Енгалычевой. Об этом он рассказывает так:

«Я заметил прекрасную женщину. Когда мы поженились, я сделал первую большую работу – полноценный фильм «Вершки и корешки». В кино полноправно вошла Вера Дмитриевна. И все дальнейшие наши работы – и «Дождь», и «Жил у бабушки козёл», и наиболее ценимое «Волшебное кольцо» - везде её стиль художника, тонкий, точный, не похожий на других. Художник должен узнаваться по своему стилю, отношению, пониманию…»

«Все режиссеры – есть режиссеры, - комментирует Вера Дмитриевна. – Надо бороться, чтобы они не сели тебе на голову. Мы совместно работаем, каждый занимается своим. Я часто не читаю сценарий. Я знаю, что делать. И бывает, что сценарий прочту, когда фильм закончен».

Директор «Союзмультфильма» Михаил Вальков запрещал семейственность на студии. Если оказывались вместе муж и жена, он требовал, чтобы они работали в разных группах. С Носыревыми Вальков справиться не смог, хотя часто вызывал Кудрявцеву к себе в кабинет, ругал, угрожал выговором. Но они работали вместе. Режиссер Леонид Носырев и художник Вера Кудрявцева-Енгалычева взялись за новую, любимую тему – экранизацию русских, северных сказок. О причинах Леонид Викторович рассказывает так:

«Как-то я купил в букинистическом магазине книгу Бориса Шергина «Океан – море русское». Тогда я не знал этого автора. Книга меня увлекла. Север – хранилище русской культуры. Мои экспедиции, знакомство с людьми, крестьянским искусством, конечно, отразились в моих работах. «Волшебное кольцо» стало моей новой визитной карточкой. Сценарий нам всё время заворачивали, говорили: «Народ это не поймет». Мы старались сохранить северный диалект, свежий язык, в отличие от штампов, которые и в те времена, и всегда присутствуют в языке. Многие фразы остались на слуху. «Жалко мне, Маха, пинжака с карманами, Ванька в нем такой красивый!» А какие великолепные актеры записались! Поистине народный артист, гениальный Евгений Павлович Леонов прочел текст от лица сказочника…»

https://rutube.ru/video/7aed49200283ca44fb4e6f9280f5d894/?ysclid=m2by6sg60979070375

Вспомнили волшебников нашего детства вместе с Сергеем Капковым, а Николай Александров представил сборник рассказов Александра Соболева «Сонет с неправильной рифмовкой». Смотрите и слушайте «Книжное казино»!

https://www.youtube.com/live/shuD05mpAZc?si=B9CFTpPS9958Eo_R

Пообщался с коллегами в прямом эфире, рассказал о книге.

Рубрика «Неизвестная анимация».
В связи с тем, что youtube теперь доступен не везде, решил сослаться на телеграм-канал «Союзмультфильм», где сегодня появилась лента Владимира Попова «От двух до пяти» (1983).

Это дань уважения великому Корнею Чуковскому и его книге «От двух до пяти». Известно, что Николай Корнейчуков был не только прекрасным сочинителем детских сказок и стихов, но и критиком, переводчиком, культурологом и литературоведом. Он первым стал писать для малышей и изучать их образ жизни, психологию, язык. Он первым начал продвигать в массы мысль, что дети – тоже люди, и с ними надо разговаривать, к ним надо прислушиваться. Дети – не трава, которая может расти сама по себе.

Первое издание книги вышло в 1928 году. Чуковский обратился к читателям с просьбой поделиться своими наблюдениями за детским языком. С той поры в течение сорока лет письма от родителей, учителей, воспитателей шли мешками. Дополненное издание книги вышло через пять лет и принесло автору всенародную любовь, потому что никто до Чуковского не пытался поговорить с родителями о детях серьёзно, искренне и в то же время «без идеологической трескотни». Но следующий тираж уже был задержан. С 1939 по 1955-й книга «От двух до пяти» находилась под негласным запретом и не выходила, поскольку в ней «с уважением» упоминались репрессированные поэты, писатели и чиновники от образования. Более того, оппоненты Чуковского утверждали, что советским детям не нужны сказки, которые восхваляет автор. «Современному читателю нужны не «Мюнхгаузены» и «излизанная всеми экзотика безобидных зверей и насекомых», а истории про Чапаева, Щорса, Котовского и других героев…»

