On The Corner

Умер барабанщик Рой Хейнс. Всего четыре месяца не дожил до своего столетия. Великий музыкант.

Подобно тому, как советского писателя-долгожителя Леонида Леонова с недавних пор стали называть подельником эпохи, Хейнса хочется назвать подельником нескольких эпох.

На протяжении жизни судьба не раз сводила его с теми, кто переворачивал наши представления о джазе раз и навсегда. Хейнс, пройдя в течение карьеры через несколько радикальных изменений, активно в этом участвовал. Едва ли ещё можно найти человека, который, также как и Хейнс, записывался бы и с Бадом Пауэллом, и с Пэтом Мэтини.

Хейнс относился к той редкой породе музыкантов, о которых говорят, что они умеют играть всё. В его случае требуется одно важное уточнение: он умел сыграть и то, чего до него никто и никогда не играл. Поэтому многие, включая Питера Эрскина, пишут сегодня о том, что альбомы Хейнса из 60-х были приветом из будущего.

Сегодня ушла не эпоха, а тот кто эпохи между собой связывал.


Великий альбом

Внезапная находка Олега Соболева: безвестная группа Prime Time из Атланты, выпустившая в середине 80-х всего одну EP и потом канувшая в лету.

Одноименная пластинка - это девятнадцать минут чистейшего удовольствия. Великолепный мелодический материал, неподдельные эмоции и потрясающий уровень музыкального атлетизма. Исполнение настолько чистое, насколько это в принципе возможно. Тот редкий случай, когда речь идёт о подлинной виртуозности, объединяющей запредельные технические навыки с такого же уровня музыкальностью и пониманием контекста.

Это и есть тот самый «фил гуд»: музыка хорошего настроения абсолютно в духе своего времени. Prime Time можно без зазрения совести сравнить с великой группой Spyro Gyra пикового периода альбомов «Incognito» и «City Kids».

У этого состава было всё, чтобы блеснуть по-настоящему. Каждая композиция на их одноименном EP была записана так, словно обречена на успех. Но всё обернулось совсем по-другому, и единственным свидетельством того, что эта группа вообще существовала, оказалась оцифрованная версия раритетного прайват-пресса.

Как же так вышло, большая загадка.

Bill Laurance & Micheal League // «Keeping Company» // АСТ, 2024

Если первый альбом Билла Лоуренса и Майкла Лига воспринимался как внезапный душевный порыв, второй кажется вымученным продолжением на заказ.

Музыка, написанная ни для кого и оттого выгодно отличавшаяся от прочей продукции лейбла АСТ, обернулась попыткой найти свою целевую аудиторию. То, что поначалу вызывало внутренний трепет, теперь с трудом можно дослушать до конца, преодолевая скуку.

Креативный импульс исчез, осталось уныние. Все-таки нельзя войти в одну и ту же реку дважды.

#новое

Ютуб // Стриминги

Вдогонку к свежему Фоту - свежайший. То есть, буквально вчерашний. Вкратце: у Фота все под контролем. Плодотворное сотрудничество с 84-летним саксофонистом Артом Тимэном продолжается.

#новое

Ютуб // Стриминги

​​«Орлан» — «Башкирские легенды» (1990)

Про этот альбом в свое время хорошо написал Саша Аношин. Это действительно первоклассный джаз-фьюжн конца 1980-х годов: без заскоков, излишней демонстрации виртуозности, со спокойным, плавным звучанием и элементами башкирской народной музыки. Но, я бы сказал, что Саша немного недооценил степень безумия этой пластинки. Формально композиции Олега Киреева и ансамбля «Орлан» буквально рвутся на части, но интересным, необычным образом: их мелодии все время меняются, словно находясь в постоянном движении в небольшом замкнутом пространстве. И еще я бы добавил про великолепный звук: гулкие барабаны, выразительный синтезаторный саунд, объемные духовые. Чистая романтика конца 1980-х. Заставляет улыбаться и расслабляться.

Greg Foat // «The Glass Frog» // Blue Crystal Records, 2024

Грег Фот не стремится ни к сиюминутному хайпу, ни к путёвке в вечность. Корпит и корпит себе в студии, одну за другой выпуская пластинки с неподдельно душевной музыкой.

На альбоме «The Glass Frog» Фот позволяет себе несильный заход на территорию спиричуэл-джаза, но в главном себе не изменяет. Это значит, что мелодии красивы, аранжировки основательны, звук выстроен кропотливо, и ни одна мелочь не упущена. Фот держит свою высокую планку с обманчивой легкостью человека, который находится на своём месте и делает своё дело. Приятно слушать.

#новое

Ютуб // Стриминги

Размышление может содержать критические наблюдения, но не пытаться кого-то специально задеть за живое.

У размышления нет конкретной цели и целевой аудитории. В нём вопросов всегда больше, чем ответов. Даже когда вещи называются своими именами, это не истина в последней инстанции.

Тем более, это не руководство к действию и даже не попытка найти решение. Скорее, это просто поиск. Наконец, всё что произносится в размышлении не стоит принимать на свой счёт.

Это не кликбейт, не попытка собрать побольше реакций и комментариев, а приглашение к беседе.

Просто имейте это в виду.

Пустота между нот

Приписываемую Майлзу Дэвису фразу о том, что самые главные ноты - те, которые никогда не будут сыграны, можно понимать по-разному. Так или иначе она подчеркивает таинство, которое необходимо для того, чтобы музыкальное произведение перестало быть просто наобором звуков.

Одно из главных измерений этого таинства - личное пространство создателя музыки. Можно вспомнить работу Джорджа Коллингвуда «Принципы искусства», в которой он очень точно сформулировал, что мелодия может существовать только в голове у музыканта, и больше нигде.

