ARTinvestment.RU Telegram-Beiträge

Эрте (Роман Петрович Тыртов, 1892–1990) – знаменитый художник, иллюстратор, сценограф, модельер и скульптор русского происхождения, который стал одним из основателей стиля ар-деко.
 
Стремясь стать дизайнером, Роман Тыртов в 1912 году переехал из Российской империи в Париж, когда ему еще не исполнилось 20 лет. Он выбрал псевдоним «Эрте», образованный от первых букв его имени и фамилии, чтобы не опозорить свою семью: юноша происходил из древнего русского дворянского рода, известного с XVI века, и решил стать художником вопреки желаниям своих родственников, которые были потомственными военными. Под этим псевдонимом он работал в Париже и Голливуде, завоевав всемирную известность.
 
Творческий дар Эрте проявлялся в различных областях: он был модельером, сценографом, иллюстратором, дизайнером интерьеров, скульптором и графиком. Он представил миру моды инновационную модель платья с асимметричным декольте и считается автором стиля унисекс благодаря своим изысканным женским костюмам. Эрте создавал костюмы для таких знаменитостей, как Мата Хари и Анна Павлова, а также для певицы Ирен Бордони и танцовщицы Габи Дезли. В качестве иллюстратора с 1915 по 1937 год он создал около 250 обложек и 2500 рисунков для журнала Harper’s Bazaar и активно сотрудничал с такими изданиями, как Vogue, Cosmopolitan и The Sketch.
 
Все работы Эрте отражали его уникальный стиль, отличающийся элегантностью, декоративностью и орнаментальностью. Его обширное творческое наследие сформировало облик эпохи ар-деко. На протяжении почти всего XX века художник оставался верен этому стилю. Например, в 75 лет Эрте решил попробовать свои силы в тиражной графике и выпустил серии литографий и шелкографий на основе своих ранних работ, чтобы сделать их доступными для более широкой аудитории, чем на выставках.
 
На аукционе «Первые имена» представлено произведение мастера, посвященное индийской принцессе.
 
🖼️Эрте. The Hindu Princess (Индийская принцесса). 1987.
 
#ХудожникДня

Эта картина – попытка передать через символику сюрреализма символы важнейшего события страны – Победы в Великой Отечественной войне.
 
Работа Худякова состоит из трех частей: «Память», «Слава», «Вишня 45-го».
 
В центральной части изображены руки Бога, освобожденные от перекладины, принимающие в свои ладони невинную жертву войны – Души погибших, возлетающие с полей сражений, символически изображенные в виде окровавленной вишни. Скатерть напоминает карту с прогоревшими местами воинских битв.
 
Слева изображен граненый стакан с водкой и хлебом – символ Памяти, так обычно поминают погибших. Справа стакан с водкой и орденом Славы — так воины обмывают свои награды.
 
И по центру автор изображает себя как тайного зрителя, которому открылось это видение, имея в виду всех нас, зрителей, исследователей истории.
 
Художник Константин Худяков родился в год Победы.
 
Он стоял у истоков развития отечественного цифрового и мультимедийного искусства, стал предвестником тотального поглощения общества миром цифровых технологий и гаджетов, без которых сегодня мы уже не можем представить нашу жизнь.
 
В его произведениях соединились архитектурный опыт, занятия живописью, а также интерес к новейшим цифровым технологиям. Образы автора вызывают ассоциации с полотнами сюрреалистов. Его произведения, наполненные, как правило, символическим подтекстом и иносказаниями, погружают зрителя в фантастический мир, в котором порой просвечивает знакомая зрителю реальность.
 
Приобрести эту знаковую работу можно на аукционе.
 
🖼К. Худяков при участии А. Сплошнова. Вишня 45-го. 2016
 
#КартинаДня

Разные семьи, разные увлечения – в итоге все эти художники все равно пришли к живописи и теперь их картины  будут представлены в каталоге торгов аукциона AI № 571.
 
Среди топ-лотов:
 
✅«Альпийские горы» Станислава Жуковского. Автор – сын польского аристократа, лишенного владений и дворянских прав за участие в антирусском восстании в 1863 году.
 