К счастью, в дальнейшем «От двух до пяти» переиздавалась более 20 раз и продолжает пользоваться успехом до сих пор. Оценивая труд Чуковского, исследователи пришли к выводу, что его изыскания в области детского словообразования являются серьёзным вкладом в русскую лингвистику. Автор показал, какую роль в речи малышей играет приставка (выпузырить, распакетить), насколько свободно ребёнок отделяет её от корня (я вежа, я чаянно), в чём своеобразие использования им неправильных глаголов (воевает, сплим). Малыш развивается, находится в постоянном движении, его отличают любознательность и открытость миру. Фильм заканчивается словами Корнея Ивановича: «Страшно подумать, какое огромное множество грамматических форм сыплется на бедную детскую голову. Поистине ребенок есть величайший умственный труженик нашей планеты, который, к счастью, даже не подозревает об этом…»

В 1970-е годы на «Союзмультфильме» экспериментировали особенно много. Режиссеры искали новые формы, стили, жанры, художественные приёмы, делали попытки возродить документальную анимацию, которую успешно реализовал еще в 1920-е годы Дзига Вертов. Один из самых известных и популярных «союзмультфильмовцев» Владимир Попов после успеха картин «Трое из Простоквашино» и «Каникулы в Простоквашино» тоже решил немного поэкспериментировать – обратиться к голосу Корнея Чуковского и его бестселлеру, который в начале 1980-х переживал новый виток славы. Он пригласил в качестве постановщика своего уже постоянного художника Аркадия Шера, использовал фотографии и рисунки Ю.Анненкова, С.Чехонина, В.Конашевича, Н.Радлова, Кукрыниксов, записал голоса детей. Получилось довольно любопытная вещица, но поскольку студийная планка была поднята высоко, и ещё создавали свои шедевры выдающийся мастера советской анимации, фильм «От двух до пяти» был признан неудачей и фактически нигде не показывался. Попов, чтобы реабилитироваться, приступил к съёмкам «Зимы в Простоквашино», и об экранизации Чуковского предпочёл больше не вспоминать.

На мой взгляд, если бы кто-то сделал этот фильм в 2024 году, его посчитали бы вполне удачным.

От двух до пяти (1983)

👉Союзmультфильm📺Подписаться

Сергей Капков успел в этом году не только выпустить книгу «Легенды студии "Союзмультфильм"», но и создать фильм «Мастера дуракаваляния» о профессии актёров озвучания в отечественной анимации. Вот явно человек не валят дурака, потрясающая работоспособность в довольно непростом контексте!

Сергей давно живёт именами актёров, их голосами, а также музыкой к мультипликации. Чувствуется, что этот фильм является погружением в любимую тему, ностальгией по ушедшему прошлому, тихой радостью от соприкосновения с продолжателями дела озвучивания.

Сергей Капков: «Конечно, актёр - это рабочий инструмент режиссёра, но с одним очень важным отличием: это одушевлённый инструмент. А в мультипликации — ещё и с особенностями голоса, со способностью играть голосом и, обязательно, с отменным чувством юмора. В общем, это мастер дуракаваляния!»

Лариса Брохман, актриса озвучания: Вы знаете, без дуракаваляния и без хулиганства вообще ничего не получится. Нужно уметь валять дурака и хулиганить, но делать это по-настоящему, от души, искренне».

В фильме Сергей задаётся вопросом, который и меня довольно часто беспокоит: «Сегодня продюсеры пытаются заполучить медийную персону в свои фильмы. Почему-то считается, что громкая фамилия повысит качество и привлечёт зрителя. А зритель приходит в зал, и голос не попадает ни в персонажа, ни в сердце зрителя, Реплики не запоминаются».

Пока фильм добирается до фестивалей и зрителей, советую обратить внимание на одноимённый с фильмом давний текст Сергея Капкова из журнала «Киноведческие записки», изданный в 2006 году и посвящённый артистам в анимации, а также снабжённый цитатами Фёдора Хитрука, Ивана Уфимцева, Леонида Шварцмана, Ланы Азарх, Марии Виноградовой, Олега Табакова...

