Журнал «Искусство»

Не лежит ли у вас в верхнем ящике стола гениальный текст про советское неофициальное/ современное российское искусство, который вы еще нигде не публиковали?

Zverev Art Prize продлила сроки приёма заявок на ежегодную премию в области журналистики и искусствоведения ❗️до 31 января❗️ Организаторы хотят раздать 2.5 миллиона рублей авторам самых интересных и новаторских исследований по российскому искусству второй половины XX века и наших дней. Можно подавать книги, если они ещё не изданы или изданы после 2022 года, или статьи, но только неопубликованные (вот это, конечно, непросто!). И ещё важно, что если статья про театр, кинематограф или иную сферу культуры, то подавать заявку можно только если они рассматриваются именно в контексте визуального искусства.

Подробности можно узнать здесь: https://write.museum-az.com

#художникамэтонадо

На фотографиях три «Сизифа», сделанных скульптором Алексеем Григорьевым в начале 1990-х. Выставка его работ вчера открылась в галерее pop/off/art, пространство «2.0» в Большом Палашевском.

Григорьев не занимался литьём из бронзы, вместо этого он собирал обломки ржавого железа, например рельсов, и сваривал их вместе, создавая человеческую фигуру, а затем дополнительно наращивал форму. Вероятно, вы могли уже видеть его работы: многие он подарил парку «Музеон». С другой стороны, основатель галереи Сергей Попов считает, что Григорьев менее известен, чем многие художники его круга, именно потому что целиком погрузился в творчество и куда меньше занимался его презентацией. Поэтому сейчас галерея хочет, чтобы скульптора узнали и чтобы этот мастер занял положенное ему место в истории искусства.

Григорьев работал с вроде бы классическими античными и библейскими сюжетами, миф о Сизифе — вообще центральный в его творчестве. Но его Сизиф не корыстолюбец и нечестивец из драм Эсхила, а Сизиф-художник, вечный труженик в царстве Аида, описанный Альбером Камю. Вот такой:

▪️«Нам неизвестны подробности пребывания Сизифа в преисподней. Мифы созданы для того, чтобы привлекать наше воображение. Мы можем представить только напряженное тело, силящееся поднять огромный камень, покатить его, взобраться с ним по склону; видим сведенное судорогой лицо, прижатую к камню щеку, плечо, удерживающее покрытую глиной тяжесть, оступающуюся ногу, вновь и вновь поднимающие камень науки с измазанными землей ладонями. В результате долгих и размеренных усилий, в пространстве без неба, во времени без начала и до конца, цель достигнута. Сизиф смотрит, как в считанные мгновения камень скатывается к подножию горы, откуда его опять придется поднимать к вершине. Он спускается вниз. Сизиф интересует меня во время этой паузы. Его изможденное лицо едва отличимо от камня! Я вижу этого человека, спускающегося тяжелым, но ровным шагом к страданиям, которым нет конца. В это время вместе с дыханием к нему возвращается сознание, неотвратимое, как его бедствия. И в каждое мгновение, спускаясь с вершины в логово богов, он выше своей судьбы. Он тверже своего камня».

А вот как откликается сам Алексей Григорьев в эссе «Путь Сизифа»:

▪️«Труд скульптора похож на труд Сизифа. Этот миф, так блистательно интерпретированный Камю, очень точно выражает положение скульптуры в современном мире. История — это дорога. Скульптура — это камень. Дорога поднимается вверх, идет вниз, петляет. Скульптурные памятники, сопровождают историю как верстовые столбы. Иногда скульптура бежит за историей, боясь от нее отстать — и может потерять себя. А резко остановившись, отступив в сторону, остается сама собой».

Вероятно, этот отрывок как раз про классические и вроде бы устаревшие античные сюжеты. Скульптор не особенно гнался за своим временем, не считал, что нужно делать непременно актуальное и непременно принятыми сегодня способами, но, разумеется, его сизифы, рельефы и графика — это не подражание крито-микенской эпохе, а разговор про реальность, в которой сегодня оказался художник, и которая всё точнее соответствует описанию Камю.

#прямосейчасвмоскве

В эту субботу мне повезло попасть на новый спектакль Мастерской Брусникина в Театре «Практика» — «Мамлеев», и вот что хочу сказать: в современном искусстве очень много разговоров про нечеловеческий мир: художники всеми способами устанавливают с ним контакты, пытаются передать зрителю опыт нечеловеческого, но это редко получается достоверно. А вот режиссёру Арсению Мещерякову это удаётся. У Мамлеева много нечеловеческого, весь спектакль происходит на границе жизни и смерти. Человек, который превращается в сёмгу, и курица, которая слушает звук своего сердца, пока ей отрубают голову, — это ещё самое простое. А бывает ещё вот так:

«В каких-то мокрых подземельях сновали полусущества с рыбьим выражением тела. Они завидовали кругляшу, и заряд их зависти и ненависти был настойчив и широк, но поражал их самих. Они были словно в огне и ели этот огонь, равнодушный к влаге». «Но кругляш об этом даже не думал. Да и до дум ли было ему, когда у него рук не было, ног тоже, а на лицо он и не претендовал».

И этот предельно достоверный опыт нечеловеческого ты получаешь не за счёт костюмов или грима, но, скорее, через свет и непонятно через что ещё. И это производит очень сильное впечатление!

https://masterbrus.com/performances/mamleev

#прямосейчасвмоскве

Арт-резиденция «Заря» @zaryacca продлила сроки опен-колла 📌 до 30 января❗️ по многочисленным просьбам всех опоздавших. В общем, можно ещё подать заявку!🤗

Любая попытка написать историю искусства с момента его появления и до сегодняшнего дня — это всегда конспект. В чем-то новая книжка издательства «Ад Маргинем» — «Творение. История искусства с самого начала»— мне напомнила ночь перед экзаменом, которую ты проводишь без сна с задачей «вспомнить все». Однако конспективно не обязательно означает поверхностно. Джон-Пол Стонард защитил диссертацию по Базелицу в институте Курто, много лет был редактором The Burlington Magazine и сейчас пишет для самых авторитетных мировых изданий, то есть вполне может себе позволить вместить невероятный объем информации в сравнительно небольшое число страниц. За его пунктирностью, действительно, скрываются знания.

Другое дело, что у Стонарда вообще не было задачи написать конспект, его первейшая цель — показать, что и в искусстве Запада, и в неевропейских культурах происходили те же или очень похожие процессы, решались близкие задачи, и большая история искусства — это не лоскутное одеяло, где всё у всех по-разному, а, действительно, одна большая и общая история. Например, в какой-то момент художники перешли от изображения гор вообще, к портретам конкретных гор — и Хокусай, и Сезанн. Здесь есть с чем поспорить. И есть о чем поговорить с автором — чтение ведь это тоже форма диалога.

