Мульти-Шмульти

Мартынов был не просто композитором, но ещё и экспериментатором, музыковедом и даже философом. В молодости он активно осваивал синтезаторы в студии Эдуарда Артемьева (одного из пионеров советской электронной музыки), сочинял и записывал музыку — в том числе и для кино. Саундтрек «Шкатулки с секретом» стал одной из самых доступных и запомнившихся работ в карьере композитора. Литературной основой мультфильма стала сказка «Городок в табакерке», написанная Владимиром Одоевским ещё в 1834 году. Однако Угаров не только наделил сказку новой эстетикой, но и вложил в неё совершенно иную мысль. Современные критики считают, что Одоевский, который был свидетелем того, как провалился переворот его друзей-декабристов, закладывал в свою сказку, как бы сейчас сказали, «охранительную» идею. Мол, механизм табакерки — это метафора общества, где все детали тоже взаимосвязаны. И стоит мальчику Мише нечаянно сломать главную деталь — «царевну-пружину», как гармония рушится.

Угаров же превратил нравоучительную сказку в музыкальную фантасмагорию, настоящую «ярмарку тщеславия», на которой все детали шкатулки убеждены, что именно они — самые главные и неповторимые. А гармонию разрушает не мальчик, а некий джокер, которого никто не принимает всерьёз. Он, действительно, не играет в механизме никакой важной роли, но зато знает «секрет», как его сломать. Что с успехом и делает. Выводы из подобного посыла можно сделать самые разные, для того и создаются художественные произведения.

Сценарий мультфильма разработал кинодраматург Евгений Агранович, а тексты песен сочинил Александр Иванов — тот самый поэт-пародист, который долгие годы вёл главную юмористическую программу страны «Вокруг смеха». Что касается саундтрека, то он, по сути, состоит из трёх композиций. Две из них, обрамляющие сценарий, повторяют одну и ту же мелодию. Также они сознательно написаны «белым стихОм», отражающим разговорную речь мальчика и отца. Центральная композиция, где поют детали шкатулки, более разнообразная и сложная — с явным влиянием модного тогда прогрессивного рока. Среди исполнителей песен можно встретить таких знаменитых певцов, как Геннадий Трофимов и Елена Камбурова. Даже сам Владимир Мартынов там упоминается, надо бы выяснить, за кого он там спел.

Помню, Угаров рассказывал, что он, будучи архитектором по образованию, в помощь художникам чертил внутренне устройство этой шкатулки. А Зуйков стилизовал его разработки под более интересное изобразительное решение, потому что у Валеры графика была, действительно, немножко инженерной.

https://www.youtube.com/watch?v=LKSnyJK4pmg

Смотрим легендарную «Шкатулку с секретом» Валерия Угарова.

70-е годы ознаменовались приходом в советскую мультипликацию молодого поколения композиторов, ставших со временем ведущими песенниками страны, обогатившими отечественный кинематограф настоящими шлягерами. Это Г.Гладков, В.Шаинский, А.Рыбников, М.Минков, Е.Крылатов, А.Зацепин, И.Цветков, Е.Птичкин, Б.Савельев, М.Дунаевский. Анимация запела. Многие песни после премьер становились «народными», их разучивали в школах и пионерских лагерях, пели на эстрадных концертах, а сегодня с удовольствием заказывают в караоке-клубах. Появился новый жанр – анимационный мюзикл, самыми яркими примерами которого являются «Бременские музыканты», «Волк и семеро козлят на новый лад», «Голубой щенок», «Летучий корабль», «Очень синяя борода». В те же годы в анимацию пришли и такие «сложные» композиторы, как А.Шнитке, С.Губайдулина, Э.Артемьев, Ш.Каллош, В.Мартынов. В поисках новых форм и жанров мультипликаторы начали экспериментировать и с графикой, и с объемом, и с драматургией, и с музыкой. Очень осторожно ступали на территорию артхауса.

Колоссальное впечатление на творцов всего мира произвел англо-американский полнометражный мультфильм «Желтая подводная лодка» (1968) с песнями группы «Битлз», где как раз очень много новаторства – особенно для советских художников. У нас ТАК никто не делал. Художник-постановщик «Шкатулки с секретом» Владимир Зуйков говорил, что его британские коллеги придумали стиль «ар-нуво», смесь модерна с поп-артом. И Зуйкову, и Угарову такой стиль очень нравился. Он вообще пришелся по душе всему миру. Психоделика, погруженная в мюзик-холльную эстетику рубежа XIX-XX веков. Этот фильм назвали Большим Взрывом поп-культуры, чьи следы видны повсюду, начиная, прежде всего, с самой Великобритании, с «Летающего цирка Монти Пайтона», а далее – вся современная анимация. «Симпсоны», «Футурама», «Южный парк», «История игрушек», «Шрек». Все авторы утверждают, что пришли в анимацию не без влияния «Желтой подводной лодки». Такое кино может появиться только как следствие веры в художников, которым разрешают делать свою работу. Ведь когда фильм снимался, продюсеры о нем говорили: «Я понятия не имею, что делают эти хиппи в Сохо, но на этом есть название «Битлз», поэтому я полагаю, что мы заработаем денег». Собственно, ни сами Битлы понятия не имели, какое кино рождается, а потому не проявляли интереса к нему, ни сама компания-производитель не подозревала, что ей досталось. Никто не вмешивался, и получился шедевр.

В СССР наиболее откровенно эстетика «Лодки» проявилась в работах Валерия Угарова. Сначала он снял для 5-го выпуска «Весёлой карусели» сюжет «Не про тебя ли этот фильм», где появился персонаж с разноцветными радужными волосами, а спустя три года он перекочует в «Шкатулку с секретом», вместе с необычной музыкой Владимира Мартынова.

Всех тех, имена которых на страшной скорости пролистываются перед титром «Конец».
Как здорово, что Сережа Капков постарался сделать их видимыми. Помог нам услышать их голоса, и заново оценить  прекрасный труд, который и превращает ремесло в искусство.

О важности рецензий. Это как витамин, стимулирующий работать дальше. Автору необходимо понимать, что же получилось. Спасибо Ларисе Малюковой за такую статью.

❗️🤏Щас спою
 
   Хорошую книжку написал мой коллега Сергей Капков, шеф-редактор киностудии «Союзмультфильм», Называется «Легенды студии «Союзмультфильм».
 
О тех, кто создавали шедевры и просто хорошие мультфильмы (что тоже непросто). Картины, на которых взросло не одно поколение. Картины, которые до сих пор кормят и поят и «Союзмультфильм»,  и наше игровое кино (от «Чебурашки» до «Летучего корабля» и «Домовенка Кузи»).
Здесь захватывающие истории о том, как рождались на свет Винни-Пух, Карлсон, Волк и Заяц, Бременские (те самые, а не игровые, ставшие кассовым хитом), Чебурашка, Чиполлино.
          В чем их секрет? Как создавались и менялись их образы, характеры?  
          Как создавались целые миры их обитания – чудесные в своей подлинности.
Это не киноведение в прямом смысле слова. На протяжении многих лет Сережа собирает огромную коллекцию из историй, монологов и бесед с аниматорами разных поколений. Он умеет слушать. Сохраняет интонацию.  И поэтому в этой книжке нет формальных текстов. Поэтому рассказы о Золотом веке советской мультипликации разворачиваются в пространстве от профессиональных секретов, вроде эклера – до баек и розыгрышей, которыми славился «Союзмультфильм». Более того, думаю, эта атмосфера радости, увлеченности мультипликацией, разбитного вольнодумства, каторжного труда и бражничества  и были той почвой, на которой произрастали фильмы на все времена. Персонажи с неразгаданным национальным кодом.
       Жена русского Диснея, гения движения Бориса Дежкина («Шайбу! Шайбу!», «Чиполлино») рассказывает, что он рисовал дни и ночи. Если его посылали за хлебом и бутылкой молока, немедленно появлялись рисунки.  Он переносил на бумагу любое движение природы: как течет река, шелестят листья, порхает бабочка, распускаются цветы. Это какое-то особое «одушевленное зрение».
А мультипликатор Виолетта Колесникова вспоминает, как она и Мария Мотрук (жена Федора Хитрука) придумали неправильную походку Винни-Пуху. Она вообще в основном разыгрывала Винни-Пуха и Ослика. А прототипом для Винни-Пуха – «поэта и лентяя» стал потрепанный мишка с примятым ухом из детства замечательного художника Владимира Зуйкова.  
От Эдуарда Назарова узнаем, что лучший российский мультфильм (по версии опроса профессионалов) «Жил-был Пес» родился из «телеграфной» украинской сказки в 15 строк и фразы «Сейчас спою», превратившейся в мем «Щас спою».
Художник-постановщик Виктор Никитин открывает секрет, как  создавалась Шамаханская царица в «Сказке о Золотом Петушке, она была символом разрушительной силы красоты.  Сначала он рисовал ее обнаженной, чтобы мультипликаторам было ясно, как ее двигать. А уж потом ее «условно», я бы сказала, минималистично,  одели, но так, чтобы от нее было не оторвать глаз. А гениальный мультиликатор Марина Восканьянц  гениально сделала сцену танца Шамаханской царицы с влюбленным в нее Додоном.  
Котеночкин поначалу намеревался на роль Волка позвать Высоцкого, он бы и пел свои хриплым голосом.  Но руководство замахало руками и ногами: «Даже не думай!  На пленуме ЦК комсомола сказали, что это одиозная фигура, тлетворно влияющая на нашу советскую молодежь!» И пришел Папанов.    
  Кстати, походку Волка придумал не Котеночкин, а мультипликатор Виктор Лихачев. Вообще, у каждого персонажа целый «коллектив» родителей: от художника до режиссера, от мастера до мультипликатора, актера и звукорежиссера. У каждого народного любимца своя уникальная история «происхождения».  
Облик «Бременских», по воспоминаниям Инессы Ковалевской родился благодаря французским журналам, которые она с трудом достала, оттуда рискованное  мини, джинсы, бейсболки.  Разбойники буквально сошли с настенного календаря, который принесла редактор Наталья Абрамова – на нем была знаменитая троица Вицин, Никулин, Моргунов. И принимали фильм со скандалом, Ковалевскую со студии практически выгоняли.  
         В этой книге оживают голоса не только известных режиссеров, но и художников, мультипликаторов, мастеров кукол, актеров, композиторов, звукооператоров.

«Веселая карусель»
В 1968 году Анатолий Петров, Галина Баринова, я, Геннадий Сокольский, потом Валерий Угаров начали работу над детским альманахом, и закрутилась «Веселая Карусель».
К его созданию мы приступили довольно серьезно. Во многом благодаря Анатолию Петрову, мы придумали концепцию, согласно которой в каждом выпуске «Карусели» будут разные сюжеты: какой-то музыкальный, какой-то развлекательный, какой-то – основанный на современной графике. И последнее было особенно важно, потому что мультипликация – это искусство художников, и начиная с 1960-х это ярко проявляется, поскольку мы видим на экране уникальные стили художников.
В первом же выпуске «Веселой карусели» был мой режиссерский дебют «Антошка». Так случилось, что он стал своего рода моей визитной карточкой. Фильму уже 40 лет, а все его помнят и смотрят. Во втором выпуске – «Два веселых гуся», потом - «Рыжий, рыжий, конопатый», «Хомяк-молчун». Это мои первые авторские миниатюрки, на которых я был и режиссером, и художником, и мультипликатором. И было очень интересно, потому что в силу моего какого-то склада я всегда хотел что-то свое придумывать.
Но по-настоящему развернуться нам не давали. Постоянно происходили столкновения с цензурой. Даже был такой пример с моим мультфильмом «Хомяк-молчун». Там про хомяка, который ни с кем не здоровается, молчит, а за ним все это время следует крот. Потом хомяк приходит в норку, высыпает из-за щек зерно и говорит «Пусть меня учат, а я, ни слова не говоря, пуд зерна в кладовую натаскал». На этом фильм сейчас заканчивается. А в изначальной версии хомяк дальше говорил: «Никто этого не видел, никто о том не знает, никто не позарится», и в это время кучка зерна начинает вниз спускаться и утекает, а из-под земли высовывается крот. Этот финал Госкино заставило отрезать. Даже здесь нашли какую-то идеологию.
Тем не менее, «Веселая карусель» сыграла для нас большую роль. После него можно уже было делать большие фильмы. И в 1974 году я поставил свой первый десятиминутный фильм «Вершки и корешки». Художником – постановщиком фильма была выпускница ВГИКа Вера Кудрявцева, которая потом стала моей женой. Она замечательный художник, и с этого момента все фильмы мы делали вместе.

