ЧТО ХОТЕЛ СКАЗАТЬ ХУДОЖНИК?

Еще Ротко:
«Оранжевое, красное, желтое»
«Красный на бордовом»
«Без названия (Портрет)»
«Черный на темно-бордовом»

«Без названия (Серый и коричневый)»
МАРК РОТКО
(1969, Метрополитен-музей, Нью-Йорк)

Летом 1968 года Марк Ротко начал писать серию картин, выполненных на бумаге. В этот период он использовал преимущественно серый и коричневый цвета, придающие циклу меланхоличное эмоциональное звучание. Художник отошел от своего привычного паттерна, прославившего его и сделавшего ему имя. Вместо разноцветных прямоугольников, парящих на однотонном фоне, он отдает полотно всего двум сегментам цвета, ограниченных по краям узкой белой полосой неокрашенной бумаги.

Два года спустя, перед самой своей смертью в результате самоубийства, Ротко окончательно уйдет от цвета и напишет серию похожих картин, где вместо коричневого возьмет черный. Многие искусствоведы и поклонники творчества художника склонны рассматривать такой уход в черно-серую гамму как логичное следствие его душевного состояния и отражение депрессивного периода жизни.

#ротко #абстракционизм

Еще Жером:
«Бой гладиаторов»
«Тюльпановое безумие»

«Пигмалион и Галатея»
ЖАН-ЛЕОН ЖЕРОМ
(1890, Метрополитен-музей, Нью-Йорк)

В период с 1890 по 1893 год Жан-Леон Жером создал несколько живописных и скульптурный вариаций «избитой» темы сказания о Пигмалионе и Галатее из поэмы «Метаморфозы» Овидия, в которой рассказано большое число мифов о том, как боги даруют жизнь фигурам из земли и камня. Этот сюжет идеально подошёл Жерому, стремившимся к чрезвычайной точности в деталях. Благодаря этому качеству скульптуры и полотна мастера кажутся почти живыми.

Пигмалион — одинокий скульптур, мастер резьбы по слоновой кости. Он создал девушку-скульптуру, которую по его просьбе оживила богиня Афродита. В работе запечатлён момент когда Пигмалион понял, что Галатея ожила, и они сливаются в поцелуе.

#жером

Еще Дерен:
«Портрет Матисса»
«Танец»
«Старый город в Кань»
«Арлекин и Пьеро»

«Портрет Анри Матисса»
АНДРЕ ДЕРЕН
(1905, Филадельфийский Музей Искусства, Филадельфия)

«Портрет Анри Матисса» – одна из нескольких версий изображения Дереном своего друга и коллеги Анри Матисса. Матисс почти узнаваем, а всё потому, что его лицо состоит не более чем из нескольких пятен зелёной и оранжевой красок :)

#дерен

Еще Пикассо:
«Авиньонские девицы»
«Старый еврей с мальчиком»
«Дора Маар с кошкой»
«Герника»
«Девочка на шаре»
«Мальчик с трубкой»
«Три музыканта»
«Любительница абсента»
«Автопортрет»
«Обнаженная в красном кресле»
«Женщина в берете и клетчатом платье»
«Поцелуй»
«Портрет Франсуазы»
«Купальщицы»
«Девушка перед зеркалом»
«Старый гитарист»
«Портрет Амбруаза Воллара»
«Жизнь»
«Фигуры на пляже»
«Мулен де ла Галетт»
«Женщина с вороной»
«Автопортрет»
«Кошка, поймавшая птицу»
«Портрет Ольги в кресле»

«Актер»
ПАБЛО ПИКАССО
(1904, Метрополитен-музей, Нью-Йорк)

Можно сказать, что эта картина своей тематикой, палитрой и чувственностью открывает новый «розовый период» в творчестве Пикассо. И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение. В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века.

Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним. Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни.