Ноты, которые никогда не будут сыграны, - это музыка, которая навсегда останется в воображении создателя. Или, может быть, будучи записанной в домашних условиях, так и не увидит свет. Писать в стол - не проклятие, а неотъемлемая часть творческого пути, лишь подчеркивающая его интимность. Она как раз и нужна для ощущения таинства.

Рыночные механизмы бесконечного масштабирования стремятся эту интимность разрушить. В эпоху цифровизации места несыгранной музыки практически не осталось. Всё что сочиняется - публикуется. Не в стриминги, так на Bandcamp в «чёрные пятницы». Процессы занятий и как бы поиска всё чаще проходят в прямом эфире. Это касается не только музыки: обрывки необдуманных мыслей вываливаются в виде нескончаемого потока постов, а непережитые чувства - в виде рыданий на камеру.

У человека постоянно отнимается время. Личные границы стираются. Понятие интимности - исчезает. Таинство уходит, потому что его невозможно масштабировать. Как бы парадоксально это ни звучало, в эпоху неостановимого тиражирования всё новых и новых композиций и альбомов подлинная музыка умирает.

Buffalo Monroe meets Willie Waldman // S/t // Metacognitive Records, 2024

Настоящий батя-фьюжн: без понтов и надуманной виртуозности, зато со смыслом.

Под забавной вывеской Buffalo Monroe собрались умудрённые сединами и поигравшие со многими звёздами мужчины, чьё имя можно отыскать на тыльной стороне пластинок в списках под названием Credits. И это их нисколько не умаляет, скорее наоборот, вызывает доверие. Ещё больше доверие вызывает появление на двух композициях в полный рост великого и легендарного Рона Картера.

В отдельных моментах может смущать некоторая приземленность звучания, но в этом вопросе лучше не давать волю предрассудкам. Тут как раз всё на своих местах: и грувы, и риффы, и мелодии. Временами Buffalo Monroe и вовсе удаётся передать настроение старых-добрых джем-бэндов.

В общем, приятно, когда люди знают, что делают, и имя этому знанию не школярство, а жизненный опыт.

#новое

Ютуб // Стриминги

Квинси Джонс в Стокгольме, июль 1960 года.

Куинси Джонс был спорной фигурой, но великой спорной фигурой. Таких больше уже не будет. И есть в его дискографии один безусловно великий альбом - называется «This Is How I Feel About Jazz». Настолько великий, что даже спорить тут не о чем.

https://youtu.be/W9wiizRzyLk?si=gbEUS-3_2OtwSIxY // https://album.link/ru/i/1443161480

Winther, Andersson, Watts // «WAW!» // Hobby Horse Records, 2024

Альбом с незамысловатым названием «WAW!» - наглядный пример того, как всё может сложиться естественным, а значит, наилучшим образом.

Во время серии мастер-классов в Дании барабанщик Джефф Тэйн Уоттс познакомился с контрабасистом Ричардом Андерссоном, чуть позже к ним добавился пианист Карл Винтер и собрал под спонтанно сложившееся трио репертуар. Материал был обкатан на концертах, а после записан за пару дней в копенгагенской студии.

Работа, может, не выдающаяся, но в ней есть всё, что нужно: и яркие мелодии, и цепкие риффы, и свинг, и грув, и балладная лирика, и знаменитый сверхинтенсивный замес от Уоттса. Пять композиций: четыре авторских сочинения Винтера, и стандарт «My Old Flame», для которого пианист придумал небанальную аранжировку.

Вообще Винтер, пусть и не обласкан вниманием критиков и явно не просится в первые ряды джазовых звёзд, очень даровит. У него отличное мелодическое чутьё и способность ненавязчиво «попасть в голову» к слушателю, избегая при этом общих мест. Басовые линии Андерссона аскетичные, но плотные с очень чистым саундом в традициях скандинавской школы. Ну а Уоттс, которого без смущения можно уже называть легендой, при правильном подходе может из любого хорошего альбома сделать нечто большее. На «WAW!» именно это и происходит.

Ни продюсирования, ни дизайна, ни промоушна. Для рынка «WAW!» - типичная музыкантская запись мимо радаров. Тем не менее, её стоит расслушать как можно внимательнее.

#новое

https://richardandersson.bandcamp.com/track/manhattan // https://music.yandex.ru/album/29548818/track/120096085?utm_medium=copy_link // https://album.link/ru/i/1738653010

Алексей Подымкин, Николай Куликов // «Цепная реакция» // Jazzist, 2024

Сегодня на родном «Джазисте» вышел альбом «Цепная реакция» пианиста Алексея Подымкина и гитариста Николая Куликова. Запись была сделана в Кирове, Андрей Левин потом сводил и мастерил её на «Мосфильме», Араик Акопян придумал оформление обложки, Лёва Боровков подобрал правильные слова, а я просто этому радуюсь. «Цепная реакция» - это альбом-беседа, когда одна мысль, цепляясь за другую, рождает третью, и нет этому конца и края.

Настоящая беседа складывается тогда, когда оба понимают, что спешить некуда, а главное, незачем. Не спорят друг с другом, не перебивают и не торопятся с выводами. Доверяют мыслям другого так же сильно, как и своим. Поэтому могут подхватить чужую фразу с полуслова и развить так же легко, как и свою собственную.

В настоящих беседах, как правило, нет задачи добраться до истины. Они прекрасны одним лишь своим упоительным состоянием и подвластны только настоящим единомышленникам. «Цепная реакция» - как раз такой случай.

