Картины в деталях

Григорий Мясоедов. «Первый оттиск. Портрет И. И. Шишкина», 1891 год
Пензенская областная картинная галерея имени К. А. Савицкого

«Это был прекрасный человек, с виду суровый, на самом деле добряк, по внешности – волостной старшина, на самом деле – тончайший художник. Наружность его была типично великорусская, вятская. Высокий, стройный, красивый силач, с зорким взглядом, густой бородой и густыми волосами», – так писал о Иване Шишкине журналист Д. Успенский.

Григорий Мясоедов известен как художник жанровых полотен о жизни крестьян в пореформенной России и один из основателей Товарищества передвижных художественных выставок. Портрет художника Ивана Шишкина был написан в 1891 году к 40-летию его творческой деятельности.

Григорий Мясоедов изобразил прославленного пейзажиста и «певца леса» у печатного станка, тем самым подчеркнув его значительную роль в развитии офорта. Мастер стоит со своим первым оттиском в руках, сквозь бумагу просвечивает изображение лесного пейзажа. И этот оттиск удался, судя по улыбающимся глазам художника.

Картина почти двухметровая в высоту, портрет исполнен в полный рост. Иван Шишкин, в жизни и так высокий и могучий, кажется на ней настоящим былинным героем-исполином.
Наследие Шишкина-гравера огромно. По уровню мастерства в искусстве офорта И. И. Шишкину не было равных среди мастеров русского искусства XIX века. Известный исследователь творчества Шишкина Г. П. Павлова указывает на то, что всего им было создано 112 офортов и 47 литографий, усовершенствован и введен в России способ гравирования, называемый выпуклым офортом или автоцинкографией, который позволяет печатать репродукции одновременно с текстом.
С его именем связано возрождение авторского эстампа в России второй половины 19 века.

Сам Григорий Мясоедов, автор портрета, помимо живописи также занимался офортом, технику которого осваивал под руководством Андрея Ивановича Сомова, отца художника Константина Сомова.

Картины в деталях | #Мясоедов@paintings_in_detail

Питер Брейгель Старший. «Охотники на снегу», 1565 год
Музей истории искусств, Вена

Является частью цикла из шести картин, изображавших времена года (пять из них сохранились).

Примерно с 1562 года у Брейгеля всё чаще заказывают живописные полотна. В 1563 году он переехал в Брюссель и женился на Майкен, дочери Питера Кука ван Алста. В браке у них родились трое детей: сыновья Питер и Ян, продолжившие дело отца, и дочь Мария, о судьбе которой нам ничего не известно.
До наших дней сохранилось около 40 живописных полотен Брейгеля Старшего. Большая часть была выполнена в последние 7 лет жизни художника.
Существенное влияние на выбор сюжетов в последние два года жизни Брейгеля оказали политические события в Нидерландах. В 1567 году герцог Альба прибыл в Брюссель. Начались гонения и репрессии. Полотна Брейгеля приобретают звучание тоски и печали. Тем не менее невозможно однозначно сказать, что происходило в душе художника, как он чувствовал себя в то время и о чём думал.

До Брейлегя пейзаж с жанровыми сценами можно было увидеть только на миниатюрах в часословах. Художник, вдохновлённый природой Италии (в особенности горами) и шедеврами Ренессанса, перенял традицию натуралистической передачи природы. При этом в своих пейзажах он создаёт новый мир, который сочетает увиденное в разных уголках Европы. Это некий универсум, в котором у каждого человека, каким бы несуразным, угловатым и незатейливым он ни был, есть своё место.
Следуя устоявшейся традиции нидерландской живописи, Брейгель создавал свои пейзажи слоями. Детали на переднем плане, таким образом, скрывают те, что находятся дальше от зрителя. Это вместе с тщательно подобранными оттенками помогало создавать иллюзию пространства и глубины.

«Охотники на снегу» – одна из самых известных картин наследия Брейгеля.
Группа охотников в сопровождении стаи обессиленных собак возвращается в деревню. Улов мужчин невелик, они продрогли и устали. Но прямо сейчас, когда с холма им открывается вид на деревню и дальше, на город, им покойно и радостно, ведь они вернулись домой: вьющийся дымок из печной трубы, игры и забавы на льду, знакомая и привычная рутина.