Однако вот что любопытно: как только классическое европейское искусство появляется на арене истории, оно сразу же забирает львиную долю авторского внимания. Не потому что у Европы всего было так много, а у других так мало. Вполне можно написать главу по искусству XVII века, где подробно и увлекательно рассказать про японское искусство периода Эдо, а потом в паре абзацев упомянуть, что в это же время в другой части света были такие художники как Бернини и Караваджо. Тем не менее, магистральная линия развития искусства, видимо, всё ещё пролегает через Европу.

Об этом я размышляла, с большим удовольствием читая книжку на зимних каникулах. А поделиться решила главой про романтизм — «Поэтический импульс». Кажется, ее будет особенно увлекательно изучать в параллель к нынешней выставке Каспара Давида Фридриха в «Эрмитаже». Но и вне выставки тоже интересно😉

#книгиназиму

#хорошопоговорили с художником Гришей Шаровым.

Шаров стал известен как уличный художник, куратор фестиваля «Один за всех», для которого он попросил известных стрит-артистов прислать ему эскизы и по этим эскизам сам нарисовал все работы на улицах Братска. Только после этого Гриша переехал в Красноярск — потому что там гораздо больше жизни, есть друзья и вообще много хорошего искусства, там не пропадёшь. Для Красноярска Шаров сразу стал очень важным автором, и он совсем не рвётся покорять столицу, потому что возможность нормально работать и делать интересные вещи гораздо важнее, чем иерархии и формальные карьерные успехи.

📌 https://iskusstvo-info.ru/hudozhnik-grisha-sharov-byvaet-priezzhaesh-naprimer-v-tyumen-i-vstrechaesh-na-ulitse-cheloveka-kotoryj-govorit-o-tak-eto-ty/

▪️«Классический путь — пойти в администрацию города, всё согласовать, найти спонсоров — мне не подходил. Мог бы получиться разве что очень средний проект, интересный максимум на уровне города. А мне нравится стрит-арт как несогласованная практика, когда ты выходишь на улицу и рисуешь то, что хочешь. Я не хотел бродить по кабинетам, да и немного странно было бы сначала долго рисовать никого не спрашивая, а теперь вдруг прийти и начать согласовывать. Сперва я вообще хотел копировать стиль больших художников, причём никаких разрешений у них не получать, но публиковать в соцетях, что вот, смотрите, Слава ПТРК сделал работу, Вова Абих приезжал, чтобы сами художники сошли с ума на это глядя. Потом я понял, что мысль и правда сумасшедшая, тем более, что нужно же обладать талантами всех этих людей, чтобы придумать что-то стоящее в их стиле. Так я осознал, что надо звать художников, но не везти их в Братск, а просить прислать мне эскизы».

▪️«Красноярск — это такой классный центр в Сибири, жирный город, где есть деньги и много людей, которые не обязаны ходить на работу с девяти до девяти и тяжко трудиться. Если говорить про искусство, то оно здесь, конечно, очень мощно представлено. Мне кажется, за Уралом сложно найти город сопоставимый с Красноярском в плане современного искусства. Ещё здесь серьёзные проблемы с экологией, но на них как будто обращают даже меньше внимания, чем в Братске, они как будто на двадцать первом месте по важности. А ещё Красноярск — это обнимающий город. Конечно, он движется в сторону Москвы, где есть каршеринги, доставка еды в 4 утра, самокаты, велодорожки и так далее. Метро вот копают в очередной раз».

Николай Кулебякин. Франциск Скорина. Бог в раю, 2008. Фотография из серии «Краткая история искусств»

❄️С Рождеством!❄️

#хорошопоговорили с художником Саней Закировым. Закирова называют одним из столпов красноярского художественного сообщества, наверное, потому что он, не являясь представителем музеев или галерей, тем не менее, регулярно проводит премии и аукционы имени себя и другие события, которые объединяют всех причастных к искусству в городе. А ещё Закиров вместе с Ольгой Осиповой недавно получил премию SCAN за проект «Классноярск», где нарисовал свой образ города — пестрый, живой, с пальмами и фонтанами. А ещё по городу ходят легенды о персональной выставке, которую Закиров уже много лет готовит и, наверное, вот-вот откроет.

▪️«Академизм в себе очень сложно побороть. Вроде как не он должен на мне ездить, а мне его нужно обуздать. И мне хотелось бы академизм прямо в грязь втоптать ногами. Например, у меня есть работа «Прибор для экономии музейного пространства». Для неё я купил призматрон — это рекламная конструкция, которая часто висит над дорогами, там три грани, которые раз в пару секунд переключаются и показывают новый баннер. Я написал для неё три картины в голландском стиле, разрезал на полоски и вклеил в этот призматрон. Вот такого рода взаимодействие с академизмом мне близко. Или ещё одна работа, которая представлена на выставке финалистов премии SCAN, называется «Айтрекинг для академистов». Это копия полотна Репина «Не ждали», но на картине прописаны только те места, куда смотрят посетители музея. А те, на которые не смотрят, — обозначены парой мазков. Тем не менее, издалека картина воспринимается точной копией Репина».

▪️«Честно говоря, я просто ненавижу тайгу. Потому что только придёшь ты в лес, тут же ногу себе сломаешь и клещ тебя укусит. Я вообще не понимаю, зачем современному человеку на природу ехать. Приезжает из Москвы какой-нибудь человек на три дня, и его сразу на целый день на эти хвалёные Столбы везут. А ведь это просто большие камни! Для меня это абсолютная глупость, вот эта природа, камни, какая-то ядовитая растительность и твари, которые хотят тебя покусать. Моё единственное приятное воспоминание о Столбах — это встреча с землеройкой. Она дралась с дождевым червём и была так увлечена, что мне удалось её погладить. А вот всё остальное мимо. Поэтому мне больше нравится делать работы про поп-культуру».

Коллеги просят поделиться с читателями сообщением, что в резиденции «Заря» (Владивосток) продолжается прием заявок на 2025 год. Можно подаваться художникам, исследователям, писателям, археологам, музыкантам.

Я была в этой резиденции и могу сказать, что и сам Владивосток, и его арт-мир произвели на меня очень сильное впечатление, это была очень богатая на новые знания и эмоции поездка. А ещё в городе огромное множество неразведанных и нерассказанных историй, просто сокровищница для художника. И Владивостоку нужно, чтобы кто-то эти все истории пережил, переосмыслил и передал. То есть художнику есть, что взять у города, и есть, что ему отдать, — мне кажется, оба аспекта очень важны.

❗️Дедлайн: 19 января 2025 г.

✏️ Предварительный лонг-лист участников: 17 февраля 2025 г.

✅️ Финальный список участников 2025 года: 26 февраля 2025 г.

💬 Подробнее об арт-резиденции и условиях участия можно узнать здесь.

