ARTinvestment.RU Telegram Gönderileri

Иван Силыч Горюшкин  (1873–1954) появился на свет в семье отставного солдата и бурлака. Рано потеряв родителей, он был передан на воспитание дальним родственникам, мещанам Сорокопудовым, что и стало причиной его двойной фамилии.
 
Его отчество и вторая часть фамилии были «говорящими». Один из его учеников вспоминал о нем, отмечая, что за внешней строгостью скрывалась великая сила и скромность, сравнивая его с неприступной скалой. Когда он исправлял рисунок на холсте, его сильный нажим заставлял уголь трескаться и разлетаться. При работе с живописью он выбирал самую широкую кисть и смелыми мазками демонстрировал ученикам, как следует работать.
 
В молодости, живя в Астрахани, он подрабатывал «мальчиком на буфете», то есть официантом, на волжских пароходах. Именно в этом южном городе он начал свое художественное образование в Астраханской рисовальной школе.
 
Он учился в мастерской Ильи Репина, и исследователи отмечают, что именно Репин оказал наибольшее влияние на формирование стиля Горюшкина-Сорокопудова. Сам художник позже вспоминал о своем обучении у Репина:
 
«Некоторое время грешен я был и довольно часто пропускал занятия в мастерской; Илья Ефимович это заметил.
 
Как-то встретив в коридоре, он остановил меня и спросил: почему я не работаю в мастерской? Я сказал, что работаю дома и очень увлекся этой работой...
 
Илья Ефимович взял мой адрес и сказал, что на днях обязательно приедет посмотреть, что я делаю. Это меня удивило и польстило мне, но в душе я все же не верил, что Репин приедет к такой посредственности, как я, в то время, когда среди учеников есть куда более выдающиеся дарования».
 
Привитая художнику великим мастером любовь к портретам и сюжетно-тематическим композициям будет сопровождать его творчество на протяжении всей жизни.
 
На аукционе представлен портрет боярыни авторства Горюшкина-Сорокопудова.
 
🖼И. Горюшкин-Сорокопудов. Портрет боярыни. 1900-е – 1910-е.
 
#ХудожникДня

Впервые художник Владимир Янкилевский (1938–2018) обратился к фарфору в 2003 году, начав работу над эскизами. Как и многие представители шестидесятников, он переносил свои любимые сюжеты в новый материал, исследуя его возможности и открывая новые средства для выражения своих идей.
 
Серия «Психоанализ Афродиты» (часто ошибочно называемая «Эрос» в литературе) включала разное количество сюжетов (при этом детали в рамках одного сюжета могли варьироваться), отличалась тиражами и производилась в разных странах.
 
На торгах представлена тарелка, изготовленная на фабрике Hopperdietzel-porzellan в Мейсене, Германия, в рамках серии из шести тарелок. Все работы выполнены в едином композиционном стиле.
 
Каждая роспись посвящена теме триединства мужского и женского начал и универсума и представляет собой трехчастную композицию, заключенную в пределах одного фарфорового диска. Однако, в отличие от живописных триптихов, где Янкилевский предпочитает горизонтальное развитие темы, здесь сюжет развивается снизу вверх.
 
Таким образом, серия является цветовой вариацией на тему гармонии человеческих отношений, где круг фарфоровой тарелки становится энергетическим полем, объединяющим «все уровни человеческого существования — от уровня Вечности до острого актуального момента».
 
Творчество Владимира Янкилевского не вписывается в рамки отечественного или зарубежного современного искусства, при этом оно наследует лучшие мировые традиции. Его можно охарактеризовать как эпическую экспрессию, где предельная чувственность и эротизм сочетаются с высоким уровнем концептуализации реальности.
 
Используя приемы деформации и гротеска, мастер анализирует человеческие тела и затем собирает их по новым «чертежам», опираясь на опыт симультанного восприятия, благодаря которому отдельные анатомические фрагменты получают конкретное метафизическое значение.
 
Приобрести произведение можно на нашем аукционе.
 
🖼️В. Янкилевский. Шесть тарелок из серии «Психоанализ Афродиты». Hopperdietzel- porzellan, Мейсен, Германия, [2003–2004]
 
#ПроизведениеДня

«Всю жизнь у нас дома на полке стояла очень простая алюминиевая тарелка, и я постоянно разглядывала царапины на ней. Мне казалось, что более идеальной вещи быть не может – это круг, металл, и кто-то ей очень долго пользовался», – вспоминает о рождении работы, которую вы видите перед собой, художница Екатерина Рожкова.
 
Ее авторская манера формировалась под влиянием двух совершенно разных изобразительных традиций.
 