В этом тексте Ларисе Брохман вторит Всеволод Ларионов: «Дуракаваляние — это замечательная форма работы. Но дуракаваляние не ради дуракаваляния, а ради дела. За этим занятием бог весть куда тебя занесет, к самым прекрасным берегам! Обязательно! ... Я бы даже с удовольствием предмет в институте ввел— "Творческое дуракаваляние"».

В фильме Серёжи Капкова цитируется советская телепередача 1983 года «Музыка и мультипликация», в которой аниматоры, артисты и композиторы рассказывают об акустической стороне анимации. Она доступна в интернете, и всем ностальгирующим по советскому мультфильму рекомендую её к просмотру.

И, конечно, подписывайтесь на ТГ-канал Сергея, в котором он регулярно публикует фрагменты многочисленных интервью с создателями отечественной анимации.

Друзья, простите, что в последнее время редко пишу. Очень много забот навалилось, разгребаю! Вот об одной из моих работ написал Павел Шведов в своём замечательном и познавательном телеграм-канале. Спасибо, Паша!

«…Эта работа доставила мне чрезвычайное удовольствие! – вспоминала Марина Константиновна, - Тот кусок, который мне давал Степанцев, был сорок метров – это колоссальный метраж! Выход Маши с метлой в зал, где стоит наряженная елка. Маша должна была подметать пол и начинать танцевать. Степанцев считал, что нужно танцевать сразу, а я распределила музыку Чайковского («Русский танец») так, что первые четырнадцать метров Маша только подметает пол. И когда я принесла свою разработку Степанцеву, он немножко удивился и даже ужаснулся, не слишком ли это долго. Но когда посмотрели сцену на экране в малом просмотровом зале, черновую пробу, оказалось, все так легко, хорошо легло на музыку, что претензий никаких не было…»

В пятилетнем возрасте Марина впервые увидела мультфильмы, это были шедевры Уолта Диснея. Это был 1939 год. Перед началом сеанса в кинотеатре шёл концерт. «Какой-то мальчик лет семи, в красной рубашке, подпоясанный золотым кушачком, танцевал. Что он танцевал? Очевидно, русскую пляску. И я даже не знаю, что сильнее на меня подействовало – Дисней или этот мальчик…»

Танцы и мультипликация – две страсти, которые остались с художницей навсегда. Поскольку из-за бронхиальной астмы она была освобождена от всех физических нагрузок, Марина поступила в Студию гармонической гимнастики к Людмиле Алексеевой, где занималась с 1955 года, а с 1980-го стала сама преподавать её в Студии при Московском Доме учёных. А параллельно – «танцевать» в мультфильмах.

«…Далеко не все фильмы были музыкальными, часто приходилось играть реплики персонажей, - рассказывала Марина Константиновна. - Мне бы хотелось сказать про «Льва с седой бородой». Там я «пела» арию Каварадосси. Записывался сам Тонино Гуэрра, автор сценария. Старый циркач сидит перед зеркалом, гримируется перед выходом на арену и, видя отражение своего льва, сзади сидящего, он переживает… Переживает, потому что должен расстаться со львом. Он стал стар, с седой бородой. И циркач поет арию Каварадосси. Это было очень интересно делать…»

Марина Восканьянц была дамой строгой, даже жёсткой в своих оценках, в общении. Помню, когда я в начале своей деятельности посчитал, что знаю об анимации всё, и написал несколько наивных статей, именно Марина Константиновна «врезала» мне по полной от лица сообщества. Другие постеснялись меня поправить. Я был раздавлен, но благодарен, поскольку понял, что любимый предмет надо изучить досконально, прежде чем выходить в публичное поле и строить из себя специалиста…

Марина Константиновна Восканьянц прожила долгую жизнь, стала заслуженным художником РФ, получила почетный приз Суздальского фестиваля за вклад в профессию, воспитала прекрасную дочь Таню Подгорскую, которая пошла по маминым стопам. И стала легендой. Светлая память…