Беседа Алексея Подымкина и Николая Куликова льётся рекой. Естественно переходит из одного состояния в другое и непринужденно меняет музыкальные очертания. Темп то ускоряется, то затихает. Остроумное озорство («Кошачий шаг») может смениться легкой задумчивостью («Прощания») и разрешится плотным обменом содержательными фразами («Осина»). Жизнеутверждающий оптимизм («Биоритм») оттеняется легкой грустью («Когда она плачет»). Ироничная стилизация («Святой Сонни») как будто бы снижает пафос откровенности и становится прелюдией к финальному напутствию («Раскрась свой мир»).

Моменты неподдельной красоты обнаруживаются в каждой композиции. Мастерство Куликова и Подымкина настолько бесспорно, что не ставится ими во главу угла, а становится чем-то самим собой разумеющимся. Даже в самых виртуозных соло им не изменяет чувство меры. Как цельное музыкальное высказывание альбом практически безупречен. Но всё-таки не этим он так сильно западает в душу и провоцирует ответный отклик. Есть в нём что-то выходящее за рамки композиторского таланта и исполнительской искушенности.

«Цепная реакция» - альбом об обретении единомышленника.
Встретить такого в жизни - редкость. Примерно такая же, как и найти настоящую любовь. Этому могут предшествовать годы одиноких и подчас горьких размышлений, в которых бывает не на кого опереться. Найти того, с кем можно разделить единство взглядов и провести часы в упоительных беседах, - настоящее счастье. Оказаться слушателем такой беседы - большая удача и радость. Как «Цепная реакция».

#новое #джазист

https://music.yandex.ru/album/33829984/track/132467815?utm_medium=copy_link // https://bfan.link/chain-reaction // https://jazzist.ru/alexey-podymkin-nikolai-kulikov-chain-reaction/

Jeff Coffin // «Only The Horizon» // Ear Up Records, 2024

По-настоящему классную лёгкую музыку создавать очень непросто. Она не должна казаться сложнее, чем есть на самом деле. Ей не к лицу притянутый за уши глубокий смысл и выдуманные концепции. Её нужно делать ярко, исполнять в высшей степени мастеровито, но не перегружать излишними деталями и подробностями. Все сложности должны, как сейчас модно говорить, остаться под капотом. Наконец, в такой музыке гораздо сложнее избежать формального подхода, найти своё собственное лицо и оригинальное звучание.

Джеффу Коффину всё это как-то удается. Новый альбом «Only The Horizon» потребовал от него немалых усилий, и в случае с записью африканского оркестра Yeli Ensemble, организаторских способностей. Но ни в одном моменте Коффин не стал хоть как-то подчеркивать собственную значимость и снова ловко уклонился от пафоса. Кажется, как будто пластинка записана в спонтанном душевном порыве и на одном дыхании. Ровно так она и слушается. Мастерство не обсуждается: Бела Флек абы с кем на стал бы водить многолетнюю дружбу.

«Only The Horizon» - это не про ум и сердце, а про хорошее настроение. Есть в этой беззаботной музыке что-то настоящее. Возможно поэтому, Коффин, записывая как минимум по альбому в год и делая в общем-то одно и тоже, не утомляет.

Если вдруг вам по какой-то причине станет грустно, вы знаете кого слушать.

#новое

https://youtu.be/mX0de6FeEcM?si=8LvaEZwSBCnYsBn8 // https://album.link/ru/i/1751790742

С Сашей Водинским я познакомился ещё в предыдущей жизни, когда на непричесанных Патриках можно было зайти в «Ароматный мир», купить Мадеру по акции, или ещё хуже, «Три топора» и пойти пить на засиженные голубями лавочки. Саша уже тогда был по уши влюблён в джаз-мануш, а я к джазу только подступался.

Теперь Саша руководит интегративным джаз-бэндом Moonberry Jam, организует правильные благотворительные фестивали и занимается тем, что можно смело назвать настоящим подвижничеством.

Недавно мы списались с Сашей, собрались наконец встретиться в любимом Клубе Козлова, и сошлись на том, что самая большая радость в жизни - это дети. Сегодня Саша написал в «Джазисте» о Барни Кесселе и как бы невзначай упомянул о том, как укачивает под его музыку своего сына. В этот момент я мысленно улыбнулся: ведь теперь я тоже знаю, каково это.

С почином, Саша! Надеюсь, твоих текстов на «Джазисте» станет только больше.

https://jazzist.ru/barney-kessel-the-poll-winners/

Вкус к музыке - почти как вкус к жизни. Либо есть, либо нет. Либо умеешь жить и радоваться, либо маешься. Либо умеешь слышать и чувствовать музыку, либо глух к ней.

Хорошего вкуса, как и плохого, не бывает. Это подмена понятий. Примерно такое же как и мнение о себе, которое может быть заниженным или завышенным, но никогда не бывает правдивым.

Проблема тех, кто ходит на джазовые концерты в клубы и особенно на крыши, слушает «Радио Джаз» и вообще старается подчеркнуть свою приверженность к этому жанру, в том, что они считают себя людьми с хорошим вкусом, хотя на самом деле у них вкуса нет вообще. Они просто не чувствуют.

Особенно почему-то это касается публики московской.

В своём очерке об ушедшем недавно великом саксофонисте Бенни Голсоне, Итан Айверсон упоминает прекрасный, но не попавший в ногу со временем альбом «Free» и сокрушается: мол, как жаль, что в те времена старое и новое не могли существовать в согласии. И тут же добавляет, что от всей души осуждает проклятый капитализм. Вернее, его почившую в бозе версию, когда не только потребителям, но и хозяевам индустрии приходилось делать выбор.

Теперь в победившем ужасное прошлое прекрасном настоящем проблемы выбора больше не существует. Бесконечное предложение призвано бесконечно удовлетворять бесконечный спрос.

К вящему удовольствию Айверсона между Бенни Голсоном и Орнеттом Коулманом больше не нужно ставить союз «или». Одна беда: на бесконечной полке их обоих поместили ровно в то место, до которого больше никому нет дела.