С одной стороны, это московская школа живописи, с другой – богатые традиции японского искусства, с которыми Рожкова познакомилась в рамках практики в национальной академии изобразительных искусств в Токио (1994–1996).
 
Весь этот многолетний практический опыт получил отражение в уникальной стилистике работ Екатерины Рожковой, для которых характерны техническое совершенство, высокий эстетизм и кинематографичность. Художница работает в смешанной технике, применяя темперу, акрил, тушь. Но главным и любимым инструментом Рожковой, её визитной карточкой является простой графитный карандаш.
 
«Карандаш дает диапазон – от неуверенного, незавершенного состояния до предельно четкой ясности графита», говорит автор.
 
Наконец, ещё одно обширное направление творчества Екатерины Рожковой – это натюрморты. При этом попадающие в поле зрения автора предметы, как правило, очень просты, будничны. Для Рожковой все эти потрепанные занавески, исцарапанные тарелки, железные ведра или старые швейные машинки –это зачастую про личное, про далекие воспоминания из детства и предметный мир, с ними связанный.
 
Ярким примером такой личной истории является одна из самых ранних и известных натюрмортных серий Екатерины Рожковой «Тарелки», к которой относится также представленная на текущих торгах работа.
 
Многократно увеличивая масштаб изображения , Екатерина Рожкова в итоге лишила свои тарелки их прямой функции, они обрели статус знака, символа.
 
Приобрести эту символичную композицию можно на нашем аукционе.
 
🖼Е. Рожкова. Тарелка. 2016
 
#КартинаДня

Юрий Жарких (1938) – русский и французский художник, который стал одним из ключевых представителей ленинградского нонконформизма в 1970-х годах.
 
В конце 1975 года по его инициативе было основано Товарищество экспериментальных выставок, объединившее художников-нонконформистов. Его влияние ощущалось во всех аспектах выставочной деятельности Ленинграда в середине 70-х.
 
В своем творчестве Юрий Жарких прошел путь от диссидентского активизма и интереса к аналитическому методу Павла Филонова до позднемодернистского неоэкспрессионизма. Его полотна становятся открытым пространством для взаимодействия живописного языка, идеологических тем, религиозных символов и фрагментов городской повседневной жизни.
 
Картина «Голубое яблоко», представленная на аукционе, является ярким примером работ Жарких 1980–90-х годов, когда он уже сформировал свой уникальный стиль. Эти произведения отличаются сложностью, эмоциональностью и выразительностью. Они поражают необычными, метафизическими сюжетами и обладают своей пластикой и драматизмом. Жарких тщательно прорабатывает цветовую поверхность, создавая сложную фактуру, которая словно излучает свет.
 
В странном и метафизическом «Голубом яблоке» можно увидеть тему эмиграции, отражающую первую и вторую родину художника. Яблоко изображено на фоне русских берез, создавая красивый контраст с голубым небом. В сердцевине яблока, среди причудливых антропоморфных форм, просматривается пейзаж венецианского канала — некая «картина внутри картины». Так же, как яблоко состоит из нескольких слоев красного, оранжевого и желтого цветов, художнику, выросшему в Советском Союзе и переехавшему в Европу, свойственна эта двойственность. Белые линии, разделяющие яблоко на две половины, и «двуликая» антропоморфная форма на одной из этих линий служат дополнительным подтверждением этой интерпретации.
 
Работу можно приобрести на нашем аукционе.
 
🖼️Ю. Жарких. Голубое яблоко. 1994.
 
#ХудожникДня

Евгений Зевин (1947) – российский авангардный художник и живописец, который прошел путь от представителя нонконформистского движения до признанного мастера, удостоенного звания народного художника России и возглавляющего Российскую академию искусств.
 
В 1970-х годах он стал важной фигурой советского художественного подполья, при этом никогда не задумывался о эмиграции, несмотря на критику со стороны официальной советской прессы и другие трудности.
 
С начала 1980-х его работы начали выставляться на международных выставках. На сегодняшний день произведения Зевина находятся в крупнейших музеях и галереях Европы, США, Израиля, Канады и других стран.
 
В своих картинах Евгений Зевин всегда оставался далек от официальных соцреалистических норм, но при этом не изменял формату станковой живописи, избегая концептуальных экспериментов своих коллег, таких как инсталляции и перформансы. Как сам художник говорит, он создает свои работы с расчетом на 200 лет, а не на 2 часа.
 
На текущих торгах представлен живописный портрет «Николай II» (2014) работы Зевина, который является частью большого полиптиха «Россия ХХ век. Портрет эпохи». В этой серии художник создал галерею портретов ключевых правителей России XX века: Владимира Ленина, Иосифа Сталина, Никиты Хрущева и др.
 