Брейгель конструирует мир из крошечных кусочков, выявить и исчерпывающе описать которые практически невозможно. Почти наверняка, гости Йонгелинка не имели возможности разглядеть большую часть написанного в условиях тускло освещённой столовой. Зачем же тогда Брейгель создал столь подробный мир? Мы можем только догадываться.
Хотя работа демонстрирует внимательное отношение художника к деталям и свидетельствуют о его непосредственном наблюдении за деревенскими пейзажами, она далека от простого воссоздания повседневной жизни. Композиция отражает утончённый художественный замысел. Продолжающиеся дискуссии касательно интерпретации «крестьянских» образов Брейгеля подчеркивают сложность и оригинальность его концепции.
Воображение Брейгеля столь уникально, что у искусствоведов почти нет ключей для расшифровки необычного языка метафор. Предположительно, ловушке для птиц и фигуристам было придано значение своего рода предупреждения, напутствие быть бдительным.

Последние исследования полотна показывают, что фигура одного из охотников не входила в первоначальную концепцию. Брейгель нарисовал её поверх уже выполненной заснеженной земли и ствола дерева.
В своих композициях Брейгель сохранил для нас свой взгляд на общество, в котором он жил. Он смело визуализировал различные грани бытия. Многие из центральных тем в его творчестве остаются актуальными и сегодня.

Картины в деталях | #Брейгель@paintings_in_detail

Алексей Саврасов. «Вечер», 1880 год
Нижнетагильский муниципальный музей изобразительных искусств

В конце 1870-х – начале 1880-х годов у Саврасова прослеживается неоднократное обращение к удачно найденной композиции, раскрывающей поэтическую грусть осеннего вечера.
Первый раз художник обратился к ней в 1877 году, в работе «Вечер», находящейся сейчас в Национальном художественном музее Республики Беларусь.

В нём разработана та композиция, которая повторяется потом у художника в одноименном произведении 1880 года, хранящемся в Нижнетагильском музее: на первом плане полотна тоже изображена стылая вода, только в первом варианте это большая дорожная лужа, а во втором – мелководная речушка. По-видимому, художника привлекла простота мотива, через которую можно было выразить удивительную задушевность и проникновенность чувств.

Картины в деталях | #Саврасов@paintings_in_detail

Константин Коровин. «Летний день. Пруд. Охотино», 1922 год
Частная коллекция

Мотив данного произведения представляет собой русский пейзаж с включённой в него фигурой, и является характерным для творчества Коровина 1910-х – начала 1920 годов. Создание подобных композиций связано с пребыванием художника в деревне Охотино, расположенной недалеко от Переславля-Залесского на берегу реки Нерль. Именно в этом месте находился его дом-мастерская, в котором он вместе со своими друзьями и знакомыми проводил летние месяцы.

Композиция строится на сочетании гладких длинных мазков с группами коротких, используемых для передачи световых эффектов. На передний план художник выдвигает изображение пруда, который ведёт зрителя вглубь композиции, дальний план которой полностью закрывается фактурными изображениями стволов и ветвей деревьев.

Своей задачей Константин Коровин видел предельную точность в воссоздании на холсте каких-либо преходящих, мгновенных состояний природы и натуры. Большую роль играла световоздушная среда, которая определяла в живописи художника всё: контуры и цвет предметов, насыщенность и рефлексы цвета, его гармонию и дисгармонию, общее настроение и эмоциональную тональность. Именно эта насыщенность цвета и света, жизнерадостность определяет творчество художника.

Картины в деталях | #Коровин@paintings_in_detail

Иван Пелевин. «Первенец», 1888 год
Государственный Русский музей

Петербургский художник, воспитанник Академии, где получил серебряную медаль по разделу «живопись народных сцен» (1861). Хотя на время его обучения пришлись известные потрясения, связанные с «Бунтом 14-ти» и образованием Товарищества передвижников, это не отразилось на жизни и карьере живописца.

В противоположность большинству других русских жанристов, Пелевин работал в лирическом бытовом жанре, в своих картинах художник представлял не печальные или темные стороны этого быта, а его отрадные проявления, порой излишне приукрашенные сентиментальностью и идиллией. Пелевин писал обыденную русскую реальность, очень любил крестьянскую тему и изображал ее в своих картинах с большим знанием жизни и сочувствием, причем особенно любил изображать сценки с крестьянскими детьми.