#художникамэтонадо

Поскольку топ-3 не вмещает все хорошие выставки, которые идут сейчас в Москве, напомню ещё про выставку Владимира Яковлева «А в степи гуляет ветер…» в пространстве «AZ/ART» на Маросейке @azart_moscow. Это проект немного грустный, поскольку художник прожил очень непростую жизнь, но это хорошая грусть, правильная.

А я хочу поделиться статьёй-воспоминаниями филолога Николая Котрелёва про Яковлева, это одно из редких свидетельств современников о художнике. Текст этот был впервые напечатан в альманахе «Другое искусство» в 1991 году, но тот номер уже давным-давно библиографическая редкость.

▪️«Сашка, к слову, и был игроком, азартным, умелым и удачливым, даже хищным, в том числе и покеристом, но не профессиональным — ему выигрыш был нужен не ради денег, а ради выигрыша. Сашка хотел выигрывать всегда и во всем. Быть может, признание Яковлева в мире взрослых — единственный выигрыш Сашки Васильева, все прочее полетело в тартарары»

https://iskusstvo-info.ru/nikolaj-kotrelev-o-hudozhnike-volode-yakovleve/

#прямосейчасвмоскве

Наш топ-3 выставок на зимние каникулы:

1. «Videobrasil. Перевод не требуется». Сорок лет видео-арта и перформанса в Доме культуры «ГЭС-2». Кроме неё в Доме культуры открыты и другие, может быть, даже более новогодние выставки — «Новая новая эра» с предсказаниями и «Генератор счастливых случайностей» Ивана Горшкова. Однако VideoBrasil — это такой большой и важный проект, что его не стоит пропускать в любом случае.

2. «Будущее воспоминаний». Тотальная инсталляция в особняке Демидовых-Голицыных. Это своего рода дом с привидениями в версии современных художников.

3. «Чудесное путешествие». Выставка детской иллюстрации Олега Васильева и Эрика Булатова. Проект не только для родителей с детьми, а для всех, кто когда-либо был ребенком.

https://iskusstvo-info.ru/top-three/

#прямосейчасвмоскве

У японцев есть традиция предновогодней вечеринки — «боненкай», буквально, вечеринка, на которой надо забыть предыдущий год. Мне, правда, кажется, что не надо ничего забывать: наш опыт — это и есть мы, а от себя отказываться никогда не стоит.

Поэтому к празднику пусть здесь будет одна из моих любимых работ японского коллектива TeamLab, мне кажется, она по настроению прямо очень новогодняя.

Отличных вам праздников!🎄

Посмотрите, какие отличные рисунки получились в результате сотрудничества художницы Саши Гарт и оркестра musicAeterna!

Дирижер Теодор Курентзис проводит множество событий, которые принадлежат смежному пространству — между музыкой, театром и современным искусством, а его оркестр и хор musicAterna давно и плотно сотрудничает с современными художниками, например, предлагает им создавать графические и фотосерии, которые будут откликаться на произведения из музыкальной программы. Потом эти работы становятся частью концертных буклетов, и в результате получаются полноценные коллекционные книги с музыковедческими эссе и тематическими иллюстрациями. А в 2024 году оркестр musicAeterna пригласил Сашу Гарт поработать с ними целый сезон.

▪️«Это правда, что меня мало привлекает изображение людей, но сама геометрия и структуры оркестра завораживают, глядя на музыкантов с балкона, я воспринимаю пространство репетиционного зала и оркестр в нём как пейзаж»

https://iskusstvo-info.ru/hudozhnitsa-aleksandra-gart-o-svoej-rabote-s-orkestrom-musicaeterna/

#организациязвука

В Москве много домов с удивительными биографиями, зданий, которые могли бы стать главным героем какого-нибудь авантюрного романа. Вот он родился как особняк чугунного короля Демидова на улице Новой Басманной, которая только-только входила в моду как востребованный царский маршрут, которым любил ездить Пётр I в Преображенское. Затем он чудом выживает в пожаре 1812 года, при том, что весь остальной район превращается в руины. Затем поступает во владение Голицыных и становится хранителем гигантской коллекции картин и книг. Когда хозяин коллекции разорился и распродал её, частью в Эрмитаж, то дом становится приютом для родовитых сирот, будущих геодезистов и картографов на императорской службе. Потом дела его идут плохо: вот он в роли больницы для чернорабочих, затем — военного госпиталя, и сейчас с обнажённой кирпичной кладкой, местами трехсотлетней, стоит и ждёт следующего богатого владельца. Домов с интересными судьбами много, да, но не все из них позволяют эту историю увидеть изнутри.

В этот самый особняк №26 по улице Новой Басманной пустили художников, некоторые из них привезли уже готовые работы, например, Леонид Тишков, который уже на монтаже осознал, что родился в уральском посёлке, где все жители работали на промышленников Демидовых. Некоторые подготовили новые проекты — бумажные статуи Шишкина-Хокусая рассказывают о временах, когда владелец дома №26 устроил публичный парк с богатейшей коллекцией растений, а чтобы по ночам не воровали редкие виды роз, набелил слуг и расставил их в виде статуй по всему парку: только вор наклонится за цветком, а статуя — хвать его за шкирку! На самом деле сложно сказать, что интереснее, сам дом или выставка современных авторов, чей список весьма впечатляет. Наверное, интереснее всего наблюдать, как художники наделяют воспоминания будущим. Ведь реальное будущее дома ещё неизвестно. Басманный район вроде бы планируют сделать модным и дорогим, дом отреставрировать, так что надо ловить момент, пока эти осколки прошлого ещё осязаемы и воплощены в искусстве.

📌 Выставка «Будущее воспоминаний», кураторы Катя Бочавар, Мария Салина
🏛 Новая Басманная, 26
⏰️ до 25 апреля 2025 года

🎫 Вход бесплатный, но только с экскурсией по предварительной регистрации: https://artbasmannaya26.ru/main

#прямосейчасвмоскве

Не успеваю на сегодняшнее открытие, поэтому хожу сейчас по ещё пустым залам Мультимедиа Арт Музея, где уже развешана новая выставка детской иллюстрации Эрика Булатова и Олега Васильева — идеальная на зимние каникулы.

Вспоминаю, как готовила материал для журнала и выбирала для него такие же сказочные иллюстрации, перебирала папки с оригиналами работ, и больше всего меня занимала даже не возможность руками пощупать картинки из любимых книжек детства, а шанс увидеть оборотную сторону, разные маргиналии — буквицы, мелкие картинки, вставленные в текст или вынесенные на поля, где появляются сюжеты, каких, может быть, и в сказке-то не было.

