ARTinvestment.RU

Какие работы вызвали интерес коллекционеров за первый день торгов?
 
🖼Великая княгиня Ольга Александровна. Маки. Около 1934.
 
Удивительный пример когда особу, с рождения обладавшую состоянием и властью, прежде всего интересовала красота момента, жизненных мелочей.
 
Сделать ставку
 
🖼Икона «Святители Василий Великий, Григорий Богослов, Иоанн Златоуст». Середина XVI века, Псков.
 
Вся эта картина – история, в каждой маленькой трещинке на оборотной стороне буквально запечатлелись года и столетия русской жизни. А с лицевой стороне на зрителя смотрят ключевые фигуры православия, изображенные неизвестным, но талантливым мастером из Пскова.
 
Сделать ставку
 
🖼В. Любаров. Деревня Русалкино. 2020.
 
Художник вдохновлялся реальными деревьями, привычными для русского сердца персонажами. Добавлял фантазию и получал своеобразные мифологические циклы. Любаров придумал целую деревню Русалкино, русалки из которой танцуют, приплывают на тайные свидания с жителями деревни и даже пьют квас…
 
Сделать ставку
 
#топлоты

Сегодня, как всегда в полдень, вашему вниманию будет представлен каталог торгов аукциона AI № 564.
 
Среди топ-лотов – работы легендарных художников:
 
✅Валериана Каменева, пейзажиста, который большую часть жизни провел на государственной службе – сначала в Новгороде, а затем в Петербурге, но это не помешало ему достичь выдающегося живописного мастерства.
 
✅Юлия Клевера-старшего, который рано проявил способности к рисованию и после окончания дерптской гимназии стал учиться на архитектора в классах. Именно отец выбирал стезю для успешного и обеспеченного будущего сына. Однако сын Юлий очень скоро проявил своеволие и перешёл из архитектурного класса в пейзажную студию – это решение определило всю его дальнейшую жизнь. Спустя годы он и сам стал отцом, и его дети получили возможность свободно выбирать свой творческий путь.
 
✅Владимира Маковского, одного из ведущих мастеров жанровой живописи второй половины XIX века. В своем творчестве он выступал продолжателем традиций критического реализма, заложенных Федотовым и Перовым. В произведениях Маковского обличительная интонация часто соседствовала с мягким юмором, интересом к повседневной жизни во всем ее многообразии.
 
✅Арсения Мещерского, происхождение которого до сих пор вызывает споры, а его биография полна тайн и загадок. Неизвестно ни кем были его родители, ни кто его воспитывал.
 
Одновременно откроется 245-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге – работы раввина Овадьи Исакова, концептуалиста Александра Кацалапа, фотохудожника Владимира Клавихо-Телепнева и других.
 
Следите за новостями!

Основные новости мира искусства:
 
• На аукционе AI коллекционерам будут представлены работы таких художников, как Арсений Мещерский, Владимир Маковский, Валериан Каменев и Юлий Клеверов-старший.
 
• Недавние пожары в Лос-Анджелесе уничтожили коллекцию Рона Ривлина, состоящую более чем из 200 произведений искусства стоимостью свыше 2 миллионов долларов, включая около 30 работ Энди Уорхола и произведения Кита Харинга. Эти утраты могут стать одними из самых значительных в истории американского искусства.
 
• Вашингтонский музей обратился к популярному художнику Андрею Закирзянову, который создает анимации известных картин, с просьбой анимировать несколько экспонатов для новой выставки об импрессионистах.
 
• 34-летний художник Кеннет Уэбб представляет свою персональную выставку «Гимны из пещеры» в галерее Huma в Лос-Анджелесе. В ней он делится своей необычной историей: от многолетнего тюремного заключения до становления опытным художником. Выставка включает работы, созданные как в тюрьме, так и после освобождения.
 
• Музей искусства Петербурга XX-XXI веков получил новое здание на канале Грибоедова. Соседство нового и старого зданий позволяет создать музейный комплекс в центре города, целью которого станет популяризация как классического искусства XX века, так и современных художественных тенденций XXI столетия.
 
#ПодборкаАртНовостей

Один из топ-лотов минувших торгов – произведение Олега Целкова, проданное за 5 605 000 рублей
 
Его работа «Театр» (2008) представлена в виде галереи узнаваемых целковских персонажей, запечатленных с характерной гримасой и интерпретированных с использованием нарочито упрощенных объемов, лишенных индивидуальности.
 
Композиция наполняется энергией, а сам холст становится ареной, на которой развертывается действо: тела и лица персонажей с необычным количеством глаз – по четыре на каждого – восприятие множится, как в безумном зеркальном отражении.
 
К ассоциациям с театром, подчеркнутым названием, отсылает лишь драпировка кулис, находящаяся в правой части работы. Художник, словно наблюдатель из зрительного зала, сдержанно фиксирует своих грубоватых и неотесанных персонажей, которые, лишившись человеческого облика, приобретают некоторые звериные черты, поддаваясь примитивным инстинктам и импульсам.
 
Цветовая палитра работы, блестяще создающая ощущение неонового инфернального света, опирается на два основных цвета – фиолетовый и малиновый. Целков также демонстрирует традиционное мастерство, используя тонкую технику письма, лессировку и акцентированное светотеневое моделирование, что является отголоском вдохновения от Рембрандта, одного из его любимых художников.
 
🖼О. Целков. Театр. 2008.
 
#топлоты

Некоторые ценовые результаты торгов 17 января на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

САВРАСОВ Алексей Кондратьевич (1830–1897) Закат. Последняя четверть XIX века
Холст, масло. 54,4 × 36,5
Цена: 15 340 000 рублей

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934–2021) Театр. 2008
Холст, масло. 96,2 × 145,5
Цена: 5 605 000 рублей

БУРЛЮК Давид Давидович (1882–1967) Букет на фоне моря. 1950-е
Холст, масло. 60 × 46
Цена: 1 770 000 рублей

СИДУР Вадим Абрамович (1924–1986) Человек с оторванной челюстью. Из цикла «После войны».1965
Алюминий. 37,3 × 22 × 21
Цена: 1 416 000 рублей

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция (Евразия). 1995
Холст, масло. 100 × 100
Цена: 1 416 000 рублей

Граф Владимир Леонидович Муравьёв, свободный слушатель Академии, обучался у М. К. Клодта и Ю. Ю. Клевера, а также получал советы от К. Я. Крыжицкого. Он был членом Санкт-Петербургского общества художников и Общества русских акварелистов, активно участвовал в академических выставках и в 1893 году провел свою персональную выставку.
 
Муравьёв, увлеченный охотой и поведением животных, перенес свою страсть на холст. Он стал известен прежде всего как мастер охотничьих сцен. Среди его работ – зимние пейзажи с изображением животных и птиц в их естественной среде обитания. Картины Муравьёва следует воспринимать не просто как пейзажи с животными, а как жанровые сцены, где именно животные и птицы играют главную роль.
 
Граф был талантливым пейзажистом, который глубоко чувствовал русскую природу и её обитателей. Под влиянием Клевера он экспериментировал с эффектами света и текстурой красок, создавая яркие солнечные пейзажи. Как отмечает эксперт, работа с образом лося в зимнем лесу продолжает серию его творений.
 
Его картины пользовались большим успехом у публики и активно печатались в дореволюционных изданиях. В настоящее время работы Владимира Леонидовича Муравьёва находятся в музеях и частных собраниях городов Иркутска, Днепропетровска, Козьмодемьянска, Сыктывкара и других.
 
Интересно, что после революции граф Муравьёв изменил свою подпись, убрав упоминание титула, который раньше всегда был в ней. Судя по подписи на картине «Лось в зимнем лесу», можно предположить, что она была написана до 1917 года.
 
Что мы видим на полотне? Зимний солнечный день, лес и настороженное величественное животное. Куда оно идет? Бежит ли от охотников или просто гуляет? Вся разгадка контекста остается на зрителе, автор лишь предоставляет ему возможность это сделать.
 
🖼️В. Муравьёв. Лось в зимнем лесу. Начало XX века.
 
#ХудожникДня

В современном мире модные и популярные веяния быстро сменяют друг друга, но одно остается неизменным – человеческая тяга к природе. К сожалению, сведений об авторе представленной работы – художнике Фёдоре Бурхардте – сохранилось мало. Родился в Санкт Петербурге, жил в Москве и Московской губернии, участвовал в некоторых выставках, а его работы хранятся в различных музеях. Неоднократно публиковался в дореволюционной печати.
Доподлинно неизвестно получил ли Бурхардт образование. Но зрителю это и не важно, главное – эстетическое удовольствие от произведений художника.
 
Его работы говорят сами за себя! Живые и тонко прорисованные пейзажи, цепляют своей реалистичностью и при этом удивительной выдержанностью по цвету. Неудивительно, что картины нашего героя раскуплены в закрытые коллекции и частные собрания. В открытых галереях его работ мало, несмотря на его ценность у знатоков.
 
Бурхарт особенно умело и почти фотографично передавал в своих работах погоду. Наглядным примером этого уникального навыка является представленный на аукционе пейзаж «Деревья у реки».
 
Композиция картины строится вокруг центральной линии реки, которая ведет взгляд зрителя вглубь полотна. Деревья, растущие по обе стороны водоема, усиливают ощущение уединения.
 
Зритель видит пасмурную погоду – возможно, только что прошёл или скоро пройдет дождь, но это не отталкивает, не вызывает желание погрустить или спрятаться, скорее наоборот, в душе возникает чувство уюта, тишины и спокойствия.
 
Этот контраст можно объяснить тем, как Бурхарт использует свет и тень: даже в условиях облачной погоды, в некоторых местах картины просвечивает мягкий свет, создавая ощущение тепла. Художник приглашает зрителя остановиться и задуматься, что красота может быть найдена даже в самые серые дни.
 
Не упустите возможность приобрести это произведение искусства.
 
🖼Бурхардт Федор. Деревья у реки. Начало XX века.
 
#КартинаДня

Рекорды и рост до 50 млн долларов в год – все самое интересное об отечественном рынке искусства⬇️
 
ARTinvestment.RU сделал уникальную аналитику и подвел итоги для российского публичного рынка искусства за прошедший год.
 
Основные показатели года существенно выросли:
 
📍 Объем продаж: $50,3 млн (+152% к 2023 году)
📍 Средняя стоимость проданных лотов: $13,0 тыс. (+164%)
📍 Медианная стоимость лотов: выросла с $197 до $608
📍 Количество аукционных домов: 10 (-17%)
📍 Доля проданных лотов: увеличилась с 32% до 41%
 
Ключевые тренды 2024-го:
 
📍 Лидерами стали Московский Аукционный Дом и AI Аукцион, на долю которых приходится более 85% объема продаж.
📍 В топе художников по капитализации – Иван Айвазовский ($4,4 млн за 6 работ) и Карл Брюллов ($1,6 млн за 1 работу).
📍 Рынок демонстрирует сдвиг в сторону премиального сегмента и повышение покупательской способности коллекционеров.
 
Феноменальный рост на 152 % по сравнению с 2023 годом и рекордные $50,3 млн рублей – это историческое событие, внутренний рынок никогда не поднимался до таких высот.
 
Однако именно такие достижения несут в себе определенную долю опасности. Рекордные успехи сложно повторить, а давление ожиданий может стать дополнительным вызовом для всех участников рынка.
 
Основная задача рынка на ближайшие годы – удержать интерес коллекционеров, продолжать развитие конкуренции между ключевыми игроками и сохранить стабильную динамику продаж.
 
Подробнее об исследовании ARTinvestment.RU и прогнозах на 2025 год читайте на сайте.

Какие работы привлекли внимание коллекционеров в первый день торгов?
 
🖼Д. Бурлюк. Букет на фоне моря. 1950-е.
 
Произведения Бурлюка, которые он создавал в США, напоминают картины экспрессионистов и наивных художников. Он писал пейзажи, натюрморты –  «Букет на берегу моря» был фирменной темой автора.
 
Сделать ставку
 
🖼Великая княгиня Ольга Александровна. Крокусы в лесу. 1930–40-е.
 
Великая княгиня Ольга Александровна была единственной представительницей русской императорской семьи, ставшей профессиональной художницей. Дочь венценосных особ, она подписывала свои работы просто своим именем – Olga.
 
Сделать ставку
 
🖼О. Карелиц. Утро. 2010.
 
Как вспоминала автор: Однажды папа нарисовал мне котика из двух шариков и закорючки, я помню, как поразило меня то, что можно, водя карандашом по бумаге, что-то изобразить. Не помню, сколько мне было лет, но с тех пор это и стало моим любимым занятием.
 
Сделать ставку
 
#топлоты

Доподлинно неизвестно о том, как выглядел великий мастер, о котором мы сегодня поговорим. Хотя его образ кажется людям хорошо знакомым по необычному формату свидетельств – по иконам. Мы говорим про одно из самых значительных имен в истории иконописи и первого русского художника, которого причислили к лику православных святых, про Андрея Рублёва!
 
При этом иконы с изображением Рублёва начали писать только с 1988 года, а их авторы в известной мере обращались к собственной фантазии и даже к фильму Андрея Тарковского, названного в честь сегодняшнего героя.
 
Мы не знаем также ни места, ни даты его рождения и смерти. Даже имя, под которым он известен, вызывает вопросы: имя Андрей, вероятно, было дано ему при принятии монашества, а фамилия Рублёв – это прозвище, происходящее от слова «рубель», обозначающего инструмент для выделки кожи. Какие еще факты из жизни Рублёва мы можем выделить?
 
🔹 Считается, что он родился около 1360 года. По одним данным, он мог родиться в Москве, а по другим – в Византии или на Руси.
 
🔹 Рублёв, вероятно, получил образование в монастырской среде, что было характерно для иконописцев того времени. Он мог учиться у мастеров, которые были под влиянием византийской традиции.
 
🔹 Одним из самых известных мест работы Рублёва был Троице-Сергиев монастырь, где он создал множество икон и фресок. Его работа там оказала значительное влияние на развитие русской иконописи.
 
🔹 В 1425 году Рублёв принял монашество, что также отразилось на его творчестве. Его работы стали более глубокомысленными и символичными.
 
🔹 Рублёв оказал огромное влияние на последующих мастеров иконописи, таких как Феофан Грек и Дионисий. Его стиль и техника продолжали развиваться в работах других художников на протяжении веков.
 
🔹 Существует множество легенд о жизни Андрея Рублёва. Одна из них гласит, что он был очень скромным человеком, который отказывался принимать деньги за свои работы, считая, что искусство должно служить Богу.
 
🔹 В XX веке интерес к творчеству Рублёва возрос, что привело к созданию фильмов, книг и выставок, посвященных его жизни и работам. Его фигура стала символом русского искусства и духовности.
 
#ХудожникДня

Представляем вашему вниманию три зимних полотна знаменитых авторов.
 
🖼В. Суриков. Взятие снежного городка. 1891.
 
Будучи в селении Ладейки под Красноярском, Василий Суриков решил передать всю удаль сибирскую, что сквозит даже в зимней забаве. «Я написал то, что сам много раз видел». Образы живописец искал каждый базарный день. Организация натуры – снежный городок и конный казак на «штурме» – заслуга брата художника.
 
🖼И. Айвазовский. Зимний пейзаж (фрагмент). 1876.
 