✅«Летний пейзаж» Николая Крымова. У него было больше стартовых условий – родился в 1884 году в Москве, в семье художника Крымова. Первоначальное художественное образование получил под началом отца.
 
✅«Перед грозой» Иосифа Крачковского, который происходит из мещанской семьи. С детства увлекался не только живописью, но и музыкой и после окончания петербургской гимназии несколько лет проучился в консерватории.
 
Одновременно откроется 252-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство».
 
В каталоге – работы московского художника родом из Душанбе Азама Атаханова, импрессиониста Ирины Митриковой, глубоко психологичной художницы Светы Чимитд и др.
 
Следите за новостями!
 
#АнонсАукциона

Представляем вам автора одного из самых топ-лотов недели.
 
Эдуард Штейнберг – выдающийся художник, известный как в России, так и за её пределами,  нонконформист-шестидесятник, который прославился своими абстрактными произведениями.
 
Как и у многих нонконформистов, жизнь Штейнберга полна необычных поворотов. Он родился в 1937 году в Москве и не получил профессионального художественного образования.
 
Основам рисования он обучался у своего отца, Аркадия Штейнберга, поэта и переводчика, который когда-то учился в ВХУТЕМАСе. Эти уроки проходили в их семейном доме в Тарусе, который в то время стал центром притяжения для творческой интеллигенции.
 
Отец художника поддерживал дружеские отношения с Георгием Костаки, и именно в квартире этого знаменитого коллекционера Штейнберг впервые увидел работы таких мастеров, как Малевич, Кандинский и Матюшин в начале 1960-х годов.
 
Эти художники и оказали большое влияние на творчество нашего героя.
 
В конце 1960-х годов Штейнберг начинает изучать русскую традицию религиозно-философского ренессанса Серебряного века, погружаясь в труды таких мыслителей, как Владимир Соловьев, Николай Бердяев и Павел Флоренский.
 
В результате ему удается создать уникальный синтез русского религиозного и художественного авангарда начала XX века.
 
Даже простые по жанру работы  Штейнберга отсылают зрителя к размышлениям об основах мироздания.
 
Одна из таких картин и была представлена на аукционе.
 
🖼️Э. Штейнберг. Композиция. 1981.
 
#топлоты

Нестандартные – так можно описать топ-лоты этой недели.
 
«Первое место» заняла работа Валерия Кошлякова, проданная за 5 900 000 рублей.
 
В понимании Валерия Кошлякова истинное искусство – это классика, прекрасная и вечная.
 
Одним из главных стимулов к формированию уникального авторского стиля стал, вероятно, переезд Кошлякова в Москву в конце 1980-х годов. Здесь он всецело смог посвятить себя занятию творчеством и выработке собственной арт-концепции. Так, с самых первых лет жизни в столице он, прежде работавший в основном на холсте, осваивает новые для себя материалы, крафт-бумагу и гофрокартон, в дальнейшем расширяя свою палитру техник и материалов до использования строительной и упаковочной клейкой ленты и бумаги для создания трехмерных композиций.
 
К началу 1990-х он нашёл свою художественную манеру: масштабность, размашистые экспрессивные мазки, колорит приглушенных тонов, часто напоминающий старинные фотографии сепией или полустертые фрески на стенах древних дворцов и храмов, а может быть и сны.
 
В этом и заключается неуловимое очарование искусства Валерия Кошлякова – восхищение классикой,  одновременно и легкость – словно «мимолетность» и преходящесть изображаемого.
 
И хотя Кошляков изображает далеко не только архитектурные мотивы, интерес именно к этой теме создал ему славу художника, воспевающего величественные руины прошлого.
 
«От величия красоты до ее кончины и исчезновения» – таков, словами художника, диапазон его интересов.
 
«Живописец всю жизнь создает одну картину», – говорит Кошляков и продолжает свой пространный рассказ о мировом наследии длиной в целую жизнь.
 
🖼️В. Кошляков. Без названия. 1991.
 