Тема материнства относилась к любимым у художника (в 1869-м получил звание академика за картину «Молодая мать»). Произведение «Первенец» изображает молодую крестьянку; судя по интерьеру, из пореформенной, зажиточной семьи (на столе и полках слева буквально громоздятся горшки и плошки). Картину домашнего уюта дополняет кот, забравшийся в младенческую люльку и играющий с клубком.
Юное, заметно идеализированное лицо крестьянки обращено к умиротворенному младенцу; похоже, что она вытирает его личико платком. Фигура молодой матери занимает главное место в композиции; особое внимание художника занимает игра солнечного света и тени на складках блузки и цветастой юбки. На заднем плане висят предметы мужской одежды; художник подчеркивает также обручальное кольцо на безымянном пальце (то есть, это благополучная семья). В живописном отношении интересны голубоватые тени на выбеленной печке (попытка передачи цветного освещения).

Картина вполне укладывается в направление «официальной народности» эпохи Александра III.
Молодая крестьянка, баюкающая младенца, укутывает его лоскутным одеяльцем, сшитым из пестрых лоскутков ситца. Лоскутное шитье – один из любимых видов народного текстиля. Узорами из мелких треугольников и ромбиков отделывали рукава рубах, верхнюю одежду.

Картины в деталях | #Пелевин@paintings_in_detail

Леонар Дефранс (1735-1805) – бельгийский живописец фламандской школы.

Леонард Дефранс, родившийся в Льеже в 1735 году, был учеником Ж. Б. Кокле. Он писал исторические полотна больших и малых размеров, а также пейзажи, дичь, фрукты, цветы, бытовые сцены и архитектуру. Он был первым профессором дизайна в Академии Льежа, основанной принцем Вельбрюком, а затем занимал ту же должность в École Centrale департамента Урт. Он умер в Льеже в 1805 году.

1. «Танец на канате», вторая половина 18 века
Музей Метрополитен
2. «Кузница», вторая половина 18 века
Музей Метрополитен
3. «Завтрак», вторая половина 18 века
Государственный Эрмитаж
4. «Драка женщин», вторая половина 18 века
Государственный Эрмитаж

Картины в деталях | #Дефранс@paintings_in_detail

Жан-Леон Жером. «Вирсавия», 1899 год
Частная коллекция

Согласно Библии, Вирсавия была женщиной редкой красоты. Царь Давид, прогуливаясь на крыше своего дворца, увидел внизу купающуюся Вирсавию. Её муж, Урия Хеттеянин, находился в то время вдали от дома, на службе в армии Давида. Вирсавия не пыталась соблазнить царя, но Давид соблазнился красотой Вирсавии приказал, чтобы её доставили во дворец. В результате их отношений она забеременела.

Позже Давид написал командиру армии Урии письмо, в котором приказал поставить Урию там, где будет «самое сильное сражение, и отступите от него, чтоб он был поражен и умер». Действительно, так и произошло, и Давид впоследствии женился на Вирсавии. Их первый ребёнок прожил всего несколько дней. Давид раскаялся в содеянном, что убил благочестивого мужа Урию Хеттеянина и овладел его женою Вирсавиею.

Впоследствии Вирсавия получила положение самой любимой жены Давида. Давид короновал Соломона, сына Вирсавии на царство.

Жан-Леон Жером – французский художник, представитель академизма. Прославился картинами разнообразного содержания, преимущественно изображающими быт античного мира и Востока.

Картины в деталях

Иван Шишкин. «Осень», 1894 год
Государственный художественный музей Алтайского края, Барнаул

Нарядная, богатая разноцветной палитрой, осень всегда вдохновляла русских художников-пейзажистов. Тема осени встречается в творчестве И. Левитана, В. Поленова, Ф. Васильева.

Иван Шишкин был известным любителем и знатоком природы, которую он умело изображал на своих полотнах. Не стала исключением и картина «Осень», с помощью которой художник помогает нам увидеть самые затаённые уголки русского леса.
На этой картине художник изобразил вторую половину осени, когда часть листвы уже опала с деревьев, а оставшаяся часть очаровывает своей пестротой и желтизной. От пейзажа веет свежей осенней прохладой, спокойствием и умиротворением.