Пейзажи художника-мариниста – настоящая редкость. Айвазовский написал за свою творческую жизнь около шести тысяч картин. И почти на каждой работе – море. Но живописец Главного морского штаба использовал в палитре и серебро, рисуя не гребни волны, а заснеженный лес. Источник вдохновения – не только южная Феодосия, но и северный Санкт-Петербург, где одаренный юноша Ованес Айвазян вырос в художника Ивана Айвазовского.
 
🖼К. Горбатов. Старый Псков (фрагмент). 1913.
 
Константин Горбатов писал в Самаре, Петербурге, Новгороде, Пскове – и по всей Европе. Месяцами гостил у друга, Максима Горького, на Капри. Но даже окончательно оставив Россию, художник-пейзажист не смог забыть древние города, покрытые снегом. Деревянные дома по соседству с величественными храмами.
 
#АртПраздник

«Елочный торг» – произведение, созданное в 1918 году Борисом Кустодиевым.
 
Знаменитый художник изобразил елочный базар как праздничное зрелище. Пространство картины напоминает сцену: реальную атмосферу предновогодней суеты автор превратил в представление.
 
Кустодиев расположил людские фигуры хаотично – это создает впечатление, что изображение на картине можно продолжить в любую сторону. Незамкнутость композиции и своеобразная текучесть усиливают это ощущение.
 
Кустодиев придавал большое значение линиям и игре цветовых пятен. Свет в «Елочном торге» весьма условен: мастер намеренно лишил небо глубины, а купола церкви написал интенсивными цветовыми пятнами, сведя разницу планов почти на нет. Так автор добился декоративности изображения и создал настроение новогоднего представления: купола церкви кажутся сказочными, а люди на базаре – красочными костюмированными декорациями вокруг главного предмета торга – елки.
 
Художник всегда достоверно изображал жизнь русской провинции: ярмарки, праздники и народные гуляния. Его полотна отличались характерной яркостью, многоцветностью, точным воссозданием деталей. Кустодиев выработал собственный стиль в живописи – сказочный, народный, по-лубочному пестрый.
 
Он путешествовал по деревням и писал этюды: пейзажи, жанровые сценки, портреты крестьян. Народные праздники и гуляния нашли свое отражение во многих произведениях художника разных лет, в том числе и в этой работе.
 
🖼Б. Кустодиев. Елочный торг. 1918 год.
 
#АртПраздник

Интересные факты из жизни Исаака Левитана, одного из самых популярных русских художников, чьи произведения выставлялись и на торгах AI:
 
✔️Исаак Левитан родился в бедной, но образованной семье. Его дед был раввином, а отец, выбравший светский путь, работал кондуктором.
 
✔️Левитан часто оставался загадочной фигурой для своих знакомых, избегая разговоров о семье.
 
✔️Судьба художника была сложной из-за его еврейского происхождения: он сталкивался с чередой взлётов и падений, от стипендий до высылок из Москвы. Хотя он не получил звания «классного художника», стал академиком.
 
✔️Левитан не раз позировал своим коллегам. Его яркая внешность вдохновляла на создание этюдов, а для Василия Поленова он стал образом Христа. Однако посмертный портрет Левитана Валентин Серов писал по фотографиям и с натуры его брата Авеля.
 
✔️Несмотря на то что Левитан известен как пейзажист, он умел рисовать людей и создавал по-настоящему великолепные портреты, если его вдохновлял человек.
 
✔️Левитан никогда не был официально женат, но у него были долгие отношения с Софьей Кувшинниковой, которую он обучал живописи. Их роман стал основой для рассказа Чехова «Попрыгунья», что привело к разрыву дружбы между писателем и художником.
Любовный треугольник между Левитаном, Кувшинниковой и её дочерью отравил последние годы жизни художника.
 
#ХудожникДня

Самый новогодний художник – это Владимир Зарубин, мультипликатор и мастер почтовой миниатюры, который с детства любил животных и открытки.
 
По его собственному признанию, любовь к животным определила выбор главных героев его работ. Один из первых рисунков он создал в пять лет, изобразив лошадь, у которой из-под хвоста падают «яблоки». Отец Владимира также способствовал его увлечению открытками – у него была коллекция в несколько тысяч экземпляров.
 
Во время войны Зарубин оказался в трудовом лагере, куда его угнали вместе с другими детьми. Освобождение пришло в 1945 году, но домой он вернулся не сразу – отслужил еще несколько лет в армии.
 
После службы Владимир переехал в Москву и устроился на завод, где работал слесарем, мастером и даже крановщиком. Вскоре он увидел объявление о наборе на курсы мультипликаторов при «Союзмультфильме». После учебы Зарубин остался работать в студии и создал 103 мультфильма, среди которых такие известные как «Ну, погоди!», «Бременские музыканты» и «Маугли».
 
Открытки стали для него отдушиной – способом отвлечься от напряженной работы мультипликатора. Однако процесс создания открыток не всегда был простым: иллюстрации подлежали одобрению худсовета.
 
Зарубин признавался, что ему было сложно работать по заказу. Все образы на открытках он придумывал сам и рисовал даже во время болезни. Каждый рисунок создавался в его голове прежде, чем переносился на бумагу. Если хоть одна деталь его смущала, он начинал заново.
 
В поздние годы некоторые работы Зарубина были напечатаны без цензуры – с теми самыми сапожками и леденцами. Его творчество продолжает вдохновлять и радовать людей, а новогодние открытки с его изображениями остаются символом праздника для многих поколений.
 
#АртПраздник

Что интересного произошло в мире искусства за последнее время? Рассказываем.
 
• Ранее неизвестный двойной портрет кисти Джорджоне был недавно обнаружен в Баварском государственном собрании картин. Открытие произошло во время исследования одного из портретов автора, под которым специалисты обнаружили еще три работы Джорджоне.
 
• Британский анонимный художник Бэнкси опубликовал у себя в Instagram новое граффити. Пресса уже назвала его загадочным, ведь пока никто не разыскал место его расположения.
 
• Вышла вторая часть «Трилогии трех полотен», задуманной американским писателем, философом и арт-критиком Морганом Мейсом. На этот раз автор выискивает глубинные смыслы знаменитой картины «Судьба животных», попутно постигая мировоззрение художника.
 
• В столичном пространстве HSE ART GALLERY открылась выставка «Идеальные формы и живая реальность». Проект объединил работы современных фотохудожников, посвященные новой жилой архитектуре и ее роли в жизни человека. Выставка продлится до 2 февраля 2025 года.
 
• Музей искусства Петербурга посвятит большую выставку анималистике «в шутку и всерьёз». Выставка будет состоять из нескольких разделов: «Портрет» предложит оценить работы, где «зверь и птица» даны крупным планом, «Животные на природе» – посвящение животным в естественной среде обитания, также будут «Взаимоотношения человека и животных».
 
#ПодборкаАртНовостей

Ещё одним топ-лотом недели стала икона «Святитель Николай Чудотворец (Можайский)», проданная за 4 130 000 рублей. Уже немного рассказывали о ней, пришло время поведать об этом произведении подробнее.
 
Это подлинная древность, обладающая художественной ценностью и глубоким культурологическим значением.
 
Созданная неизвестным московским мастером в 1590-х годах, икона представляет собой пример русской иконописи, в которой переплетаются религиозные символы и народные легенды.
 
Святитель Николай держит меч, который можно интерпретировать как олицетворение справедливости, а храм, в котором он стоит, как вместилище духовных ценностей.
 
Святой здесь выступает не только как защитник города, но и как покровитель всех верующих, готовый прийти на помощь в самые трудные моменты.
 
Легенда о происхождении этого образа уходит корнями в годы татаро-монгольского нашествия. Когда войска Орды окружили Можайск, город оказался на грани уничтожения. В этот критический момент жители увидели чудесное видение, запечатленное на иконе. Это видение стало знамением, вселившим надежду в сердца горожан. Монголы в страхе отступили, а русские люди в благодарность за спасение начали создавать образы святителя Николая как защитника и помощника православной веры.
 
Исторически этот образ также отражает важные события в жизни русского народа. Он стал символом единства и сопротивления перед лицом внешней угрозы. В эпоху татаро-монгольского нашествия многие города испытывали давление и страх, однако видение святителя Николая вдохновило людей на борьбу и укрепило их веру.
 
Культурное значение этой иконы невозможно переоценить. Она служит напоминанием о том, что искусство может быть не только эстетическим объектом, но и мощным носителем исторической памяти и духовной силы. Рассматриваемая икона – это не просто артефакт, а живая часть нашей истории, которая продолжает вдохновлять и сегодня.
 
🖼️Московский мастер. Икона «Святитель Николай Чудотворец (Можайский)». 1590-е.
 
#топлот

Некоторые ценовые результаты торгов 20 декабря на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

ФЁДОРОВ Семён Фёдорович (1867–1910) Лесной пейзаж. Река на закате. Конец XIX — начало XX века
Холст, масло. 58 × 89
Цена: 5 015 000 рублей

Икона «Святитель Николай Чудотворец (Можайский)». 1590-е. Сольвычегодск, московский мастер
Дерево, левкас, темпера. 75 × 60 × 3
Цена: 4 130 000 рублей

ТЫШЛЕР Александр Григорьевич (1898–1980) Эскиз декорации к спектаклю «Рекруты» в постановке театра ГОСЕТ. 1933
Спектакль «Рекруты» поставлен по пьесе Израэля Аксенфельда (1787–1866) «Первый еврейский рекрут». Премьера состоялась на сцене Белорусского государственного еврейского театра БелГОСЕТ (Минск) в 1934 году. Режиссер М. Ф. Рафальский
Бумага на бумаге, акварель, гуашь. 33 × 42 (лист с рисунком), 37,5 × 44 (лист-основа в свету)
Цена: 1 416 000 рублей

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1860) Раннее утро. Вид от Монтаньолы (Лугано). 1912
Бумага, графитный карандаш, акварель. 14,6 × 22,2
Цена: 1 180 000 рублей

Представленная композиция «Торс» – одна из работ цикла Василия Ситникова «Уроки».
 
Жизнь Ситникова полна странных противопоставлений, грустных и грубых, трагических и драматических, творческих и житейских. Родился в селе под Лебедянью, но провел последние годы жизни и умер в Нью-Йорке; нигде живописи не учился, но работал художником-мультипликатором на «Мосфильме»; обучался лоции, навигации и судовождению и поступил на рабфак в Московский институт востоковедения; строил модели парусных кораблей и три года провел в Казанской психтюрьме.
 
Неудивительно, что такой человек и в преподавании применял нестандартные приемы.
 
Работы из цикла «Уроки» как правило, изначально создавались учениками Ситникова с натуры во время постановки модели в его домашней академии. Видя, что ученик не совсем верно понимает поставленные перед ним задачи, Василий Яковлевич отстранял его от мольберта и сам выправлял и заканчивал рисунок или живописную работу. Вот такие вещи он и называл «уроками», которые служили начинающим художникам эталоном и образцом для копирования и подражания, «наглядным пособием» для уяснения ситниковской живописной и пластической системы.
 
Те ученические штудии, на которые Ситников тратил много времени и сил, он считал своими и потому подписывал их.
 
На этих работах в полной мере отражен творческий метод и принцип работы Ситникова. Как правило, такие вещи решены без предварительного линейного наброска и карандашных разметок, широким, грубым и жестким флейцем или сапожной щеткой.
 
Их поверхность тщательно прорабатывается, наполняется еле заметной дымкой, светом, выхватывающим фигуру из темного пространства, вылепливая выпуклые формы и объемы модели под углом в 45 градусов.
 
Каждая композиция цикла «Уроки» уникальна и представляет огромный интерес.
 
«Торс» написана в стилистике всего цикла – мощное и уверенное её исполнение, несмотря на сложный ракурс и причудливый фрагмент фигуры, а также невероятная энергетика, исходящая от этой работы – которую еще можно приобрести на нашем аукционе.
 
🖼️В. Ситников. Торс. Из цикла «Уроки». 1972.
 
#КартинаДня

Сегодня мы поговорим о Гаврииле Кондратенко (1854–1924) – бывшем крепостном крестьянине, ставшим чутким и восприимчивым художником, чьи работы оставили заметный след в истории русской живописи. Обучение в Императорской Академии художеств под руководством Карла Гуна и Михаила Клодта сформировало его художественный стиль и привело к получению множества наград, включая шесть серебряных медалей и малую золотую.

Чем ещё была примечательна эта личность?

🔹Кондратенко активно участвовал в благотворительных проектах, включая организацию строительства храма Святой Ольги и помощь сестрам милосердия. В 1884 году Кондратенко организовал выставку, посвященную М.Ю. Лермонтову, собрав средства на памятник поэту и поддержку нуждающихся литераторов.

🔹Художник не ограничивался только станковой живописью; он также создавал иллюстрации к произведениям Лермонтова и Пушкина, что подчеркивает его любовь к литературе.

🔹Благодаря ярким цветам и насыщенности, что сделало их популярными для печати на открытках.

🔹Автор использовал традиционные техники живописи, такие как масло на холсте, что позволяло ему добиваться глубины цвета и текстуры. Его мастерство в создании «спецэффектов», таких как блеск луны или игра света на воде, делает его работы особенно выразительными. Эта способность передавать атмосферу и эмоции через цвет и свет стала ключевым элементом его стиля.

Одной из работ Кондратенко является картина «Залив», на которой изображен безветренный голубой залив с невозмутимыми лодками.

Работа доступна на нашем аукционе.

🖼Г. Кондратенко. Залив. 1897.

#ХудожникДня

Сегодня у нас в гостях Владимир Лемпорт.
 
В далеком 1936 году юный Лемпорт прибыл в Москву из Тамбовской области и поступил в художественную школу.
 
Начальный этап обучения оказался непростым: «Многое из происходящего в стране и в мире мне было неизвестно. В студии все активно обсуждали “колорит”, “композицию”, “светотень” и “перспективу”, тогда как я знал только два критерия: “похоже” и “не похоже”. Мне говорили: “Не в сходстве дело, оно придет само по себе!”».
 
Творческий путь прервала война. В 1940 году Лемпорт был призван в армию, а через год отправился на фронт. За отличие в боях под Сталинградом он был награжден орденом Красной Звезды. В 1942 году, после тяжелого ранения, – демобилизован.
 
В 1945 году он поступил во вновь открывшееся Московское Высшее художественно-промышленное училище на факультет монументальной и декоративной скульптуры.
 
Самой первой профессиональной работой Лемпорта стало оформление фасадов строящихся зданий физического и химического факультетов МГУ на Ленинских горах: скульпторы создали для них барельефы «Труд» и «Наука».
 
В 1945 году Лемпорт познакомился с Руфимом Силисом и Вадимом Сидуром; три молодых скульптора объединились в группу «ЛеСС». Группа работала над монументальными проектами: Дворец культуры и науки в Варшаве, рельефы для плавательного бассейна в Лужниках и пр.
 
Индивидуальная стилистика каждого скульптора не терялась в их совместных монументальных проектах: «Монументальное искусство требует столько усилий, что мы делим между собой и работу, и авторство, и вознаграждение – пополам. Однако в станковых произведениях стараемся не мешать друг другу, руководствуясь принципом “не навреди”».
 
Владимир Лемпорт был талантлив во многом: снимался в кино на лучших киностудиях, увлекался музыкой, писал стихи и прозу, занимался переводами. И все эти интересы находили отражение в его скульптуре.
 