Русский Север
Мое увлечение Севером началось в 1961-м году с книги Бориса Шергина «Океан – море русское». Север – хранитель древнерусской культуры. И живописной, и музыкальной, и архитектурной. Еще в XIX веке Север привлекал многих художников. Вот и меня все это заинтересовало, так что я шел в этом направлении. И думаю, не зря. Сначала один, потом уже с Верой, я много ездил в те края, смотрел, впитывал. Такие поездки необходимы для творческого человека – в них собирается хороший запас мировоззренческий и художественный, который потом оборачивается каким-то самостоятельным видением.
В результате эта связь с Севером стала моей основой, моим творческим кредо на все последующие годы. В 1976 году я приступил к своему первому фильму на эту тему «Не любо, не слушай», и в последующие годы снял большой цикл фильмов, связанных с русским Севером.

Работа с Евгением Леоновым
Наши фильмы озвучивали замечательные актеры. Самый потрясающий, конечно, Евгений Леонов. В наших фильмах его голос, наверное, в общей сложности больше часа звучит. Я очень рад, что мне удалось так его запечатлеть. И потом в сборнике «Ой ребята, та-ра-ра», который вышел в 1992 году, и куда вошли мои детские фильмы, Евгений Павлович снялся вживую в роли скомороха. Это было как раз вскоре после его клинической смерти в Германии. И это для меня дорого.

* * *
Важно, чтобы в жизни были какие-то ключевые моменты, значительные встречи, яркие озарения, которые поражают тебя и запоминаются на всю жизнь. Для меня это было Федоскино – раз. Потом поездка в Ферапонтово и встреча с фресками Дионисия, испытанное мною там удивительное ощущение от живописных росписей, гармонии, от состояния природы, от храмов. Это два. И, конечно, в-третьих, книги Бориса Шергина и Степана Писахова.

Детство
После войны такое время было: мама на работе на фабрике, отец погиб на фронте, и мы, дети, были предоставлены сами себе. Нас воспитывала улица, и надо сказать, что эта свободная жизнь делала нас большими фантазерами. Все было в движении: мы играли в разные игры – городки, мячи, казаков-разбойников. Лес, речка. Осенью – грибы, летом – ягоды, зимой – лыжи, коньки. За сараями, напротив дома, насмотревшись фильмов, мы устраивали всякие бои и сражения. Одним словом, все вертелось, кружилось.
Это свободное, ничем не сдерживаемое существование и полет фантазии для всех обернулось потом по-разному. Кто-то и в тюрьму попал. У меня сложилось так, что я увлекся изобразительным искусством. Возможно, потому что я наблюдательный был, и меня интересовала природа. А к тому же в одной из комнат нашей коммунальной квартиры жил художник-любитель. Запах краски, рисунки какие-то, копии картин – все это мою детскую душу затронуло.

Федоскинская школа
В 1951-м я закончил 7 классов (тогда были семилетки), и надо было думать, как продолжать образование. Мне посоветовали Федоскинскую школу миниатюрной живописи. Это живопись на шкатулках, пудреницах, табакерках – народный промысел, который начался в конце XVIII века и существует уже более 200 лет. Я поступил в Федоскино в 1952 году, и это была моя первая серьезная встреча с искусством. Школа была одноэтажная, деревянная, рядом – старинный помещичий парк, и тут же протекала очень живописная река Уча. В самой школе замечательная была библиотека по изобразительному искусству, на стенах висели великолепные копии картин, мы изучали историю мирового искусства и очень много рисовали с образцов: бабочек, жучков, паучков, цветочки.
4 года я учился, 3 года работал на фабрике, был мастером-живописцем – это звание такое, которое получали по окончании школы. И это 7-летнее пребывание в Федоскино дало для меня творческую базу, которая очень серьезное имела значение, когда я уже начал заниматься мультипликацией.

Первые годы на «Союзмультфильме»
К зданию гостиницы «Москва» примыкал стереокинотеатр, и в его витрине были выставлены эскизы к мультфильмам и целлулоидные фазы с фонами и персонажами. Они привлекли мое внимание, потому что мы в Федоскинской школе изображали, прежде всего, какое-то действие (катание на горках, на санях, на тройках, чаепитие), и здесь тоже я увидел изображения, связанные с бытом.
А потом, в начале 1959 года, я прочел в газете «Советская культура» объявление, что на студии «Союзмультфильм» набирают двухгодичные курсы мультипликаторов. Меня это заинтересовало: так что я подготовился и поступил.
Вместе со мной на этих курсах учились многие выдающиеся мастера: Юрий Норштейн, Геннадий Сокольский, Валерий Угаров, Виктор Арсентьев. В общем, сорок человек – курс, где помимо художников из Москвы и Московской области много было студентов из союзных республик: из Азербайджана, Таджикистана, Туркмении.
Когда мы закончили курсы, Федор Савельевич Хитрук как раз собирал творческую группу для «Истории одного преступления». И вот мы, несколько человек из молодых мультипликаторов, начали работать с Хитруком. Я работал с ним на четырех первых картинах: «История одного преступления», «Топтыжка», «Каникулы Бонифация» и «Человек в рамке».
В тот момент на «Союзмультфильме» резко изменился подход к мультфильмам – и стилистически, и по технологиям. Поэтому мы все время что-то придумывали, искали новые способы, новые формы. Приходили новые художники. Так, например, Федор Савельевич пригласил молодого художника Сергея Алимова, который привнес в мультфильмы свой ярко выраженный изобразительный стиль. И все это давало возможность другими глазами смотреть на мультипликацию.

Леониду Викторовичу Носыреву – 88 лет. Это художник со своим лицом, всегда узнаваемый, жизнелюбивый, ироничный. «Антошка», «Два веселых гуся», «Хомяк-молчун», «Комаров», «Тигренок на подсолнухе», «Архангельские новеллы» и гениальное «Волшебное кольцо» - неполный перечень шедевров Носырева.

Если кто-то в Ереване хочет повидаться и послушать истории создания смешных мультфильмов, приходите в субботу 25 января.

Приглашаем на лекцию «Гэг в российской анимации» с Сергеем Капковым📽

Гэг — комедийный приём, в основе которого лежит очевидная нелепость, этот прием широко применятся аниматорами. Во время лекции вы узнаете историю эксцентрической мультипликации в СССР и мировом кино, комические приёмы, виды гэгов, а также поговорим о звёздах российской комедийной анимации. Кроме теоретической части вас ждет показ мультфильмов и рассказ об истории создания каждого их них.

Встречу проведет Сергей Капков(@kapkov1912) – историк анимации, сценарист, режиссёр, продюсер, шеф-редактор авторских проектов киностудии «Союзмультфильм», создатель Национальной анимационной премии «Икар», главный редактор сайта «Аниматор.ru», преподаватель международной школы анимации «Invisible friends».

📅 Суббота, 25 января
⏰ Сбор гостей в 19:15, начало в 19:30
💰 5 000 ֏ с человека или 9 000 ֏ за двоих, оплата наличными при входе
❗️ Лекция пройдет на русском языке

☑️ Регистрация через форму lettersandnumbers.am

Коворкинг и кофейня Letters and Numbers
📍 Туманяна 35Г
🐕 Можно с животными

Вспоминаем шедевр советской анимации «ЗОЛОТАЯ АНТИЛОПА» (1954 г.)
Это индийская сказка о жадном радже и благородном бедном мальчике, спасшем от злых рук волшебную Антилопу, высекающую копытами золотые монеты. Раджа хитростью заманил к себе во дворец Антилопу, но был сурово наказан за свою жадность.

Одна из самых популярных и красивых работ студии «Союзмультфильм». Художники передали национальный колорит древней сказки, отобрав из богатого индийского фольклора наиболее яркие и характерные образы. Несмотря на отсутствие возможности посетить страну, где развиваются события, они нашли верные графические и цветовые нюансы, выражающие неповторимое своеобразие индийской природы, животного мира и архитектуры. В этой работе им помогли посещения Музея восточных культур в Ленинграде и запасников Эрмитажа, многочисленные цветные репродукции, альбомы по истории архитектуры и костюма. Часами они втроем – художники и режиссер – просиживали в театральной библиотеке, Исторической библиотеке и Центральной библиотеке имени Ленина. На подготовительный период ушли многие месяцы. Александр Винокуров был силен в колористике и больше занимался фоновой частью. Леонид Шварцман был мастер по персонажам, но иногда они подменяли друг друга: так, в «Золотой антилопе» Шварцман нарисовал эскизы ночных джунглей с развалинами старого города и дворец Раджи.

«Иногда от выбора живого актера, а также от степени таланта мультипликатора и зависела удача решения образа в том или ином фильме. Иногда удача достигалась одним лишь характерным жестом актера, даже не обязательно заснятым на пленку, а просто замеченным, - вспоминал Лев Атаманов. - Так было, например, когда я смотрел материалы в библиотеке Музея им. Пушкина и вдруг увидел фото: английский резидент, этакий джентльмен с вытянутой лошадиной физиономией, с несколько презрительной, снисходительной миной на лице стоит напротив раджи какого-то мелкого княжества. А раджа изогнулся с очень характерным движением руки, замечательно выхваченным фотографом. Лицо лукавое-лукавое. И глядя на это лицо, я понял, что это готовый образ Раджи для фильма «Золотая антилопа», и актер, который может сыграть этого Раджу, - Рубен Симонов… А вот образ Мальчика был создан с помощью заснятого на пленку ученика хореографического училища Большого театра. Только такая скрупулезная работа над каждым шагом, каждым жестом и словом давала возможность решить образ «положительного» героя».

Раджа и его придворные показаны в фильме в гротесковой манере – коварными и ничтожными. Персонажей не только озвучивали, но и предварительно играли известные актеры. Их снимали на кинопленку, а затем аниматоры копировали наиболее удачные и нужные для сцены движения – перерисовывали их с пленки. Леонид Шварцман вспоминал: «Когда обводишь актера, то на бумаге получается очень странная вещь – он становится с очень маленькой головой. Если в нормальном человеке укладывается 8 голов, то у нас в мультипликации – 5-6 голов. Чуть меньше, чем на самом деле. Мне приносили рисунки, я накладывал прозрачный лист бумаги и менял пропорцию. Увеличивал голову, менялись черты лица, и я вгонял это в тот персонаж, который был нарисован на бумаге. Опять работа у меня увеличивалась…»

Роль Раджи исполнил знаменитый актер Театра имени Евгения Вахтангова Рубен Симонов. Он надевал халат, тюрбан и ходил по павильону, согнувшись, руки за спину. Все характерные движения персонажа вошли в фильм, благодаря этому большому артисту - он помог аниматорам в работе больше других.