Ben Wolfe // «The Understated» // Resident Arts Records, 2024

Контрабасист Бен Волф хорош своей аскетичностью. Как исполнитель он не стремится удивить слушателя, выставляя свою искусность напоказ. Как композитор Волф точно знает что хочет сказать, и что еще важнее, чего говорить не хочет. Отсекая лишнее, он оставляет главное. На новом альбоме «The Understated» принцип Волфа наглядно демонстрирует композиция с характерным названием «Occam's Razor».

На исхоженном вдоль и поперек поле джазового мейнстрима записи Волфа узнаваемы и способны оставить слушателя в приятном нетерпении: так когда же уже новый альбом?

Настоящая старая школа.

#новое

https://youtu.be/xFBr6esoYSA?si=PE3pQ6I9CUKxXti9 // https://album.link/ru/i/1750424742

Трио Стива Кьюна — Watch What Happens! (MPS, 1968)

В начале длинной недели несколько раз переслушал этот диск Стива Кьюна — мощнейшего пианиста, о котором на русском, кажется, написан всего один текст.

У Кьюна была (он еще жив, но на пенсии) довольно длинная карьера, в течение которой он, конечно же, много раз трансформировал свой стиль и перерабатывал музыку. Известен он прежде всего своими альбомами классической эпохи ECM 1970-х, на которых звучит музыка вполне «исэмовская», но Watch What Happens! — совершенно другая вещь и другой случай, пусть и играет Кьюн здесь с Палле Даниэлссоном и Йоном Кристенсеном, будущей фирменной скандинавской ритм-секцией ECM.

Композиция самого Кьюна тут только одна — короткий этюд Silver; все остальное — Легран, Бакарак, отдельные джазовые стандарты и вещь Карлы Блей на закуску. Музыка — романтическая и ритмичная, в определенной степени совершенная, но с постоянными отклонениями от нормы. Солирует практически и только сам Кьюн, и его игра особенно поражает. В ней есть размах и контроль, место большим жестам и легкому разговору. Звучит она, на самом деле, очень похоже на то, как Кит Джарретт в дальнейшем играл со своим «европейским» квартетом (он рассказывал об этом на своей лекции). Учитывая состав, вполне возможно, что сам Джарретт этот диск изучил; а, может быть, это просто совпадение.

В любом случае, очень спокойная музыка, полная выдумки и легкой страсти. Слушать можно на стримингах, хоть на Ютюбе, а вот — Tom Jones, моя любимая вещь с пластинки. Длинное-предлинное соло Кьюна вызывает ассоциации с усиливающимися потоками ветра, ловящими тебя на длинной и широкой улице, с которой не сойти в переулки, потому что нет времени и ты куда-то торопишься.

Peter Bernstein // «Better Angels» // Smoke Sessions, 2024

В какой-то степени это безрисковый альбом. Питер Бёрнстин опирается на старых друзей и старших товарищей. Играет ровно то, что от него и ожидаешь услышать. В то же время едва ли можно упрекнуть Бёрнстина в монотонных самоповторах. Скорее, он предпочитает двигаться поступательно и избегать резких стилистических поворотов.

Свой голос Бёрнстин обрел, постоянно шлифуя мастерство, и попутно избавляясь от навешанных на него в начале карьеры ярлыков. Такой путь потребовал от него и времени, и терпения, зато вместо мимолетного громкого успеха привёл к гораздо более устойчивым результатам.

Альбомы Бёрнстина уже давно ассоциируются со словами «элегантность» и «высшее мастерство». Поэтому «Better Angels» не требует дополнительных пояснений и рекомендаций. Его приглушённая красота, возможно, и не вызовет бурных эмоций, зато способна скрасить осенний вечер. Бывают дни, когда большего и не требуется.

#новое

https://youtu.be/xmJggOQDDRE?si=Ca68ppaZcPPfvaLh // https://lnk.to/thql8wJgAJ

Далеко не ко всем альбомам начала нулевых хочется возвращаться. Некоторые из них, казавшиеся когда-то модными и актуальными, сейчас не могут вызвать ничего, кроме чувства неловкости.

К счастью, бывают исключения. Не так давно бостонский фанк-бэнд Lettuce перевыпустил концертный альбом «Live in Tokyo», и это тот случай, когда старый друг действительно оказывается лучше новых двух.

Прошедшие с момента записи годы пластинку совсем не состарили. Наоборот, как и прежде, хочется отложить дела и пуститься в пляс. Грув на 12 из 10 не оставляет ни единого шанса действовать по-другому.

«Live in Tokyo» - уже классика. Ещё не вечная, но уже вневременная.

https://youtu.be/i1h-jAPk1Ek?si=OVzlv8o8b2c3LaO9 // https://album.link/ru/i/1760749823

​Bill Charlap Trio // «And Then Again (Live)» // Blue Note, 2024

Главное искушение музыканта, работающего с традицией, захотеть присвоить её себе. Начать смотреть в прошлое с позиции триумфатора, который гораздо лучше всё знает и понимает. Пытаться встраивать исполняемую музыку в контекст победившего настоящего.

Другой путь - стать частью традиции. Отчасти раствориться в ней. Не принимать музыку прошлого как должное. Принять, что она больше тебя самого. Кажется, пианисту Биллу Шарлапу это удаётся. Возможно, поэтому его записи, сделанные в одной и той же стилистике, каждый раз слушаются свежо. Не превращаются в утомительную рутину.

«And Then Again» - это ещё и игра с внимательным слушателем. Выбрав в качестве заглавной композиции не самую известную и необычно экспрессивную вещь Кенни Бэррона, Шарлап показывает, что может удивить даже самых взыскательных поклонников.