С середины 1960-х в скульптуре Лемпорта появились мотивы Ветхого и Нового Заветов. Именно они и нашли отражение в представленной работе, приобрести которую можно на нашем аукционе.
 
🖼В. Лемпорт. Адам и Ева. 1975
 
#ХудожникДня

Один из лидеров текущего аукциона – икона «Святитель Николай Чудотворец (Можайский)», созданная в 1590-е и обретенная совсем недавно.
 
Святой представлен с мечом в правой руке, охраняющим город с храмом, который он держит в левой руке.
 
Произведение воспроизводит деревянный резной скульптурный образ XIV века, почитавшийся в Можайске (ныне хранится в собрании Третьяковской галереи).
 
Святитель представлен на голубом фоне, необычен неровный позем в виде темно-зеленых гор. Подножие подчеркивает объемность фигуры, повторяющей деревянную статую. По сторонам от святителя в медальонах изображено так называемое «Никейское чудо»: Христос и Богоматерь подают святому знаки его епископского сана.
 
Образ происходит из Сольвычегодска, где работали не только местные, но и лучшие столичные царские иконописцы.
 
Стройные пропорции фигуры святителя, классический рисунок и мягкий колорит, построенный на сочетаниях тонко подобранных неярких оттенков красок, характерны для московских мастеров XVI века, работавших при царях Феодоре Иоанновиче и Борисе Годунове.
 
Интересно, что икона найдена после реставрации. Авторская живопись раскрыта от поздних записей и потемневшего покрытия.
 
Приобрести эту древнюю работу можно на нашем аукционе.
 
🖼️Икона «Святитель Николай Чудотворец (Можайский)». 1590-е. Сольвычегодск, московский мастер.
 
#КартинаДня

Фёдор Петрик (1987) – современный художник, работающий в живописи, графике, скульптуре, керамике и 3D. Произведения Петрика объединяют образы массовой культуры и философские размышления автора, фантастические миры и «портреты» бумажных складок.
 
Художника сравнивают с такими знаменитым представителями контемпорари-арта, как KAWS и Такаси Мураками, – за его способность стирать грани между коммерческим и изобразительным искусством. К примеру, Фёдор Петрик добился больших успехов в изготовлении так называемых art toys – дизайнерских игрушек, а по сути настоящих произведений искусства. Самой востребованной стала скульптура забавного инопланетянина Челобрека: уже было создано около 120 фигурок, раскрашенных художником каждый раз по-новому.
 
Как говорит Петрик, в случае с раскрашенными фигурками ему важен не столько материал, сколько работа с уже готовой формой, которая для него является холстом. Эта форма может быть сделана вручную из гипса или напечатана на 3D-принтере.
 
Представленный на торгах холст «Без названия» относится к большому циклу произведений на тему космоса, который художник создает на протяжении последних лет.
 
На этих полотнах – покрытое точками звезд небо, неизвестные формы жизни, метафизическая пустота инопланетных ландшафтов или, как в представленной работе, огромная белая сфера, восходящая или заходящая, подобно лунному или солнечному диску, на чёрном небе.
 
Как поделился художник в одном из недавних интервью, в последнее время ему нравится наблюдать за заходом солнца. «Это же огромное светило, если малейшая вспышка, то всё сгорит. Или оно потухнет – всё замёрзнет. А сколько там энергии? А когда она закончится? И куда это всё уходит, весь этот свет? И что там дальше?». На представленной картине поверхность, из которой появляется или в которой скрывается этот белый шар, покрыта зарослями странных зелёных растений.
 
Приобрести это неземное произведение можно на нашем аукционе.
 
🖼Ф. Петрик. Без названия. 2019
 
#КартинаДня

Сразу три аукциона ждут нас на этой неделе👇
 
1. Торги AI. Среди топ-лотов много пейзажей, но не только:
 
✴️«Молодая крестьянка с лукошком» Константина Маковского – великолепный пример того, что красота в глазах смотрящего. А если смотрящий владеет техникой живописи так виртуозно как Маковский – красоту модели точно увидят все.
 
✴️Классический сезонный пейзаж «Зимний вечер» родоначальника большой художественной династии Юлия Клевера-старшего.
 
✴️«Залив» Гавриила Кондратенко, трудолюбивого выходца из семьи крепостного крестьянина.
 
✴️«Побережье Нормандии» Руфина Судковского. Несмотря на сравнительно короткий период творческой деятельности, трагически прерванной болезнью, художественное наследие мастера обширно и включает в себя преимущественно морские пейзажи.
 
2. Кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге – работы сюрреалиста Виктора Крапошина, петербургского живописца Рубена Монахова, междисциплинарной художницы Юлии Назар, философа Фёдора Петрика и других.
 
3. А также специализированные торги «Икона и скульптура в православном искусстве». В каталоге собраны 13 произведений русского церковного искусства XVI – начала XX века: иконы и один пример православной деревянной скульптуры.
 
#АнонсАукциона

Что нового произошло в мире искусства за последнее время?
 
• На аукционе Artinvestment будут представлены работы таких легендарных мастеров, как Иван Айвазовский, Дмитрий Краснопевцев и Юлий Клевера-старший. Торги начнутся 9 декабря.
 
• Художественный музей Симосе в Хиросиме был признан самым красивым музеем мира по версии Версальской премии 2024 года. Музей, спроектированный известным архитектором Сигэру Баном, был завершен в 2023 году и отличается инновационным дизайном, включающим парящие стеклянные галереи и светоотражающие элементы.
 
• В Москве у Новодевичьего монастыря будет построен экспозиционно-выставочный центр Государственного исторического музея площадью 10 500 квадратных метров. В здании также планируется открыть фондохранилище, образовательные центры и конференц-зал.
 
• На Международной ярмарке интеллектуальной литературы non/fictio№26 было объявлено слово 2024 года – "мир".
 
• Недавно в парке «Зарядье» состоялась торжественная церемония вручения V Московской арт-премии. В номинации «Изобразительное искусство и архитектура» первое место занял Константин Звездочётов с проектом «Два князя и царь железного камня».
 
• В Санкт-Петербурге был задержан мужчина, который сел на трон в Эрмитаже и затем попытался сорвать картины из Военной галереи 1812 года.
 
#ПодборкаАртНовостей

Недавно на нашем аукционе была продана картина Григория Капустина «У скалистого берега» в 2 289 200 рублей. Расскажем о работе подробнее.
 
Григорий Капустин (1865–1925) родился в эпоху, когда русская живопись переживала заметные изменения.
 
Капустин работал бухгалтером и учился у Айвазовского, который стал его наставником. Это обучение сформировало не только технические навыки художника, но и его восприятие природы как мощной силы, способной вызывать глубокие эмоции.
 
На картине «У скалистого берега» изображены бегущие волны, разбивающиеся о скалистый берег. Волны написаны с такой экспрессией, что зритель может почти услышать их гул и почувствовать брызги, летящие в лицо. Это динамичное взаимодействие воды и камня создает ощущение движения и силы. Вдали виден безмятежный корабль, который символизирует стремление человека покорить природу.
 
Скалы, стоящие гордо и непоколебимо, словно стражи времени, охраняют этот уголок мира. Они демонстрируют силу и устойчивость, контрастируя с изменчивостью воды. Это создает диалог между стабильностью земли и динамикой моря, что является центральной темой многих работ Капустина.
 
Картину отличает мастерское использование цветовой гаммы и света. Капустин применяет яркие оттенки синего и зеленого для передачи глубины моря и яркости неба. Контраст между светом и тенью создает эффект объемности и динамики.
 
Техника письма Капустина, вероятно, была вдохновлена методами Айвазовского, однако в его работах можно заметить индивидуальный стиль. Он использует более широкие мазки и менее детализированные формы, что придает картине ощущение свободы и импровизации. Это позволяет зрителю сосредоточиться на эмоциональном восприятии сцены, а не на технических деталях.
 
«У скалистого берега» – не просто изображение природы; это приглашение к воображаемому путешествию. Не удивительно, что Григорий Капустин стал популярным автором среди частных коллекционеров живописи как в России, так и за границей. Его произведения часто появляются на различных аукционах в Европе и России, вызывая неизменный интерес.
 
🖼Г. Капустин. У скалистого берега. Первая четверть XX века
 
#топлоты

В топе на этой неделе сразу три произведения на тему природы. Один из них – натюрморт авторства Роберта Фалька – советского живописца, соединившего в своём творчестве пути русского модерна и авангарда; одного из самых известных художников еврейского театра на идише.
 
Он родился в семье юриста и шахматиста еврейского происхождения. В 1909 году, чтобы вступить в брак, крестился с именем Роман, но после революции снова вернулся к прежнему имени.
 
В 1928 году выехал в командировку за границу и до 1937 года жил и работал в Париже. Затем вернулся в СССР, жил в так называемом Доме Перцовой, где по просьбе бывших соратников по Бубновому валету и при активнейшей помощи лётчика Андрея Юмашева получил мастерскую.
 
С Юмашевым Фальк познакомился в посольстве СССР во Франции, и они крепко сдружились. После они совершили своеобразное «турне» по Крыму и Средней Азии, где знаменитый лётчик читал лекции о своём перелёте через Северный полюс, а на досуге ставил свой любительский мольберт рядом с мольбертом Фалька.
 
Во время Великой Отечественной войны художник был в эвакуации в Башкирии и в Средней Азии. Возможно именно там написан этот натюрморт, в характерно приглушенной, легкой манере.
 
Работа была продана на аукционе за 2 360 000 рублей. А что будет популярно на следующей неделе? Следите за новостями.
 
🖼Р. Фальк. Натюрморт с ветками цветущей яблони. 1940-е – первая половина 1950-х.
 
#ИтогиАукциона

Некоторые ценовые результаты торгов 6 декабря на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

МАКОВСКИЙ Константин Егорович (1839–1915) Итальянка. Последняя четверть XIX века
Дерево, масло. 23,5 × 18,2
Цена: 4 130 000 рублей

ФАЛЬК Роберт Рафаилович (1886–1958) Натюрморт с ветками цветущей яблони. 1940-е — первая половина 1950-х
Бумага, графитный карандаш, акварель, гуашь, тушь, перо. 43,4 × 60,5
Цена: 2 360 000 рублей

КАПУСТИН Григорий Иванович (1865–1925) У скалистого берега. Первая четверть XX века
Холст, масло. 49 × 78,5
Цена: 2 289 200 рублей

САВРАСОВ Алексей Кондратьевич (1830–1897) Дубы на берегу залива. Вторая половина 1850-х — 1860-е
Папье-пелле, графитный карандаш. 28,5 × 27,1 (в свету)
Цена: 2 242 000 рублей

Тимур Новиков (1958–2002) – ключевая фигура ленинградского андеграунда, основатель группы «Новые художники» и петербургской «Новой Академии изящных искусств», теоретик искусства, художественный деятель и педагог, музыкант и философ.
 
Всё, к чему ни обращался бы Тимур Новиков, мгновенно подхватывалось и бралось на вооружение его последователями и поклонниками. Любая, даже самая абсурдная идея, с навешиванием на неё Новиковым музейной этикетки и подведением соответствующей теоретической базы, становилась искусством.
 
Так, одной из самых громких выходок «новых диких» стало превращение случайной дырки в музейном щите в произведение искусства под названием «Ноль-объект». Тем самым Новиков и его коллега Сотников доказали, что работа по созданию произведения искусства имеет минимальное значение, а сам процесс навешивания этикеток и объявления объекта экспонатом уже и есть искусство.
 
По мнению специалиста по ленинградскому андеграунду Любови Гуревич, Тимур Новиков сделал искусством не только свои произведения, но и успешность своей карьеры в целом. Он начал вписывать себя в историю искусства еще до того, как к нему пришла известность: писал тексты и статьи о себе самом, не дожидаясь искусствоведов и критиков.
 
На аукционе представлена работа «Индия» (1988), относящаяся к одной из самых знаковых и известных серий в творчестве Тимура. В конце 1980-х годов Новиков начал делать композиции из сшитых вместе больших кусков ткани с нанесенными на них трафаретом изображениями – самолетов, кораблей, памятников архитектуры и т.п.
 
В текстильном коллаже «Индия» Новиков создаёт атмосферу Востока с помощью роскошных блестящих тканей. Переливающаяся золотистая ткань внизу вызывает в памяти традиционные индийские сари, а монотонный рисунок верхнего отрезка ткани ассоциируется с каменной кладкой индийских дворцов.
 
Приобрести эту необычную работу можно на нашем аукционе.
 
🖼Т. Новиков. Индия. 1988.
 
#ХудожникДня

«Мои фотографии – это некое кино, в одном кадре или их серии», говорит Владимир Клавихо-Телепнев (1962) – мастер классической художественной фотографии, один из лучших и самых известных фотографов в современной России.
 
Уникальный стиль произведений Владимира Клавихо-Телепнева можно отнести к направлению «режиссерская фотография», поскольку каждой работе или серии работ соответствует свой сюжет и сценарный план.
 
При этом произведения Владимира Клавихо-Телепнева чаще всего строятся на диалоге с великими мастерами прошлого – от древнерусских иконописцев до литературных классиков.
 
Сегодня Клавихо-Телепнев видит своей творческой задачей создание таких фотографий, которые можно поставить рядом с живописью, фотографий, способных оставаться на стенах дома навсегда, раз за разом раскрывая свою идею.
 
Одной из центральных для Клавихо-Телепнева тем является русская тема. Как говорит автор, «дальние путешествия прекрасны, но попробуй сделать так, чтобы твой собственный дом люди увидели таким, каким ты его видишь! Ведь пока в фотографии нет термина “русский пейзаж” или “русский натюрморт”. А как интересно было бы показать это в фотографии, показать по-другому, без штампов, без самоваров...»
 
Памятники архитектуры Владимир Клавихо-Телепнев воспринимает как живое, одушевленное существо. У каждого здания или постройки – свой характер, а фотографировать их равносильно созданию «портрета человека».
 
Главная задача серии работ о Москве состоит в том, чтобы показать в рамках оригинального фотопроекта уникальное наследие сталинской эпохи в архитектурном облике города.
 
Советские небоскребы шокировали своей мощью и новизной концепции. К этому же имперскому стилю относятся и «генеральские» дома, и комплексы, построенные на территории ВДНХ, Парка культуры им. Горького, архитектура и декор многих станций метро, скульптурные ансамбли и инженерные сооружения.
 
Их отличают солидность и значимость, уважение к истории архитектуры в ее советской трактовке. Колонны, скульптура, мозаика, множество декоративных элементов – все это создает чрезвычайно насыщенный и яркий образ зданий.
 
Приобрести работу из этой серии можно на нашем аукционе.
 
🖼В. Клавихо-Телепнев. Гостиница «Ленинградская». Из серии «Москва» («Сталинский ампир»). 2010.
 
#КартинаДня

Как запечатлеть медитацию? Ответ кроется в работе Бориса Марковникова (1958).
 
Через свои абстракции этот художник всегда приглашает зрителя к диалогу о вечном, об архетипах человеческого и сверхчеловеческого, божественного начала.
 
Интересно, что при создании абстрактных полотен Марковников использует широкий набор изобразительных средств. Его произведения обладают, как правило, сложной, рельефной фактурой, порой содержат элементы коллажа. Художник часто обращается к технике процарапывания – наносит на холст до пятнадцати красочных слоев, а затем соскабливает их.
 