В работе «Осень» Шишкин использовал закрытый тип композиции, для которого характерно удерживать внимание зрителя в пределах заданного пространства. Пейзаж распределён на три плана, при этом деревья на первом и втором плане детально проработаны, а дальний план выполнен размыто.
Каждое нарисованное деревце уникально, как и всегда у Шишкина, каждое имеет свои неповторимые природные изгибы. За деревьями открывается серое осеннее небо, на фоне которого золотой цвет листьев кажется ещё более ярким.
Интересной деталью осеннего пейзажа является сухое высокое дерево на переднем плане картины. Его раздвоенный ствол словно стремится ввысь, а волнистые ветви будто хотят сорваться и улететь вслед за перелётными птицами.

Краски природы уже не так ярки и насыщены, как в начале сентября, но листва еще не опала и в воздухе чувствуется тепло.
Передний план картины выписан в охристо-коричневых и темно-зеленых тонах. Деревья на дальнем плане, позолоченные солнцем, разбавляют бурые оттенки передней части картины. Невидимые солнечные лучи бросают блики на пожухлую траву, придавая ей желтовато-зеленый оттенок.
Серое небо, прорезанное голубыми и белыми тонами, вселяет надежду на то, что теплые дни еще не закончилось. В целом этюд наполнен воздухом и ощущением пространства. Картина очень лирична, но навевает необъяснимую грусть.

Картины в деталях | #Шишкин@paintings_in_detail

Иван Айвазовский. «Утро в Ялте», 1880 год
Частная коллекция

В 1844 году Иван Айвазовский – состоявшийся художник, академик. Ему 27 лет, он недавно вернулся из заграничной поездки, работал в Риме, Неаполе, Сорренто, Венеции. Побывал с выставками в Париже, Лондоне, Амстердаме и завоевал признание в художественных кругах. В Петербурге его принимают с почётом и вниманием, поручают крупные государственные заказы. Неожиданно для всех Айвазовский решает покинуть светскую столицу и основаться в Крыму: построить в родной Феодосии дом, или, как говорили современники, «хорошенькую виллу».
Так, в 1847 году на берегу моря появляется двухэтажный особняк, спроектированный художником в духе итальянского Ренессанса. Этот дом всегда будет полон гостей, и именно здесь в просторной мастерской талантливый маринист напишет многие из своих 6000 картин.

Овладев вершинами мастерства и накопив огромный творческий опыт, Айвазовский практически перестал писать с натуры. У художника была прекрасная зрительная память, и на природе он делал лишь наброски, на которых в нескольких линиях в карандаше обозначал композицию будущей картины. Сами полотна рождались в мастерской. При этом маринист не любил подолгу писать одну картину, в отличие, например, от современника Александра Иванова, создававшего «Явление Христа народу» двадцать лет. Айвазовский работал легко и быстро: полотно средних размеров он мог написать за один сеанс.

Почти всю свою долгую жизнь выдающийся маринист Иван Константинович Айвазовский провёл в Крыму, и в его богатом творческом наследии отразилось всё разнообразие природы полуострова.

Картины в деталях | #Айвазовский@paintings_in_detail

Джованни Беллини. «Портрет дожа Леонардо Лоредано», около 1501-1502 года
Лондонская Национальная галерея

«Портрет дожа Леонардо Лоредано» - один из самых поразительных портретов в европейском искусстве. На этом полотне он представлен в официальном облачении, в котором традиционно изображались правители Венеции на парадных портретах. Работа написана в популярном в то время стиле портретных бюстов, образцами которого были памятники римской скульптуры.

Картина выполнена в самом начале двадцатилетнего правления дожа. Его стальной взгляд не оставляет сомнений в жесткости будущего правления, отмеченного почти не прекращавшейся борьбой Венецианской республики с многочисленными врагами. Портрет обладает магическим воздействием: чем дольше смотришь на него - тем больше он приковывает к себе. Дож не был монархом, царем или королем, но зритель ощущает его исключительность. И это исключительность личности, а не сана.