С другой стороны, он названием «And Then Again» как бы невзначай подмигивает скептикам. И вот опять: двадцатый, кажется, альбом в том же составе за почти три десятка лет. И вот опять: не знающие сносу вечнозеленые стандарты от «All The Things You Are» до «Darn That Dream». И вот опять: тот самый пыльный подвал в Гринвич Виллидж, где великих концертов было записано, не счесть. И вот опять: фортепианное трио как единое целое, в котором однофамильцы Вашингтоны играют так, словно издеваются над штампом про «телепатические связи», переводя их практически в разряд имманентных.

И вот опять: выдающиеся музыканты показывают, что при должном обращении можно избавить тот самый джазовый джаз от клише и заставить-таки выглянуть из музея на улицу. Главное, не подменять прошлое настоящим.

https://exystence.net/blog/2024/08/17/bill-charlap-trio-and-then-again-2024/ // https://music.apple.com/us/album/and-then-again-live/1750814631

#новое

Музыка, которую сегодня принято называть современным-, контемпорари-джазом или мейнстримом, как правило, устроена сложно. Чтобы исполнять ее, помимо фундаментального образования требуются годы постоянной шлифовки мастерства. Мерой всех вещей становится техническая безупречность.

В этом моменте сразу возникает серьезное противоречие, связанное с отказом от взаимодействия с реальностью. Постижение сложного языка становится самоцелью. Виртуозность превращается в бесконечный тупик. Навык становится непреодолимым барьером на пути к подлинному откровению.

Изъяснение с большинством на языке, никак не совпадающим с окружающей действительностью, обретает форму самозащиты и обнажает ключевую проблему многих современных джазовых музыкантов. Кажется, ее можно сформулировать как отказ от диалога со слушателем. Собственно, в музыке именующей себя «контемпорари-джазом» нет даже стремления этот диалог начать.

Попытки же сделать джаз понятней, как правило, приводят к поиску быстрых решений и стремлению сразу же выдать ответ, не услышав при этом вопроса. Возможно, это происходит потому, что джаз со временем из живого языка превратился в формулу, которую можно делать сложнее, или наоборот, упрощать, но сути это не поменяет.

В формулах, оторванных от реальности нет истины, а значит, нет жизни.

Иногда во время прослушивания, как сейчас принято говорить, контемпорари-джаза вдруг начинает казаться, будто музыка оказывается в тисках мастерства и концепции человека ее создающего и никак не может вырваться на свободу. Вот ровно такое ощущение у меня осталось от хорошего в общем-то альбома очень хорошего пианиста Мики Томаса.

https://youtu.be/dhg9UxPFNNM?si=7-XSBGIWM_EmwTzw // https://album.link/ru/i/1748780040

#новое

Даже не знаю, что смешнее (см. ссылку ниже): обложка, музыка или рецензия.

Второе предложение в тексте звучит как плохой анекдот: «Не может быть в мире людей, которые одновременно поддерживают Трампа (в оригинале MAGA - Make America Great Again, но это неважно) и любят джаз».

Если вы думаете, что я сейчас о политике, то нет, я как раз о джазе. Этот частный случай, когда даровитые музыканты - и саксофонист Джефф Ледерер, и трубач Керк Кнаффке и барабанщик Мэтт Уилсон к ним, безусловно, относятся - занимаются ерундой, отражает общую для джаза проблему. Дело в том, что музыка звучащая на альбоме абсолютно музейная. К реальности она никакого отношения не имеет.

Когда к такой пыльной, будто из бабушкиного сундука, музыке лепятся повесточные месседжи, ничего кроме чувства глубоко хохота это вызвать не может. Самый же хохот в том, что всё это сопровождается таким надуванием щёк и пафосом, как будто действительно что-то значит.

На самом деле это уже не игра в бисер, и даже не игра в игру в бисер, а натуральное бисерометание.

https://www.allaboutjazz.com/guilty-jeff-lederer-little-i-music

#новое

Если же вам вдруг захочется ненапряжного слушания в пятницу вечером, смело включайте новый альбом Дэна Сигела. Старая гвардия смус-джаза - Сигелу в этом году стукнуло семьдесят - не подводит.

https://youtu.be/w1OdlRaMVEA?si=ZdUG1QOzVSqOyNa5 // https://album.link/ru/i/1749921143

#новое

Geoffrey Keezer // «Live At Birdland» // MarKeez, 2024

Джеффри Кизер – пианист высшего уровня. Он по-настоящему виртуозен и изобретателен. В его игре находится место и отточенному мастерству, и искрометному юмору, и искреннему чувству.

Уроженец городка О-Клэр, штат Висконсин, Кизер – классический работяга с Мидуэста. Он невероятно работоспособен, в отдельные моменты – фанатичен. Это отчетливо слышно в его манере, в бесконечном стремлении к совершенству.

Одно из проявлений трудолюбия Кизера – его музыкальная эрудиция. Сам он называет себя «губкой», способной впитать и переработать практически любой материал. Это профессиональное качество Кизера в разное время по достоинству оценивали легенды: его звали в составы и Арт Блэйки, и Арт Фармер, и Джим Холл.

С годами востребованность в качестве сайдмена стала фундаментом карьеры Кизера. Тем не менее, он не только талантливый интерпретатор, но и сам способен создавать подлинную красоту. В подтверждение тому – почти два десятка сольных альбомов, среди которых нет места халтуре.

В музыкантской среде Кизера ценят и уважают. Его репутация – безупречна. Относительная неизвестность широкой публике этому не противоречит, скорее наоборот. Кажется, Кизеру отношения с предметом важнее погони за аудиторией. Возможно, поэтому он ни разу не сотрудничал с крупными лейблами и PR-агентствами. Последние годы он и вовсе выпускается самостоятельно. Благодаря этому Кизер во многом обретает свободу выбора.