В этом скоплении царапин-черточек могут проступать фигуративные образы-лики аллегорических героев – воина, творца, ребенка, грешника и т.д.
 
На торгах представлена одна из ранних работ Марковникова «Медитация».
 
Произведение состоит из четырех скрепленных между собой холстов разного размера – от малого к большому. Формально монохромные полотна, покрытые разными оттенками синего цвета, на деле обладают каждый совершенно особой, уникальной фактурой. Цвет переливается, мерцает, проступает пятнами сквозь более темные слои.
 
Кропотливый, трудоемкий процесс нанесения красочных слоёв для достижения подобной вибрирующей красочной поверхности действительно похож на медитацию.
 
Постепенное движение от малого холста по своеобразному коридору к холстам всё большего размера заставляет зрителя погружаться всё глубже в созданное художником пространство.
 
Как говорит сам Марковников, «мои нефигуративные работы – это закодированные поля, несущие в себе информацию: цветовую, ритмическую, пространственную, температурную и даже музыкальную».
 
Приобрести это медитативное полотно можно на нашем аукционе.
 
🖼️Б. Марковников. Медитация. 1994.
 
#КартинаДня

«Я стремлюсь создать такую форму восприятия, где бы мое инстинктивное стремление оторваться от предметного помогло мне создать незримую гармонию, в которой растворился бы весь предметный мир», говорил герой нашего сегодняшнего поста, художник Владимир Вейсберг.
 
Творческий путь Владимира Вейсберга прочно связан с Москвой: здесь он родился и работал всю свою жизнь. Сын педагога и психолога Вейсберга, он в своей живописи сконцентрировался на вопросах психофизиологического воздействия искусства.
 
Детство будущего художника было непростым. На короткий период пришелся целый ряд событий, наложивших свой отпечаток на личность живописца: случайная контузия, полученная во время бомбежки при рытье окопов в годы войны, первые проявления душевной болезни, ранняя смерть отца.
 
Эти события во многом повлияли на творчество художника.
 
Следующий этап творческих поисков живописца развивался на фоне общего художественного подъема эпохи «оттепели». Пушкинский музей стал для Вейсберга настоящей школой: он часами изучал увлекавшие его полотна импрессионистов и Сезанна. Впечатления от непосредственного контакта с произведениями оказали огромное влияние на сложение его творческого метода.
 
Жил Вейсберг аскетично, спал на узкой солдатской кровати, в изголовье которой висела огромная икона Св. Николая Мирликийского, да еще одетая в богатую ризу.
 
Всякий раз, перед тем как приступить к работе, Вейсберг выносил из своей комнаты все, что там находилось, кроме мольберта и особой ковровой дорожки. И только к вечеру, когда работа заканчивалась, освобожденное пространство вновь заставлялось вещами.
 
Рисунок «Арбатский переулок» относится к серии натурных пейзажных зарисовок В. Г. Вейсберга, сделанных в окрестностях его Арбатской мастерской.
 
🖼В. Вейсберг. Арбатский переулок. Из серии «Переулки на Арбате». 1973.
 
#ХудожникДня

Какие произведения вызвали интерес коллекционеров в первый день торгов?

🖼А. Гросицкий. Композиция с подушкой. 2006.

Художника называли “поэтом вещей”. Мясорубки, навесные замки, водопроводные краны, трубы, штыки лопат – весь этот невзрачный “хозмаг” оживал, приобретал характер, преображался и рвался за плоскость холста.

Сделать ставку

🖼В. Бабадин. Дорога в лесу. 1904.

В конце XIX – начале ХХ века пейзажи Бабадина, натюрморты и жанровые сцены были широко востребованы у публики: их покупали в частные коллекции и часто печатали в дореволюционных изданиях. Приятно, что в наше время интерес публики к его работам вернулся.

Сделать ставку

🖼Г. Капустин. У скалистого берега. Первая четверть XX века

Григорий Капустин родился в Крыму; по некоторым сведениям, учился в Академии художеств. Работал в мастерской Айвазовского, влияние которого испытал, часто копировал или создавал вольные копии с его известных произведений. Его произведения также пользовались популярностью, неоднократно воспроизводились в дореволюционной печати, в частности на открытых письмах.

Сделать ставку

#топлоты

Произведения на любой вкус – пейзажи, портреты и жанровые зарисовки, с пасмурным и светлым настроением – ждут вас на этой неделе.
 
Сегодня, как всегда в полдень, вашему вниманию будет представлен каталог торгов аукциона AI № 559. Среди топ-лотов:
 
📌«Девушка у окна» Константина Юона, Юон известен в первую очередь как мастер архитектурного и городского
пейзажа. Иногда в творчестве мастера появляются и портреты. Чаще всего моделями художника были представители так называемого ближнего круга – жена, сын, внук, друзья и знакомые, изображенные на фоне открытого окна с элементами
растительности или архитектуры на заднем плане.
 
📌«Пасмурный день» родоначальника большой художнической династии Юлия Клевера-старшего. Полотно написано в начале периода расцвета карьеры мастера, когда он получил звание профессора ИАХ, а в Петербурге
прошел ряд персональных выставок художника.
 
📌«Светло-серый орловский рысак на бегу» Николая Самокиша – живописца и графика, баталиста, анималиста,
жанриста, продолжателя традиций русского реалистического искусства. Во время Русско-японской войны был фронтовым корреспондентом. В 1913 занял пост профессора – руководителя
батальной мастерской, а во время Первой мировой войны как корреспондент выезжал на места боевых действий, его фронтовые зарисовки публиковались в журналах «Нива», «Солнце России»,
«Лукоморье» и других.
 
Одновременно откроется 240-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге – работы московского художника родом из Душанбе Азама Атаханова, живописца и графика авангардиста Константина Батынкова, Марии Буртовой, скульптора Галины Дулькиной и др.
 
#АнонсАукциона

Делимся свежими новостями из мира искусства и культуры:
 
• На торги выставят работы Константина Юона и Юлия Клевера-старшего. В каталоге 240-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» также будут картины Алексея Барвенко, Марии Буртовой, Галины Дулькиной, Константина Батынкова, Овадьи Исакова, Марины Колдобской и др.
 
• Портрет Маффео Барберини, созданный Караваджо и находившийся в частной коллекции на протяжении 60 лет, теперь выставлен в Палаццо Барберини в Риме. Эта работа демонстрирует революционный подход Караваджо к портретной живописи.
 
• В Риме впервые представлено «Белое распятие» Марка Шагала. Выставка организована по инициативе Ватикана и приурочена к Юбилейному году христианства, который Римско-католическая церковь будет отмечать в 2025 году.
 
• Неделя искусств Майами 2024 объединит крупные художественные ярмарки, такие как Art Basel Miami Beach, Design Miami и Art Miami, на которых будут представлены международные галереи и уникальные произведения искусства.
 
• В древнейшем поселении Аравийского полуострова была найдена ювелирная мастерская. Археологи из Кувейта и Польши раскопали остатки мастерской, функционировавшей около 7700 лет назад. Также была обнаружена редкая керамическая фигурка в виде человеческой головы такого же возраста.
 
• В Петербурге открылась выставка, посвященная исследованию художественного метода Репина. Впервые с 1940-х годов в экспозицию вошли уникальные предметы: посмертная маска и слепок руки Ильи Репина, показывающие его истощение к концу жизни.
 
#ПодборкаАртНовостей

Один из топ-лотов недели – работа Купера «Кисть». Расскажем об авторе и работе подробнее.
 
Юрий Купер – живописец, график, сценограф, автор объектов и инсталляций, творчество которого получило международное признание, а работы выставляются на ведущих площадках мира.
 
Произведения автора находятся в собрании Третьяковской галереи, музея Метрополитен, Библиотеки Конгресса США, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Национального фонда современного искусства в Париже.
 
Куперу принадлежат большие серии лаконичных натюрмортов, на которых запечатлены самые обычные предметы – кисти, ящики и пр. Монохромная приглушенная палитра Купера стала его визитной карточкой: «Я люблю свет, а не цвет – много пишу в оттенках серого».
 
«Кисть» отражает характерные черты художественного почерка Купера как на стилистическом, так и на сюжетном уровне. Живописец написал видавшую виды малярную кисть, которая практически сливается с фоном произведения.
 
Внимание Купера к объектам, мало приглядным с точки зрения традиционного понимания красоты, сближает его эстетические воззрения с послевоенным направлением в европейском искусстве «арте повера», представители которого также проявляли интерес к бытовым предметам, делая их частью своих художественных проектов.
 
Сама малярная кисть трактована Купером осязательно за счет многослойных фактурных наслоений краски. В шероховатостях и потертостях живописной поверхности зритель видит следы времени. Старые вещи обретают на полотнах Купера вторую жизнь, рассказывая зрителю свою историю, которая, по мнению автора, заслуживает внимания и уважения.
 
🖼️Ю. Купер. Кисть. 2005.
 
#топлоты

Интересный нюанс прошедшего аукциона – почетное четвертое место в топе разделили сразу 3 лота, проданные за 472 000 рублей.
 
Одно из произведений – «Петух» Анатолия Зверева.
 
Творчество Анатолия Зверева (1931–1986) занимает особое место в советской андеграундной культуре. Его самобытная художественная манера отличается виртуозной импровизационной техникой быстрого рисунка, благодаря которой зритель имеет возможность наблюдать непрерывное рождение его экспрессивных образов из первозданного хаоса динамичных линий и цветовых пятен. Зверев синтезировал традиции мировой живописи и направлений искусства ХХ века – ташизма, абстракционизма, фовизма, выработал оригинальный узнаваемый стиль.
 
«Животная» тема была близка художнику со «звериной» фамилией – все, что связано с витальными проявлениями природы, он с удовольствием запечатлевал в своих работах.
 
В годы своей молодости Зверев делал десятки, если не сотни зарисовок тушью в зоопарке.
 
Изобразительный мотив петуха появляется уже в самых ранних произведениях художника. По воспоминаниям советского писателя-диссидента А. Амальрика, Зверев расписывал фанерные щиты красочными экспрессивными изображениями петухов для украшения детского городка в парке Сокольники, где он работал маляром в 1950-е годы. Впоследствии коллекционер Георгий Костаки специально приезжал в Сокольники смотреть эти работы, которые произвели на него, по его собственному признанию, сильное впечатление.
 
Интересно, что в данном произведении для автора совсем не важны конкретные детали, а только всепоглощающая динамика, эмоции и выбросы чистого цвета.
 
🖼️А. Зверев. Петух. 1958.
 
#ИтогиАукциона

Некоторые ценовые результаты торгов 29 ноября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

СЕРОВ Валентин Александрович (1865–1911) Диана и Актеон. Эскиз росписи для дома В. В. Носова. 1911
Бумага на картоне, смешанная техника. 40,3 × 30,1 (лист с рисунком), 56 × 40 (картон-основа)
Цена: 6 490 000 рублей

ХОДЮК Наталья Александровна (1972) Воин. 2010
Тираж 8 экземпляров, экземпляр № 1
Цена: 654 900 рублей

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Цветы. 1973
Бумага, гуашь. 59 × 41
Цена: 590 000 рублей

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Петух. 1958
Бумага оберточная, масло. 71 × 50,2
Цена: 472 000 рублей

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Кисть. 2005
Холст, масло, детали от кисти (щетина и металлическая вставка), ассамбляж. 33,2 × 24,3
Цена: 472 000 рублей

PATA (МЕРАБИШВИЛИ Паата Мерабович, 1964) Дягилев. 2024
Холст, акрил, масло. 140 × 95
Цена: 472 000 рублей

Юрий Алексеевич Хоровский (1946) – современный скульптор, живописец и график.
 
Как говорит сам о себе Юрий Хоровский, в советские годы он «считался “леваком” и на каждом местном Съезде художников попадал в “список”».
 
«Художник шокировал членов советских выставкомов своими скульптурами, в которых никоим образом не воспевались замечательные черты простого труженика или пылкого революционера, но зато было много сваренного “ржавого металла” и “непонятных деталей”», – пишет о его раннем творчестве искусствовед  Чистова.
 
В постсоветское время Хоровский продолжал эксперименты с материалами и художественными медиа – скульптурой и живописью, монументалкой, керамикой и бронзолитейным производством, графикой и пр.
 
В 1990-е –2000-е годы Хоровский активно сотрудничал с ведущими московскими галереями современного искусства со своими брутальными скульптурами из железа, масштабными инсталляциями из папье-маше и саркастическими живописными работами.
 
На торгах представлена фаянсовая ваза «Наполеон», выполненная Юрием Хоровским в 2010 году. Автор не стремится к точному портретному сходству, перед нами, скорее, собирательный образ французского императора, трактованный с иронией.
 
Традиционная форма парадного белого мраморного бюста не симметрична в пропорциях, да и вообще перевернута, а сам бюст превращен в вазу для цветов. Голова императора, а точнее, его легендарная шляпа становится основанием этой вазы. При этом инициал «N» на лицевой стороне скульптуры дан в нормальной, а не перевернутой ориентации, что дополнительно подчеркивает авторский замысел: этот портрет Наполеона и был задуман «поверженным».
 
🖼️Ю. Хоровский. Ваза «Наполеон». 2010
 
#ХудожникДня

Опера-былина «Садко» – одно из самых известных произведений Николая Римского-Корсакова.
 
Она посвящена бедному гусляру, которого перестали звать на богатые пиры, и он идет играть на Ильмень-озеро. За эту игру его награждает водяной царь: он обещает ему в сети рыбку золотые перья и учит побиться об заклад с новгородскими купцами, что он поймает такую рыбку в Ильмень-озере.
 
За время своей творческой карьеры наш сегодняшний герой художник Федор Федоровской не раз оформлял оперу «Садко».
 
В 1935 году художник приступает к оформлению спектакля для Большого театра. Монументальность и грандиозность постановки была отражена с помощью декораций и костюмов мастера.
 
Представленное произведение является одним из вариантов эскиза действия, разворачивающегося в избе Садко, который ранним утром возвращается к своей жене Любаве.
 
В сравнении с пышным и разноцветным решением других сцен, сцена в дома Садко кажется мрачной и темной, с пугающими контрастами черного, синего и красного.
 
В горнице Садко, забранной сверху холщовым с русской народной набойкой порталом серо-жемчужного цвета, очень хорошо передан свет ясного солнечного дня, пробивающийся сквозь слюдяное оконце.
 
Федоровский старался не только отобразить внутренний мир своих персонажей, он также старательно изучал быт и костюмы древних новгородцев, в декорациях проявился несколько суровый характер северной архитектуры, тем не менее прекрасно сочетающейся с музыкой Н. А. Римского-Корсакова.
 
Приобрести этот знаковый для русской культуры эскиз можно на нашем аукционе.
 
🖼️Горница Садко. Эскиз декорации к опере «Садко». 1939
 
#КартинаДня

Как возникло произведение, которое вы видите перед собой?
 
В конце 1923 года Константин Сомов уехал с выставкой-продажей работ русских художников в США. На Родину, в СССР, художник уже не вернулся, обосновавшись во Франции. Туда он приплыл на пароходе вместе с семьей С.В. Рахманинова, с которым познакомился через своего родственника.
 