Произвели впечатление на зрителей и животные: грациозная, загадочная антилопа, добродушный слон, суетливые обезьяны, страшная кобра, грозная тигрица – весь этот сказочный, но в тоже время реалистический мир живет на экране очень органично.

https://www.youtube.com/watch?v=yo1jtvz2HhI

https://smotrim.ru/article/4301109 - сюжет на телеканале "Культура" о съёмках кукольного мультфильма "Вороний день". Наша кухня!

🌻 В качестве подарка под елку вам «Снежинка» Натальи Чернышевой - маленький фильм из лучшей анимации ХХI века. Мечта о солнце тех, кому холодно. Мечта о снеге тех, кому нестерпимо жарко. Мечта больше реальности.
Поэзия и лаконичность, изысканный дизайн и выразительная графика., восхитившая в свое время даже мастеров.
Фильму больше 10 лет. Но он ни на йоту не потерял свежести и оригинальности.

От Ларисы Малюковой - напоминание о чудесной зимней сказке "Снежинка"

Дорогие читатели, зрители, коллеги и друзья! Будьте счастливы и талантливы. Спасибо, что в этом году были рядом. Доброго наступающего года! Композитор Марина Ланда дарит всем нам песню, написанную с Сергеем Васильевым для "Смешариков".

Рассказывают, что когда писателя Александра Волкова привели в павильон, где снимали сериал «Волшебник Изумрудного города», он сделал всего одно замечание: «Почему у Элли такая короткая юбочка?» Александр Мелентьевич не подозревал, что куколка фактически повторила судьбу той девушки, кто её буквально создала. Начинающая художница-мастерица Лена Покровская, когда пришла устраиваться на студию «Мульттелефильм», накануне сходила на маникюр, в парикмахерскую, выбрала наряд, но услышала от директора Стаченкова: «Ногти обрезать, юбку надеть подлиннее, и завтра пойдём в отдел кадров!»

Елена Покровская и её муж Геннадий Богачёв своими руками создали сотни персонажей для отечественной анимации и, в частности, почти для всех мультфильмов творческого объединения «Экран»: «Приключения Незнайки», «Волшебник Изумрудного города», «Дядюшка Ау», «Домовёнок Кузька», «КОАПП», «Девочка + Дракон», «Чертёнок №13», «Чёрная курица», «Честное слово», «Плюх и Плих», «Малиновка и медведь», «Свинопас», «Ушастик», «Жил-был Саушкин» и т.д. Позднее они делали кукол для студий «Кристмас», «Анимос», «Пчела», для союзмультфильмовских «Гофманиады», «Носков для звезды», «Школы ёлок»…

В их квартире вчера я познакомился лично с некоторыми из этих легендарных «артистов», увидел много чертежей и эскизов. Покажу вам первый набросок Кузьки, голову старой Феи из «Голубой стрелы» (которую озвучила Татьяна Ивановна Пельтцер), ну и, конечно, самих легендарных мастеров.

«Правда ли, что кукла – персонаж мистический? – спросил я. – Кто на кого влияет при работе, мастер или кукла?» Геннадий ответил: «Это обоюдный процесс. И от нас что-то идёт, и от неё тоже. Это абсолютная правда. Если не вжиться в образ, ничего хорошего не получится. Ты должен встать на место этой куклы, преобразиться, вложить частицу себя». Лена добавила: «Я всегда разговариваю с куклами, ничего не могу с собой поделать…»

Елена Покровская пришла на студию «Мульттелефильм» сразу после школы. Она дочь режиссера Олега Чуркина, постановщика мультфильмов «Крошка Енот», «Мама для мамонтенка», «Бюро находок». Но, что интересно, Олег Дмитриевич на тот момент ещё работал на «Союзмультфильме», и вышло так, что на телевидение он пришёл уже после дочери. А Геннадий Богачёв начинал в Театре кукол под руководством Сергея Образцова. Он с малых лет любил лепить, изобретать, и это увлечение переросло в профессию. Он изобрёл огромное количество механизмов для мультипликационных «артистов», благодаря которым персонажи смогли существовать в кадре органично, с индивидуальным характером.

Интервью с мастерами войдёт в книгу «Волшебники «Экрана».

На «Школе ёлок» работали выдающиеся мастера кукол: Николай Закляков, Геннадий Богачёв, Елена Покровская, Ольга Усачёва. Собралась талантливая команда художников-декораторов: Алёна Немых, Роман Романов и Дмитрий Козлов. Все полюбили эту историю, и каждый вкладывал частичку души в то, над чем работал. Особый шарм фильму придала аниматор Александра Григорчук.

«Я поначалу хотела и сама снимать тоже, - признается Настя Махлина. – Две мои сцены по итогу даже остались в монтаже. Но когда пришла Саша и сняла свою первую сцену, я поняла, что мои с ней просто не будут монтироваться по качеству. У меня были сомнения насчет того, как предстоит ходить нашим персонажам, ведь вместо ног у них стволы, горшок и снежные шары. Я пробовала разные варианты, и побаивалась того, как это получится в итоге. Но Саша оказалась волшебницей! Герои оживали, и я помню свой детский восторг!»

Как ёлочки дрожат, выстроившись у двери учебного класса перед экзаменом. Как Санта-Клаус вертит журнал, чтобы выставлять оценки. Как ёлочки резвятся и как реагируют на учебные пособия – это настоящее актёрское мастерство! Много импровизации вошло в картину, и они только украсили её.

А ещё внимательный зритель может обнаружить в «Школе ёлок» оммаж – дань уважения классической «Варежке» Романа Качанова. Копия той самой варежки лежит в бытовке у Кактуса среди хлама на одной из коробок. А на финальных титрах мы с Козыревым предложили показать выпускные фотографии школы ёлок разных лет.

В качестве композитора я посоветовал Артёма Васильева, который много работает в игровом кино, а в анимации сотрудничал на тот момент только с Татьяной Киселевой на фильме «Мой друг тигр». Они отлично сработались с режиссёром, получился характерный саундтрек.

«Может показаться, будто всё шло по чёткому плану, было весело и непринуждённо. А трудности, конечно же, были. Однако я ощущала колоссальную поддержку мощной команды и моих вгиковских мастеров Наталии Дабижи и Нины Виноградовой. Вариантов сдуться и унывать просто не существовало», - заключает Настя.

Началось всё в 2019 году. Елена Макарова из международного отдела «Союзмультфильма» однажды сообщила мне, что во Франции большим успехом пользуются наши короткометражки. Их показывают в школах, а затем обсуждают с детьми и рассказывают об анимации. По её словам, французские партнеры даже готовы поучаствовать в производстве, если это будет новогодняя или рождественская кукольная сказка. Поскольку ничего подобного на студии не планировалось, я решил действовать сам. В соавторы пригласил редактора и сценариста Олега Козырева и режиссера Анастасию Воронину. Выпускница ВГИКа, она удачно защитилась кукольной комедией «О, дарлинг!» Собрались втроём и начали сочинять.

Идея рассказать историю о школе новогодних ёлок принадлежит Олегу Козыреву. Он сразу предложил придумать абсурдную ситуацию, какой не может быть в принципе. «Пускай в этой школе собираются обыкновенные лесные ёлочки, которые обучаются, как правильно украшать собою праздник!» - сказал Олег. Далее мы вместе накидывали темы для уроков: как наряжаться, примерять треноги, защищаться от кошек и бенгальских огней и пр. При этом ёлочки-ученицы должны были носить ранцы, жевать бутерброды, играть в «сифака» - всё, как в обычных школах. В первоначальной версии учителями были Йети и Клёст, а Санта-Клаус – экзаменатором. О Кактусе ещё не думали, расписывали характеры учениц и изобретали финальную эстафету с препятствиями в качестве главного зачёта. Рабочий сценарий получил одобрение международного отдела студии и французских коллег, процесс пошел. Во втором драфте сценария появился Кактус, а Йети и Клеста заменили на одного Снеговика. Более детально проработать сценарий наша команда собралась после экспертизы Министерства культуры.

Когда проект получил госфинансирование, выяснилось, что Настя Воронина не сможет работать. Нужно было срочно искать замену. Я предложил пригласить другую Анастасию – Махлину, которую знал по дипломному фильму «Кораблик». Она выпускалась из ВГИКа на три года позже Ворониной. Продюсеры согласились, тем более, что Махлина в то время уже работала на «Союзмультфильме» супервайзером по анимации на сериалах.

Сегодня Настя вспоминает: «Мне тогда очень не хватало творчества. Но на свой авторский проект я не осмеливалась, хотя мечтала сделать кукольный мультфильм и снова оказаться в павильоне. В общем, я, не читая сценария, согласилась! Обратилась к Марине Вадимовне Курчевской с вопросом о поиске художника-постановщика, тогда у нее как раз выпустилась мастерская. Так мы познакомились с Алиной Габбасовой и начали работу. Было много трудностей, особенно в начале, когда ты только нащупываешь стилистику. Помню, что особенно трудно было отделять свои мысли и решения от чужих. Чем больше ты слушаешь советов и мнений, тем дальше уходишь от себя. В какой-то момент я уже научилась фильтровать этот поток, да и выделила для себя конкретных авторитетов, к чьему мнению действительно прислушивалась. Но это все в начале. А чем дальше – тем ощутимее становится форма. Алина нарисовала Кактуса – и сразу история стала выпуклой. Ты как режиссер уже представляешь, как вот этот глазастик будет реагировать, какая у него будет механика. Он уже живой на тебя смотрит с листа. И история движется дальше…»

В сети появился новогодний кукольный мультфильм «Школа ёлок», который сняла на «Союзмультфильме» Анастасия Махлина, а сценарий написали мы с Олегом Козыревым. Этой работе уже два года, сказка собрала множество международных и российских наград, а сегодня я расскажу её историю.

Посмотреть «Школу елок» можно здесь:
https://www.youtube.com/watch?v=LnBRdTBPmjU&ysclid=m4od9e469e495283423
или здесь:
https://vk.com/video-73154028_456243746?ysclid=m4od9y1cpz420925831

- Вы сказали, что попробовали себя во всех анимационных профессиях. Тогда можете ли сформулировать, кто такой режиссер?
- Я бы поделил его на две составляющие. Ту, которую можно пощупать, осязать или осознать логически, сформулирую так: это человек высокообразованный. Я не имею в виду узкую направленность, что он отсидел в институте шесть лет, изучая предмет «режиссура». Это широкий кругозор, это знания, пусть не очень глубокие, но в очень многих областях: истории кино, теории кино, живописи и графике, музыке. Нужно обладать очень хорошим чувством ритма, то есть, нужно быть потенциальным барабанщиком, чтобы тебя могли взять в училище на отделение ударных инструментов. Нужно знать пантомиму. Этот список можно продолжать сколько угодно, но фокус в том, и ужас, и счастье одновременно, что этого все равно недостаточно. Я знаю людей, не обладающих глубокими познаниями в столь широких областях и являющихся грамотными режиссерами, и знаю исключительных эрудитов, которые не справятся, оставшись с фильмом один на один. Получается, что этого мало. Конечно, помимо всех этих знаний, еще необходим огромный опыт, который достигается потраченной жизнью, ошибками, и никак иначе. Но, повторю, ничего этого недостаточно. Сверху это нужно посыпать неким волшебным порошком! Мы уже вторгаемся в область ирреального, что нельзя пощупать и просчитать. Иногда я отшучиваюсь и говорю, что есть некий канал, к которому я могу подключаться, и тогда открывается клапан…

- Это ирреальное можно назвать, наверное, талантом?
- Без таланта не может быть профессии никакой, даже печника, а уж режиссера – тем более. Талант – вещь абстрактная, я именую ее волшебным порошком, которым сверху посыпан весь пирог, из знаний, опыта и массы всего.
У меня был великий учитель Михаил Вольпин, который когда-то сказал так: «Саша, художники – чаще всего очень серые люди». Потом я сталкивался, это правда. Но когда этот необразованный человек берет кисти и пишет, у него работает лифт с небом или с подземельем, я не знаю откуда идет информация, и он пишет замечательно! Но поговорить с ним не о чем. А, скажем, архитекторы в массе своей значительно более образованные люди, чем художники, это специфика их профессии. Из архитекторов получаются мультипликаторы и режиссеры не только в нашей стране, но и во всем мире.
Так что оба канала важны. У каждого человека в разной пропорции эти каналы есть, но если они узкие, непроходимые, то вряд ли получится произведение искусства.