Новый альбом «Live At Birdland» - подарок для ценителей. В основе сюжета – музыка Чика Кории и Уэйна Шортера. Выбор небанален: например, три из четырех композиций Шортера взяты из так до сих пор и непонятых альбомов «Phantom Navigator» и «Joy Ryder». Впрочем, едва ли это случайность: и Кизер, и еще один участник трио, басист Джон Паттитуччи, успели поработать в составах «позднего» Шортера. Паттитуччи к тому же не одно десятилетие был участником акустических и «электрических» составов Кории.

Чувствуется, что Кизер и Патиттуччи знакомы с материалом не понаслышке. При поддержке барабанщика Кларенса Пенна к прочтению оригинала они подходят смело, но в то же время без вольностей. Это тонкая и умная работа. Главное в ней – интонация. Это не утверждение, а поиск, не единственно правильное решение, а лишь одно из множеств.

Альбом развивается как дружеская беседа, где мысль льется неторопливой рекой. Композиции перетекают из одной в другую настолько органично, что соблазна вмешаться и прервать «разговор» не возникает ни разу. Это редкое чувство гораздо ценнее того, что описывается расхожим штампом «слушать на одном дыхании».

https://youtu.be/4cqrQzaLM6s?si=2VhqNF_FsEctsB6H // https://album.link/ru/i/1763403494

#новое

Любимая композиция с пластинки - «Open or Close». Гловер отталкивается от риффа Орнетта Коулмана и затем виртуозно развивает тему. Ее фразы звучат лаконично, но в них есть и поиск, и вызов. Слушаю на повторе.

#новое

https://youtu.be/RZpydkez0_g?si=o8eyG5afevJ9iAMA

На контрасте сразу же о том, что нравится. Новый альбом саксофонистки Николь Гловер - преотличный. Тот самый "современный джаз", но не на продажу. У Гловер есть и мастерство, и собственный подчерк, где модернизм уживается с пониманием традиции, но главное, чувство музыки. В составе многоопытный вибрафонист Стив Нельсон, чья карьера началась еще в начале 80-х, и молодые басист Тайрон Аллен и Кейвон Гордон. Рекомендую взять на заметку.

#новое

https://www.youtube.com/watch?v=lWss5CrBfek // https://album.link/t/341997881

К слову, послушал тут недавно две новые EP группы BadBadNotGood. Называются "Mid Spiral: Chaos" и "Mid Spiral: Growth". Ну что сказать, скука. Посредственная, одноразовая музыка от инструменталистов средней руки. Действительно, даже интересно, знали бы мы вообще хоть что-нибудь о BBNG, не говоря уже всем том хайпе, который вокруг них в одно время случился, если бы не случившаяся вовремя парочка джаз-каверов на хип-хоп.

https://www.youtube.com/watch?v=atBp0-W9o68

Во время разговора вскользь упомянул дуэт Domi & JD Beck, за что в комментах получил упрёк, зачем я так резко высказываюсь о молодёжи.

Коммент был хороший: дискуссионный и аргументированный. Поэтому я призадумался и попытался сформулировать, что в Domi & JD Beck меня смущает.

По гамбургскому счёту только одно: расхождение между навыком и мастерством. Навык у музыкантов, и правда, сумасшедший. Но навык - понятие обезличенное. Это масштабируемая сущность. Огромное количество инста-виртуозов, королей 30-секундного формата, не дадут соврать. Но чтобы превратить навык в настоящую музыку нужно нечто большее: опыт, вкус, чувство музыки, понимание как органично вписать навык в ткань композиции. В таком случае навык перерастает в мастерство или как минимум авторские наработки.

На мой взгляд, у Domi & JD Beck с этим как раз проблемы. Их навык пока не превратился в настоящую музыку. Именно поэтому их творчество зажато в трех-четырёхминутые ролики на Youtube, а самым популярным видео по-прежнему остаётся кавер на Madvillainy.

Собственно, и их нестандартный визуальный образ нужен не для того, чтобы провоцировать, а для того чтобы сделать видео, простите, более залипательными. Попробуйте провести эксперимент: включите Domi & JD Beck, но не смотрите при этом на них самих, а только слушайте, и засеките на какой минуте вам это занятие наскучит.

При этом, лично никакой неприязни у меня к дуэту нет. Более того, было бы интересно наблюдать во что может переродиться приобретённый в столь юном возрасте исключительный арсенал навыков и умений. Только боюсь, индустрии такой трек развития в целом не интересен, зато джазовые каверы на хип-хоп будут заходить на ура всегда и везде. Тут уже не даст соврать группа BADBADNOTGOOD.

https://youtu.be/oYKwotHRdHo?si=ZThlP2d3IqfjudDp

Не так давно довелось поучаствовать в увлекательной дискуссии. Вернее, дружеском разговоре.

Тему не стоит понимать слишком буквально. Речь шла скорее о том как в современном джазе форма постепенно вытесняет содержание, самопрезентация становится важнее смысла, а легкие формулы успеха отменяют поиск. Впрочем, это касается не только джаза и музыки, а вообще всего.

По-моему, получилось всё довольно живо, без умничанья и напускного уныния. Ворчание, если и присутствовало, то в умеренных дозах.

Спасибо ребятам из «Джаз- Друзей» за приглашение, возможность высказаться и классные вопросы, а другу Олегу Соболеву за соучастие, точность формулировок и общность мнений.