Накануне отъезда из США Сомов получил через Рахманинова заказ фортепианной фирмы Sieinway & Sons написать большой портрет композитора для зала «Стейнвей-холл» в Нью-Йорке. Предполагалось, что портрет будет использоваться в рекламных целях.
 
Работу над портретом художник начал в замке Корбевиль в 40 километрах от Парижа, арендованном Рахманиновым в качестве дачи. Сомов жил в гостях у Рахманинова, работая над большим этюдом к будущему портрету.
 
Во время своего пребывания в замке Сомов много работал на пленэре. Его дневники содержат многочисленные описания природы и особенностей ландшафта в окрестностях замка. Любуясь красотой открывающихся видов, художник присматривал места для этюдов. Местность в кантоне Орсэ, где среди природного парка находился Корбевиль, испещренная мелкими речушками и ручьями, террасами спускалась от замка вниз. Подобный ландшафт и запечатлен на представленном пейзаже.
 
Сомов писал своей сестре: «Начал писать этюд с волнением и страхом, что ничего не выйдет».
 
В «Дневнике» за 1925 год на страницах, посвященных пребыванию в Корбевиле, художник упоминает о своих ежедневных променадах рядом с замком, как по аллее парка, так и по лесу, где он по утрам или в первой половине дня собирал грибы и ежевику.
 
Пейзаж «В Корбевиле», видимо, был написан во время одной из этих прогулок. Подобные «упражнения» на натуре были частью творческого метода художника. Иногда этюды использовались Сомовым для создания фонов в его сюжетных композициях, но часто, как и в данном случае, имели самостоятельное значение. В подобных работах, в отличие от большинства законченных картин, где художник бывал детально педантичен даже в пейзажных фонах, он позволял себе живописную раскованность и эмоциональность.
 
Приобрести этот уникальный этюд можно на нашем аукционе.
 
🖼К. Сомов. В Корбевиле. 1925.
 
#КартинаДня

Аполлинарий Васнецов – русский пейзажист и педагог, брат живописца Виктора Васнецова. Именно благодаря брату он сумел стать одним из значимых действующих лиц художественной жизни России своего времени. Как это произошло?
 
Их отец был священником, интересовался историей, естествознанием, литературой, любил рисовать. Но именно пример старшего брата сыграл ключевую роль в выборе Аполлинарием профессии. Позднее он писал: «Я и художником-то стал потому, что в детстве видел его рисунки и работы».
 
Благодаря Виктору Аполлинарий получил начальное художественное образование и уехал в Петербург. Художественная среда столицы потрясла юного живописца. «В Вятке, в духовном училище, я и не подозревал, что есть где-то какая-то жизнь искусства, охватывающая человека всецело и беззаветно».
 
В родном городе он практически не видел картин. Здесь же, через брата, он познакомился с ведущими фигурами культуры своего времени: Крамским, Репиным, Антокольским.
 
Художник вспоминал: «…Я сразу же попал с братом в мастерскую Репина, когда он писал знаменитую свою картину “Бурлаки”... Заряд был довольно сильный для того, чтобы ошеломить такого юнца, как я, приехавшего из глуши Вятской губернии».
 
Главной целью для него стало поступление в Академию художеств, но для этого ему недоставало диплома о среднем образовании. Он подготовился к сдаче экзамена и отправился обратно в Вятку для получения диплома.
 
Но на родине все пошло не по плану. Васнецов попал в окружение студентов – сторонников народничества и его планы на будущее резко изменились. Он решил покончить с искусством и посвятить себя общественной деятельности.
 
«Служить народу, “идти в народ” увлекло меня, и я решил идти в народные учителя».
Юноша успешно сдал экзамен и выбрал местом службы школу в селе Быстрица неподалеку от Вятки.
 
Но проработав там около года, художник разуверился в народнических идеалах и все-таки отправился к брату в Москву, где продолжил творческий путь.
 
Многие из произведений художника посвящены истории и представленная работа – не исключение. Приобрести полотно с изображением мастеров старых времен можно на нашем аукционе.
 
🖼А. Васнецов. Старорусские мастера. Конец XIX – начало ХХ века.
 
#ХудожникДня

Картина «Встреча» (1981) Николая Вечтомова – одна из тех работ, которые высоко ценятся коллекционерами: вечтомовская красно-черная гамма, большой размер, сложная эмоциональная составляющая.
 
Сам Николай Вечтомов (1923–2007) – представитель советского неофициального круга художников, сюрреалист, фронтовик, партизан, герой войны, бежавший из плена.
 
Художник Немухин вспоминал: «Многие годы буквально бок о бок работал я с Николаем Вечтомовым. По натуре он человек тихий, закрытый, даже застенчивый, очень любящий земной уют. Но в живописи у него доминирует багрово-красный цвет, из сияния которого вырастают расплывчатые темные фигуры причудливых форм, похожие на те, что появляются вместе с легкой болью, если, плотно закрыв глаза, надавить пальцами на веки».
 
Однажды в разговоре c Немухиным Вечтомов открылся: «Мы живем в темноте и уже свыклись с ней, вполне различаем предметы. И все же свет мы черпаем оттуда, из сияния закатного Космоса, он-то и дает нам энергию видения. Потому для меня важны не предметы, а их отражения, ибо в них таится дыхание чужеродной стихии. Да и вообще, старик, я хотел бы, чтобы, когда умру, меня не в землю закопали, а похоронили на астероиде».
 
Вот так интересно мыслил этот художник. Неудивительно, что его работы также отражают его необычное, научно-фантастическое мировосприятие.
 
Представленная картина – не исключение. Что мы видим?
 
Два силуэта встречаются друг с другом. Кто это? Души? Инопланетяне? Существа из других миров? Метафорические образы? Ответ, как всегда, остается задачей зрителя – этим и прекрасны философские произведения Вечтомова.
 
🖼Н. Вечтомов. Встреча. 1981
 
#КартинаДня

Кто такой Карл Розен? Долгое время биография латышско-русского художника, яркого представителя старой школы пейзажной живописи была загадкой.
 
В советской и постсоветской России о нем почти ничего не было известно. Работы с подписью «K.Rosen», попадавшие на российский арт-рынок в 1990-х –начале 2000-х, приписывали некой художнице Каролине Розен или белогвардейскому офицеру – художнику по фамилии Розин.
 
Лишь благодаря усилиям искусствоведов, изучивших материалы латышских музеев, архивов и галерей, удалось восстановить биографию Карла Розена. Их статья «Неизвестный K. Rosen», вышедшая в 2004 году – наиболее полный источник сведений о жизни и творчестве латышского пейзажиста.
 
Карл Розен  (1864–1934) родился в городе Елгаве. По окончании реального училища отправился покорять столицу, поступил в Академию художеств, учился у Шишкина и Клевера-Старшего.
 
У Юлия Клевера-Старшего юноша работал ассистентом в мастерской – прорисовывал промежуточные слои его картин по авторскому подмалевку. Подобные работы Клевера и мастерской сегодня называют «клеверками».
 
Первая персональная выставка Карла Розена состоялась в 1927 году в рижском Клубе офицеров. На ней было представлено 104 работы. Судя по старым ценникам, сохранившимся на оборотах некоторых работ, картины Розена стоили довольно дорого.
 
Последние три года жизни художник почти не работал, так как был тяжело болен. В некрологе о Карле Розене сказано как о человеке миролюбивом, честном, работавшем на поприще искусства 49 лет и содержавшем семью исключительно на доходы от продажи своих картин.
 
Творчество Карла Розена имело достаточно ценителей ещё при жизни художника. Неудивительно, ведь в пейзажах Карла Розена есть всё то, за что ценят и любят классическую пейзажную школу – тщательность в проработке деталей, лирическое настроение.
 
Один из образцов его пейзажного творчества – перед вами, его можно приобрести на нашем аукционе.
 
🖼К. Розен. Зимний пейзаж. Начало XX века.
 
#ХудожникДня

Какие работы вызвали интерес коллекционеров за первый день торгов? Рассказываем:
 
🖼А. Васнецов.  Старорусские мастера. Конец XIX – начало ХХ века
 
Интересно, что Аполлинарий Васнецов не имел профессионального художественного образования, однако это не помешало ему достичь вершин живописного мастерства, стать  признанным художником, академиком и действительным членом Академии художеств, и одним из значимых действующих лиц художественной жизни России конца XIX – начала XX века.
 
Сделать ставку
 
🖼А. Салахова. № 2. Из серии «Куб». 2022.
 
Айдан – дочь художника Т. Т. Салахова.
Получив прекрасное образование, она могла бы следовать по стопам отца, овеянная его славой. Но она выбрала другой путь: от живописи Айдан переходит к инсталляциям, к видеоинсталляциям, постоянно экспериментируя и находя всё новые формы выражения своих идей.
 
Сделать ставку
 
🖼М. Брянский. Портрет девушки с книгой. 1867.
 
Пример того, что художник может не иметь безумной, насыщенной биографии, а просто получить качественное образование, работать портретистом, получать награды и признание за прекрасно выполненные произведения.
 
Сделать ставку
 
#топлоты

Сегодня в полдень стартовал аукцион ARTinvestment.RU № 557.

Среди топ-лотов:

✅«В саду. Портрет жены» Давида Бурлюка – возможность заглянуть в семейную жизнь автора. Бурлюк любил изображать супругу, но в каждом портрете она запечатлена в совершенно разных состояниях и эмоциях.

✅«Сосновая роща на рассвете» Семёна Фёдорова. Мы видим эту работу только благодаря Великому князю Владимиру Александровичу. Фёдоров поступил на военную службу, но тут вмешался случай: судьба свела художника с князем, который был не только выдающимся военачальником, но и большим ценителем искусства.
Великий князь разглядел большой талант в любительских работах Фёдорова, распорядился уволить его в запас и принять в Академию художеств.

✅«В Корбевиле» Константина Сомова. Эта работа появилась благодаря Рахманинову. Накануне отъезда из США Сомов получил через Рахманинова заказ фортепианной фирмы Sieinway & Sons написать большой портрет композитора для зала «Стейнвей-холл» в Нью-Йорке. Работу над портретом художник начал в замке Корбевиль в 40 километрах от Парижа, арендованном Рахманиновым в качестве дачи.

Одновременно сегодня откроется 238-й кураторский аукцион – «Айдан и AIDAN STUDIO». В каталоге – работы Айдан Салаховой и 14 ее учеников.

Салахова – удивительная художница, которая переосмысляет традиционное восточное искусство. Одна из первых на постсоветском пространстве она начала работать с темами гендерных ролей и положения женщины. Ее работы есть в Третьяковской галерее и ММОМА.

#АнонсАукциона

Продолжаем собирать для вас подборки самых значимых новостей из мира искусства.
 
•  Произведения Давида Бурлюка, Константина Сомова, Семёна Федорова, Гавриила Кондратенко и других художников будут выставлены на аукцион ARTinvestment.RU № 557, который начнется 18 ноября.
 
•  Музей Нидерландов начал реставрацию знаменитой картины Рембрандта ван Рейна «Ночной дозор» после пяти лет предварительных исследований. Посетители имеют возможность наблюдать за процессом реставрации в реальном времени, так как работа проходит в специальной стеклянной камере.
https://tass.ru/kultura/22390683  
 
• В рамках масштабных мероприятий по борьбе с подделками произведений искусства в Европе выявлено более 2100 фальшивок на сумму 200 миллионов евро. В ходе операции обнаружены мастерские, производящие копии работ таких знаменитых художников, как Бэнкси, Уорхол, Пикассо и Модильяни, а также фальшивые выставки и сертификаты подлинности.
 
• Известный греческий скульптор Никос Флорос работает над несколькими проектами, посвященными мексиканской революционерке и художнице Фриде Кало, которая творила в стилях фолк-арт и сюрреализм.
 
• В центре «Зотов» откроется выставка конструктивизма под названием «Русское невероятное». Посетители смогут увидеть это явление с разных сторон – через живопись, архитектуру, кино и музыку.
 
• В Москве стартовал самоцветный фестиваль «Мастера России. Ювелирное и камнерезное искусство». Впервые на фестивале представлены работы не только известных мастеров, но и молодых авторов – выпускников столичного колледжа декоративно-прикладного искусства имени Карла Фаберже. 
 
#ПодборкаАртНовостей

Один из топ-лотов прошедшего Аукциона шедевров – созданная в третьей четверти XIX века картина Ивана Шишкина «Летний день» (продана 35 400 000 рублей);
 
Современники называли Ивана Ивановича Шишкина «лесной богатырь-художник»,
«царь леса» не только за его картины, воспевающие мощь и величие русской природы. Он и внешне напоминал могучего царя лесного царства. «Это был прекрасный человек, с виду суровый, на самом деле добряк, по внешности волостной старшина, на самом деле тончайший художник».
 
Шишкин родился в краю с могучими северными лесами, из окна его комнаты в родительском доме открывался волшебной красоты вид на полноводную Каму и ее окрестности. Возможно именно благодаря этому появились на свет его завораживающие пейзажи.
 
В стенах Московского училища с его демократическими устоями у Шишкина также постепенно вызревала мысль о национальном пейзаже. В середине ХIХ века в русском искусстве господствовал пейзаж условно классицистический. Художники-пейзажисты не искали красоты в природе родной страны – они вдохновлялись эффектными видами Италии и Швейцарии. Сердцу Шишкина были ближе виды родного русского леса. Неохотно рисуя в стенах гимназии обязательные гипсы, он спешил на этюды в окрестности Москвы – Сокольники, Останкино, Свиблово, в Троице-Сергиеву лавру.
 
Работоспособность Шишкина была феноменальной. «Работать! Работать ежедневно, отправляясь на эту работу, как на службу. Нечего ждать пресловутого “вдохновения”… Вдохновение – это сама работа!» – говорил художник. Летом он отправлялся на этюды в разные лесные места России, ежегодно писал в мастерской огромные полотна для передвижных выставок. До самых последних лет жизни он сохранил творческую энергию. Любимая работа выводила его из самых тяжелых депрессий после перенесенных жизненных невзгод.
 
На протяжении жизни излюбленными сюжетами для Шишкина являлись изображения величественного леса с его заросшими чащами, мшистой почвой и густой растительностью – такое полотно и было представлено на минувших торгах.
 
🖼И. Шишкин. Летний день. Третья четверть XIX века.
 
#топлоты

⚡️255 млн рублей – суммарная выручка осеннего аукциона шедевров ARTinvestment.RU.
 
В общей сложности продано 18 произведений искусства. Среди топ-лотов действительно лучшие образцы отечественного искусства – «Парусник в штормовом море» Ивана Айвазовского (57 725 600 рублей, с учетом 18% комиссии), «Портрет сестры Кати» Зинаиды Серебряковой (39 530 000 рублей), картина Ивана Шишкина «Летний день» (35 400 000 рублей) и работа Михаила Врубеля «Лель» (29 500 000 рублей).
 
Расскажем об авторе одного из них подробнее.
 
🔹Зинаида Серебрякова родилась и выросла в творческой семье Бенуа-Лансере. Ее отец был скульптором-анималистом, а мать – художником-графиком. Дяди были архитекторами и художественными критиками.
 
🔹Лишилась имения и овдовела в 36 лет. В 1919 году их фамильное имение в Нескучном было сожжено. Семья переехала в Харьков, где муж Серебряковой умер от тифа у нее на руках. Серебрякова осталась с четырьмя детьми и пожилой матерью. Чтобы прожить, она устроилась на работу в археологический музей в Харькове, делала зарисовки экспонатов.
 