- А их можно разрабатывать?
- Ну, да. В урологии это называется бужирование. Вставляют такую трубку и…

- Так, понятно, спасибо! Получается, нет точной формулировки, что такое режиссер.
- А это нельзя сформулировать. Когда я оказался в Москве на телевидении, там ходили режиссеры, которых я называл «погононосцами». Не хочу обидеть всех, но там встречались такие люди, для которых это было воинское звание! Он был аниматором или начальником цеха на «Союзмультфильме», по партийной линии перешел на телевидение и стал режиссером. То есть, на погоны ему добавили еще звезду. Вот так точно нельзя! Режиссером можно быть в момент делания фильма, это состояние души. Вот ты на студии, снимаешь кино, а выходишь на улицу, закрываешь дверь – все, ты свободный человек. Дома я не режиссер, я собаковод. И так – на каждом фильме, ты постоянно должен доказывать, что ты режиссер. Вечный экзамен. Мы всякий раз делаем биологический, химический, какой угодно эксперимент, и никто не знает, создадим мы новый мир или нет. Здесь что-то ближе к ученому, который в пробирке чего-то выводит, и то ли оно выведется, то ли бабахнет, и комната наполнится едким дымом – неизвестно.
Режиссер – это не пожизненный титул барона, который получил раз и навсегда…

День рождения Александра Татарского (1950-2007), режиссера мультфильмов «Пластилиновая ворона», «Падал прошлогодний снег», «Обратная сторона луны», «Крылья, ноги и хвосты», «Следствие ведут колобки», создателя и художественного руководителя первой независимой киностудии страны «Пилот», автора идеи цикла «Гора самоцветов», педагога и незабвенного мастера…

У Елизаветы Хломовой был прелестный мультфильм "Бабочки" о трогательных фантазиях мальчика и девочки из детского дома. Он получил призы, был тепло встречен сообществом. Лиза - режиссер замечательный, тонко чувствующий красоту и время, несправедливость и добро. Разум и чувства гармонично сочетаются и в ней самой, и в её киномире. Она очень давно работает над своим новым мультфильмом, и я уверен, что за него тоже будет не стыдно. Давайте поможем финансово. Не будем скупиться на добро.

На краудфандинговой платформе Planeta.Ru проходит сбор средств на досъёмки кукольного фильма Елизаветы Хломовой "Четыре остановки".

Из режиссёрского описания проекта:

"Это кукольный мультфильм о маленьком выдумщике Максе, его маме, сестре и коте, а так же о мире, который их окружает. Мама и Макс - слабослышащие, поэтому большую часть диалогов в мультфильме вы увидите на жестовом языке. Но будет и перевод голосом, так что всё будет понятно и тем, кто слышит, и тем кто не слышит. А ещё в мультфильме есть Пушкин, но история, при всей любви и уважении, совсем не о нём :) Но так как с него всё началось, то мои Друзья всегда спрашивают: "как поживает твой мультфильм про Пушкина?", так что теперь спешу пояснять, что воображаемый Пушкин - лишь часть сюжета. Вся же история, как будто вырванная из контекста, как будто подсмотренная в чужом окне, рассказывает о жизни вполне современного мальчишки и о том как он с сестрой чуть не потерялся по дороге домой из школы. Но самое главное:

это история о том, что если есть дар, какое-то особое чувство, если есть внутренняя свобода, если ты выдумщик и изобретатель, то это невозможно унять, оно всегда будет прорываться."

Фильм снимается три года, но производство уже близится к завершению. Дополнительные средства необходимы для оплаты аренды и анимации. Краудфандинг запустился четыре дня назад, и из требуемых 200 тысяч рублей собрана уже практически половина суммы.

Давайте поможем фильму состояться!

…Думаю, что к моей профессии у меня врожденное тяготение, потому что моя мама была крупной специалисткой одевать своих детей. Нас было четверо, жили мы не очень богато, и она могла из любой тряпки сделать нам наряды. И соседи говорили нам вслед: «Ох, они опять идут одетые в роскошные платьица…» А потом, когда я уже уехала учиться в Москву и жила одна, тоже, наверное, от безденежья проявила способности делать из чего-то конфетку. Но это не относилось к куклам, скорее – к одежде, интерьерам.
Меня не привлекают игрушки как таковые, меня привлекают куклы в декорации. Я куклу воспринимаю не как игрушку, а как скульптуру, и стараюсь сделать и одежду, и лицо как нечто целое в заданных драматургических условиях. Это совершенно разные вещи…

В игровом кино женщине вообще делать нечего, я считаю. Там безумный труд, огромные декорации, которые тебе не подвластны. Чтобы что-то соорудить, надо задействовать плотников, столяров. А в мультипликации я могу взять молоток и сделать все сама: прибить, оформить, покрасить. Из-за камерности кукольной мультипликации женщины работают здесь в большом количестве…

У меня есть любимое направление – я люблю театральное решение фильмов. Мне, правда, это редко удается, потому что у режиссера – свое видение, которое не всегда совпадает с моим. Я всегда мечтала о более условном решении картины. Мне это удалось осуществить в самом начале пути в «Журавлиных перьях» по японской сказке. Потом в «Бедной Лизе» это перешло в натурализм. В фильме «Авраам» из сериала по Библии я тоже смогла предложить более условные декорации, не стала выстраивать озеленительных пейзажей с кипарисами, для большей драматичности, чтоб ничего не отвлекало глаз от главных героев и драматургии. Я в кино люблю стиль, не обязательно делать все под naturel…

Как говорили иногда мои режиссеры, я «крупный специалист по общим планам». Я люблю масштабные, глубокие планы, где – если горы, то обязательно с долинами по краям, чтобы там и солнце вставало, и тучи шли… А крупный план куклы, к сожалению или не к сожалению, был изобретен лично мною на «Бедной Лизе». Когда мы начали работать с режиссером Идой Гараниной, у меня сразу вырвалось: «А не сделать ли нам какой-нибудь укрупненный план героини, поскольку головки у кукол маленькие, нет возможности выразить эмоции…» И забыла об этом. А хитрая Ида не забыла. Мы пригласили скульптора Юлию Сегаль, она помогала нам. Но тогда это все было несовершенно. Мы имели дело с обычной скульптурой, к которой были приделаны волосы, глаза. Разные выражения лица – это просто много-много скульптур. Сейчас игровую куклу довели до совершенства. Но я считаю, что можно и без крупного плана обойтись…

В основном я делала картины для взрослых. Мы снимали фильмы по масштабным литературным произведениям: «Бедная Лиза» Карамзина, «Пер Гюнт» Ибсена, «Маяковский смеется», японская сказка, Библия, «Кошка, которая гуляла сам по себе»… Я детские фильмы не смогла бы делать. Хотя и не пыталась.
Мы много работали с Идеей Гараниной, но теперь она живет в деревне, у нее фазенда, коровы, гуси, маслобойня, двадцать гектаров земли, трактор. Она крупный помещик. Когда приезжает в Москву, заходит ко мне и говорит: «Боже, как мне тебя жалко!»…

Я буквально сегодня общалась со своими коллегами и говорила, что куклы, которые стали подобием человека, отжили свой век, надо с ними заканчивать. Кукла – есть кукла, нельзя ее превращать в человека. Это порочно! Мы этот путь прошли, но надо возвращаться к условным персонажам, с чего начинали Серебряков, Курчевский. Или надо искать что-то кардинально другое. Хотя я должна сказать, что нигде в мире нет такого высокопрофессионального, классного кукольного мультипликата, как у нас. Наши аниматоры довели свое мастерство до больших высот! Их мало, но они лучшие. Но все равно идти по нашему следу больше нельзя. Если я еще буду работать, то думаю повернуть свой стиль. Пока у меня есть силы, надо делать что-то другое…

Сегодня исполнилось 80 лет Нине Николаевне Виноградовой. Она художник-постановщик мультфильмов «Бедная Лиза», «Журавлиные перья», «Кошка, которая гуляла сама по себе», «Севильский цирюльник», «Три сестры, которые упали в гору», «Капитанская дочка» и других. Многократный лауреат всевозможных премий, мастер, оформитель анимационных фестивалей, педагог ВГИКа и просто чудесный человек. Предлагаю почитать фрагмент из нашей беседы 1997 года.

Завтра в Ельцин-центре в рамках фестиваля «Кинопроба» в Екатеринбурге в 10:00 состоится премьера моего документального фильма «Мастера дуракаваляния» о профессии актера в мультипликации. В кадре: Лариса Брохман, Диомид Виноградов, Антон Табаков, Андрей Леонов, Ольга Голованова, а также Анатолий Папанов, Мария Виноградова, Евгений Леонов, Андрей Миронов, Рина Зелёная, Олег Табаков и другие. Разговор пойдёт не только об озвучивании мультфильмов, но и о том, что такое «эклер» (от Михаила Тумели), motion capture (от Сергея Лобанкова), и зачем аниматорам консультанты из театра (от Андрея Дрознина). Анимационные вставки для фильма сделал остроумнейший Рим Шарафутдинов, музыку написал композитор Игорь Зубков.

- Значит, когда вы учились на режиссерском факультете ВГИКа, об анимации не думали?
- Нет, я кончал мастерскую игрового кино. Как и все мои однокурсники, маялся перед дипломной работой в ожидании своей очереди, ибо работу надо было снимать на одной из профессиональных киностудий. Иногда можно было годами выстаивать очередь за право снять коротенькую дипломную работу, что, между прочим, еще не давало никаких гарантий, что человек задержится на студии, где снимет кино. А мне вдруг поступило приглашение от «Союзмультфильма». Оттуда во ВГИК пришел запрос на молодых режиссеров, которыми хотели пополнить кадры студии.

- Вы – «игровик» – оказались на студии, где вокруг – художники, мультипликаторы, фазовщики, прорисовщики, заливщики… Как вы в этом разобрались и не потеряли голову?
- Вы знаете, я и сейчас, к стыду своему, не знаю всех мельчайших тонкостей и секретов профессий, которые составляют цикл производства анимационного фильма. Не из-за безразличия – боже упаси! Видимо, то, что нужно мне для работы, я как-то усвоил, а что-то в меня не вместилось. Но меня утешил Федор Савельевич Хитрук, который тогда еще был совсем не сед, а рыж, как и Юрий Норштейн (видимо, рыжизна генетически способствует проявлению таланта в анимации). Тогда, играя рыжими бровями, Федор Савельевич сказал: «Андрей, не смущайтесь, тут всё то же самое, что и в игровом кино – тот же самый монтаж, те же актеры–мультипликаторы…» Я все-таки выжил на «Союзмультфильме», хотя и в какой-то странной роли, потому что я, наверное, многого не усвоил в мультипликации, но, думаю, что и мультипликация не всё усвоила во мне.