Сегодня ночью ушла ещё одна легенда «Союзмультфильма», потрясающий художник-аниматор Марина Константиновна Восканьянц. Её имя значится в титрах любимых лент: «Большие неприятности», «Три толстяка», «Дюймовочка», «Сказка о золотом петушке», «Фильм, фильм, фильм», «Бременские музыканты», «В стране невыученных уроков», «Конек-Горбунок», «Голубой щенок», «Трое из Простоквашино», «Волшебное кольцо», «Тайна третьей планеты», «Жил-был пес» и так далее, и так далее, вплоть до последних фильмов Лёши Туркуса. Марина Восканьянц специализировалась преимущественно на танцевальных сценах. Её «визитка» - гениальный танец Маши с метлой вокруг новогодней ёлки в картине Бориса Степанцева «Щелкунчик».

1 октября в 19:00 в книжном магазине «Москва» (ул. Тверская, д. 8 к. 1) состоится презентация моей книги «Легенды студии «Союзмультфильм», в которой, помимо автора, примут участие сценарист Михаил Липскеров и режиссёр Алексей Котёночкин. Книга только что вышла в издательстве «Бослен» и начала продаваться онлайн и в маркетах.
В сборник вошло 35 авторских интервью с создателями шедевров советской мультипликации — художниками, режиссерами, актерами озвучания, среди которых Леонид Шварцман («Чебурашка», «Котенок по имени Гав»), Федор Хитрук («Винни-Пух», «Фильм, фильм, фильм»), Вячеслав Котёночкин («Ну, погоди!»), Эдуард Назаров («Жил-был пёс»), Юрий Энтин («Бременские музыканты», «Голубой щенок»), Олег Табаков («Трое из Простоквашино»), Михаил Липскеров («Самый маленький гном», «Волк и телёнок») и др.
На встречу необходима предварительная регистрация, поскольку количество мест ограничено:
https://www.moscowbooks.ru/news/10985/

Однако такой ход подсказал и совершенно иной финал, нежели в первоисточнике. Из-за того, что Царевна никак себя не проявляет по ходу сюжета, а Фэт-Фрумос ходит с постной физиономией, Черногоров решил передать инициативу в её руки. Червяка, в котором заточена сила Получеловека, изначально должен был съесть Голубь. Но в фильме Царевна ловит яблоко и сама давит ногой червяка. Феминисткам на радость.

«Мы долго не могли решить гэг с Голубем, - вспоминает режиссёр. – В сказке герой встречает Святую троицу в образе женщины, она посылает птиц найти смерть Получеловека, и только Голубь возвращается с нужной информацией. Мы решили не касаться религии, а сделать что-то совершенно неожиданное, выносящее мозг, когда через Голубя общается сверхсущество, кристалл. Мистическая сила – это не икона, а что-то необъяснимое, непонятное. И вот такую трёхмерную абстракцию мы внедрили в двухмерное кино…»

А завершает фильм, на радость зрителям, классический молдавский танец. Черногоров предложил аниматорам в виде референса балет Игоря Моисеева. Там в молдавском эпизоде танцевали и пухленький мужчина (вылитый Царь), и два дядьки (стражники), и герой с героиней – один в один персонажи мультфильма. Так что аниматоры фактически скопировали первоисточник, и получилось весело.

«Базилик Фэт-Фрумос» имеет успех как у детской, так и у молодёжной публики. В 2022 году получил главный приз Национальной анимационной премии «Икар» за лучший короткометражный фильм и приз от Большого фестиваля мультфильмов в Москве.

https://www.youtube.com/watch?v=28wWPz7LgRQ

Сегодня в кинозале – мультфильм «Базилик Фэт-Фрумос и царская дочь» (2021). Это работа студии «Пилот» в рамках цикла «Гора самоцветов».

Согласно Википедии, Фэт-Фрумос (от румынского Făt-Frumos — витязь, молодец; от făt — юноша, и frumos — красивый, прекрасный) — персонаж румынского и молдавского фольклора, обладающий всеми необходимыми герою качествами: смелостью, справедливостью, физической и духовной силой, умом и непоколебимой любовью. Иногда этого героя также называют Базиликом. Во многих сказках целью Фэт-Фрумоса является спасение красавицы Иляны Косынзяны. Он сражается с чудовищами — змеем, балауром, путешествует по нашему миру и миру духов.