🔹43 года провела в несчастливой эмиграции. Осенью 1924 года Серебрякова поехала в Париж к дяде, Александру Бенуа, на временные заработки. В России она оставила детей, пожилую мать, рассчитывая уехать на время. Однако судьба сложилась так, что она не смогла вернуться на родину и надолго разлучилась с родными.
 
🔹Хрущевская оттепель сделала ее знаменитой в России. В 60-х годах XX века Серебрякова обретает известность в СССР. Проводятся большие выставки, печатаются большие тиражи марок и открыток, а ее творчество сравнивают с мастерами эпохи Возрождения.
 
🔹Не стеснялась ню. Серебрякова воспевала здоровое, красивое женское тело. Часто героинями ее картин становились простые и полнотелые девушки.
 
Именно такая работа и стала топ-лотом на этой неделе. Поздравляем коллекционера с удачным приобретением!
 
🖼З. Серебрякова. Портрет сестры Кати.1911.
 
#ИтогиАукциона

Некоторые ценовые результаты торгов 15 ноября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

АЙВАЗОВСКИЙ Иван Константинович (1817–1900) Парусник в штормовом море. 1885
Холст, масло. 63 × 51
Цена: 57 725 600 рублей

СЕРЕБРЯКОВА Зинаида Евгеньевна (1884–1967) Портрет сестры Кати (этюд к картине «Купальщица»). 1911
Холст, темпера, масло. 55,5 × 56,8
Цена: 39 530 000 рублей

ШИШКИН Иван Иванович (1832–1898) Летний день. Третья четверть XIX века
Холст, масло. 53,5 × 38
Цена: 35 400 000 рублей

ВРУБЕЛЬ Михаил Александрович (1856–1910) Лель. Из цикла произведений по мотивам оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка». 1900-е
Абрамцевская керамическая мастерская
Майолика, восстановительный обжиг. 43 × 32 × 24
Цена: 29 500 000 рублей

Сегодня расскажем о знаменитом живописце XVIII века Владимире Боровиковском.
 
Его отец Лука Боровиковский происходил из казаков. Оставив военную службу, он занялся иконописью, создавал фрески в храмах и монастырях. Владимир Боровиковский учился рисованию под руководством отца, а потом помогал ему выполнять заказы.
 
В 1770-х Боровиковский познакомился с поэтом Василием Капнистом, тот пригласил художника расписать дом, где должна была остановиться императрица Екатерина II. Роспись стен и живописные панно понравились Екатерине II, и она пригласила художника переехать в Петербург.
 
В 1790-х Владимир Боровиковский стал получать первые заказы. Он также написал «Портрет Екатерины II на прогулке в Царскосельском парке». Другие художники изображали императрицу в парадных нарядах или в образе древнегреческой богини правосудия Фемиды. Боровиковский же запечатлел Екатерину II во время прогулки с собакой – на картине императрица была изображена в кружевном чепце и домашней одежде
 
В 1797 году придворный чиновник Лопухин попросил Боровиковского нарисовать его жену – Марию Лопухину. Это полотно – признанный шедевр Боровиковского, ярчайшее воплощение эстетических идей сентиментализма. Поэт Яков Полонский под впечатлением от картины написал стихотворение:
 
Она давно прошла, и нет уже тех глаз,
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье – тень любви, и мысли – тень печали.
Но красоту ее Боровиковский спас.
 
Боровиковский не был женат и не имел детей. В завещании он просил раздать беднякам свое имущество, «состоящее в нескольких картинах, небольшом количестве книг, денег и в прочих домашних вещах».
 
В XIX веке картины Владимира Боровиковского хранились в частных коллекциях и украшали дворянские усадьбы. После революции они были национализированы и переданы в Третьяковскую галерею.
 
На Аукционе шедевров представлена икона Боровиковского «Св. Екатерина», возможно, написанная для церкви одной из усадеб архитектора и поэта Н. А. Львова. Приобрести произведение мастера еще можно до полудня этого дня.
 
🖼В. Боровиковский. Святая Екатерина. 1790-е.
 
#ХудожникДня

На этой неделе в топе эстетические мотивы – цветы, орнамент, театральные декорации. Расскажем подробнее об одном из топ-лотов – картине Василия Ермилова «Желто-голубой цветочный орнамент», проданной за 2 360 000 рублей.
 
Работы этого художника не в первый раз оказываются среди самых дорогих произведений торгов. Ермилов, как пионер советского дизайна, продолжает вдохновлять коллекционеров и ценителей искусства.
 
Родился в семье портного, окончил церковно-приходскую школу. После обучался в МУЖВЗ вместе с Д. Бурлюком и В. Маяковским, посещал студии И. Машкова и П. Кончаловского.
 
Имя Василия Ермилова в 1920-х гремело по стране, а улицы родного Харькова «кричали плакатами, лозунгами, щитами» авторства Ермилова. Это был настоящий пафос революции, запечатленный в красках.
 
В его произведениях в разные периоды жизни прослеживаются следы влияния кубизма, футуризма, супрематизма, конструктивизма. Ермилов также много работал в области плакатного и рекламного искусства, оформлял агитпоезда и торжественные празднества, занимался книжным дизайном.
 
В 1920-30-е годы Василий Ермилов разработал множество декоративных композиций с образами, заимствованными из народного творчества, в частности вышивки. Многие из этих работ служили художнику эскизами, на которые он опирался в своей оформительской деятельности.
 
Графический лист «Желто-голубой цветочный орнамент» (1933–1934) создан в зрелый период творчества художника. Используя популярный цветочный мотив, характерный для узоров украинской народной вышивки, Ермилов передает его отличительные черты, сохраняя ритмическую структуру и выразительную красочность.
 
В отличие от плоскостных орнаментов на тканях, Ермилов в духе своего времени создает пространственную композицию, где изгибы ленты задают намек на глубину, а в трактовке бутонов выражены их объемы.
 
Интересно, какие картины будут популярны на следующих торгах? Следите за новостями.
 
🖼В. Ермилов. Желто-голубой цветочный орнамент. 1933–1934.
 
#топлоты

Некоторые ценовые результаты торгов 1 ноября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

ЕРМИЛОВ Василий Дмитриевич (1894–1968) Желто-голубой цветочный орнамент. 1933–1934
Бумага, акварель, графитный карандаш, гуашь, золотая краска, серебряная краска. 49,8 × 70
Цена: 2 360 000 рублей

РОГИНСКИЙ Михаил Александрович (1931–2004) Спички. 1994
Картон, масло. 69,5 × 49
Цена: 2 360 000 рублей

Великая княгиня Ольга Александровна (1882–1960) Цветы на столе и подоконнике. 1948
Картон, масло. 27 × 35
Цена: 1 298 000 рублей

АННЕНКОВ Юрий Павлович (1889–1974) Эскиз оформления театральной сцены. Середина ХХ века
Бумага, гуашь, графитный карандаш. 32,7 × 42 (лист)
Цена: 826 000 рублей

Какими были бы картины музыканта? Ответ можно найти в творчестве джазмена-живописца Петра Петяева (1984), с которым мы вас сейчас познакомим.
 
📌Петяев окончил Суздальское художественно-реставрационное училище, где получил основательный багаж знаний. После он решил бросить учебу и продолжать развиваться самостоятельно.
 
📌Вместе с другими выпускниками суздальского училища он создал объединение молодых художников «Art-Navis», которое активно участвует в выставках и конкурсах, завоевывая признание на московской арт-сцене.
 
📌Первая персональная выставка состоялась, когда художнику было 25 лет – это было значимой вехой для его творческого пути.
 
📌Петяев черпает вдохновение из повседневной жизни – узоров на ткани, деревьев в сумерках или разговоров с друзьями. Каждая картина – это не просто изображение, а эмоциональное высказывание, наполненное личными впечатлениями.
 
📌Но основной источник вдохновения – конечно, музыка. Он умеет не только создавать яркие и эмоциональные картины, но и импровизировать на саксофоне, создавая новое из звуков и ритмов окружающего мира.
 
📌Звук – это, с чего начинается картина, а следующим этапом становится выбор цвета. Под цвет он подбирает предметы для натюрморта. Петяев смело работает с цветом, используя чистые оттенки и крупные цветовые плоскости. Поэтому его картины словно пронизаны светом.
 
Натюрморт – главный жанр творчества Петяева, а одна из знаковых работ – представленный на прошедших торгах «Чёрно-синий натюрморт».
 
🖼П. Петяев. Чёрно-синий натюрморт. 2024.
 
#ХудожникДня

«Сфоткай, как я фоткаю» – так говорят наши современники, в эпоху смартфонов и соцсетей. А в конце XIX века это выглядело так: два признанных художника, один рисует этюды, другой запечатлевает процесс рисования этюдов.
 
Автор картины Владимир Маковский (1846–1920) – выдающийся русский художник, представитель реализма и один из наиболее значительных мастеров жанровой живописи XIX века. Его творчество отличается вниманием к жизни простых людей, их быту и переживаниям. Маковский часто изображал сцены из повседневной жизни, придавая своим работам глубокую эмоциональную насыщенность и социальную значимость. Его картины полны ярких деталей, которые помогают зрителю погрузиться в атмосферу времени и места.
 
Не стала исключением и работа, на которой изображен Константин Крыжицкий (1858–1911) – тоже популярный русский художник, известный своими пейзажами и этюдами. Крыжицкий учился в Академии художеств, а затем продолжил свое обучение за границей. Крыжицкий был мастером пленэрной живописи.
 
Маковский мастерски передает атмосферу спокойствия и сосредоточенности, царящую в этот момент. Крыжицкий комфортно устроился под зонтом и погрузился в процесс создания этюдов. Зонт создает уютный уголок, а окружающая природа добавляет живописности сцене. Маковский использует мягкие и теплые цвета, чтобы передать ощущение лета и радости творчества.
 
Детали одежды Крыжицкого и его поза говорят о том, что он – человек искусства, который ценит каждый момент вдохновения. Взгляд художника устремлен на холст, природа вокруг него также играет важную роль: она не просто фон, а активный участник сцены, которая вдохновляет на творчество.
 
Эта работа подчеркивает значимость пленэрной живописи в русском искусстве того времени.
 
Не упустите возможность стать обладателем произведения искусства, которое сочетает в себе историю и талант двух выдающихся художников!
 
🖼В. Маковский. Художник на этюдах. Портрет К.Я. Крыжицкого. Конец XIX века.
 
#КартинаДня

Способность передать эмоции, резонирующие со зрителем – это важные качества для успешного портретиста. Зинаида Серебрякова, одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи, отвечает этому критерию.
 
Зинаида Серебрякова родилась в 1884 году в семье скульптора-анималиста и художницы-графика. Именно родители вдохновили ее на творческий путь.
 
В отличие от многих современников, таких как Казимир Малевич или Василий Кандинский, стремившихся к авангардным экспериментам, Серебрякова выбрала для себя традиционные формы и техники, что позволило ей создать уникальный стиль, гармонично сочетающий реализм и импрессионизм.
 
Серебрякова привнесла в портретный жанр особую эмоциональность. Одна из ее любимых тем – портреты детей, в которых чувствуется нежность и забота о собственных детях. Любила она также запечатлевать и женщин. При этом в отличие от многих художников того времени, которые часто изображали идеализированные формы, Серебрякова воспевала здоровое и красивое женское тело.
 
Несмотря на личные трагедии – утрату мужа и имения, а также долгие годы эмиграции – Серебрякова продолжала создавать искусство, которое оставалось верным ее внутреннему миру.
 
В 60-х годах XX века, после 43 лет несчастливой эмиграции, ее творчество вновь обрело популярность в Советском Союзе, а ее работы даже сравнивали с мастерами эпохи Возрождения.
 
Зинаида Серебрякова оставила после себя богатое наследие. Ее портреты остаются живыми свидетельствами человеческих эмоций и отношений.
 
Одна из таких работ – женский портрет – доступна на нашем аукционе!
 
🖼З. Серебрякова. Женский портрет. 1934.
 
#ХудожникДня

Эскиз, который вы видите, создан Александром Бенуа для постановки пьесы Мережковского «Царевич Алексей» в Большом Драматическом театре – первой пьесы, над которой в новом, послереволюционном театре работал Бенуа.
 
В этой постановке не было обычной для первых спектаклей театра романтической помпезности, торжественных порталов, специального занавеса, даже декоративного обрамления. Пьеса Мережковского рассматривалась как «трагедия реального типа», а ее персонажи – как живые люди, в психологической достоверности страданий и быта которых необходимо убедить зрителя.
 
Используя уроки Станиславского, Бенуа ставил перед актерами задачу «ближе подойти к жизни». Мастеру было присуще чутье специфики театральных жанров.
 
Пo мнению Монахова (исполнителя главной роли), «Царевич Алексей» стал «едва ли не лучшей, наиболее слаженной постановкой театра за все время его существования, он имел огромный и вполне заслуженный успех.
 
Бенуа сумел восхитить зрителей проникновением в мир трагедии и сумел в колорите интерьеров отразить противостояние двух главных сил – «багрово-красная» палата Петра и «светлая горница» Алексея.
 
Поэт Кузмин считал декорации Бенуа к этому спектаклю его «лучшими декорационными работами»: «Помимо театральности, – писал он, – есть какое-то острое ощущение чувства природы, воздуха и именно исторического воздуха, петровского солнца».
 
Бенуа признавался, что работал с «колоссальными трудностями» при остром «недостатке материалов и технических средств». Но «я могу сейчас сказать: драма живет. “Царевич Алексей» производит на все элементы публики потрясающее впечатление. В постановке я стремился выявить основные идеи романа Мережковского, представляющего собою трагедию реального типа».
 
Приобрести эту знаковую с культурной точки зрения работу можно на нашем аукционе.
 
🖼А. Бенуа. В палатах Петра. Эскиз декорации для постановки пьесы Д. Мережковского «Царевич Алексей». 1919.
 
#КартинаДня

Что такое искусство? Это не только способ самовыражения, но и отражение человечества. Произведения художницы Наталии Нестеровой – яркий пример переплетения личной истории и жизни общества.
 
Нестерова родилась во время войны, в 1944 году, в семье архитекторов. Дедушка, Николай Иванович, был первым учителем Наталии. В три года она уже рисовала, а первой работой стал портрет деда.
 
Бабушка, строгий учитель русского языка, привила ей любовь к литературе и стихам. Кстати, в детстве они играли в карты, что, как вы видите, стало важным образом в работах будущей художницы.
 
Первая персональная выставка Нестеровой прошла в 1974 году и продлилась всего один день, но произвела фурор благодаря смелым картинам, которые противоречили канонам соцреализма.
 
Её работы наполнены символикой и метафорами, что позволяет зрителю увидеть не только красоту, но и глубину человеческих переживаний. Например, образы птиц в её картинах символизируют одновременно мечты и трагедии.
 
Наталия Нестерова любила изображать еду и застолья, что придавало её работам особую атмосферу праздника. Рынки и рестораны становятся самостоятельными персонажами картин. Она сама говорила: «Шумный базар – это символ изменчивого мира». Её персонажи – от библейских до современных – пируют вместе, что подчеркивает единство человечества.
 