- Вы явно знаете, что вокруг вас и ваших фильмов всегда были споры. Большинство восхищаются вашими работами, некоторые категорически не принимают. Вы это чувствуете?
- Да уж, тут надо быть не знаю кем, чтобы этого не почувствовать. Но я все-таки ориентировался на тех, кто поощрял мои опыты. Не потому, что мне было приятно ориентироваться на них, но потому, что в их числе были люди необычайно тонкие, умные, образованные. А неприятелей у меня было достаточно, и остается на сегодняшний день немало. Но я считаю, что это в порядке вещей. Опять-таки мы возвращаемся к одному из первых моих наставников в анимации Федору Савельевичу Хитруку. Мне очень понравилось, как одному из наших общих друзей и коллег, который на каком-то собрании набрал абсолютное большинство голосов, Хитрук сказал: «Вы должны задуматься над этой ситуацией. Это катастрофа, когда человек не имеет врагов…»

- Как родилось ваше сотворчество с Тонино Гуэррой?
- В один из приездов Тонино в Москву – это было лет двадцать назад – нас познакомила его жена Лора. Она видела мои работы, и ей показалось нужным и интересным для Тонино представить ему мои фильмы. Мы познакомились. И вот однажды я приехал на дачу и увидел зареванных жену и сына. Жена плакала и сама по себе, и из сострадания к слезам сына – она прочитала ему вслух сказку Гуэрры «Лев с седой бородой». Я тут же прочитал сказку сам и понял, что я уже в ней присутствую, что уже начал работать над воплощением этой сказки как над частью собственной близкой мне программы.

- Вы мучительно ищете темы, идеи, сценарии для своих фильмов?
- Нет, я не могу сказать, что мучительно ищу темы и сценарии. Наоборот, их на сегодня существует столько, что я вынужден каждый день напевать про себя куплет из песни любимого мной Булата Шалвовича Окудавы «Какая глупая игра…» Помните? «Жизнь коротка, жизнь коротка – она короче коробка, - а коробок, представьте, прогорел…» Но коробок еще, слава богу, не прогорел, но, тем не менее, замыслов много, и дело не в мучительности поисков тем, но в мучительности работы для меня, потому что мне очень трудно остановиться на окончательном варианте. Работа над картиной, я считаю, это просто захлебывание в переживаниях по поводу того, что ничего не получается...

85 лет выдающемуся режиссеру, педагогу, народному артисту РСФСР, основателю и художественному руководителю школы-студии «ШАР» Андрею Юрьевичу Хржановскому.

Из нашей беседы в 1997 году: «Надо сказать, что я без большого энтузиазма относился к мультипликации вообще. И вот почему. Несмотря на фантастический талант художников и актеров, какая-то мера дистиллированности была в этом искусстве, которое в пластическом отношении абсолютно подражало Диснею, и других манер, по-моему, не наблюдалось. В этом подражании, безусловно, были достигнуты великие высоты. Но, тем не менее, было что-то, что не захватывало меня в этом искусстве, поэтому я оставался индифферентен…»

Он родился в Екатеринбурге в семье служащего. Прошёл всю Великую Отечественную войну, лишь спустя 40 лет получил заслуженную награду – Орден Отечественной войны II степени. В первые мирные годы служил музыкантом, солистом ансамбля воинской части. Демобилизовавшись, работал внештатным корреспондентом в редакции детского вещания Свердловского областного радиокомитета вплоть. Почти в тридцатилетнем возрасте рискнул поступить во ВГИК, и удалось. Николаевский учился режиссуре в мастерской Льва Кулешова и Александры Хохловой. В 1957 году он пришёл на Свердловскую киностудию, где стал вторым режиссёром художественного кино. Первым был Ярополк Лапшин.

Дебют Олега Николаевского «Журавлиная песнь» (1959) вошёл в историю как первый советский фильм-балет, снятый на натуре. В дальнейшем режиссёр пробовал себя в разных жанрах: приключения, драма, сказка, комедия. Самой успешной его работой была музыкальная комедия «Трембита» (1968) по мотивам оперетты Юрия Милютина. За год её посмотрели 51,2 млн человек, она заняла 46-е место среди абсолютных лидеров советского кинопроката. Фильм и сегодня не сходит с телеэкранов. В нём снимались Ольга Аросева, Николай Трофимов, Евгений Весник, Савелий Крамаров и другие любимые артисты. Ещё один известный фильм Николаевского – «Самый сильный» (1973) – по мотивам башкирских народных сказок о судьбе богатыря, который был хвастлив и бессердечен.

Николаевский также работал на хронике, ставил документальные фильмы, снимался в качестве актёра и занимался озвучкой. Но, что важно, он стал одним из тех, кто стоял у истоков самобытного мультипликационного кино Свердловской киностудии, поставив три мультфильма по мотивам сказов Павла Бажова: «Медной горы хозяйка» (1975), «Малахитовая шкатулка» (1976) и «Каменный цветок» (1977). Это были первые кукольные экранизации произведений уральского писателя.

Ещё один «родитель» уральской анимации Валерий Фомин часто задействовал Олега Павловича в своих мультфильмах как актёра. Кульминацией их сотворчества стал цикл «В гостях у деда Евлампия», отмеченный Государственной премией РФ 1997 года. Николаевский читал авторский текст во всех трёх фильмах «Супостат» (1993), «Гармонь» (1994) и «Жабёнок» (1995). Отыщите их в сети, получите удовольствие.

Сегодня повод поговорить об уникальном человеке, созидателе, творце, который посвятил свою жизнь кинематографу, создал множество интереснейших работ, но остался фактически неизвестным. Заслуженный деятель искусств РСФСР Олег Павлович Николаевский (16 ноября 1922 – 8 марта 1998).

Вспоминаем мультфильм «Серая шейка» (1948), созданный Леонидом Амальриком и Владимиром Полковниковым по мотивам рассказа Дмитрия Мамина-Сибиряка. Уточка по кличке Серая шейка повредила крыло и не смогла лететь со стаей на зимовку в тёплые края. За ней тут же начала охоту Лисица, но друзья-зайцы помогли Уточке не попасться в зубы хищницы.

Один из первых анимационных шедевров послевоенного «Союзмультфильма», лирично и в то же время пронзительно воспевающий дружбу и сострадание. В отличие от первоисточника, в мультфильме нет людей, животные самостоятельно спасают Серую шейку и, более того, расправляются с Лисицей. По законам советской драматургии, иначе и быть не могло, враг должен быть наказан. В ранних советских мультфильмах зло не прогоняли, а уничтожали. Однако этот факт не помешал воспринимать «Серую шейку» как гимн гуманизму и радости жизни.

Перед художником Александром Трусовым была поставлена задача отойти от гротескового, утрированного изображения животных и максимально приблизиться к реализму. Режиссеры Леонид Амальрик и Владимир Полковников особое внимание уделили тончайшей психологической разработке характеров. Каждый из персонажей фильма – личность: Серая шейка – нежное дитя, вынужденное взрослеть в борьбе за жизнь; Заяц – отважный подросток, преданный друг; Лиса – как водится, хитрая и коварная; Глухарь – мудрый старик со своими причудами. Все они разыгрывают перед зрителями сюжет о человеческих страстях, оставаясь при этом животными, не одеваясь в людские одежды и не копируя их образ жизни.

Корифей советской анимации Иван Иванов-Вано писал в своей книге «Кадр за кадром»: «Эта картина сыграла большую роль в борьбе за реализм, правдивость мультипликации, против еще бытовавшего в те времена неоправданного трюкачества. В этом смысле «Серая шейка» - фильм классический: по режиссерскому строю, убедительной, волнующей игре рисованных персонажей, их органическому слиянию с изобразительным миром декораций и эмоционально выразительной музыкой Юрия Никольского».

Историк анимации Георгий Бородин вспоминал: «Как рассказывал Леонид Амальрик, идея экранизации Мамина-Сибиряка пришла к нему во время войны, когда он лежал в одном из тыловых госпиталей. Тогда он услышал по радио трансляцию чтения этой сказки, и сразу понял, что для мультипликации это – находка. После войны, когда Амальрик и Полковников пребывали в поисках нового сюжета (а это было довольно существенной проблемой), то Леонид Алексеевич сказал соавтору: «Знаешь «Серую Шейку»? Лучшего материала мы не найдём!». Несколько слащавые диалоги фильма («Как будто из пансиона благородных девиц», как говорил Амальрик) принадлежат перу поэта Александра Коваленко, с которым Амальрик работал ещё в начале 1930-х годов…»

«Серая шейка» с успехом прошла по экранам многих стран мира – в Великобритании, во Франции, США, Индии, Китае, Австралии. Иванов-Вано приводит в своей книге выдержку из французской газеты «Се суар» от 16 декабря 1949 года о премьере фильма в Париже в кинотеатре «Плейель»: «Гвоздем сеанса, несомненно, была история утенка, зайца и злой лисы. Эта цветная короткометражка вызвала в толпе детей, заполнивших огромный зал «Плейель», крики энтузиазма и взрывы смеха. Утки чрезвычайно выразительны. Их мать, когда она летает, - настоящая утка, но в некоторых больших планах она показана почти человеческим персонажем: она оправляет свои перья, как широкую юбку, и делает такие жесты, как толстая важная дама… наконец, сам сюжет, чрезвычайно трогательный, очень ясно, без малейшего грубого морализирования, показывает дружбу и солидарность в мире животных…»

Именно «Серая шейка» определила пути развития жанра анимации в СССР на последующие десять-пятнадцать лет.

https://rutube.ru/video/8e77c0cfac1d8eb488141f26908ddd32/?ysclid=m3he4dy80437140706

Изначально Давыдов думал именно о полнометражном фильме, но, когда решался вопрос о запуске, был выбран многосерийный формат. Драматург Леонид Белокуров выстроил пять серий-эпизодов как пять этапов взросления Маугли. Перемонтаж в полнометражный вариант произошёл только в 1973 году (до этого надо было завершить прокат пятисерийной версии, отпечатанной большим тиражом). При этом Давыдову выдвинули требование существенно сократить метраж, и он с большим огорчением вырезал из полнометражной редакции несколько очень дорогих ему эпизодов. Но зарубежный прокат фильма был невозможен – права на экранизацию принадлежали студии Диснея, и тратить на их выкуп валюту советское киноруководство не стало.

Большую роль в успехе фильма сыграла мастерски подобранная «команда» мультипликаторов: Владимир Зарубин (к концу работы ставший художником-компоновщиком), Олег Сафронов (с феноменальной энергетикой выполнивший батальные эпизоды), мультипликаторы-анималисты Борис Бутаков и Виктор Лихачёв (которого называли «королём звериных сцен»), «универсалы» Владимир Крумин, Виктор Арсентьев, Вячеслав Котёночкин, Олег Комаров и другие. Бессменным художником-исполнителем декорационной части был Пётр Коробаев, работавший по эскизам Александра Винокурова.

Музыка к фильму «Маугли» - лучшая работа в кино выдающегося композитора-авангардиста Софии Губайдулиной. Там нет продолжительных, запоминающихся мелодий, все темы и эпизоды довольно короткие, условные, обозначенные характерными звуками и ритмами. Однако при этом рождается целая сюита, состоящая из мини-шедевров: похищение Маугли, битва с собаками, великая сушь, танец Каа, встреча с девушкой, любовь в джунглях… Музыка к «Маугли» вызвала высокий интерес кинематографистов к творчеству Губайдулиной, что позволило ей буквально выжить в годы официального запрета на исполнение ее произведений в концертах, радио- и телеэфире.