Режиссёр мультфильма Александр Черногоров вспоминает: «У меня в детстве была книга «Румынские сказки», которую я очень любил. Когда Сергей Меринов предложил мне экранизировать что-нибудь для «Горы самоцветов», я вспомнил этого героя. Перечитал сказку и удивился, каким интересным языком она рассказана, какие безумные приключения описаны. Даже подумал, что это современная версия. Начал искать более ранние, и понял, что сказка изначально и была такой яркой, будто просилась в анимацию. Поэтому сценарий получился довольно быстро, и работа закипела».

Костяк команды режиссёра Черногорова – это, помимо него, пять человек: ведущий аниматор Илья Шекиладзе, художник-постановщик Егор Афонин, композер Павел Борисов, звукорежиссёр Александр Маслюк и композитор Юрий Севастьянов. Часть команды уже работала над сюжетом «Джек-простак» по английской сказке для «Союзмультфильма» и клипами «Ленинграда», «Глюк'oZы» и др. Поначалу работа шла быстро. Долго искали визуальный образ отрицательного героя – Получеловека. В итоге Черногоров предложил референс – анатомическую модель человека в разрезе, со всеми основными внутренними органами. Благодаря этому, персонаж приобрел условный бэкграунд: будто он алхимик, пытавшийся получить сверхсилу, а в результате потерял часть себя.

Позднее создателям фильма приходилось сталкиваться с намёками на плагиат, подражание «Гравити Фолз» или «Хильде». Александр это отрицает и делится «наболевшим»: «Изначально «Базилик» задумывался трёхмерным, мы хотели делать персонажей будто пластилиновыми – пучеглазыми дурачками. Но когда мы проанализировали бюджет, то в последний момент решили работать в 2D. Однако дизайн героев создавали исходя из первоначальной задачи, стилизовали их под пластилиново-резиновый вертеп. В итоге потратили на фильм три года, на последнем этапе занимались им в свободное от основной работы время…»

Группа Александра Черногорова не скрывает, чем вдохновляется. В «Базилике Фэт-Фрумосе» есть отсылки к «Рикки-тикки-тави» и «Василисе Микулишне», «Сейлор Мун» и заставкам от французской школы Gobelins. Основной референс – игровые фильмы о Конане со Шварценеггером, который тупо идёт вперёд и не выражает никаких эмоций. Такой подход породил множество гэгов. Например эпизод, когда Базилик появляется в кадре со змеёй на подбородке и с топорами в плечах, и всем становится ясно, что он «преодолел множество испытаний». Отсюда, кстати, и приглашение мастера дубляжа Александра Груздева озвучить эту пародию на эпическое кино.

В среду 18 сентября в 19:30 буду рассказывать историю цикла "Ну, погоди!" и включать саундтреки в идеальном качестве в салоне аудиотехники "Меломан" (улица Сарьяна д 3/1). Это уютный клуб любителей музыки, где каждую неделю проходят тематические камерные вечера. Ну а поскольку я с некоторых пор стал "специалистом по киномузыке", то решил поделиться интересными историями, связанными с самыми популярными советскими мультгероями и мелодиями, под которые они танцуют, бегают и занимаются чёрт знает чем. Количество мест ограничено. Вход свободный.

Сегодня 53 года исполнилось замечательному режиссеру и потрясающему художнику Александру Храмцову. Он известен как популярный иллюстратор книг, но, в первую очередь, он мастер современной анимации. В 1995 году Саша окончил Высшие курсы сценаристов и режиссёров, защитившись дипломной короткометражкой "Фердинанд VIII" о трогательном пациенте дурдома. Затем участвовал в создании полнометражных мультфильмов «Белка и Стрелка. Лунные приключения», «Крякнутые каникулы», «Нос, или Заговор не таких» и «Кощей. Похититель невест». За работу с Георгием Данелия над картиной «Ку! Кин-дза-дза» получил премию Правительства.

Для меня Саша Храмцов, прежде всего, друг и коллега по созданию Национальной анимационной премии «Икар», логотип которой он нарисовал в 2015 году и с тех пор ежегодно создаёт визуальную концепцию каждой церемонии, курирует студентов, снимающих эксцентричные ролики для номинаций.