Часто лица людей на её картинах скрыты или изображены с закрытыми глазами, что позволяет зрителям интерпретировать образы по-своему, делает работы театральными и интригующими.
 
Полотно «Карты», доступное для покупки на нашем аукционе, является ярким примером уникального стиля и философии художницы.
 
🖼Н. Нестерова. Карты. 1974.
 
#ХудожникДня

Какие работы кроме топ-лотов, о которых мы уже рассказали утром, вызвали интерес коллекционеров в первые дни торгов?
 
🖼М. Рогинский. Спички. 1994.
 
«Я заставлял себя воссоздавать реальность, исходя из своих представлений о ней», – говорил художник. И вот эта воссозданная реальность – дверь, окно, полка с бутылками, спички, яблоки, – какой бы простой она ни казалась, вызывает у зрителя глубинный отклик, ненавязчиво завладевает его вниманием, вызывает ассоциации, увлекает в размышления.
 
Сделать ставку
 
🖼Т. Нариманбеков. Гранаты над ковром. 1973.
 
Мотив со спелыми алыми гранатами был одним из излюбленных в творчестве художника. Как вспоминает дочь художника, увлечение этой темой зародилось у отца, когда тот ездил на пленэры в сельскую местность в поисках фольклорного материала, ярких деталей и красок для своих картин. Оказавшись так однажды в деревушке Геокчай художник был поражен красотой местных гранатовых садов – с тех пор гранаты и поселились в полотнах мастера.
 
Сделать ставку
 
🖼А. Зверев. Цветок в горшке. 1965.
 
Мы привыкли любоваться портретами и автопортретами Зверева, тем ценнее наконец-то увидеть на торгах цветочный натюрморт. Он написан так же размашисто и смело, как и другие работы, буквально выцарапан на холсте.
 
Сделать ставку
 
#топлоты

Делимся последними новостями из мира искусства и культуры:
 
• В калифорнийском Музее Хэггин проходит моновыставка «Дело об исчезающем Гогене». Единственным экспонатом стала картина Поля Гогена, исключенная из официального каталога  работ мастера.
 
• Музей американского искусства Уитни объявил о бесплатном входе для всех посетителей до 25 лет. Это стало возможным благодаря пожертвованию в  2,25 миллиона долларов от художницы Джули Мехрету.
 
• Впервые за пять лет на аукцион выставят скульптуру Михаила Врубеля. Этот художник редко представлен на рынке искусства: лишь 14 его скульптур выставлялись на открытых торгах.
 
• В Доме русского зарубежья открылась выставка «Дмитрий Стеллецкий. Художник с душою древней», приуроченная к 150-летнему юбилею мастера. Стеллецкий известен своей страстью к допетровскому искусству и стремлением переосмыслить его в современном контексте.
 
• В подцерковном пространстве Смольного собора открылась выставка «Чтимые образы Богоматери от Тихвина до Владивостока. Иконы XV – начала XX вв. из частных собраний Москвы», где представлено более девяноста уникальных образов.
 
• Швейцарская прокуратура прекратила расследование в отношении российского коллекционера Дмитрия Рыболовлева, который судился с арт-дилером Ивом Бувье с 2014 года. Рыболовлев обвинял Бувье в мошенничестве на €1,1 млрд, а Бувье утверждал, что Рыболовлев совершал незаконные действия в интересах иностранного государства.
 
#ПодборкаАртНовостей

Атмосфера крестьянской жизни👇
 
Суммарная выручка аукциона ARTinvestment.RU и кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» составила 13,2 млн рублей.
 
Среди топ-лотов лидировала деревенская тематика – поющие крестьянки, нивы, крестьянский костюм.
 
Расскажем подробнее про одну из этих работ – картину 2006 года Кима Бритова «Отдыхающие нивы» (продана за 1 062 000 рублей).
 
Ким Николаевич Бритов — один из трех художников (Ким Бритов, Владимир Юкин, Валерий Кокурин), показ которых на выставке «Советская Россия» в 1960 году ознаменовал рождение нового явления в отечественной культуре – владимирской живописной школы.
 
В картинах владимирцев нередко задние планы не менее интенсивны по цвету, чем передние, однако качественно цветовой фон, которым они написаны, таков, что у зрителя не исчезает впечатление пространства.
 
Особенно важную роль в их полотнах играет цветовой ритм. Именно это мы и наблюдаем на представленном полотне – насыщенное чередование цветов, узор из неба, поля, реки, облаков и деревьев. Этот прием усиливает декоративность и цепляет взгляд.
 
Традиционное крестьянское поле мгновенно из чего-то рутинного, скучного и рабочего превращается в затейливую картину, жизнерадостную и нарядную.
 
Такая картина будет выигрышно смотреться в любом интерьере, приковывать внимание и вызывать позитивные эмоции.
 
А какие тематики будут популярны на следующей неделе? Следите за новостями!
 
🖼К. Бритов. Отдыхающие нивы. 2006.
 
#ИтогиАукциона

Некоторые ценовые результаты торгов 25 октября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

МАЛЯВИН Филипп Андреевич (1869–1940) Поющие крестьянки. 1933
Другие названия: «Поющие бабы», «Поющие женщины на фоне зимнего пейзажа»
Холст, масло. 50,5 × 65
Цена: 7 080 000 рублей

БРИТОВ Ким Николаевич (1925–2010) Отдыхающие нивы. 2006
Картон, масло. 50,3 × 50,5
Цена: 1 062 000 рублей

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Без названия (Кисть)
Холст, масло, металл, смешанная авторская техника. 100,2 × 80
Цена: 1 003 000 рублей

КОРОВИН Константин Алексеевич (1861–1939) Эскиз костюма крестьянской девушки. Опера «Золотой петушок» Н. А. Римского-Корсакова для оперного театра в Турине. 1924
Премьера состоялась в 1925
Бумага на картоне, акварель, графитный карандаш, тушь, белила. 38 × 24,3 (лист с рисунком), 49,5 × 38 (картон основа)
Цена: 767 000 рублей

Творчество одних живописцев всегда влияет на других. Яркий пример – Анатолий Слепышев (1932-2016) – один из самых ярких представителей московской школы живописи, вдохновлявшийся работами предшественников.
 
Формироваться образный мир Анатолия Слепышева начал ещё в детстве – в деревенских пейзажах Пензенской области. Далее была учеба в Художественном институте имени В. И. Сурикова. Диплом Слепышеву, правда, так и не дали, обвинив его в излишнем увлечении импрессионизмом.
 
Слепышев утверждал, что «человек учится не у природы, а у мастеров». Неизгладимое впечатление произвели на него фрески Феофана Грека и работы Александра Древина.  
 
Художнику пришлось сменить не одно место работы: он работал учителем рисования в московских средних школах, художником-оформителем в библиотеке, реставратором в мастерских Кремля, оформителем павильонов ВДНХ и т.д.
 
Признание к Слепышеву пришло далеко не сразу. Как вспоминает советская актриса Алла Демидова, работы Слепышева поначалу покупали в основном иностранцы, «рано распознавшие, что приобретать, что нет». В 1989 году, после успешной продажи работ на знаменитом аукционе Sotheby’s в Москве о художнике узнали во всем мире.
 
Сейчас творчество Слепышева продолжает оказывать влияние на молодых художников, ведь его вклад в культурный фонд живописи бесценен. Не даром французская актриса Катрин Денев записала в книге отзывов на парижской выставке: «Слепышев – великий художник. В его работах – сочетание трагедии и радости, что, возможно, и есть суть русской души».
 
Произведение мастера «Возвращение с охоты» (1989) доступно для покупки на нашем аукционе.
 
🖼А. Слепышев. Возвращение с охоты. 1989.
 
#ХудожникДня

Коллаж – это не просто техника, а способ увидеть мир по-новому. В нашем случае он помог создать многослойный портрет Глеба Жеглова. Точнее не просто портрет, а целую вселенную, собранную из деталей.
 
Работа одного из ярких коллажистов Саши Бома изображает Глеба Жеглова – культового персонажа из романа «Место встречи изменить нельзя». Это пример, как классические образы могут быть интерпретированы в новом свете.
 
Саша Бом использует разнообразные техники: от традиционной вырезки и наклеивания до цифровых манипуляций. В своих работах он часто обращается к культурным и историческим темам, а его стилистика отличается яркими цветами, контрастными текстурами и неожиданными сочетаниями.
 
Глеб Жеглов, созданный писателем Юрием Дружковым и воплощенный на экране актером Владимиром Высоцким, стал символом целой эпохи. Его образ ассоциируется с мужеством, справедливостью и неукротимой волей к победе.
 
В последние годы образ Жеглова активно переосмысляется в различных формах искусства: от кино до театра и даже музыки. В наше время Жеглов воспринимается как идеал «человека действия», который не боится идти против системы, как символ борьбы с коррупцией и несправедливостью.
 
Коллаж собирает образ Глеба Жеглова из цветной бумаги и журнальных вырезок, в основном на английском языке. Это позволяет взглянуть на него в контексте современных реалий, через призму общемировой культуры.
 
Данное произведение искусства может стать не только украшением вашего интерьера, но и важным элементом дискуссии о социальной справедливости и личной ответственности.

 
🖼️Саша Бом. Глеб Жеглов. 2024.
 
#КартинаДня

Вот мы добрались и до гиперреализма – технически сложного жанра, который требует не только изображать увиденное, но и преображать реальность. Одним из пионеров этого жанра в СССР стал художник Сергей Базилев (1952).
 
Он родился в семье художников, с детства был окружен искусством и не мог представить себя без него.
 
Интерес к гиперреализму возник у него в самом начале творческой деятельности. В 1968 году, будучи студентом, он поспорил с одноклассниками о том, что сможет нарисовать с фотографии голую девушку также реалистично, как она была изображена на снимке. Получилось ярко, реальнее реальности. Именно эту работу считают первой гиперреалистической картиной на территории СССР.
 
Тематика работ Базилева в начале карьеры была сосредоточена на драматичных сюжетах, отражающих внутреннее напряжение и предчувствие катастрофы. Однако с течением времени стиль начал меняться. Художник стал уделять больше внимания камерным сюжетам: натюрмортам, пейзажам и сценам из повседневной жизни.
 
Его поздние картины отличаются пленэрностью и импрессионистичностью. Несмотря на это, основой его работ по-прежнему остается фотография, что создает уникальный синтез между традиционной живописью и современными художественными приемами.
 
Сергей Базилев – не только талантливый художник, но и педагог. Он долгое время преподавал в родном институте и стажировался в Санкт-Петербургской Академии Художеств. А его работы выставлены на более чем 100 выставках как в России, так и за рубежом; они находятся в коллекциях Третьяковки, Музея Питера Людвига в Кёльне и Музея Нортона Доджа в США.
 
Сегодня Сергей Базилев продолжает жить и работать в Москве, создавая новые произведения искусства. На нашем аукционе представлена его безымянная работа, посвященная прекрасной  и загадочной девушке.
 
С. Базилев. Без названия. 2024.
 
#ХудожникДня

Современники называли его «юродствующим гением», говорили, что его биография полна мифов и чудес – речь сегодня пойдет про художника Василия Ситникова.
 
Он родился в селе под Лебедянью, но провел последние годы жизни в Нью-Йорке. Приехал в Ленинград поступать в Академию художеств, но экзамены сдавать не стал, а во ВХУТЕМАС не приняли. При этом, не имея образования, он смог в итоге работать художником-мультипликатором на «Мосфильме».
 
Обучался лоции, навигации и судовождении в Москве, поступил на рабфак в Московский институт востоковедения – и работал в метро откатчиком вагонеток, успевая при этом лепить фигурки из глины.
 
Носил прозвище «Васька-фонарщик», которым был обязан своей работе – демонстрации диапозитивов в Суриковском институте. Строил модели парусных кораблей и три года провел в Казанской психтюрьме  – был арестован по доносу, признан душевнобольным.
 
Все эти удивительные события не мешали ему творить, преподавать и даже выработать собственную художественную систему, исходя из разработки световоздушной и пространственной концепции символизма.
 
Картина «Сидящая обнаженная» – одна из работ цикла Ситникова «Уроки». Как правило, эти картины они начинали создавать ученики художника с натуры в его домашней академии. Видя, что ученик не совсем верно понимает поставленные перед ним задачи, Василий Яковлевич отстранял его от мольберта и сам выправлял и заканчивал рисунок или живописную работу.
 
Вот такие вещи он и называл уроками, которые служили начинающим художникам эталоном и образцом для копирования и подражания, наглядным пособием для уяснения ситниковской живописной системы.
 
Те ученические картины, на которые Ситников тратил много времени и сил, он считал своими и потому подписывал их. Теперь приобрести работу с такой удивительной судьбой можно на нашем аукционе.
 
🖼В. Ситников. Сидящая обнаженная. Из цикла «Уроки». 1971.
 
#ХудожникДня

Портрет может отобразить не только внешность, но и идеалы человека. Одним из таких произведений является портрет Карла Брюллова, написанный Федором Завьяловым. Это полотно отражает личность великого мастера и служит примером связи поколений художников.
 
Федор Завьялов поступил в Императорскую Академию художеств в 1821 году. В 1833 году он получил малую золотую медаль за свою работу, а через три года – большую золотую. Это открыло ему двери в Италию, где он несколько лет вдохновлялся и совершенствовал навыки.
 
Автор не старался поразить зрителей своей фантазией, но был известен как отличный мастер и колорист. Его работы украшали храмы и дворцы, оставив заметный след в истории русского искусства.
 
Карл Брюллов же – один из самых значительных русских художников XIX века. Его творчество было пронизано духом романтизма и стремлением к красоте и свободе, часто отражало сложные чувства и переживания.
 
Интересно, что оба художника обращали внимание на культурно значимые сюжеты всемирной истории, подчеркивали их важность. Именно эта общая ценность и отражена в представленном произведении.
 
Портрет Карла Брюллова, созданный Завьяловым, задуман как полупарадный, что видно из внушительного размера полотна и композиции.
 
Художник запечатлевает Брюллова на фоне археологической зоны Помпей и дымящегося Везувия – напоминания о самом известном произведении героя картины. А женский скульптурный торс за левым плечом Брюллова – отсылка к античности, вдохновлявшей его.
 
Портрет великого художника – самая знаменитая работа Завьялова. Не упустите возможность стать обладателем произведения, соединяющего сразу несколько эпох человеческой истории!
 
🖼Ф. Завьялов. Портрет художника К. П. Брюллова. Середина XIX века.
 
#КартинаДня

Искусство, как зеркало общества, отражает его страхи, надежды и стремления. Например, картина Оскара Рабина «Дом напротив» (1975) – многослойное произведение, которое позволяет глубже понять тех, кто не нашел свое место в качестве винтика системы.
 
Оскар Рабин (1928–2018) – выдающийся советский художник-нонконформист, основатель «Лианозовской школы» и организатор той самой «бульдозерной выставки». Родившись в семье врачей, он осиротел в подростковом возрасте и нашел убежище в искусстве. Рабин учился у Евгения Кропивницкого и вскоре стал частью андеграундного художественного движения.
 
Его картины часто интерпретировались как протест против советского режима, хотя сам художник утверждал, что его искусство всегда было вне политики. Он был мастером живописи, который успешно продавал свои работы как в условиях андеграунда, так и после эмиграции на Запад.
 