Отдельно хочется упомянуть и блистательных артистов, подаривших голоса персонажам: Мария Виноградова и Лев Шабарин (Маугли), Людмила Касаткина (Багира), Степан Бубнов (Балу), Владимир Ушаков (Каа), Анатолий Папанов (Шер-Хан), Сергей Мартинсон (Табаки), Лев Любецкий (Акела), Люсьена Овчинникова (Волчица), Юрий Хржановский (Бандар-лог и Белая кобра), Клара Румянова (эпизоды) и др.

Тигр Шер-Хан – прямолинейный, тупой убийца, не воспринимающий ни законов, ни чужих мнений, ни чужих слов. За это он и погибает в конце фильма не под копытами буйволов, а от руки благородного Маугли.

Что касается самого мальчика, он из забавного «лягушонка» с огромными глазами и непослушной челкой вырастает в настоящего мужчину с мощной грудной клеткой и накачанными от постоянного бега ногами, не теряя при этом почтения к своим воспитателям, проповедуя добро и справедливость и отчаянно бросаясь на борьбу со злом в любых проявлениях. Как анимационный персонаж-человек он в своем обаянии, что редко бывает, практически не уступает острохарактерному окружению персонажей-животных.

В фильме огромное количество второстепенных героев и массовки. Кажется, авторы решили показать весь животный мир джунглей. Стаи эксцентрических обезьян скачут по деревьям, как сорванная ураганом листва; потоки серых волков и красных собак врезаются друг в друга, как бурные, неестественного цвета реки; буйволы, слоны, олени, носороги, дикобразы, птицы – для всех нашлось место в сказке о Маугли. Чувствуется, с каким вниманием и уважением художники отнеслись к каждому из них. В сценах водопоя, беспечных игр, тревожного бега очень точно воспроизведены главные анатомические особенности каждого вида животных, а также их природная, естественная пластика.
В этом заслуга режиссера фильма Романа Давыдова, лучшего анималиста «Союзмультфильма». Он прошел колоссальную школу художника-графика и скульптора Василия Ватагина, поэтому на студии в рисовании животных сравниться с ним не мог никто.

Роман Давыдов был одним из самых крупных мастеров «Союзмультфильма», оригинально и самобытно мыслящим художником, экспериментатором в области пластики мультипликационного изображения, блестящим анималистом, непревзойдённым знатоком анатомии и биомеханики четвероногих. На «Союзмультфильме» Давыдов выделялся своеобразной манерой рисования, идущей вразрез с принятыми тогда диснеевскими принципами. Его «угловатые» персонажи уже тогда контрастировали с общей студийной стилистикой, и порой даже после «обкатки» мультипликата в прорисовке это было заметно на экране. Историк анимации Георгий Бородин писал: «В его эстетике (не только в мультипликате, но и в режиссуре) значительную роль играло плакатное начало. Роман Давыдов останется в истории отечественной мультипликации и как автор многочисленных монтажно-пластических экспериментов. Его манера монтажа давала монументальный эффект «работы крупными мазками». А уже в своих режиссёрских работах он смог полностью окунуться в разнообразнейшие поиски новых пластических выразительных средств (достаточно вспомнить танец Каа в «Похищении», пробег Маугли с двумя разноскоростными панорамами в «Возвращении к людям», «эффект параллакса» в эпизоде начала охоты в «Последней охоте Акелы» и многие другие примеры). Ещё один излюбленный приём Давыдова – мизансценировка кадра с соединением выразительной статичной композиции и движущейся детали. Фактически Давыдов применял элементы «лимитированной» анимации, но, в отличие от зарубежных коллег, делал это не ради экономии, а ради большей выразительности. Как удачно этот приём работал, можно убедиться в многочисленных эпизодах цикла «Маугли», в частности – в финале пятого фильма…»

Автором большинства типажей в «Маугли» был Пётр Репкин – непревзойдённый рисовальщик «Союзмультфильма». Он владел даром так точно и безукоризненно вести контурную линию, что повторить это не мог ни один цеховой художник. Сам Репкин говорил, что персонаж должен быть сделан так хорошо, чтобы даже цеха его не смогли испортить. Лишь двух героев (по словам Романа Давыдова) придумал сам режиссёр, а Репкин лишь прорисовал – Каа и Багиру.

По стечению обстоятельств, первый фильм о Маугли вышел одновременно с «Книгой джунглей» студии Disney. Сегодня обе версии довольно часто сравнивают и критики, и зрители. Главное отличие в том, что советский вариант более приближен к оригиналу, нежели американский. Версия Диснея более легковесная, водевильная, развлекательная, насыщенная гэгами и песнями, а сам Маугли на протяжении всего фильма остается маленьким мальчиком, которые никак не может решить, кто же он на самом деле. Он одинок и отталкивает от себя тех, кто хочет стать другом. «Союзмультфильм» же сосредоточился на теме вечной борьбы со злом, взрослении и мужании главного героя, для которого на первое место выходят такие понятия как честь, долг, дружба. Вопрос формирования ценностей и характера, определяющих становление человека, проходит через весь фильм и разрешается кульминацией – пробуждением любви у Маугли и уходом человека к людям. Именно поэтому фильм звучит эмоционально очень мощно и натуралистично.

Маугли с малых лет – воин. В фильме не угасает тревожная, напряженная атмосфера; сюжет насыщен сценами битв и поединков. «Маугли» с самого начала буквально устремлен к смерти. Слова «последняя битва» звучат уже на двенадцатой минуте фильма и несколько раз варьируются на протяжении всей картины, - писал о фильме кинокритик Сергей Кузнецов. – Две серии фильма завершаются образами смерти, и образы эти – танец Каа и песня Акелы… Каа – воплощение абсолютного могущества, неспешного и вместе с тем неотвратимого. Умирающий в финале четвёртого эпизода Акела – воплощение архетипа воина, достойно встречающего смерть в бою и уходящего в поля счастливой охоты… Иными словами, авторы сказали нам, что детство кончается, когда ты узнаешь, что смерть существует, а юность – когда умирает близкий тебе человек. Если угодно – когда понимаешь, что ты сам умрёшь…» (Сергей Кузнецов «Уйти из джунглей», журнал «Искусство кино», 2004, № 3).

«Мы с тобой одной крови!» - говорят при встрече животные, если не собираются нападать друг на друга, и этот «кровавый» пароль звучит на протяжении всей истории как клятва. Нарушившему – смерть.

Медведь Балу – старый учитель всех волков, сильный, добрый, сентиментальный, но все еще готовый сразиться с сотней-другой обезьян или собак.

Пантера Багира – в отличии от киплинговского мужского персонажа, очаровательная женщина, опасная, как все кошки, с вечной ухмылкой и огнем в глазах. Ее пластика и голос – отдельное достоинство фильма. Она не спрыгивает с дерева, а перетекает, как гигантская черная капля, а затем стремительно выпрямляется и улетает прочь, как стрела. Ее речь неспешная и убаюкивающая, и невозможно понять, что она предвещает – ласку или убийство. Удивительно, что это едва ли не единственная работа в анимации большой актрисы театра и кино Людмилы Касаткиной.

Удав Каа – самый мудрый, но при этом самый страшный персонаж фильма. Его появление на экране вызывает оторопь у каждого зрителя, независимо от его пола и возраста. Критик Сергей Кузнецов называет его самым ярким образом смерти в мировой анимации. Его танец перед бандерлогами под музыку Софии Губайдулиной действует гипнотически по обе стороны экрана. Съедение полчища обезьян, которое, к счастью, в фильме не показано – довольно жестокая месть за похищение «человеческого дитеныша» и довольно странный поступок для положительного героя, но таков «закон джунглей», по решению авторов фильма. Еще одна отличительная черта удава Каа – его речь. Разговаривает он как бы на выдохе, даже не шепотом, а выдыхаемым воздухом, еле слышно и очень медленно.
Вообще, почти все герои «Маугли» динамичны в своих движениях, но крайне неторопливы в своих речах. Видимо тем самым животные подчеркивают, что каждое их слово – на вес золота, и это надо ценить.

Вспоминая «Маугли» Романа Давыдова… Фильм вышел в пяти частях: «РАКША» (1967), «ПОХИЩЕНИЕ» (1968), «ПОСЛЕДНЯЯ ОХОТА АКЕЛЫ» (1969), «БИТВА» (1970), «ВОЗВРАЩЕНИЕ К ЛЮДЯМ» (1971). В 1973 году части были смонтированы в единый полнометражный фильм.

Сегодня смотрим мультфильм «Волшебное кольцо» в честь дня рождения художницы Веры Дмитриевны Кудрявцевой-Енгалычевой. Она постоянный соавтор, партнёр и муза всей жизни режиссёра Леонида Викторовича Носырева. Они давно единое целое.

О Леониде Носыреве узнали после маленького сюжета-песенки «Антошка» в самом первом выпуске альманаха «Веселая карусель». «Дили-дили, трали-вали!» - появился рыжий, конопатый, загорелый мальчишка в трусиках, настоящий символ солнца, олицетворение свободы.

«Это совпадало с моим мироощущением, - вспоминает Леонид Викторович. – Хотя я внешне не поход на своего героя, сам я какой-то угрюмый. Но в детстве я любил клоунов, цирк. И мультипликация – это скоморошья представление, всегда необычное, парадоксальное, смешное».

Леонид Носырев с юности увлекался рисованием, он окончил школу миниатюрной живописи в знаменитом Федоскино. Но и представить себе не мог, что когда-нибудь окажется на «Союзмультфильме». Окончив курсы художников-аниматоров, он участвовал в создании многих прекрасных кинолент. А затем группа молодых аниматоров решила заняться режиссурой. В 1969 году они создали киножурнал «Весёлая карусель». Визитной карточкой режиссёра Носырева на долгие годы стал «Антошка». Ему везло. Ни одного фильма он не сделал по приказу, по заказу, выполнял только свои идеи. Так появились «Рыжий, рыжий, конопатый», «Два веселых гуся», «Хомяк-ворчун»… Не у всех сюжетов находились поклонники. Будущая жена Леонида Носырева — художник Вера Кудрявцева — была, мягко говоря, не в восторге от этих фильмов. Позже она вспоминала:

«Мне все говорили: «Ты что, пойдёшь работать на студию, которая снимает такие мультфильмы, где дедушку можно убить лопатой?» Когда я увидела « Хомяка-молчуна», он мне показался грубоватым и однообразным. Во ВГИКе нас обучали красивым эскизам, а здесь какие-то скучные рыженькие типажики…»

Стилистика мультфильмов Леонида Носырева поменялась, когда он начал работать с Верой Кудрявцевой-Енгалычевой. Об этом он рассказывает так:

«Я заметил прекрасную женщину. Когда мы поженились, я сделал первую большую работу – полноценный фильм «Вершки и корешки». В кино полноправно вошла Вера Дмитриевна. И все дальнейшие наши работы – и «Дождь», и «Жил у бабушки козёл», и наиболее ценимое «Волшебное кольцо» - везде её стиль художника, тонкий, точный, не похожий на других. Художник должен узнаваться по своему стилю, отношению, пониманию…»

«Все режиссеры – есть режиссеры, - комментирует Вера Дмитриевна. – Надо бороться, чтобы они не сели тебе на голову. Мы совместно работаем, каждый занимается своим. Я часто не читаю сценарий. Я знаю, что делать. И бывает, что сценарий прочту, когда фильм закончен».