#пикассо

Еще Васнецов:
«Алёнушка»
«Снегурочка»
«Богатыри»
«Ковер-самолет»
«Иван-царевич на Сером Волке»
«Гамаюн, птица вещая»
«Сирин и Алконост»
«После побоища Игоря Святославича с половцами»
«Пруд в Ахтырке»
«Портрет Т.А. Мамонтовой»
«Букет. Абрамцево»
«Царевна-лягушка»
«Портрет Ю.И. Успенского»

«Володя с ружьем»
ВИКТОР ВАСНЕЦОВ
(1899, Государственная Третьяковская галерея, Москва)

Владимир Васнецов – младший сын художника Виктора Васнецова. В детстве Володя часто становился моделью для создания образов в картинах своего отца. Так, Ивашка в картине «Баба-яга» (1917, Дом-музей В.М. Васнецова), образ юного княжича в картине «Баян» (1910, Русский музей), главный персонаж в картине «Юные грёзы» (1918, частное собрание).

Виктор Михайлович неоднократно писал портреты своего младшего сына. На одном из них мальчик представлен с ружьем, с которым связано забавное семейное предание: когда в доме силами детей ставили спектакли, Володя всегда выходил на сцену с ружьем, даже если по сценарию никакого ружья не было.

#васнецов

Еще Караваджо:
«Больной Вакх»
«Медуза»
«Амур-победитель»
«Положение во гроб»
«Рождество со святым Франциском и святым Лаврентием»
«Вакх»
«Призвание апостола Матфея»

«Корзина с фруктами»
КАРАВАДЖО
(1596, Пинакотека Амброзиана, Милан)

Данную работу часто называют первым натюрмортом в европейской живописи.

Работа Караваджо соответствует названию жанра буквально. В этом натюрморте (от итальянского natura morta – «мертвая природа») художник показал умирание и конечность бытия всего живого. Верный своему принципу наблюдения за натурой, Караваджо с фотографической точностью воспроизвел червоточинки на боку яблока, подгнившие и сморщенные ягоды винограда, лопнувший перезрелый инжир, пожухлые и поврежденные насекомыми листья. Некоторые исследователи творчества Караваджо считают, что в этом полотне художник не только затронул тему быстротечности жизни и красоты, но также создал аллегорическое изображение церкви, в лоне которой есть и праведники, и грешники.

Корзина с фруктами, запечатленная на фоне гладкой стены, выглядит объемной и монументальной. Она стоит на столе, край корзины даже чуть выступает за кромку столешницы, и кажется, что сейчас корзина «упадет» с полотна. Этот прием – размещение объекта максимально близко к зрителю – Караваджо использовал во многих своих работах.

#караваджо

«Хлеб»
ТАТЬЯНА ЯБЛОНСКАЯ
(1949, Государственная Третьяковская галерея, Москва)

Одна из наиболее известных картин художницы Татьяны Яблонской за которую ей в 1950 году была присуждена Сталинская премия II степени. Картина также экспонировалась на многих крупных международных выставках и была награждена бронзовой медалью Всемирной выставки 1958 года в Брюсселе.

Советские искусствоведы отмечали, что Яблонская изобразила на своей картине «новых людей», которые могут существовать только в социалистическом государстве, - это настоящие хозяева своей жизни, которые по-новому воспринимают свою жизнь и деятельность.

#яблонская #женщинывискусстве

«Черный ирис III»
ДЖОРДЖИЯ О’КИФ
(1926, Метрополитен-музей, Нью-Йорк)

В работах О’Киф нет пасторальных ромашек или будуарных роз. Художница очень любила каллы (которые стали ее своеобразной «визитной карточкой»), канны, петунии и орхидеи. А среди ирисов она особенно ценила черные, вот только в Нью-Йорке их можно было найти в цветочных магазинах лишь раз в году – в течение пары весенних недель. Поэтому работы О’Киф с ирисами ценятся гораздо выше остальных, ведь эти капризные и недолговечные цветы были слишком редкими гостями на ее полотнах.