Кураторы нынешней выставки возводят эти необязательные детали к традиции художников-мирискуссников. Но на самом деле традиция ещё более старая — так иллюстрировали средневековые манускрипты: большие иллюстрации отданы евангельским сюжетам, а на полях плодятся монстры, крестьяне собирают урожай булок и блинов, огромные зайцы преследуют гончих, в общем, все самое интересное — на этих полях😊

И вот ещё что: считается, что «неофициальные» художники относились к детской иллюстрации как к халтуре. Илья Кабаков прямо говорил, что пытается сделать настолько плохо, насколько возможно, чтобы издательству понравилось. А вот Эрик Булатов и Олег Васильев так к этим книжкам не относились. Это хорошо видно по работам, показанным в музее, которые сделаны с любовью, вкусом, старанием. Об этом, кстати, у нас была статья Сергея Хачатурова, очень хочу ею поделиться.

📌 Выставка «Чудесное путешествие»
⏰️ 26.12.2024 — 16.02.2025
🏛 Мультимедиа Арт Музей

#прямосейчасвмоскве #любимоеизжурнала

Издательство Ad Marginem предложило нам организовать совместную публикацию одного из эссе Линды Нохлин из нового сборника «Изобрести современность». Мы с радостью согласились, и я, немного поколебавшись, выбрала «Музеи и радикалы: история чрезвычайных ситуаций». С одной стороны, это отличное, очень информативное и полезное эссе, такое, что только ради него стоило бы купить всю книгу. С другой, ну, скажите мне, какой нормальный человек в конце 2024 года станет читать текст по истории музеев?

Между тем, эссе можно было бы назвать «Музеи и ненависть». Когда я была маленькой, мне казались очень странными все эти поэты и художники, которые предлагали сбросить Пушкина с корабля современности и уничтожить все музеи. Однако, став искусствоведом, я гораздо лучше понимаю людей, которые старались, чтобы элементы скульптурной декорации французских готических соборов не были перевезены в Лувр, даже если они там будут сохраннее. И Клода Моне, который пришёл в Лувр только затем, чтобы демонстративно отвернувшись от великих картин прошлого, писать живой и шумный Париж, на который открывался прекрасный вид из окна. И даже реалиста Луи Эдмона Дюранти, который сказал, что будь у меня спички, «я бы поджег эти катакомбы с глубоким убеждением, что служу делу искусства будущего», и Камиль Писсарро его поддержал! В общем, мне очень нравится знать, что музеи способны вызвать гораздо более сильные эмоции, чем вежливое и почтительное равнодушие.

#сундукисокровищ

Цифровая фотография гораздо быстрее исчезает и растворяется в бездне забвения, чем старые черно-белые карточки. Старые семейные фотографии долговечнее, чем те, кто на них изображены, они останутся, когда уже не будет никакой семьи, ни одного человека, который бы помнил имена всех этих выстроившихся в линеечку и улыбающихся людей. Ни одного человека, кому хотелось бы их помнить. А снимки остаются.

То ли на помойках, то ли на барахолках, со сломами, царапинами, с оборванными и стёршимися краями. Все эти сколы, сломы и кракелюры — разумеется, метафора. Их стоит приблизить к себе и рассмотреть очень внимательно. Именно так выглядит память — говорит нам художница Кристина Сырчикова, которая собирает эти старые фотографии и при помощи макросъемки увеличивает заломы и царапины в сотни раз, делает их видимыми. Архитектор Дмитрий Храмов предложил распечатать их на длинных белых полотнах, напоминающих бинты. Ведь если есть царапины и сломы — их надо лечить, бинтовать, перевязывать. Быть может, искусство и правда способно исцелять.

📌 «Родные пятна», Кристина Сырчикова
🏛 Галерея Pennlab
⏰️ Выставка продлена до 15.01.2024

#прямосейчасвмоскве

У центра AZ/ ART на Маросейке совсем небольшое пространство, не сразу понятно, как там может поместиться полноценная ретроспектива Владимира Яковлева в семьдесят работ.

Тема выставки — переход от абстракции к портретным изображениям: Яковлев писал портреты ветра, цветов и людей. И не всегда легко определить, где чьи. Уж очень все живое.

Конечно, все эти работы особенно пронзительно звучат на контрасте с обстоятельствами жизни художника: на картинах свет и печаль, а в жизни больницы, психическое расстройство, постоянные мысли о смерти. Но лучше всего это прочувствовать через стихи Яковлева. Выставка названа строчкой «А в степи бушует ветер…», но и остальные его тексты — это не другая сторона его творчества, это составная часть именно этих картин.

* * *
А каждое утро приходит что-то
светлое.
И хочется остаться
на этом светлом
как как будто что
дома и вновь ушло
в призрачное.

* * *
А солнце светило светило светило
Дороги светило и ямы согрело
Кресты позолоты и ямы светило
Кресты позолоты и ямы могилы
Светило светило могилы светило

* * *
А небо обещало песни
А небу обещал ветер, что он разгонит тучи и принесет песни.
А луна светила и сказала – будет ночь.

* * *
Это просто возможность
идти да идти (Торо)
Я стоял на вершине
и видел тебя Гробман
Твое солнце грело меня
На протяжении 13 лет больниц
13 лет тюрем
и мокрых с кровью ресниц.

* * *
Тяжелым
Заснеженным
Небом
Снег
Снег
Как на ступенях
Тающие следы
Старого года.

📌 27 ноября 2024 — 2 февраля 2025

#прямосейчасвмоскве

Несколько лет назад, когда мы готовили номер про арт-резиденции, я оказалась на круглом столе в Мастерских музея «Гараж», художники рассказывали про свой резидентский опыт и предполагали, как его можно было бы улучшить. Почти все упоминали, что, попав в новый город и обстановку, они были обескуражены, поскольку всё оказывалось совсем не так, как они предполагали, когда писали заявку. Кто-то предложил решение: сначала съездить как бы на разведку, понять, как всё в этом новом пространстве устроено, подумать, доработать или полностью перепридумать свой проект, и уже тогда ехать в настоящую резиденцию его реализовывать.

Именно так устроена новая резиденция, основанная Hovard Art Foundation в Петербурге. Они собираются приглашать художников из Африки и Азии, но сначала в пробную поездку. Если у тех появятся идеи — замечательно, можно обсуждать проект и закладывать адекватное время на его подготовку. Никаких идей не родилось — ничего страшного, любой опыт — это тоже опыт. Первыми приехали Фабиола Киминаццо и Моза Альматруши, обе из ОАЭ и обе больше всего интересуются пчелами (да, пчелами в Ленинградской области!), но по разным причинам. Фабиола работает с воском, используя его как строительный материал для своих инсталляций. А вот Моза не только художница, но и кондитер, она любит рассказывать истории про соблазнительно выглядящие сладости, которые смотрятся ещё привлекательнее в процессе приготовления, когда повар месит и раскатывает тесто, прослаивает его медом и фисташками, взбивает сливки и крем, ждёт пока выпечка зарумянится в печи. Вот только истории эти, как правило, не слишком радостные — про войны и политические кризисы, про пропаганду и манипуляции. Моза уверена, что на примере мёда, десертов и пчел можно проговорить многое из того, что по разными причинам невозможно обсудить открыто:

▪️«Например, мое видео «Глазурь» — это по сути история о том, как сладости готовятся быть съеденными, для них это своего рода ритуал самопожертвования, они надеются стать достойными своей высокой миссии, они призваны, то есть здесь опять появляется милитаристская риторика, но вы не увидите ничего этого в фильме, только завораживающие картины производства десертов, крем, сливки и мёд. Но когда вы читаете текст, историю о том, как сладости готовятся к смерти, вы обнаруживаете, что никогда не думали о них в таком ключе».