Директор «Союзмультфильма» Михаил Вальков запрещал семейственность на студии. Если оказывались вместе муж и жена, он требовал, чтобы они работали в разных группах. С Носыревыми Вальков справиться не смог, хотя часто вызывал Кудрявцеву к себе в кабинет, ругал, угрожал выговором. Но они работали вместе. Режиссер Леонид Носырев и художник Вера Кудрявцева-Енгалычева взялись за новую, любимую тему – экранизацию русских, северных сказок. О причинах Леонид Викторович рассказывает так:

«Как-то я купил в букинистическом магазине книгу Бориса Шергина «Океан – море русское». Тогда я не знал этого автора. Книга меня увлекла. Север – хранилище русской культуры. Мои экспедиции, знакомство с людьми, крестьянским искусством, конечно, отразились в моих работах. «Волшебное кольцо» стало моей новой визитной карточкой. Сценарий нам всё время заворачивали, говорили: «Народ это не поймет». Мы старались сохранить северный диалект, свежий язык, в отличие от штампов, которые и в те времена, и всегда присутствуют в языке. Многие фразы остались на слуху. «Жалко мне, Маха, пинжака с карманами, Ванька в нем такой красивый!» А какие великолепные актеры записались! Поистине народный артист, гениальный Евгений Павлович Леонов прочел текст от лица сказочника…»

https://rutube.ru/video/7aed49200283ca44fb4e6f9280f5d894/?ysclid=m2by6sg60979070375

Вспомнили волшебников нашего детства вместе с Сергеем Капковым, а Николай Александров представил сборник рассказов Александра Соболева «Сонет с неправильной рифмовкой». Смотрите и слушайте «Книжное казино»!

https://www.youtube.com/live/shuD05mpAZc?si=B9CFTpPS9958Eo_R

Пообщался с коллегами в прямом эфире, рассказал о книге.

Рубрика «Неизвестная анимация».
В связи с тем, что youtube теперь доступен не везде, решил сослаться на телеграм-канал «Союзмультфильм», где сегодня появилась лента Владимира Попова «От двух до пяти» (1983).

Это дань уважения великому Корнею Чуковскому и его книге «От двух до пяти». Известно, что Николай Корнейчуков был не только прекрасным сочинителем детских сказок и стихов, но и критиком, переводчиком, культурологом и литературоведом. Он первым стал писать для малышей и изучать их образ жизни, психологию, язык. Он первым начал продвигать в массы мысль, что дети – тоже люди, и с ними надо разговаривать, к ним надо прислушиваться. Дети – не трава, которая может расти сама по себе.

Первое издание книги вышло в 1928 году. Чуковский обратился к читателям с просьбой поделиться своими наблюдениями за детским языком. С той поры в течение сорока лет письма от родителей, учителей, воспитателей шли мешками. Дополненное издание книги вышло через пять лет и принесло автору всенародную любовь, потому что никто до Чуковского не пытался поговорить с родителями о детях серьёзно, искренне и в то же время «без идеологической трескотни». Но следующий тираж уже был задержан. С 1939 по 1955-й книга «От двух до пяти» находилась под негласным запретом и не выходила, поскольку в ней «с уважением» упоминались репрессированные поэты, писатели и чиновники от образования. Более того, оппоненты Чуковского утверждали, что советским детям не нужны сказки, которые восхваляет автор. «Современному читателю нужны не «Мюнхгаузены» и «излизанная всеми экзотика безобидных зверей и насекомых», а истории про Чапаева, Щорса, Котовского и других героев…»

К счастью, в дальнейшем «От двух до пяти» переиздавалась более 20 раз и продолжает пользоваться успехом до сих пор. Оценивая труд Чуковского, исследователи пришли к выводу, что его изыскания в области детского словообразования являются серьёзным вкладом в русскую лингвистику. Автор показал, какую роль в речи малышей играет приставка (выпузырить, распакетить), насколько свободно ребёнок отделяет её от корня (я вежа, я чаянно), в чём своеобразие использования им неправильных глаголов (воевает, сплим). Малыш развивается, находится в постоянном движении, его отличают любознательность и открытость миру. Фильм заканчивается словами Корнея Ивановича: «Страшно подумать, какое огромное множество грамматических форм сыплется на бедную детскую голову. Поистине ребенок есть величайший умственный труженик нашей планеты, который, к счастью, даже не подозревает об этом…»

В 1970-е годы на «Союзмультфильме» экспериментировали особенно много. Режиссеры искали новые формы, стили, жанры, художественные приёмы, делали попытки возродить документальную анимацию, которую успешно реализовал еще в 1920-е годы Дзига Вертов. Один из самых известных и популярных «союзмультфильмовцев» Владимир Попов после успеха картин «Трое из Простоквашино» и «Каникулы в Простоквашино» тоже решил немного поэкспериментировать – обратиться к голосу Корнея Чуковского и его бестселлеру, который в начале 1980-х переживал новый виток славы. Он пригласил в качестве постановщика своего уже постоянного художника Аркадия Шера, использовал фотографии и рисунки Ю.Анненкова, С.Чехонина, В.Конашевича, Н.Радлова, Кукрыниксов, записал голоса детей. Получилось довольно любопытная вещица, но поскольку студийная планка была поднята высоко, и ещё создавали свои шедевры выдающийся мастера советской анимации, фильм «От двух до пяти» был признан неудачей и фактически нигде не показывался. Попов, чтобы реабилитироваться, приступил к съёмкам «Зимы в Простоквашино», и об экранизации Чуковского предпочёл больше не вспоминать.

На мой взгляд, если бы кто-то сделал этот фильм в 2024 году, его посчитали бы вполне удачным.

От двух до пяти (1983)

👉Союзmультфильm📺Подписаться

Сергей Капков успел в этом году не только выпустить книгу «Легенды студии "Союзмультфильм"», но и создать фильм «Мастера дуракаваляния» о профессии актёров озвучания в отечественной анимации. Вот явно человек не валят дурака, потрясающая работоспособность в довольно непростом контексте!

Сергей давно живёт именами актёров, их голосами, а также музыкой к мультипликации. Чувствуется, что этот фильм является погружением в любимую тему, ностальгией по ушедшему прошлому, тихой радостью от соприкосновения с продолжателями дела озвучивания.

Сергей Капков: «Конечно, актёр - это рабочий инструмент режиссёра, но с одним очень важным отличием: это одушевлённый инструмент. А в мультипликации — ещё и с особенностями голоса, со способностью играть голосом и, обязательно, с отменным чувством юмора. В общем, это мастер дуракаваляния!»

Лариса Брохман, актриса озвучания: Вы знаете, без дуракаваляния и без хулиганства вообще ничего не получится. Нужно уметь валять дурака и хулиганить, но делать это по-настоящему, от души, искренне».

В фильме Сергей задаётся вопросом, который и меня довольно часто беспокоит: «Сегодня продюсеры пытаются заполучить медийную персону в свои фильмы. Почему-то считается, что громкая фамилия повысит качество и привлечёт зрителя. А зритель приходит в зал, и голос не попадает ни в персонажа, ни в сердце зрителя, Реплики не запоминаются».

Пока фильм добирается до фестивалей и зрителей, советую обратить внимание на одноимённый с фильмом давний текст Сергея Капкова из журнала «Киноведческие записки», изданный в 2006 году и посвящённый артистам в анимации, а также снабжённый цитатами Фёдора Хитрука, Ивана Уфимцева, Леонида Шварцмана, Ланы Азарх, Марии Виноградовой, Олега Табакова...

В этом тексте Ларисе Брохман вторит Всеволод Ларионов: «Дуракаваляние — это замечательная форма работы. Но дуракаваляние не ради дуракаваляния, а ради дела. За этим занятием бог весть куда тебя занесет, к самым прекрасным берегам! Обязательно! ... Я бы даже с удовольствием предмет в институте ввел— "Творческое дуракаваляние"».

В фильме Серёжи Капкова цитируется советская телепередача 1983 года «Музыка и мультипликация», в которой аниматоры, артисты и композиторы рассказывают об акустической стороне анимации. Она доступна в интернете, и всем ностальгирующим по советскому мультфильму рекомендую её к просмотру.

И, конечно, подписывайтесь на ТГ-канал Сергея, в котором он регулярно публикует фрагменты многочисленных интервью с создателями отечественной анимации.

Друзья, простите, что в последнее время редко пишу. Очень много забот навалилось, разгребаю! Вот об одной из моих работ написал Павел Шведов в своём замечательном и познавательном телеграм-канале. Спасибо, Паша!

«…Эта работа доставила мне чрезвычайное удовольствие! – вспоминала Марина Константиновна, - Тот кусок, который мне давал Степанцев, был сорок метров – это колоссальный метраж! Выход Маши с метлой в зал, где стоит наряженная елка. Маша должна была подметать пол и начинать танцевать. Степанцев считал, что нужно танцевать сразу, а я распределила музыку Чайковского («Русский танец») так, что первые четырнадцать метров Маша только подметает пол. И когда я принесла свою разработку Степанцеву, он немножко удивился и даже ужаснулся, не слишком ли это долго. Но когда посмотрели сцену на экране в малом просмотровом зале, черновую пробу, оказалось, все так легко, хорошо легло на музыку, что претензий никаких не было…»

В пятилетнем возрасте Марина впервые увидела мультфильмы, это были шедевры Уолта Диснея. Это был 1939 год. Перед началом сеанса в кинотеатре шёл концерт. «Какой-то мальчик лет семи, в красной рубашке, подпоясанный золотым кушачком, танцевал. Что он танцевал? Очевидно, русскую пляску. И я даже не знаю, что сильнее на меня подействовало – Дисней или этот мальчик…»

Танцы и мультипликация – две страсти, которые остались с художницей навсегда. Поскольку из-за бронхиальной астмы она была освобождена от всех физических нагрузок, Марина поступила в Студию гармонической гимнастики к Людмиле Алексеевой, где занималась с 1955 года, а с 1980-го стала сама преподавать её в Студии при Московском Доме учёных. А параллельно – «танцевать» в мультфильмах.

«…Далеко не все фильмы были музыкальными, часто приходилось играть реплики персонажей, - рассказывала Марина Константиновна. - Мне бы хотелось сказать про «Льва с седой бородой». Там я «пела» арию Каварадосси. Записывался сам Тонино Гуэрра, автор сценария. Старый циркач сидит перед зеркалом, гримируется перед выходом на арену и, видя отражение своего льва, сзади сидящего, он переживает… Переживает, потому что должен расстаться со львом. Он стал стар, с седой бородой. И циркач поет арию Каварадосси. Это было очень интересно делать…»

Марина Восканьянц была дамой строгой, даже жёсткой в своих оценках, в общении. Помню, когда я в начале своей деятельности посчитал, что знаю об анимации всё, и написал несколько наивных статей, именно Марина Константиновна «врезала» мне по полной от лица сообщества. Другие постеснялись меня поправить. Я был раздавлен, но благодарен, поскольку понял, что любимый предмет надо изучить досконально, прежде чем выходить в публичное поле и строить из себя специалиста…

Марина Константиновна Восканьянц прожила долгую жизнь, стала заслуженным художником РФ, получила почетный приз Суздальского фестиваля за вклад в профессию, воспитала прекрасную дочь Таню Подгорскую, которая пошла по маминым стопам. И стала легендой. Светлая память…

Сегодня ночью ушла ещё одна легенда «Союзмультфильма», потрясающий художник-аниматор Марина Константиновна Восканьянц. Её имя значится в титрах любимых лент: «Большие неприятности», «Три толстяка», «Дюймовочка», «Сказка о золотом петушке», «Фильм, фильм, фильм», «Бременские музыканты», «В стране невыученных уроков», «Конек-Горбунок», «Голубой щенок», «Трое из Простоквашино», «Волшебное кольцо», «Тайна третьей планеты», «Жил-был пес» и так далее, и так далее, вплоть до последних фильмов Лёши Туркуса. Марина Восканьянц специализировалась преимущественно на танцевальных сценах. Её «визитка» - гениальный танец Маши с метлой вокруг новогодней ёлки в картине Бориса Степанцева «Щелкунчик».