#КартинаДня

Некоторые ценовые результаты торгов 7 марта на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

КОШЛЯКОВ Валерий Николаевич (1962) Без названия. 1991
Холст, масло, акрил. 200,3 × 160
Цена: 5 900 000 рублей

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция (сентябрь 1981). 1981
Холст, масло. 94,5 × 92,5
Цена: 3 245 000 рублей

АВЕТИСЯН Минас Карапетович (1928–1975) Натюрморт. 1965
Холст, масло. 80 × 95,3
Цена: 2 360 000 рублей

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1860) Лаго-Маджоре. Тихий вечер в Локарно. 1937
Бумага, акварель, графитный карандаш, белила. 20,4 × 28,4
Цена: 1 652 000 рублей

Владимир Клавихо-Телепнев (1962) – выдающийся мастер классической художественной фотографии, один из самых известных и талантливых фотографов в современной России.
 
На сегодняшний день Клавихо-Телепнев ставит перед собой задачу создавать такие снимки, которые могут соперничать с живописью, фотографии, способные оставаться на стенах дома на протяжении долгого времени, вновь и вновь раскрывая свою идею.
 
Одной из ключевых тем его творчества является русская тема. Как отмечает сам автор, «дальние путешествия прекрасны, но попробуй сделать так, чтобы твой собственный дом люди увидели таким, каким ты его видишь! Ведь пока в фотографии нет термина “русский пейзаж” или “русский натюрморт”. А как интересно было бы показать это в фотографии, показать по-другому, без штампов, без самоваров...».
 
Здесь представлена работа из серии фотографий, выполненная в старинной и ныне забытой технике эгломизе. Эта техника была изобретена в XIII веке, а в XVIII веке получила свое название в честь французского художника Ж.-Б. Гломи, который создавал гравюры на стеклянной пластине с задней стороны, покрытой сусальным золотом и тонким слоем лака.
 
Уникальность этой серии работ заключается в том, что автору удалось гармонично объединить современную фотографию с древней техникой. В традиционном подходе при размещении фотографий под стеклом стремились избежать отражения окружающих предметов интерьера. В технике эгломизе все происходит наоборот: сначала создается зеркало вручную, затем его эмульсия искусственно разрушается. Это приводит к эффекту разрушенной эмульсии, сквозь которую проявляется фотография человека, пейзаж или любой другой сюжет.
 
В этих фотографиях есть нечто, что напоминает о спиритических сеансах, гаданиях и всем, что связано с образом зеркала. Они более интерьерные по своей природе, так как впитывают окружающее пространство. Отраженное изображение сливается с фотографией, и чем более богат интерьер, тем глубже становится работа.
 
Приобрести работу можно на аукционе.
 
🖼В. Клавихо-Телепнев. Метафора. Из серии «Город солнца». 2023.
 
#КартинаДня

Наталья Захарова (1957) происходит из талантливой династии художников, графиков и скульпторов Захаровых – Соколовых.
 
Отучившись в Московском Полиграфическом институте, Наталья Гурьевна Захарова на долгие годы посвятила себя созданию станковых графических произведений, принимавших участие во многих всесоюзных и международных выставках. После 1982 года Наталья 20 лет занималась живописью. А в 2002 году пришла к иконописи и деревянной религиозной скульптуре, которыми занимается и сегодня.
 
По оценке искусствоведа Екатерины Шмаковой, творчество Натальи Захаровой очень традиционалистское, но при этом оно не является прямым подражанием. Бесконечно черпая вдохновение в православной иконе и расписной деревянной скульптуре, Захарова создает неповторимые авторские произведения.
 
Одной из характерных особенностей авторской манеры Натальи Захаровой является абсолютная законченность образов. «Дописанность, дорисованность, т.е. сделанность до максимального заполнения холста, доски или объемной фигуры, – вот фирменное отличие ее стиля. Зрителю тут ни убавить, ни прибавить».
 
В скульптуре «Трубящий ангел», выставленной на аукционе, Наталья Захарова синтезирует лучшие традиции русской расписной деревянной скульптуры.
 
Для православной деревянной скульптуры характерна подобная условная трактовка объемов, уплощенность и использование в моделировке живописных иконописных приемов. Древнерусские деревянные скульптуры и горельефы даже в документах назывались не скульптурами, а иконами «на рези» или просто иконами.
 