Что замечаем мы в портрете прежде всего? Парчовую мантию разглядываем, экзотический головной убор, особого оттенка голубой фон? Нет, лицо человека. Видим природный ум и обретенную с годами мудрость. Высокий лоб в морщинах, умные, проницательные глаза, четкий рисунок губ, привыкших и повелевать, и улыбаться.
Вот такие портреты творят со зрителем нечто странное. Внезапно они оказываются вне своего времени и пространства, путь изображенного на портрете человека вдруг пересекается с их путём.

Должно было пройти в истории живописи изрядное время – прежде чем художник решился не Сына Божьего, не Мадонну, не святых праведников, а живого человека развернуть лицом к зрителю. Чтобы ушел религиозный дидактизм из пространства произведения живописи, чтобы ушло сакральное – и осталось человеческое.
Потому этот портрет революционен для истории венецианской живописи. Он был одним из первых, где анфас оказался изображен реальный, живущий человек. А для Беллини портрет Лоредано необычен потому, что обычно он писал людей молодых — сохраняя для веков быстро уходящую юность и красоту своих героев.

Мы видим природный ум и обретенную с годами мудрость. Высокий лоб в морщинах, умные, проницательные глаза, четкий рисунок губ, привыкших и повелевать, и улыбаться.
Героем портрета стал человек уникальных достоинств. Интеллект, опыт, компетентность, талант дипломата – личность Леонардо Лоредано созданы сплавом этих компонентов.

Картины в деталях | #Беллини@paintings_in_detail

Альфред Сислей. «Весна в окрестностях Парижа», 1879 год
Музей Мармоттан-Моне, Париж

Изобразительный язык Сислея всегда прочно соответствовал импрессионизму, но он также демонстрировал свою привязанность к первым вдохновителям Коро и Добиньи. Однако, то, что действительно его отличает от других авторов, это постоянная сдержанность, чувствительность его взглядов, любовь к тихим пейзажам. В его работах присутствовала большая скромность, когда он пытался передать на холст то очарование, которое он испытывал перед реальными ситуациями и видами природы. Нежные пейзажи Сислея с их постоянно меняющейся атмосферой были прекрасно созвучны с его талантом. В отличие от Моне, он никогда не стремился к драме бушующего океана или ярко окрашенным пейзажам Лазурного берега.

В последние двадцать лет своей жизни Альфред Сислей редко покидал окрестности маленького городка Море-сюр-Луан из-за материальных трудностей. Климат местности гарантировал художнику интенсивную освещенность и достаточно разнообразные погодные условия. Если в картинах Сислея повторяются одни и те же мотивы - склоны холмов, лесные дорожки, маленькие деревенские домики, плотины вдоль Луана, - то своеобразие и оригинальность этих работ заключается в исключительной способности художника запечатлеть подлинный, но эфемерный момент, когда игра света и ветерка в воздухе придают пейзажу независимую объемность.

Данная картина представляет зеленую долину близ городка Сен-Клу, расположенного на берегу Сены в 10 км от Парижа, где Сислей поселился в 1879 году. Композиция имеет горизонтальное расположение. Художник изобразил фруктовый сад под пасмурным весенним небом. Группы небольших кучевых облаков оживляют небо, создавая причудливые букеты белых цветов. Кроны деревьев усыпаны буйным цветением, словно снежными шапками, напоминая ушедшую зиму. Легкий ветерок дует в ветвях деревьев и качает нежные лепестки распустившихся бутонов. На деревьях на переднем плане цветов больше, чем листьев, а коричневые стволы на заднем плане только начинают окрашиваться в легкую зеленую дымку молодых листочков. В середине картины за дорожкой среди деревьев расположился побеленный дом с красными ставнями. Холст отражает сладость весны в парижском регионе. Картина представляют собой позитивную атмосферу красоты, ясности и легкости пробуждающейся природы, написанную с высокой степенью импрессионистского мастерства.

Картины в деталях | #Сислей@paintings_in_detail

Рафаэль Санти. «Мадонна с гвозди­ками», 1506–1507 годы
Лондонская Национальная галерея

В эпоху Возрождения образ Мадонны становится одним из ключевых в живописи творцов, начинает меняться, снижается его божественность. Художники начинают отказываться от византийских канонов и привносить в изображение Девы Марии собственные характерные черты. Мадонна становится более земной, наделяется эмоциями, очеловечивается образ матери и ребенка. Она хоть и изображается как прекрасная женщина, с идеальными пропорциями лица и тела, однако в ее глазах и жестах появляется волнение и тревога, уходит сухость с картин. Возникновение перспективны в искусстве позволило воплотить в изображении Мадонны гармонию форм и объемов. Появляются все более сложные пейзажи.