Все семь портретов полиптиха, включая портрет Николая II, выполнены в стилистике, отсылающей к кубистическим поискам русских авангардистов, таких как Юрий Анненков и Аристарх Лентулов.
 
Изображение последнего императора Российской империи выполнено в сдержанных оттенках белого, голубого, бежевого и коричневого. Зевин избегает чрезмерной ломкости линий. Используя кубистические элементы как стилистический прием, он сохраняет портретное сходство. Лицо Николая помещено на почти полностью абстрактный фон из геометрических форм, однако одна важная деталь отличает этот портрет от других работ в полиптихе – изображение золотых церковных куполов.
 
Приобрести работу можно на нашем аукционе.
 
🖼Е. Зевин. Николай II. 2014.
 
#КартинаДня

Какие работы вызвали интерес коллекционеров за первый день торгов?
 
🖼Э. Белютин. Встреча (Модуль). 1986.
 
Как говорил автора: «Забудьте обо всем. Не ложитесь спать, если не написали двух-трех хороших этюдов. …Рисуйте и пишите все – нет ничего некрасивого, везде есть сюжет для художника. Будьте самостоятельны, оригинальны, не бойтесь преувеличивать, изменять, что-то подчеркивать. Помните, что преувеличение, метафора – основа искусства…»
 
Сделать ставку
 
🖼М. Добужинский. Улочка Петербурга. 1903
 
По этому серьезному пейзажу и не скажешь, но Мстислав Добужинский обладал отменным чувством юмора. Например, в 1911 году он создал шутливую «Азбуку», составленную из шаржей и эпиграмм на своих друзей-художников из объединения «Мир искусства».
 
Сделать ставку
 
🖼Н. Лермонтова. Корабль. Эскиз для постановки кукольного спектакля по сказке А.С. Пушкина «Сказка о царе Салтане...» 1918–1919.
 
Будущая художница родилась в семье ученого-физика, приват-доцента Петербургского университета. В отличие от их знаменитого дальнего родственника, поэта М. Ю. Лермонтова, в этой семье на протяжении поколений предпочтение отдавалось изучению точных наук. Отец Надежды, ее брат и сестра Александра были физиками, а сестра Екатерина – одной из первых в России женщин-геологов. Однако для Надежды Владимировны главной страстью в жизни стала не наука, а искусство.
 
Сделать ставку
 
#топлоты

На этой неделе среди топ-лотов коллекционеры найдут работы, имеющие особенное, символическое значение для самих авторов👇
 
В полдень будет представлен каталог торгов аукциона AI № 569, среди лотов которого:
 
✅«Композиция» Анатолия Зверева 1959 года. Это тот период, про который сам творец говорил В. Н. Немухину: «Старик, я художником был до 60-х годов, тогда я писал “подлинное”, кровью».
 
✅«Life Line (Линия жизни)» Эрнста Неизвестного, отсылающая к самой значимой работе автора – архитектурному монументу «Древо жизни», гигантской скульптуре, символизирующей творческий союз искусства и науки.
 
✅«Девушка с подсолнухами» Федота Сычкова. Еще живя в Петербурге, художник нашел тему, ставшую ведущей в его творчестве: Федот Сычков стремился раскрыть красоту и неповторимость деревенской жизни. «Я люблю изображать простых людей не только в труде, но и показывать их жизнерадостность, веселье, игры. Я думаю, что в этом неиссякаемом оптимизме простого русского человека сказывается его великая созидательная сила, твердая вера в счастливое будущее».
 
Одновременно откроется 250-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге – работы одного из лидеров гиперреализма Сергея Базилева, воспевающей ностальгию Марии Буртовой, графика Анастасии Кузнецовой-Руф, трендового скульптора Pata (Пааты Мерабишвили) и др.
 
Следите за новостями!
 
#АнонсАукциона

Самые значимые события мира искусства:
 
• 24 февраля, как всегда в полдень, будет представлен каталог торгов аукциона AI № 569. Среди топ-лотов – работы Анатолия Зверева, Эрнста Неизвестного, Юлия Клевера, Федота Сычкова и других художников.
 
• Суд отверг иск коллекционеров о неполном возмещении страховки на сгоревшие в Мичигане картины Клода Моне.
 
• Украденные российские манускрипты появились на западных аукционах. Это указы и приказы российских императоров. Власти прилагают усилия по их возвращению, но пока безуспешно.
 
• В России будет создан Межмузейный реставрационный научно-исследовательский центр. Он должен открыться на базе Государственного Русского музея при участии Министерства культуры РФ.
 