О художнице

#окиф #женщинывискусстве

Еще Ге:
«Пушкин в селе Михайловском»
«Распятие»
«Портрет писателя Льва Николаевича Толстого»
«Совесть. Иуда»
«Голгофа»

«Портрет жены художника Анны Петровны с сыновьями Николаем и Петром»
НИКОЛАЙ ГЕ
(1861, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)

На картине изображена Анна Петровна Ге, жена художника, с сыновьями: Николаем и Петром. Об этой работе известно совсем немного: написана в Италии около 1861 года, предполагается, что была вывезена сыном художника Николаем в Швейцарию вместе с большой коллекцией рисунков и картин Ге.

PS Гё часто советовался с супругой по поводу своих картин. Более того, он писал с Анны все свои этюды, не только Марию Магдалину, но и Петра первого. То, что его жена никак не походила на русского царя, Гё совершенно не волновало, ему хватало воображения представить на её месте российского самодержца, главное - правильный выбор позы и композиции, и вот тут Анна как модель, советчик и муза была совершенно незаменима.

#ге

«Портрет Н.В. Гоголя»
КАРЛ-ПЕТЕР МАЗЕР
(1840, Государственная Третьяковская галерея, Москва)

Шведский художник Карл Петер Мазер окончил Стокгольмскую академию художеств, работал во Франции, Италии, Швеции, Финляндии, в 1837 году приехал в Россию и пробыл здесь 16 лет.

Шведский мастер портретировал многих известных деятелей русской культуры – К.П. Брюллова, И.А. Крылова, Н.В. Гоголя. На рисунке Гоголь изображен сидящим в кресле в удобной позе. Тщательно проработана одежда, разнообразием штриха передан бархатный воротник сюртука, цепочка от часов поверх модного жилета. На фоне спинки кресла художник светом выделил лицо погруженного в размышления Гоголя, его задумчивый взгляд. Камерный портрет, исполненный Мазером, вошел в портретную галерею прижизненных изображений знаменитого писателя.

#мазер

Еще Васнецов:
«Алёнушка»
«Снегурочка»
«Богатыри»
«Ковер-самолет»
«Иван-царевич на Сером Волке»
«Гамаюн, птица вещая»
«Сирин и Алконост»
«После побоища Игоря Святославича с половцами»
«Пруд в Ахтырке»
«Портрет Т.А. Мамонтовой»
«Букет. Абрамцево»
«Царевна-лягушка»

«Портрет Ю.И. Успенского»
ВИКТОР ВАСНЕЦОВ
(1920, Государственная Третьяковская галерея, Москва)

В творчестве Виктора Васнецова жанр портрета был прочно связан с его частной жизнью. Художник не работал на заказ – он писал портреты родственников и близких ему людей.

Юрий Иванович Успенский (1873–1929) – инженер путей сообщения. Будучи любителем живописи, а также благодаря своим знакомствам с художниками, он сумел организовать при Воронежском университете Музей древностей и изящных искусств. Стараниями Юрия Ивановича Успенского музей пополнился произведениями В.М. Васнецова, В.Д. Поленова, И.И. Шишкина и других живописцев.

#васнецов

«Портрет М.И. Третьяковой»
НИКОЛАЙ НЕВРЕВ
(ок.1860, Государственная Третьяковская галерея, Москва)

Мария Ивановна Третьякова (1824–1894), двоюродная сестра основателя Третьяковской галереи Павла Третьякова. После смерти родителей Марии Ивановны Павел и Сергей Третьяковы взяли на себя своего рода опекунство над ней и ее незамужними сестрами. В 1867 году братья выстроили им отдельный деревянный домик, расположенный в глубине большого сада по соседству с домом Третьяковых в Лаврушинском переулке.

Николай Неврев был дружен с семьей Третьяковых, часто бывал у них в гостях, приезжал на дачу, ездил с ними в дальние заграничные путешествия. Художник был большим поклонником красоты Марии Ивановны. В данной работе Неврев изобразил Марию Ивановну в траурном головном уборе, который, возможно, она носила по отцу, умершему в 1859 году. В мягком наклоне головы читается скрытое обаяние, во взгляде карих глаз видна грусть, в рисунке плотно сомкнутых губ – эмоциональная сдержанность и закрытость характера.

#неврев