▪️«Семейства пчёл — это маленькие политические структуры, которые вступают друг с другом в различные дипломатические отношения или конфликты, которые не имеют ничего общего с нашими конфликтами. Хотя, как вы знаете, мы всё еще находимся в противостоянии с природой, с землей, мы конфликтуем с нечеловеческими организмами. Но для меня изучать отношения пчелиных семейств друг с другом гораздо интереснее, чем разбирать человеческие конфликты, внутри которых мы живём, в том числе потому, что, говоря о пчёлах, ты на самом деле можешь поговорить о том, что тебя окружает, не обозначая это напрямую, не называя вещи своими словами. И я забочусь о том, чтобы мои работы были понятны разным людям, не только тем, кто живёт в тех же исторических и политических обстоятельствах, что и я. Посредством пчёл можно поговорить о проблемах гендера, о военных конфликтах, об изменениях климата, у пчёл есть своя пищевая политика, и ты можешь дать зрителю инструменты для того, чтобы он ввел эти вопросы в свой собственный контекст. Мы можем спроецировать на них что угодно».

https://iskusstvo-info.ru/hudozhnitsy-iz-oae-v-novoj-peterburgskoj-rezidentsii-uchrezhdennoj-hovard-art-foundation/

#хорошопоговорили

Перед открытием выставки «Чересчур» про китч в современном российском искусстве куратор Алексей Масляев прочитал целую лекцию. Он рассказал и про спор Вальтера Беньямина и Теодора Адорно (это лучше, конечно, самим посмотреть на видео), и про знаменитое эссе Клемента Гринберга «Авангард и китч» (если не читали, то надо обязательно), и про то, почему эта категория китча нам важна и актуальна сегодня (потому что китч существует только в настоящем времени).

Но вообще одна из самых важных для выставки идей, отсылает нас к Канту: китч — это ведь фальшивое обещание возвышенного. А по Канту, возвышенное всегда смыкается с переживанием ужаса. Именно эта мысль читается в большинстве работ российских художников, и новых, и сделанных давным-давно.

🏛 Ruarts Foundation, Трубниковский переулок, 6
📌 с 21 ноября

#прямосейчасвмоскве

И еще про гранты и поддержку художников. Арт-резиденция «Выкса» объявила open call на 2025 год: https://vyksaair.com/forartists#!/tab/201534654-2

Заявки принимаются до 1 декабря, экспертный совет выберет десять участников (из всех стран мира, например, в прошлом году были художники из Мексики, Турции, Армении, Иордании и Казахстана). Но важно понимать, что если вас выберут, нужно будет переехать в Выксу на 6-8 недель, и здесь любят, когда проекты резидентов затрагивают городской контекст, или художники работают с жителями, в общем, вам должно быть интересно то место, где вы собираетесь жить два месяца😉 а оно правда интересное.

Здесь мы можем вот чем помочь: у нас есть подборка статей про Выксу и из них можно многое про неё узнать и составить более продуманную заявку.

✅️ Действительно ли культурные проекты помогают городам развиваться?

✅️ Ирина Седых: «Недостаточно оплатить работу архитектора, чтобы он сделал красивую скамейку»

✅️ Российские арт-резиденции. «Выкса», Нижегородская область

#художникамэтонадо

А еще «Гараж» открыл программу поддержки молодых художников (это от 18 до 35 лет). Собирает заявки до 📌20 ноября и обещает до конца будущего февраля выбрать пять победителей, каждый из которых будет получать по 70 тысяч рублей в месяц в течение года. Можно подаваться, если вы работаете в сфере актуального искусства, вне зависимости от техники и жанра, только нужно будет четко прописать суть проекта, над которым вы будете работать в течение этого года, включая смету и план реализации. Вот здесь можно узнать подробности.

Очень агитирую всех участвовать! 🤗

Изображение: Кристина Пашкова. «Ре-действие. Протираю глаза». 2023

#художникамэтонадо

Известно, что большинство советских праздников пришли к нам из церковного календаря, но из них постарались убрать всё религиозное содержание и заменить его государственной идеологией. Например, так произошло с Рождеством, которое превратилось в советский Новый год, где Снегурочка привозила марсиан на Землю на корабле «Восток-16», Айболит отрезал болтливый язык Барону Мюнхгаузену, Дед Мороз зачитывал доклад о результатах деятельности колхозов, а волшебная сила переходила к некой специальной «комиссии». Конечно, самое интересное здесь — это подробности. А ещё из этих подробностей можно сделать интересные выводы о том, что своей живучестью советский миф обязан именно праздникам и зрелищам того времени. Они остались в памяти людей и в кинофильмах, и их эстетику наши современники проецируют на повседневную жизнь в Советском союзе, которая на самом деле была весьма далека от «Карнавальной ночи». Тем не менее именно праздники подпитывают нынешнее ностальгию по временам СССР. Об этом рассказывает новая книжка Евгения Слесаря «Советский праздник: театрализация мифа», выпущенная издательством музея «Гараж».
И я хочу поделиться с вами её отрывком про то, как изменился праздник Троицы.

Конечно, сначала цитаты:

▪️В отборе средств выразительности предлагали воспользоваться опытом церкви. Не считая этот опыт чуждым, устроители новых праздников были убеждены, что возвращают некогда украденную у советского человека зрелищность. «Если бы на одну минуту взять и отнять у церкви всю ее обрядность, весь тот театральный характер, который она взяла из народных праздников, из народных обычаев, и отдать это народу, то церкви нечем будет заманивать народ», — заявлял один из участников конференции в марте 1963 года.

▪️Новые, «подмененные» ритуалы опираются на традиционные действия, символы и персонажей старых праздников <….> исконные элементы образной системы троичного обряда (береза, вода, призыв суженой/суженого) и мотивы (утопление, несбывшаяся встреча, поминания) адаптируются к художественной ткани концертной композиции.

▪️Если в Троице центральной фигурой является Бог Отец (Сын Божий рождается от Бога Отца, а Святой Дух исходит от Бога Отца), в советском переложении березка провозглашается центральной фигурой среди деревьев-республик. В сюжете это выражается через ее доминирование по отношению к другим «союзным деревьям» и роль спасительницы и начальницы. Конников предлагал, чтобы героиня ездила по стране и повсюду на своем пути встречала друзей — украинский тополь, грузинскую чинару, узбекский хлопок <…> А потом бы перешагнула рубежи Родины и встретилась с кубинской пальмой, румынским буком, каштаном Праги и т. д.