В общем, посмотрите, если будет время, и обязательно подпишитесь на тг-каналы.

https://youtu.be/go_Zi7ec-Pw?si=KLjHIrEOqRaYEY19

Джаз-друзья: https://t.me/jazzfriendsbaby

Олег Соболев: https://t.me/sobolevmusic000

​​Слушаю вечером такую вещь. Это три диска концертных записей Арта Тэйтума и его трио, сделанные в Чикаго в 1953 году и изданные только сейчас. Если вы знаете Арта Тэйтума — то вам ничего объяснять не нужно. Если не знаете, то я поясню: Арт Тэйтум — легендарный слепой джазовый пианист, считающийся одним из лучших в истории музыки. Если не лучшим вообще, то точно самым виртуозным. Про его пальцы, скорость, идеальный слух существуют сотни легенд. Чтобы понять, о чем я говорю, можно послушать «Begin the Beguine» в исполнении Тэйтума. Обещаю, что до вас очень быстро дойдет.

Так вот, слушаю я чикагские концерты Тэйтума — и у меня две мысли:

1) Тэйтум — не просто уникум или самородок. Он из рода «американских мавериков». Есть такой термин в академической музыке, им обычно принято описывать американских композиторов, которые шли против течения, не вписывались в конкретную традицию, находились вне традиции вообще. Чарльз Айвз, Генри Кауэлл, Джон Кейдж, Гарри Парч, Алан Хованесс, Лу Харрисон, прочие, прочие и прочие. Так вот, Тэйтум — это маверик джаза. Его манеру игры не отнести к какому-либо джазовому стилю. Он слишком дико и слишком лихо импровизировал; совершенно не похоже на остальных джазменов. Исполнял — на момент 1953 года — в основном беспрецендентно старомодный репертуар. В момент соло других музыкантов одновременно аккомпанировал и как будто сам тоже солировал. Его общий подход к музыке сильно больше просто виртуозности. Он крайне оригинально мыслил насчет джаза вообще.

2) Нет людей, которых можно назвать предтечами Тэйтума, и нет тех, кого можно назвать его последователями. Это увтерждение верно еще и потому, что Тэйтум слишком хорошо изучил фортепиано и обладал невероятными для пианиста физическими данными. Его невозможно точно сымитировать, потому что такая задача не решается исключительно усидчивостью и прокачкой мастерства. Тэйтум, его манера игры и его музыка задают нам вопрос о том, где кончается умение и начинается нечто большее. Назовите это «большее» как хотите: удачей, талантом, божественным провидением.

Арт Тэйтум — это бесконечный аргумент в пользу человечности творчества. Он был идеальным носителем загадочной энергии человеческого естества, которую не может заменить ни одна машина.

Гитарист Дэйв Страйкер - отличный пример наикрепчайшего суперпрофи. Его альбомы вряд ли для кого-то станут откровением. Едва ли найдутся те, кто будет утверждать, что Страйкер сделал важные музыкальные открытия. Не думаю, что даже в кругах искушённых джазистов его новые альбомы ждут с нетерпением. Скорее, вообще не ждут. Это Страйкера совсем не принижает, как раз наоборот.

Страйкер замечателен тем, что не требует к себе особенного отношения и не настаивает на неизменной слушательской любви. Он просто делает своё дело на самом высоком уровне. Возможно, он и не изобрел новый язык, зато обрел свою собственную интонацию. Его альбомы не обязательны для немедленного прослушивания, зато неизменно хороши. Они не сулят откровений, но вполне способны скрасить вечер, не потребовав ничего взамен. Голос Страйкера может и не громок, но всегда узнаваем.

В конце концов, невозможно, да наверное, и не нужно требовать от музыки обязательного катарсиса. Понапрасну бередить душу не стоит. Когда нет сил на глубокий разговор о самом важном, достаточно и легкой приятельской беседы. Страйкер - в этой роли идеален. От него всегда знаешь, чего ждать. В нем всегда уверен, что не обманет.

Альбом «Groove Street», записанный Страйкером с проверенным годами трио, не добавляет к сказанному о нем ничего нового, но подтверждает все вышесказанное. Пообещал грув - сделал грув. Без лишних концепций и месседжей. Позвал в состав давнего друга Боба Минтцера, и тот пришёл не с пустыми руками, сочинив несколько мелодий, которые из головы теперь не выкинешь.

Возможно, для подлинного счастья «Groove Street» и не хватит, но для хорошего настроения - в самый раз.

#новое

https://youtu.be/s7fOsCQ6UIk?si=UteF_vG3Gik2em_F // https://davestryker.bandcamp.com/album/groove-street

Назвав свой новый альбом «Технически приемлемо», Итан Айверсон, кажется, слукавил. Наверняка этой пластинкой он остался очень доволен.

Здесь есть все слагаемые успеха: остроумная задумка, мастерское исполнение, легкий модернисткий флёр. Айверсон ловко жонглирует формой, постоянно перемещается во времени от бибопа 40-х к мейнстриму (тому, что принято называть «контемпорари-джаз») 00-х, устраивает очередную ревизию великому стандарту «’Round Midnight» и упивается вечным хитом «Killing Me Softly with His Song». Венчает альбом и вовсе трёхчастная соната. Известный своей эрудицией Айверсон, пожалуй, как никто другой, умеет собрать из, казалось бы, разрозненных элементов крепкий сюжет. Модное среди критиков определение «тонкий стилист» Айверсону подходит удивительно точно.

«Technically acceptable» задуман так, чтобы затягивать слушателя в свои сети и не отпускать как можно дольше. Однако, эффект достигается, как ни странно, прямо противоположный. Никакого душевного трепета от прослушивания не появляется. Даже любопытства не возникает. При внешней всеохватности музыка Айверсона на поверку оказывается очень узкопрофильной. Слушать «Technically Acceptable» примерно так же интересно, как читать пояснительную записку к исследовательской работе по изучению свойств бетона. То есть, интересно, конечно, но только если вы глубоко погружены в тему и желаете потешить своё профессиональное самолюбие.