1 октября в 19:00 в книжном магазине «Москва» (ул. Тверская, д. 8 к. 1) состоится презентация моей книги «Легенды студии «Союзмультфильм», в которой, помимо автора, примут участие сценарист Михаил Липскеров и режиссёр Алексей Котёночкин. Книга только что вышла в издательстве «Бослен» и начала продаваться онлайн и в маркетах.
В сборник вошло 35 авторских интервью с создателями шедевров советской мультипликации — художниками, режиссерами, актерами озвучания, среди которых Леонид Шварцман («Чебурашка», «Котенок по имени Гав»), Федор Хитрук («Винни-Пух», «Фильм, фильм, фильм»), Вячеслав Котёночкин («Ну, погоди!»), Эдуард Назаров («Жил-был пёс»), Юрий Энтин («Бременские музыканты», «Голубой щенок»), Олег Табаков («Трое из Простоквашино»), Михаил Липскеров («Самый маленький гном», «Волк и телёнок») и др.
На встречу необходима предварительная регистрация, поскольку количество мест ограничено:
https://www.moscowbooks.ru/news/10985/

Однако такой ход подсказал и совершенно иной финал, нежели в первоисточнике. Из-за того, что Царевна никак себя не проявляет по ходу сюжета, а Фэт-Фрумос ходит с постной физиономией, Черногоров решил передать инициативу в её руки. Червяка, в котором заточена сила Получеловека, изначально должен был съесть Голубь. Но в фильме Царевна ловит яблоко и сама давит ногой червяка. Феминисткам на радость.

«Мы долго не могли решить гэг с Голубем, - вспоминает режиссёр. – В сказке герой встречает Святую троицу в образе женщины, она посылает птиц найти смерть Получеловека, и только Голубь возвращается с нужной информацией. Мы решили не касаться религии, а сделать что-то совершенно неожиданное, выносящее мозг, когда через Голубя общается сверхсущество, кристалл. Мистическая сила – это не икона, а что-то необъяснимое, непонятное. И вот такую трёхмерную абстракцию мы внедрили в двухмерное кино…»

А завершает фильм, на радость зрителям, классический молдавский танец. Черногоров предложил аниматорам в виде референса балет Игоря Моисеева. Там в молдавском эпизоде танцевали и пухленький мужчина (вылитый Царь), и два дядьки (стражники), и герой с героиней – один в один персонажи мультфильма. Так что аниматоры фактически скопировали первоисточник, и получилось весело.

«Базилик Фэт-Фрумос» имеет успех как у детской, так и у молодёжной публики. В 2022 году получил главный приз Национальной анимационной премии «Икар» за лучший короткометражный фильм и приз от Большого фестиваля мультфильмов в Москве.

https://www.youtube.com/watch?v=28wWPz7LgRQ

Сегодня в кинозале – мультфильм «Базилик Фэт-Фрумос и царская дочь» (2021). Это работа студии «Пилот» в рамках цикла «Гора самоцветов».

Согласно Википедии, Фэт-Фрумос (от румынского Făt-Frumos — витязь, молодец; от făt — юноша, и frumos — красивый, прекрасный) — персонаж румынского и молдавского фольклора, обладающий всеми необходимыми герою качествами: смелостью, справедливостью, физической и духовной силой, умом и непоколебимой любовью. Иногда этого героя также называют Базиликом. Во многих сказках целью Фэт-Фрумоса является спасение красавицы Иляны Косынзяны. Он сражается с чудовищами — змеем, балауром, путешествует по нашему миру и миру духов.

Режиссёр мультфильма Александр Черногоров вспоминает: «У меня в детстве была книга «Румынские сказки», которую я очень любил. Когда Сергей Меринов предложил мне экранизировать что-нибудь для «Горы самоцветов», я вспомнил этого героя. Перечитал сказку и удивился, каким интересным языком она рассказана, какие безумные приключения описаны. Даже подумал, что это современная версия. Начал искать более ранние, и понял, что сказка изначально и была такой яркой, будто просилась в анимацию. Поэтому сценарий получился довольно быстро, и работа закипела».

Костяк команды режиссёра Черногорова – это, помимо него, пять человек: ведущий аниматор Илья Шекиладзе, художник-постановщик Егор Афонин, композер Павел Борисов, звукорежиссёр Александр Маслюк и композитор Юрий Севастьянов. Часть команды уже работала над сюжетом «Джек-простак» по английской сказке для «Союзмультфильма» и клипами «Ленинграда», «Глюк'oZы» и др. Поначалу работа шла быстро. Долго искали визуальный образ отрицательного героя – Получеловека. В итоге Черногоров предложил референс – анатомическую модель человека в разрезе, со всеми основными внутренними органами. Благодаря этому, персонаж приобрел условный бэкграунд: будто он алхимик, пытавшийся получить сверхсилу, а в результате потерял часть себя.

Позднее создателям фильма приходилось сталкиваться с намёками на плагиат, подражание «Гравити Фолз» или «Хильде». Александр это отрицает и делится «наболевшим»: «Изначально «Базилик» задумывался трёхмерным, мы хотели делать персонажей будто пластилиновыми – пучеглазыми дурачками. Но когда мы проанализировали бюджет, то в последний момент решили работать в 2D. Однако дизайн героев создавали исходя из первоначальной задачи, стилизовали их под пластилиново-резиновый вертеп. В итоге потратили на фильм три года, на последнем этапе занимались им в свободное от основной работы время…»

Группа Александра Черногорова не скрывает, чем вдохновляется. В «Базилике Фэт-Фрумосе» есть отсылки к «Рикки-тикки-тави» и «Василисе Микулишне», «Сейлор Мун» и заставкам от французской школы Gobelins. Основной референс – игровые фильмы о Конане со Шварценеггером, который тупо идёт вперёд и не выражает никаких эмоций. Такой подход породил множество гэгов. Например эпизод, когда Базилик появляется в кадре со змеёй на подбородке и с топорами в плечах, и всем становится ясно, что он «преодолел множество испытаний». Отсюда, кстати, и приглашение мастера дубляжа Александра Груздева озвучить эту пародию на эпическое кино.

В среду 18 сентября в 19:30 буду рассказывать историю цикла "Ну, погоди!" и включать саундтреки в идеальном качестве в салоне аудиотехники "Меломан" (улица Сарьяна д 3/1). Это уютный клуб любителей музыки, где каждую неделю проходят тематические камерные вечера. Ну а поскольку я с некоторых пор стал "специалистом по киномузыке", то решил поделиться интересными историями, связанными с самыми популярными советскими мультгероями и мелодиями, под которые они танцуют, бегают и занимаются чёрт знает чем. Количество мест ограничено. Вход свободный.

Сегодня 53 года исполнилось замечательному режиссеру и потрясающему художнику Александру Храмцову. Он известен как популярный иллюстратор книг, но, в первую очередь, он мастер современной анимации. В 1995 году Саша окончил Высшие курсы сценаристов и режиссёров, защитившись дипломной короткометражкой "Фердинанд VIII" о трогательном пациенте дурдома. Затем участвовал в создании полнометражных мультфильмов «Белка и Стрелка. Лунные приключения», «Крякнутые каникулы», «Нос, или Заговор не таких» и «Кощей. Похититель невест». За работу с Георгием Данелия над картиной «Ку! Кин-дза-дза» получил премию Правительства.

Для меня Саша Храмцов, прежде всего, друг и коллега по созданию Национальной анимационной премии «Икар», логотип которой он нарисовал в 2015 году и с тех пор ежегодно создаёт визуальную концепцию каждой церемонии, курирует студентов, снимающих эксцентричные ролики для номинаций.

В прошлом году Храмцов как режиссёр снял блистательный мультфильм «Ручей, бегущий в горы», за который получил призы Суздальского и Выборгского кинофестивалей.

Сегодня в честь дня рождения мастера хочу показать ленту «Товарищ со звёзд» (2017), совершенно неожиданную и не типичную для анимации. Её снял режиссер Андрей Соколов, ученик Александра Татарского и Эдуарда Назарова. Соколов всю жизнь снимает «народное кино», доступное всем от мала до велика. «Товарищ со звезд» рассчитан на людей постарше, которые знают советскую историю и помнят как эстетику кино о 1920-х годах, так и киновселенную «Звёздных войн». Андрей выбрал в единомышленники художника-постановщика Александра Храмцова, и вот что получилось…

https://www.youtube.com/watch?v=7WLmyz7DhD0

Паперный сыграл несметное количество ролей в самых разных пьесах и жанрах, участвовал в постановках Романа Виктюка «Священные чудовища» и «Дама без камелий», снимался в кино, преподавал актёрское мастерство в Национальном университете культуры и искусств, стал народным артистом Украины.

В мультипликацию молодого Паперного привёл Давид Черкасский, дал ему роль мещанина Пахомова в фильме «Какого рожна хочется?» Затем были мультфильмы «Дело поручается детективу Тедди» (детектив Тедди), «Кто получит ананас?» (Слонёнок), «Ссора» (бегемот), «Пирог со смеяникой» (мэр Смехограда), «Алиса в стране чудес» (Валет), «Алиса в Зазеркалье» (Чёрный Рыцарь), «Доктор Айболит» (Одноглазый, Гиппопотам, Медведь, Черный пес), «Возвращайся, Капитошка!» (Ворона) и др.

В «Приключения капитана Врунгеля» того же Черкасского Евгений Паперный не вылезал из тон-студии. Изначально он озвучивал Лома, но затем взял на себя Бандито, а потом сыграл ещё массу эпизодов: директора зоопарка, репортёра, матроса с почтового парохода и др. До комедии «Формула любви» советские зрители пели каждому заезжему итальянцу: «Мы бандито-гангстерито, мы кастето-пистолето…» В ответ итальянцы смотрели круглыми глазами и недоумевали: вроде бы и по‑итальянски, и вместе с тем ничего не понятно. Для Евгения Паперного спеть эту песню в любом доме, где есть дети и где ему приходилось бывать, стало своего рода трудовой повинностью. «В свое время обе мои дочери смотрели эти мультики, а сейчас внучка растет на них. В школе они гордились тем, что они — дети доктора Ливси и Джулико Бандито», - рассказывал артист в интервью.

Доктор Ливси – пожалуй, главный персонаж в творчестве Паперного. Оптимист, балагур и вообще славный малый, совершенно не похожий на литературного героя. В книге он серьезен, расчетлив и курит трубку, в то время как анимационный Ливси – убежденный зожник и противник курения. Его прототипом доктора, по словам актера, стал сценарист Леонид Слуцкий. Паперный изобразил его Черкасскому и получил одобрение.

Что интересно, несколько лет назад доктор Ливси начал набирать фанбазу в сети, причем даже не сам Ливси, а его инфернальная фотография в досье. Какой-то неизвестный мемодел обратил внимание на эту фотографию и придумал темное альтер-эго доктора – Темного Ливси. Отныне это любимый персонаж интернет-шутников: его называют «Оно» и слагают про него мемы и легенды. Постепенно он приобрел популярность сначала в русскоязычных соцсетях, а потом на Западе.

В жизни Евгений Паперный – человек общительный, весёлый, компанейский. Последний игровой фильм с его участием вышел в 2021 году…

День рождения артиста Евгения Васильевича Паперного, озвучившего доктора Ливси в «Острове сокровищ», и спевшего хит на все времена «Мы бандито-гангстерито» в «Приключениях капитана Врунгеля».
Родом Евгений Паперный из Свердловской области. С мечтой об актёрской карьере он приехал в Москву, но провалил экзамены во ВГИК. Зато на следующий год поступил в Щукинское театральное училище. В 1972 году по распределению оказался в Киевском театре имени Леси Украинки, где прослужил 20 лет.