▪️В 1964 года в парке им. Низами в Баку состоялось представление «Березка и чинара — родные сестры». Молодая девушка Чинара по сюжету представления оказывалась в руках бандитов-гочу, желавших насильно выдать ее замуж. Для азербайджанской девушки Чинары история заканчивалась благополучно. Под приветственные возгласы участника революции 1917 года ей на помощь приходила Березка. Насильственным действиям горцев-гочу сопротивлялась не только русская Березка, но и реальная фигура революционера — инициатора спасительной операции.

#книгинаосень

В Доме культуры «ГЭС-2» последние выходные проходит выставка Юлии Абзалтдиновой «Я никогда этого не увижу. Я никогда этого не забуду». Художница работала со слабовидящими и незрячими женщинами: попросила их поделиться самыми сокровенными визуальными воспоминаниями — если они есть — или самыми яркими воображаемыми образами, если участницы родились незрячими. На основе их рассказов Юлия сгенерировала изображения при помощи сети Midjourney и сделала их частью фотоскульптур. Она, во-первых, хотела, чтобы её собеседницы смогли побыть такими же художниками, её соавторами. А во-вторых, чтобы зритель ощутил, что визуальный опыт людей с особенностями на самом деле такой же фрагментарный, как и у зрячих. У нас больше общего, чем мы думаем, и больше уникального, чем нам кажется.

Мы с ней #хорошопоговорили, и вот пара фрагментов:

▪️Елена Миронова мне рассказывала о своём путешествии с мужем в Сочи, тогда она ещё могла видеть. Они вместе забрались на какую-то вершину и оттуда смотрели, как море сливается с небом. Для неё это воспоминание сакрально и всегда свежо в её памяти. У неё нет большого объема зрительных воспоминаний, поэтому те, что она успела приобрести, бережно хранит. Когда она говорила о том дне, казалось, что всё происходило вчера, настолько ярко и детально она всё помнит. Она может возвращаться к нему снова и снова, и краски никогда не поблекнут.

▪️Зато наши воспоминания теряют краски, потому что у нас всегда много новых визуальных впечатлений, и сознание утрамбовывает их в долгосрочную память, а потом они постепенно размываются.

▪️Любое восприятие фрагментарно, и неважно, кто ты, есть ли у тебя какие-то физические особенности, даже если два человека находятся в одной системе координат, миры в их головах абсолютно разные, они все уникальны. И мне хотелось, чтобы зритель, когда он заходит в пространство выставки, чувствовал себя как будто в очках виртуальной реальности. И далее, раскручивая эту тему, я пришла к тому, что мы как раз в силу фрагментарности восприятия и начинаем создавать свои миры — виртуальные, кинематографические, литературные. Когда мы на что-то смотрим, то быстро считываем, что перед нами осень, рабочий или кошка, но не улавливаем ничего, кроме общей идеи или очертаний, а дальше строим что-то своё. Мы это делаем автоматически в течение всей жизни. И работая с инклюзивной группой, я не пыталась привнести в проект их уникальный опыт, поскольку каким бы ты ни был исключенным из общества, ты всё равно такой же, как все остальные. И наоборот, в системе одинаковых элементов, ты всё равно остаёшься уникальным.

📌 Открыто до 10 ноября 2024
🏛 Дом культуры «ГЭС-2», Болотная набережная, 15

А еще хочу поделиться видео, как художники оформляли дефиле японского дома Issey Miyake на парижской неделе моды в прошлом году. Смысл в том, что присутствующие на показе зрители должны были потерять ощущение, что пол, стены и потолок — это плоскости, они должны были превратиться в единую поверхность, движущуюся, наверное, как знаменитые плиссированные ткани Иссея Мияке, которые в своё время прославили дизайнера.

https://vimeo.com/793397205

Продолжая тему фиджитал-арта, хочу рассказать ещё про один проект — благодаря Французскому институту его сейчас можно увидеть в Москве, а очень скоро и в Питере. Проект называется Acqua Alta, его придумали Adrien M & Claire B, театральные режиссёры и цифровые художники (а Адриан вообще начинал как жонглёр, а потом ушел в программисты). Они рассказывают нам историю про мужчину и женщину, которые живут вместе, но, кажется, не особенно ладят. И вот однажды в мире начинается дождь, настолько сильный и долгий, что сначала он разрушает дом, где живут герои, а потом в потоках воды исчезает женщина, остаются только её волосы, которые кажутся живыми, они плывут в дождевой воде, как некое морское существо со множеством щупалец. И мужчина, подобно Орфею, отправляется искать свою Эвридику. Дальше надо смотреть своими глазами. И смотреть — все три части работы, которые по-разному и в разных медиа интерпретируют этот сюжет. Желательно именно вот в таком порядке:

1.  Театральный перформанс с живыми исполнителями, но находятся они за прозрачной тканью, на которую накладывается цифровая проекция. Причем проекция эта интерактивная, она реагирует на перформеров, и получается, что они как бы танцуют не с друг другом, а именно с цифровыми призраками. Однако перед нами не мультик, претендующий на жизнеподобие, наоборот: Клэр и Адриан используют только точки и линии, но вполне справляются с тем, чтобы показать и дождь, и дом, и рухнувшую стену, и то, как из обломков вырастают странные существа. По сути, мы видим вариацию на классическую графику, где точек и линий вполне достаточно для того, чтобы изобразить что угодно. Перформанс идёт 50 минут. В Москве можно посмотреть его видеоверсию, и хорошо, если во время просмотра зрителю удастся занырнуть в почти медитативное состояние, на грани сна и яви, тогда задумка художников сработает идеально.

2.  Книжка-панорамка. Ты открываешь её на развороте — и возникает объемный дом с окнами и лестницей, сделанный из бумаги. Пейзажи вокруг нарисованы от руки, а вот герои обитают только в дополненной реальности. Нужно взять планшет и наушники, и двигаться от разворота к развороту, на каждом тебе покажут какую-то часть истории, причём Клэр настаивает, что порядок просмотра можно выбрать самому и получить собственный сюжет. На самом деле на экране планшета тоже разворачивается балет, не совсем такой, как в танцевальном перформансе, но исполнители те же: художники надели на них датчики и при помощи технологии motion capture перенесли живой танец в цифровой мир.

3.  Ключевая сцена в виртуальной реальности. Ты надеваешь VR-очки и оказываешься внутри танца героев. Эта часть самая короткая, всего три минуты, так что голова не закружится, но движения персонажей надо ловить со всех сторон, ты буквально находишься между ними.

Многосоставная Acqua Alta мне кажется разговором о том, как художник выбирает для себя инструменты, позволяющие изобразить тот или иной сюжет: вот танец, комикс, мультфильм, цифровая и рукотворная графика, дополненная и виртуальная реальность, театр, одна и та же история может быть рассказана по-разному, а может существовать между ними, появляясь и исчезая, как в раскладной книжке.