• Новый собственник «Крестов» планирует отреставрировать построенное в конце XIX века историческое здание, где отбывали наказание многие известные люди, среди которых Иосиф Бродский и Николай и Лев Гумилевы
 
• «Гимн «тихой жизни» Ивана Хруцкого»: в фонде In artibus до 30 марта проходит выставка чудесного художника, но в силу разных причин пока не такого заметного для российской публики. В экспозиции более 25 произведений – здесь и портреты, и натюрморты, и «тихие» интерьеры.
 
#ПодборкаАртНовостей

Одним из топ-лотов недели стала работа Николая Вечтомова.
 
Этот художник – пионер возрождения авангардного искусства. Яркий представитель нонконформизма и классик второй волны русского авангарда, был участником т.н. «Лианозовской группы».
 
Биоморфный стиль Вечтомова тесно связан с его личной историей. Пережив ужасные события войны – от Сталинграда до пленения на Курской дуге, дважды бежав из плена и вступив в партизанский отряд, он вернулся домой, чтобы стать профессиональным художником.
 
Его воспоминания о войне оставили глубокий след: «Сталинград врезался в мою память на всю жизнь четко, как в кинокадрах». Пройдя через все испытания XX века, Вечтомов запечатлел свои переживания, создав уникальный синтез эмоций и философских размышлений, мастерски воплощенный в абстрактных формах.
 
В его картинах открывается бесконечная фантастическая среда, отражающая планетарно-космическое восприятие мира.
 
Искусство Вечтомова вызывает множество ассоциаций, но его видения невозможно воспринимать лишь как иллюстрации или элементы дизайна. Это новаторская эпическая драма, отражающая глубокие мистические переживания и экзистенциальные вопросы, пронизанные особой энергетикой времени и места.
 
Картины Вечтомова выходят за рамки узкого жанра научной фантастики или поп-культуры. Они передают ощущение существования миров – реальных или вымышленных – с поразительной убедительностью.
 
Один из этих фантастических миров можно увидеть в картине, которая была представлена на минувшем аукционе.
 
🖼️Н. Вечтомов. Композиция. 1988.
 
#топлоты

Три пейзажа и футуристичная композиция стали топ-лотами этой недели.
 
Например, за 4 425 000 рублей была продана работа пейзажиста Юлия Клевера-старшего.
 
Его чья судьба оказалась весьма необычной: он пользовался огромной популярностью при жизни, но после смерти почти полностью исчез из памяти людей. И вот, наконец, снова активно возвращается в аукционные тренды.
 
Семья Клевера, включая его жену и детей, столкнулась с еще более тяжелыми испытаниями. Им постоянно не хватало средств, и лишь творчество  помогало отвлечься от суровой действительности.
 
Ю.Ю. Клевер-старший родился в семье преподавателя Ветеринарного института и магистра химии, немца по происхождению. После окончания гимназии он переехал в Петербург и поступил в архитектурные классы Академии художеств, а затем, в 1870 году, перешел в класс пейзажной живописи к профессорам С.М. Воробьеву и М.К. Клодту. Однако вскоре академические занятия стали ему неинтересны, и он прекратил посещение занятий, что привело к исключению из Академии.
 
Тем не менее, это ничуть не смутило молодого талантливого художника. Он начал самостоятельно работать на природе, внимательно изучая окружающий мир, законы цвета и сочетания оттенков. Юлий стремился в самые удаленные уголки леса, проводя часы под дождем или пронизывающим ветром, рисуя в любую погоду и при любом освещении.
 
Юлий Юрьевич работал быстро, энергично и продуктивно. В то время русское искусство переживало расцвет пейзажной живописи, и «клеверовский лес» занял в ней особое место.
 
Густые темные чащи с корнями деревьев, затонувшими в болотах, тревожные багровые закаты, яркие рассветы и дымные облака – все это было наполнено драматизмом и фантастическим настроением, оставаясь при этом близким и знакомым каждому.
 
Пейзажи Клевера были известны повсеместно, о нем говорили в салонах и частных галереях. Его картину «Лес зимой» приобрел лично император Александр II, что стало значимым событием.
 
К 31 году жизни художник достиг всего возможного для пейзажиста своего времени. Это также означало, что для состоятельных людей стало дурным тоном не иметь в своей коллекции работы Клевера. Он оказался на пике славы со всеми ее положительными и отрицательными сторонами.
 
В советское время его творчество было забыто, но, к счастью, современные коллекционеры исправили эту ошибку.
 
🖼️Ю. Клевер. Зимний вечер. 1897.
 
#ИтогиАукциона