Айверсон поразительным образом запирает свою музыку в клетку собственной интеллектуальности. Его познания в истории джаза становятся шорами, за которыми не виден мир вокруг. «Technically Acceptable» - идеальный альбом кабинетного ученого, годами исследующего поведение третьей волосинки в левой ноздре. Музыка, бесконечно увязшая в мелкотемье, слушать которую может быть интересно только по двух причинам: или вы настоящий узкопрофильный специалист, или хотите показаться умнее, чем есть на самом деле.

#новое

https://jazzist.ru/ethan-iverson-technically-acceptable/ // https://exystence.net/blog/2024/01/20/ethan-iverson-technically-acceptable-2024/

Один из самых любимых альбомов года - вот этот. Бодрит страшно, даром что записал его 75-летний человек. Мастерство и чувство музыки такие запредельные, что даже скромно сделанный звук пластинку не портит, а наоборот, добавляет шарма. И вообще в случае с «Wake-Up Call» не это главное. Честер Томпсон создает
филгуд-фьюжн самых честных правил, как наверное, новое поколение уже не может. Секрет в том, что он не продаёт хорошее настроение, а им от всей души делится.

#новое

https://jazzist.ru/chester-thompson-wake-up-call/

К слову, о Марсалисе и поколении «молодых львов», символом которого Уинтон во многом является. Как правило, о «львах» принято было говорить с легким пренебрежением. Высосанное из пальца маркетинговое определение, не имевшее под собой никаких реальных оснований - примерно так писал об этом журнал «Даунбит». Как это часто бывает, в реальности все оказалось совершенно по-другому. «Молодые львы» - Марсалис, Терренс Бланшар, Уоллас Рони, Джефф Уоттс, чуть позже Крисчен Макбрайд и Рой Харгроув - были одними из последних ярких личностей в джазе, объединённых общей идеей. Многим из них до сих пор есть что сказать. Да и в целом со своей задачей возвращения джаза в современный контекст они справились блестяще. Были среди них и великие таланты трагической судьбы. Пианист Кенни Кирклэнд прожил всего 43 года и записал в качестве бэндлидера один альбом, но какой. Если бы сейчас вдруг вышла пластинка хотя бы близкая по уровню, я был бы очень рад. Но похоже, такого уже не будет.

https://youtu.be/O4SyQWw8MeU?si=X_8ac0GRplf0DWGh // https://youtu.be/O4SyQWw8MeU?si=X_8ac0GRplf0DWGh

Действительно, новый альбом Камаси Вашингтона не за что ругать. Как и хвалить. Даже думать, често говоря, не о чем. Это не музыка, а продукт. Причём абсолютно никакой. Такие продаются на рынке лучше всего. Чем дальше, тем больше становится очевидным, что Вашингтон - средний саксофонист.

Не крепкий профи, который знает предел своих возможностей, но свою планку держит уверенно, а именно средний. С уклоном в посредственность и тенденцией к переоценке собственной значимости. Как верно заметил Олег, каждая обложка альбома Вашингтона выглядит так, словно мы имеем дело с чем-то по-настоящему важным. Каждый альбом длится примерно вдвое дольше, чем на самом деле должен. В каждой композиции есть замах на попадание в вечность. Так Камаси всеми силами старается скрыть от нас свою вторичность и отсутствие идей.

Чем-то альбомы Вашингтона напоминают книжные «бестселлеры по версии «Нью-Йорк Таймс»», отчаянно мимикрирующие под «великий американский роман». Выглядит внушительно, его с лёгкостью можно поставить на самое видное место на воображаемой стриминговой полке и заставить обратить внимание. О нем можно даже написать сложённую из умных слов рецензию и, конечно же, поместить в списки лучшего за год. Проделать несколько нехитрых маркетинговых трюков, чтобы потом начисто о нем забыть. Потому что на самом деле это вообще ничего не стоит.

https://t.me/sobolevmusic000/975

Уинтона Марсалиса принято считать «традиционалистом». Это отчасти верное определение со временем превратилось в клише и привело к тому, что Марсалис при всей своей успешности остаётся музыкантом непонятым. Дело в том, что Марсалиса считают приверженцем традиции. То есть, человеком, укоренённом в прошлом. На самом деле это не так.

Марсалис, особенно когда только начинал карьеру в 80-е, был человеком своего времени. Возможно, он чувствовал и понимал его так точно, как никто другой. Поэтому в «традиционности» Марсалиса главным была не приверженность безвозвратно ушедшему, а поиск утраченного.

Марсалис не присваивал себе традицию, а растворялся в ней. Особенно остро состояние поиска транслировали его лучшие альбомы, такие как, например, «Black Codes (From The Underground)». В них был вызов текущему порядку вещей, была тревога за потерю почвы под ногами, был гнев на несправедливость, и радость от удачных находок, и много чего ещё. Но в них никогда не было однозначности и благости.

Это выгодно отличает Марсалиса от тех, кто занимается «традиционным джазом» сейчас. Делает его не узкопрофильным и оттого мало кому интересным джазовым специалистом, а по-настоящему большим артистом. К слову, Марсалис вопреки стереотипам до сих пор не успокоился. Поиски продолжаются, и за ними по-прежнему интересно следить.

https://youtu.be/8Rw9bgGPfPU?si=NfZ78munOj3FKZ39 // https://youtu.be/8Rw9bgGPfPU?si=NfZ78munOj3FKZ39

Умер маэстро смус-джаза Дэвид Сэнборн https://www.youtube.com/watch?v=LuDtlLVM3uw

Ушла джазовая Эпоха. Титан.