📌 Все это можно увидеть в Музее советских игровых автоматов (Рождественка, 12) до 10 ноября. А в Петербурге с 21 по 23 ноября во Французском институте (Невский проспект, 12).

#прямосейчасвмоскве #прямосейчасвпитере

Эмиль Бюрле — один из самых противоречивых персонажей современной истории Швейцарии. Он сколотил состояние, продавая нацистам оружие, и благодаря такого рода контактам получил доступ к искусству, которое либо было отобрано у еврейских коллекционеров, живших в Германии, либо владельцы картин, покидая страну, вынуждены были спешно распродавать их за бесценок. В итоге, в коллекции Бюрле оказалось 633 работы — от голландцев и итальянцев до постимпрессионизма. Собрание богатейшее — все первые имена, работы уровня гигантских «Кувшинок» Моне. В 2021 году они перешли Художественному музею Цюриха. Происхождение коллекции никто не скрывал, тем не менее, настоящая дискуссия об этичности представления этих работ началась, по сути, всего несколько лет назад. Две-три картины съездили на временную выставку в Америке — и там вышли гневные статьи, потом и в швейцарской прессе начались обсуждения.

И что же сделал музей?

Во-первых, он заказал гигантское исследование, где специалисты дотошно проследили судьбу каждого полотна. Во-вторых, представил выставку, где предложил самим зрителям решить судьбу коллекции. И это удивительная, на мой взгляд, выставка: там рассказывается и о самом Бюрле, и о том, что в Швейцарии не он один сотрудничал с нацистской Германией, на ряд предприятий после войны были наложены международные санкции, что, впрочем, не помешало Штатам закупать у Бюрле оружие для Корейской войны. Отдельный зал посвящен оценкам экспертов и не экспертов: на видео искусствоведы, историки и просто жители рассказывают, почему они, например, считают, что коллекция должна быть убрана в запасники и больше не экспонироваться. Специалист по новейшей истории считает, что наконец должна состояться общественная дискуссия о роли страны во Второй мировой войне, тогда и картины обсуждать не придется, дело же не в них. Один из искусствоведов считает, что да, провенанс у работ сомнительный, но при этом имена самих художников не запятнаны ничем, и мы несправедливо поступим с картинами, поместив их в контекст, где они не смогут рассматриваться иначе как в связи с нацистами. В чем-то он прав: когда проходишь по залам, ты замечаешь множество интереснейших работ, но увидеть их по-настоящему невозможно, пока ты нагружен всей той колоссальной информацией, мнениями, да и по каждой картине представлена вся судебная документация: почему одни работы постановили вернуть наследникам, другие признали купленными законно, по результатам исследования собраны тома и тома — со всеми деталями можно познакомиться, все в доступе. Параллельно на стенах подробно объясняются все возможные термины, например, что такое «реституция» и как она производится.

Но самое главное: в каждом разделе выставки стоит стенд для голосования, например, о том, изменилось ли моё отношение к картинам, после того как я узнал об их прошлом; какие чувства я испытываю, посетив выставку, подавлен ли я или, например, вдохновлён. И финальный вопрос: как следует поступить с коллекций: спрятать, показывать как раньше, оценивая картины только в соответствии с их внутренним содержанием, или подробно рассказывать, как они оказались в музее. Большинство голосов отдано за последний вариант. И не сомневаюсь, что музей поступит именно так, как решат зрители.

#сундукисокровищ

Этой весной в Петербурге открылась фиджитал-галерея «Охра». Фиджитал — модное слово, но лишь в узких кругах тех, кто занимается новыми технологиями, поэтому нуждается в пояснении. Например, художники могут работать с дополненной реальностью (AR, augmented reality) — тогда мы подглядываем в цифровую реальность сквозь замочную скважину мобильного телефона. Или с виртуальной реальностью (VR, virtual reality) — тогда мы надеваем шлем и переходим в цифровой мир целиком. А фиджитал (physical + digital) — означает, что работа представляет собой материальный объект, видимый человеческими глазами, но одновременно у неё есть виртуальная часть, и чтобы её различить, нужны дополнительные устройства.

Удивительным образом эту технологию проще всего объяснить на примере средневековых бестиариев. Это были зоологические справочники своего времени, они включали и реальных, и фантастических существ, вот только описание внешности и повадок считалось далеко не самым главным даже в случае обычных, невыдуманных животных. Непременно существовала еще и символическая, скрытая часть.
Например, пеликан — вполне реальная птица, мы все более-менее представляем её облик, но, увидев такое изображение на церковном портале, человек должен был понимать, что речь идёт про Иисуса Христа, поскольку пеликан якобы питает птенцов собственной кровью, как и Иисус апостолов во время Тайной вечери. Это и есть виртуальная часть образа, которую можно воспринять лишь посредством мистического откровения. В то же время для средневекового человека именно этот смысл был наиболее важным, поскольку наш материальный мир считался лишь слепком с иной, подлинной реальности, недоступной человеческим глазам. Примерно так же устроен и цифровой мир, который мы тоже не можем увидеть без помощи гаджетов.

Продолжение текста по ссылке>>>

P.S. Все это ребята будут представлять на ярмарке Cosmoscow

#прямосейчасвпитере

Галерея Люмьер проводит большую и важную работу по систематизации наследия Наума Грановского, знаменитого архитектурного фотографа, летописца меняющихся советских городов — Москвы, Тбилиси, Баку, Минска, Волгограда. За пять лет кураторы подготовили и опубликовали три тома, где отражены разные аспекты его творчества, а сейчас предложили нам рассказать про эти книги читателям. Мы же посмотрели альбомы и обнаружили замечательную статью Елизаветы Лихачевой, которая рассказывает и про специфику архитектурной фотографии, и про то, как принимались решения о преобразовании Москвы в 1920-х, и, конечно, про Наума Грановского. Эта статья входит в монографию «Наум Грановский, 1920-1980», и как раз ею мы решили поделиться с вами.

▪️В 1918 году правительство Советской республики приняло решение о переезде из Петрограда в Москву. Сразу после этого начался процесс перестройки Москвы, приспособления города под столичные функции. Первый генплан развития города «Новая Москва», разработанный под руководством ведущих московских архитекторов Алексея Щусева и Ивана Жолтовского, был представлен в Моссовет в начале 1919 года. Он не был принят, но эта работа положила начало коренной перестройке города, в которой, положа руку на сердце, город давно нуждался. Москва начала XX века, немного ленивая, хаотичная, шумная и торговая, должна была стать не просто столицей, но столицей первого в мире социалистического государства.