Рафаэль Санти является одним из самых знаменитых живописцев Высокого Возрождения. А изображение Мадонны с младенцем и Святого семейства было для него важнейшей частью жизни и формированием творческого пути. Он написал более сорока картин с изображением данного сюжета, и все они имеют собственные черты. Он каждый раз пытался находить новый путь развития образа, наделяя его живыми эмоциями, жестами, движениями, менял и усложнял пейзаж, композицию, добавлял новых героев.

Древнегреческий натуралист Теофраст, которого принято считать основателем ботаники, назвал этот цветок Зевсовым (Dios anthos) – отсюда происходит латинское название всего рода гвоздичных (Dianthus). Какое именно растение из десятков дикорастущих видов имелось в виду, неизвестно, но в любом случае «божественный цветок» был низкорослым, с узкими листьями и пятью маленькими немахровыми лепестками. Альтернативная этимология связывает происхождение гвоздики с римским мифом о Диане-охотнице, которая ослепила отвергнувшего ее пастуха и вырастила из его глаз красные гвоздички. Самое старое из известных изображений гвоздики, пом­пейское, образует вполне мирную виньетку с листьями и птицами. Описания разных гвоздик, в том числе кантабрийской, оставил энциклопедист Плиний Старший.

Сходство запаха гвоздики с ценной пряностью и «божественные» коннотации названия способствовали перемещению растения в христианский гербарий в XV веке. Белые цветы изображались в руках невинных мучениц, красные, символизировали божественную любовь и страдания: на грядущее распятие намекала форма цветка, вызывавшая ассоциации с гвоздями. Розовые гвоздики в руках у Богородицы и младенца Христа на полотне Рафаэля («Мадонна с гвозди­ками») отсылают к апокрифу о материнских слезах, падавших на цветы у подножия креста.

Картины в деталях | #Рафаэль@paintings_in_detail

Исаак Левитан. «Вечер на Волге», 1888 год
Государственная Третьяковская галерея

Весной 1887 года Левитан уехал в городок Васильсурск, у самого берега Волги в Нижегородской губернии. Художник ждал новых впечатлений от масштабной волжской природы. Но первая встреча с рекой разочаровала Левитана. Стояла холодная пасмурная погода, беспрерывно шли дожди, и Волга показалась художнику «тоскливой и мертвой». В письмах своему другу Антону Чехову он писал о сером небе, пронизывающем ветре, «ну просто смерть». Среди безмолвного пространства, «которое просто убить может», художник тоскливо чувствовал свое одиночество и сожалел о том, что не остался в Москве.

Вернувшись в Москву, Левитан почувствовал, что мысли о Волге не отпускают его. В зимние месяцы 1887 -1888 года он написал картину «Вечер на Волге». Художник обобщил в ней увиденные волжские настроения.

При небольшом размере картина вмещает в себя громадные пространства реки, с ее величавым разворотом и неумолимым движением мощного потока воды. Сгущающиеся сумерки вносят в пейзажный образ ощущение тревожного ожидания. Ни человек, ни птица не нарушают безмолвия затихшей природы. Разбегающаяся дуга берега зрительно расширяет «распахнутость» волжского пространства, его поддерживает такое же безмерное небо над стальной, холодно-сизой водой. Найденное художником колористическое звучание картины в монохромной гамме серых тонов от почти черного до свинцово-холодных оттенков в нависших тучах и светлом металлическом блеске на воде создают ощущение сложно живущей по своим законам природы, не зависящей от человека.

Впечатления от могучей реки оказались столь сильными, что на следующий год Левитан вновь поехал на Волгу и остановился в другом месте - уютном городке Плесе, куда он возвращался несколько лет подряд. Волга стала для него источником сильных впечатлений и радостных творческих открытий и свершений.
Картина «Вечер на Волге» оказалась первой, где возникло философско-эпическое измерение русской природы и где пейзажный мотив поднимается до глубоких чувств и размышлений о человеке и мире.

Картины в деталях | #Левитан@paintings_in_detail