Автор использует в росписи сдержанные, благородные оттенки цвета и позолоту. Подобный колорит придает большей торжественности образу.
 
Приобрести работу можно на нашем аукционе.
 
🖼Н. Зарахова. Трубящий ангел. 2025.
 
#ПроизведениеДня

Художник Владимир Стерлигов оказал значительное влияние на развитие неофициального искусства 1960–80-х. Среди учеников Стерлигова – художники Спицын, Зубков, Матюх и другие.
 
Владимир Стерлигов родился в 1904 в Варшаве, в семье преподавателя. Детские годы провел в Москве, там же учился в гимназии, после работал в библиотеке.
 
Художник сотрудничал с детскими юмористическими журналами «Еж» и «Чиж» как художник и писатель, иллюстрировал произведения Введенского и Хармса. Написал и выпустил в Детгизе книги «Огород», «На самолете в Америку», которые сопроводил собственными иллюстрациями.
 
В 1934, после смерти Кирова, арестован по ложному доносу, осужден. Отбывал срок в лагере под Карагандой. В 1938 освобожден, из-за запрета жить в крупных городах поселился в Петушках, в 1941 переехал в Малую Вишеру под Ленинградом.
 
В начале Великой Отечественной войны Стерлигов призван в армию, попал на Карельский фронт. После контузии демобилизован и эвакуирован в Алма-Ату. Работал в студии детского вещания Казахского радио, преподавал перспективу и историю искусства в Театрально-художественном училище. В эвакуации познакомился с художницей Глебовой, которая вскоре стала его женой.
 
В 1945 вместе с Глебовой вернулся в Ленинград. Продолжил работать как живописец и график.
 
«Я не учился у Татлина, но взял у него главное. Те, кто учился у Татлина, – никогда его учениками не были. Я не учился у Матюшина, но взял у него главное. Те, кто учился у Матюшина, никогда его учениками не были. Я учился у Малевича, и после квадрата я поставил чашу», говорил художник
 
Будучи учеником Малевича и последователем основателя органического направления Матюшина, Стерлигов создал оригинальную пластическую систему, развивающую идеи классического русского авангарда.
 
Характерный образец его творчества можно посмотреть и приобрести на нашем сайте.
 
🖼В. Стерлигов. Перед началом № 1. Конец 1940-х – начало 1950-х.
 
#ХудожникДня

«Деформация в пределах узнаваемости или ассоциаций – мой принцип в скульптуре», говорит скульптор Николай Силис (1928–2018).
 
«Своими скульптурами я обращаюсь к подсознанию человека, к той реликтовой основе восприятия, которая и является основным дирижером всего поведения человека».
 
Искусствовед Юрий Норштейн охарактеризовал его работы как «…поиск философского камня. Ветер продырявил их, изогнул формы. Его скульптуры требуют движения. Они медленно кружатся в невесомости. Они – лента Мебиуса... Есть в его работах что-то от детской игры. Силису самому интересно, а что же дальше, за этой формой? Его работы – формулы, переведенные на пластический язык».
 
Камень, дерево, глина, то есть те традиционные скульптурные материалы, с которыми Николай Силис начинал свою самостоятельную работу, не только дали ему необходимые любому скульптору профессиональные навыки, но и определили его индивидуальный почерк; доминанту его скульптурной манеры можно выразить одним главным термином – пластика.
 
Понимание главенства пластического начала в скульптуре XX века выделило Силиса среди советских скульпторов, ввело в круг ведущих зарубежных скульпторов-новаторов.
 
Особое место в его творчестве занимает тема с женскими образами, поэтику которых мастер безупречно воплощает в бронзовых отливках. Разрабатывая образы спортсменок, танцовщиц, циркачек, Николай Силис в первую очередь стремился передать состояние тела в активной фазе движения, гармонию и равновесие человеческого механизма.
 
Именно такую изящную работу с женскими формами мы видим в представленной на аукционе скульптуре. Прекрасная девушка символически трансформируется в зовущий вдаль маяк.
 
🏺Н. Силис. Женщина-маяк.
 
#ПроизведениеДня