В прошлом году Храмцов как режиссёр снял блистательный мультфильм «Ручей, бегущий в горы», за который получил призы Суздальского и Выборгского кинофестивалей.

Сегодня в честь дня рождения мастера хочу показать ленту «Товарищ со звёзд» (2017), совершенно неожиданную и не типичную для анимации. Её снял режиссер Андрей Соколов, ученик Александра Татарского и Эдуарда Назарова. Соколов всю жизнь снимает «народное кино», доступное всем от мала до велика. «Товарищ со звезд» рассчитан на людей постарше, которые знают советскую историю и помнят как эстетику кино о 1920-х годах, так и киновселенную «Звёздных войн». Андрей выбрал в единомышленники художника-постановщика Александра Храмцова, и вот что получилось…

https://www.youtube.com/watch?v=7WLmyz7DhD0

Паперный сыграл несметное количество ролей в самых разных пьесах и жанрах, участвовал в постановках Романа Виктюка «Священные чудовища» и «Дама без камелий», снимался в кино, преподавал актёрское мастерство в Национальном университете культуры и искусств, стал народным артистом Украины.

В мультипликацию молодого Паперного привёл Давид Черкасский, дал ему роль мещанина Пахомова в фильме «Какого рожна хочется?» Затем были мультфильмы «Дело поручается детективу Тедди» (детектив Тедди), «Кто получит ананас?» (Слонёнок), «Ссора» (бегемот), «Пирог со смеяникой» (мэр Смехограда), «Алиса в стране чудес» (Валет), «Алиса в Зазеркалье» (Чёрный Рыцарь), «Доктор Айболит» (Одноглазый, Гиппопотам, Медведь, Черный пес), «Возвращайся, Капитошка!» (Ворона) и др.

В «Приключения капитана Врунгеля» того же Черкасского Евгений Паперный не вылезал из тон-студии. Изначально он озвучивал Лома, но затем взял на себя Бандито, а потом сыграл ещё массу эпизодов: директора зоопарка, репортёра, матроса с почтового парохода и др. До комедии «Формула любви» советские зрители пели каждому заезжему итальянцу: «Мы бандито-гангстерито, мы кастето-пистолето…» В ответ итальянцы смотрели круглыми глазами и недоумевали: вроде бы и по‑итальянски, и вместе с тем ничего не понятно. Для Евгения Паперного спеть эту песню в любом доме, где есть дети и где ему приходилось бывать, стало своего рода трудовой повинностью. «В свое время обе мои дочери смотрели эти мультики, а сейчас внучка растет на них. В школе они гордились тем, что они — дети доктора Ливси и Джулико Бандито», - рассказывал артист в интервью.

Доктор Ливси – пожалуй, главный персонаж в творчестве Паперного. Оптимист, балагур и вообще славный малый, совершенно не похожий на литературного героя. В книге он серьезен, расчетлив и курит трубку, в то время как анимационный Ливси – убежденный зожник и противник курения. Его прототипом доктора, по словам актера, стал сценарист Леонид Слуцкий. Паперный изобразил его Черкасскому и получил одобрение.

Что интересно, несколько лет назад доктор Ливси начал набирать фанбазу в сети, причем даже не сам Ливси, а его инфернальная фотография в досье. Какой-то неизвестный мемодел обратил внимание на эту фотографию и придумал темное альтер-эго доктора – Темного Ливси. Отныне это любимый персонаж интернет-шутников: его называют «Оно» и слагают про него мемы и легенды. Постепенно он приобрел популярность сначала в русскоязычных соцсетях, а потом на Западе.

В жизни Евгений Паперный – человек общительный, весёлый, компанейский. Последний игровой фильм с его участием вышел в 2021 году…

День рождения артиста Евгения Васильевича Паперного, озвучившего доктора Ливси в «Острове сокровищ», и спевшего хит на все времена «Мы бандито-гангстерито» в «Приключениях капитана Врунгеля».
Родом Евгений Паперный из Свердловской области. С мечтой об актёрской карьере он приехал в Москву, но провалил экзамены во ВГИК. Зато на следующий год поступил в Щукинское театральное училище. В 1972 году по распределению оказался в Киевском театре имени Леси Украинки, где прослужил 20 лет.