1920-е годы — особое время не только для русской архитектуры. Это время бесконечных споров и экспериментов, время, когда архитекторы пытаются спроектировать будущее, когда постепенно формулируется то, что позже будут называть русским архитектурным авангардом. Именно тогда в Москве появляются здания, которые впоследствии составят славу отечественной архитектурной школе: дома-коммуны, дворцы и дома культуры, здания наркоматов и газетных редакций. В городе строят, и строят много, но на фотографиях Наума Грановского в этот период нет строек и почти нет новой архитектуры. Он ловит старую, уже почти ушедшую Москву. При просмотре этих фотографий создаётся впечатление, что Грановский снимает эталонные виды, с которыми будут сравниваться все последующие изображения, усиливая впечатление от произошедших в городе изменений. Сложно себе представить, что молодой корреспондент фотохроники ТАСС всерьёз об этом задумывался, но так получилось.

#сундукисокровищ #какгородавыглядятнасамомделе

Мне очень нравятся витражи, которые 70-летний Марк Шагал выполнил для цюрихского Фраумюнстера. Пять высоких и узких окон, каждое в своем цвете. Все изображённые истории Шагал рассказывает как бы снизу вверх, заставляя зрителя поднимать взгляд все выше и, наконец, к звездным сводам собора. Но и сами истории — они про восхождение: вот пророк Илия возносится в огненной колеснице на небо, вот лестница Иакова, по которой поднимаются ангелы, вот ангел несет Исайю. В центре, как и положено, распятие, но, кажется, будто Иисус не висит на кресте, а взмывает вверх, а за ним поднимается и летит Богоматерь с младенцем. И только на желтом витраже, в самом конце времён трубит ангел — и к нам нисходит Небесный Иерусалим.

#сундукисокровищ

#хорошопоговорили Я бы даже сказала — замечательно поговорили с художницей Элиной Гусаровой. Она сняла фотопроект про красноярский заповедник «Столбы», который за последние 150 лет был приютом и революционеров, и разбойников, и диссидентов, вырастил множество прославленных альпинистов и скалолазов, а ещё людей, которые больше всего ценят свободу. Документируя жизнь столбистов, Элина параллельно занималась ещё и кураторской работой — создала Центр современного искусства «Ядро», важное место для красноярских художников. И сейчас рассказывает, что опыт Столбов, само знание, что может существовать такой сплочённый и закрытый от посторонних глаз маленький мир, она перенесла в опыт работы с арт-сообществом.

Как всегда, немного цитат:

▪️Столбы — для меня это священное место. Я бы, конечно же, всех людей, кто приезжает в Красноярск, в первую очередь, приводила туда. У этого пространства есть лицевая сторона, которую видят все люди, и есть изнанка, куда ты можешь попасть, только если идешь с проводником, с человеком, который там свой. Как показывает практика, этот принцип работает в разных пространствах и в разных культурах: со знающим человеком место всегда раскрывается иначе.

▪️У всех столбовских компаний есть свой фольклор, свои правила, байки и традиции. В былые времена столбисты лазили по скалам в шароварах, юбках, расшитых фесках и жилетках, подпоясывались кушаками, которые иногда использовали как страховку. Но, к слову о страховке, главная особенность столбистов — это именно свободное лазание: в то время как во всем мире скалолазы пользуются верёвками, здесь люди используют только своё тело. Это не просто возможность испытать себя, но и ощущение невероятной внутренней свободы, которую могут позволить себе те люди, которые всегда находятся немного на краю.

▪️Столбизм — это совместное бытование и форма альтернативного досуга, когда ты разделяешь общее место и идеи, покоряешь вершины, встречаешь рассветы, ходишь в гости в соседние избушки — петь песни и рассказывать истории. Конечно, это абсолютные мистерии, их сложно пересказать или передать словами те ощущения, ту близость, которая там случается. Случаются и соревнования на скалах, где лазят хитрушки (короткие, но технически сложные лазы), однажды был осенний бал, куда мы принесли с избы патефон. Все были нарядные и танцевали, а потом толпой пошли на Первый столб встречать рассвет.

▪️Я тогда написала манифест, что городу нужен арт-кластер, с выставочными площадками и мастерскими, потому что вся движуха есть только в Москве, и если так дальше пойдет, то все и уедут в Москву. Мне забавно было это писать, поскольку ещё недавно я и сама хотела уехать. Но когда началась работа над настоящей арт-площадкой, я поняла, что дороги назад нет, и нам нужно всё это делать именно в Красноярске. В итоге, мы вместе с Ильёй четыре года строили «Ядро». Оно и сейчас существует, правда, ему сейчас сложно по разным причинам, но оно есть. Однако всему приходит конец. Многие ребята, кто с нами начинал, кто профессионально хочет заниматься искусством, уезжают в Москву, потому что всё-всё-всё базируется в Москве. Вот и мы уехали.

В Московском музее современного искусства на Гоголевском открылась выставка «Владимир Куприянов. Возвращение времени». Куприянов — это классик советской и российской фотографии, и возможность увидеть порядка двухсот его работ сразу — очень ценная, идти надо обязательно, тем более, что курировал выставку Виктор Мизиано. А у нас в журнале, помнится, была отличная статья Владимира Левашова, которая поможет разобраться в творчестве фотографа.

Выставка в MMOMA подготовлена совместно с галереей pop/off/art, и, заглянув в пространство галереи на Большом Палашевском, 9, можно найти либо пролог, либо постскриптум (смотря в каком порядке смотреть) к ретроспективе Куприянова — «Архив. Лаборатория. Поиск».

▪️Как пишет сам Куприянов, 1950е — «это было время, когда на общем фоне тотальной идеологии соцлагеря камера в руках непрофессионального фотографа была чрезвычайна активна, легка в выборе сюжетов и фантастична в композиционной организации кадра. Главное, она всегда фиксировала избыточную целостность и радостность жизни». Надо сказать, так было не только в СССР. Может быть потому, что недавно закончилась мировая война, и коллективное тело человечества по каплям избавлялось от накопленного напряжения. А может потому, что был на излётном пике тот самый демократический гуманизм ХХ века, вроде бы ещё вчера затоптанный чуть не насмерть, однако вновь мощно пошедший в рост.

🎫 Владимир Куприянов. Возвращение времени
📌 03 октября – 24 ноября 2024
🏛 Московский музей современного искусства, Гоголевский 10/1

#прямосейчасвмоскве

P.S. Всё думаю про такие полярные толкования выставки «Квадрат и пространство»: от восторженных до суперкритических. Я её восприняла как постмодернистскую игру — давайте возьмём Малевича как точку отсчета и пересоберем всю историю искусства. А потом возьмем что-то ещё — и пересоберем еще раз и другим способом. У «ГЭС-2» есть выставочная программа про альтернативные истории, и, мне кажется, это как раз оно. А те, кто критикуют проект, воспринимают его на полном серьёзе: мол, давайте выведем Малевича из Айвазовского. Но мне всё же представляется, что выставка про свободное движение сквозь ХХ-й век.