Картина Оскара Рабина «Дом напротив» – яркий пример его уникального стиля и философии.
 
На первый взгляд, композиция может показаться простой: изображен дом с покосившейся водосточной трубой и унылым фонарем, отбрасывающим желтый свет на оконные стекла. Однако именно эта простота создает атмосферу одиночества и заброшенности. Рабин использует предметы повседневной жизни как символы более глубоких социальных и эмоциональных состояний.
 
Если вспомнить, что эта работа была создана в Советском Союзе, мы начинаем чувствовать в этом образе дома напряжение, конфликт между индивидуальным и коллективным. Вокруг многоэтажные дома, заводы, а напротив них – одинокий, едва держащийся домик. Но окна еще светятся – каждая индивидуальность имеет право на жизнь.
 
Кстати, это картина доступна для покупки на нашем аукционе.
 
🖼О. Рубин. Дом напротив. 1975.
 
#КартинаДня

Истории о художниках обрастают мифами и легендами. Со временем сложно отличить реальность и вымысел. Одним из таких художников был Филипп Малявин (1869–1940). А ведь как иначе? Его биография полна интересных событий и ярких фактов, как будто выдуманных для приключенческого романа.
 
Академик, изучавший основы грамоты под наставничеством деревенского фельдфебеля, послушник афонского монастыря, создававший портреты Ленина, сын бедных крестьян, который получил золотую медаль за свою картину на Всемирной выставке в Париже – кажется, что такие противоречивые события просто не могли произойти в жизни одного человека.
 
Мы точно не знаем, но есть легенда, что судьбоносное знакомство со скульптором Императорской Академии художеств Владимиром Беклемишевым началось с картины, которую односельчане автора хотели выставить на показ для проезжающего через Бузулукский уезд будущего императора Николая II. Маршрут изменился, наследник престола рисунок не увидел, но его заметил Беклемишев. В конце декабря того же года он оказался на Афоне, где познакомился с работами Малявина и организовал его переезд в Санкт-Петербург. Беклемишев взял мастера под опеку, содействовал получению стипендии и предоставил жилье в своей квартире.
 
Осенью 1892 года Филипп Малявин стал «вольнослушающим» Императорской Академии художеств, не имея даже начального образования. Его успехи были значительными: он неоднократно получал денежные пособия за рисунки и завоевывал медали, а в 1894 году он попал в мастерскую Ильи Репина.
 
Творчество Малявина охватывает широкий спектр тем, но особое внимание он уделял изображению крестьянок. Его картины наполнены яркими цветами и динамичными композициями. Одним из ярких примеров его мастерства является картина «Поющие крестьянки» (1933), которая демонстрирует не только техническое мастерство художника, но и глубокую эмоциональную связь с изображаемыми персонажами.
 
На нашем аукционе представлена эта замечательная работа. Картина захватывает дух своим светом и жизненной энергией, передавая атмосферу радости и простоты крестьянской жизни.
 
🖼Ф. Малявин. Поющие крестьянки. 1933.
 
#ХудожникДня

Картины каких художников вызвали внимание коллекционеров за первый день торгов?
 
🖼В. Ситников. Сидящая обнаженная. Из цикла «Уроки». 1971
 
Жизнь автора работы, Василия Ситникова, полна странных противопоставлений, грустных и грубых, трагических и драматических, творческих и житейских. Родился в селе под Лебедянью – провел последние годы жизни и умер в Нью-Йорке; нигде живописи не учился – но работал художником-мультипликатором на «Мосфильме».
 
Сделать ставку
 
🖼С. Базилев. Без названия. 2024.
 
Сергей Базилев стоял у истоков советской школы гиперреализма – направления, в основе которого лежит использование фотографий в качестве прототипов для создания живописных или графических произведений.
 
Сделать ставку
 
🖼С. Бом. Глеб Жеглов. 2024.
 
Саша Бом – современный российский художник, создающий яркие, контрастные изображения, используя вырезки из глянцевых журналов, разноцветной бумаги и т.п. При этом тщательно подобранные по цвету и форме рекламные слоганы, названия брендов и фотографии в итоге складываются в хорошо знакомые образы – в хрестоматийные портреты великих людей, шедевры мировой живописи, пейзажи с открыток, кадры из культовых фильмов и так далее.
 
Сделать ставку
 
#топлоты

От пейзажа до портрета👇
 
Ждете новых торгов? Осталось совсем чуть-чуть и вашему вниманию будут представлены сразу два каталога:
 
🔷Аукциона ARTinvestment.RU № 553. Среди топ-лотов:
 
🔸«Сумерки летом» Юлия Клевера-старшего. В свое время художник поставил цель – развить свое дарование без помощи наставников, работая с натуры. Судя по красоте его работ, в том числе и этой, ему удалось выполнить задуманное.
 
🔸«Поющие крестьянки» Филиппа Малявина. Интересны и красноречивы другие названия картины: «Поющие бабы» и «Поющие женщины на фоне зимнего пейзажа».
 
🔸«Дом напротив» Оскара Рабина. Произведение относится ко времени, когда в прошлом осталась Рижская академия, Суриковский институт, работа десятником на железной дороге, годы жизни в подмосковном Лианозове,  формирование группы единомышленников. А что в будущем? Художник пока не знает. Но продолжает писать картины.
 
🔸«Портрет художника К.П. Брюллова» кисти Фёдора Завьялова – одно из самых знаковых произведений в творческой биографии живописца. Завьялов создал несколько авторских вариантов-повторений этого портрета, самый известный из которых хранится в собрании Государственной Третьяковской галереи.
 
🔷Кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге – работы гиперреалиста Сергея Базилева, мастера деревянной скульптуры Дмитрия Воронина, фотографа Анатолия Горяинова, студии цифрового искусства Doping Pong и др.
 
#АнонсАукциона

Что нового произошло в мире искусства в последнее время? Вот основные события:
 
• 21 октября стартует аукцион ARTinvestment.RU № 553, на котором будут представлены работы Юлия Клевера-старшего, Филиппа Малявина, Федора Завьялова и других мастеров.
 
• Национальный фонд Британии отреставрировал картину Моне из серии «Мост Чаринг-Кросс», которая принадлежала Уинстону Черчиллю и потемнела от сигарного дыма. Лишь близкие Черчилля знали, что он владеет работой Моне.
 
• Исследование, с помощью современных нейробиологических методов, показало, что оригинал картины «Девушка с жемчужной сережкой» вызывает более сильные эмоции, чем ее репродукции.
 
• Фонд In artibus и The Art Newspaper Russia организуют 7-й фестиваль фильмов об искусстве. Мероприятие пройдет с 21 октября по 3 ноября. В этом году хедлайнерами станут видеохудожники и режиссеры Ила Бека и Луиза Лемуан.
 
• В Музее Востока открылась персональная выставка Аиши Каддафи, дочери бывшего ливийского лидера Муаммара Каддафи. На выставке исследует темы предательства и утрат. Экспозиция «Дочь Ливии» посвящена памяти ее погибших отца и брата.
 
• Известные российские художники выступили в защиту отдела новейших течений в Третьяковской галерее, который планируется закрыть 22 октября. Обращение поддержали 200 деятелей искусства.
 
• Музей архитектуры представляет выставку «Собирая свод», раскрывающую тайны архитектурных памятников и их невидимых героев – реставраторов.
 
#ПодборкаАртНовостей

Рассказываем об одном интересном лоте прошлой неделе и его авторе.
 
Художник Илья Глазунов родился в Ленинграде. Когда началась Великая Отечественная война, ему едва исполнилось 11 лет. В блокаду погибли его отец, мать, бабушка, дедушка, тетя и дядя.
 
По Дороге жизни в Новгородскую область увезли единственного выжившего из Глазуновых – мальчика Илью. После снятия блокады в 1944 году он вернулся в родной город.
 
Выбирая тему дипломной работы во время обучения на художника, Глазунов не сомневался. Он давно решил, что его картина будет посвящена непростому периоду Великой Отечественной войны, когда победа над врагом еще была очень далека. «Дороги войны» – так Глазунов решил назвать работу. В итоге он создал ее позже, но образ дороги остался значимым в его жизни и творчестве.
 
На полотнах Ильи Глазунова часто появлялись классики русской литературы и персонажи их произведений. Особое место в творчестве Ильи Сергеевича занимал Федор Достоевский – его любимый писатель.
 
Ценности, проповедуемые Федором Михайловичем, были очень близки художнику, неслучайно Глазунова называют «Достоевским в живописи».
 
Русская история также всегда была источником вдохновения для Ильи Глазунова. Художник изображал важных исторических персон и поворотные события в истории государства.
 
И любовь к истории, и любовь к литературе наверняка повлияли на восприятие Глазуновым традиционной русской темы – дороги.
 
Результат – перед вами, картина, посвященная знаменитой русской тройке, окруженной классическим холодным пейзажем. Лошади из последних сил мчат повозку сквозь бурю навстречу переменам и весне.
 
🖼И. Глазунов. Тройка на зимней дороге
1976.
 
#КартинаДня

Натюрморт в тренде👇
 
Суммарная выручка аукциона ARTinvestment.RU № 552 и 234-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» составила 15,2 млн рублей.
 
Цветовые натюрморты были популярны на этой недели, а один из них стал самым дорогим лотом – речь о созданной во второй половине 1930-х картине Льва Чистовского «Орхидеи» (продана за 3 540 000 рублей).
 
Рассказываем о работе подробнее.
 
Лев Чистовский (1902–1969) – художник русского зарубежья, проживший большую часть жизни во Франции. Ценил красоту в разных формах – был мастером работ в жанре ню, а также цветочных натюрмортов.
 
В 1925–1926 годах изучал живопись в Римской академии изящных искусств, а также во Флоренции. Будучи в Италии, познакомился со своей будущей супругой. Вместе они решили развивать в своем творчестве традиции старых мастеров и в 1926 году переехали в Париж.
 
С 1930-х годов Чистовский с супругой поселились в южных Пиренеях. Там в собственном доме они выращивали розы, ирисы и орхидеи, с которых писали натюрморты. При этом в композициях Чистовского преобладали орхидеи, а в натюрмортах его жены – розы.
 
На торгах был представлен яркий пример работы Льва Чистовского в жанре натюрморта – «Орхидеи», датируемый второй половиной 1930-х годов.
 
Художник достигает эффекта иллюзорности, чувственной достоверности изображения за счет сглаженной манеры письма и проработки деталей.
 
Композиция лаконична – на однотонном фоне изображены цветы в простой фарфоровой вазе. Но при этом полотно привлекает взгляд и не оставляет равнодушным.
 
А что привлечет внимание коллекционеров на следующей неделе? Не пропустите новостей!
 
🖼Л. Чистовский. Орхидеи. Вторая половина 1930-х.
 
#ИтогиАукциона

Некоторые ценовые результаты торгов 18 октября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

ЧИСТОВСКИЙ Лев Смарагдович (1902–1969) Орхидеи. Вторая половина 1930-х
Оргалит, масло. 65,3 × 100
Цена: 3 540 000 рублей

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Рождение из смерти. 1978
Холст, масло. 90 × 119,8
Цена: 2 478 000 рублей

БРИТОВ Ким Николаевич (1925–2010) Город Владимир. Княгининский монастырь. 2008
Оргалит, масло. 45,8 × 65,7
Цена: 2 242 000 рублей

ПОЛЕНОВ Василий Дмитриевич (1844–1927) Халил. 1899
Холст на картоне, масло. 17,1 × 9,5 (холст), 18 × 10,6 (картон-основа)
Цена: 1 947 000 рублей

Чем вдохновляются художники?
 
Кому то из них нужны яркие впечатления, заграничные поездки, чтобы придумать идею работы.
 
Был в таким путешествиях и живописец Константин Сутягин.
 
В 2005 году по приглашению Министерства туризма Франции в составе группы художников он путешествовал по Бретани. В результате состоялось 17 выставок и издана книга «Бретань глазами русских художников». В 2012 году в составе творческой группы он совершил поездку в Северную Африку, по итогам  опубликовал книгу «Под небом Бизерты».
 
Но эти путешествия не были обязательным условием вдохновения Сутягина. Поводом для картины могло стать всё, что угодно, в том числе хризантемы на даче.
 
Как писал он сам: «На даче и цветы, и чашка, и кофейник – тоже дачники, они никуда не торопятся, их не убирают со стола, у них своя жизнь, свои отношения, лето бесконечно, а потом: оп! И они замерли, смотрят на художника: это еще кто?».
 
Возможно, именно такие мысли были у автора, когда он писал это полотно.
 
Кстати, на картине есть надпись от создателя: «Отцвели уж давно хризантемы в саду».
 
Одной из центральных тем творчества Константина Сутягина с 1997 года является тема счастья, поставленная им в противовес существующей в мире «отлаженной индустрии по производству несчастья».
 
В своих картинах – красочных, радостных, посвященных обычным вещам – Сутягин стремится прийти к простоте и подлинности, отличающей работы наивных художников.
 
Как говорит сам автор, «…Когда я не думаю, что за картину пишу и зачем, когда само – тогда и песня! Я только подпеваю. Бывает же: запел кто-то песню, очень хорошую, очень хорошо поет, — и сразу хочется подхватить. У меня не столько “душа поет” – сколько “душа подпевает”: красоте, миру, каким-то его ритмам – зима-весна-лето-осень – море, два буксира у пирса, ваза с цветами... И чем меньше думаешь об этом – тем больше шансов спеть».
 
Приобрести эту картину в свою коллекцию ещё можно в течении нескольких часов на нашем аукционе.
 
🖼К. Сутягин. Хризантемы. 2014.
 
#ХудожникДня

Это место существует уже очень давно, и на протяжении всей своей истории оно постоянно менялось. Но живописцу Киму Бритову (1925–2010) удалось запечатлеть его дух вне контекста эпохи.
 
Речь идет о картине Свято-Успенского Княгинина женского монастыря, основанного в 1200 году легендарным великим Владимирским князем Всеволодом Большое Гнездо.
 
На постройке монастыря настояла его супруга – княгиня Мария, которая позже приняла там постриг. В память о ней монастырь стали называть Княгининым.
 
Обитель стала родовой усыпальницей княгинь и княжон владимирского великокняжеского дома. В нем погребены вторая супруга князя Всеволода Большое Гнездо, супруга святого благоверного князя Александра Невского и ее дочь.
 
Монастырь на протяжении своего существования постоянно страдал от пожаров, татаро-монгольского нашествия на Владимир в 1238 году и набегов золотоордынских воинов.
 
Несмотря ни на что, обитель раз за разом возрождалась и славилась повсюду своими красивыми и богато украшенными храмами.
 
После Октябрьской революции обитель была закрыта в 1923 году. Многие постройки были снесены, а келии отдали для коммунального расселения мирян. В Успенском соборе же устроили зернохранилище.
 
В строениях закрытого монастыря разместили с 1985 года музей. В 1993 году монастырь был открыт и начала возрождаться монашеская жизнь.
 
Ким Бритов, основоположник владимирской школы, запечатлел монастырь в современную эпоху. Но, так как он не фотограф, лишь отображающий реальность, а живописец – в его полотне отразилась также и история монастыря, дух ушедшей эпохи.
 
Кстати, у вас еще есть шанс приобрести эту работу – аукцион продлится до полудня пятницы.
 
🖼Ким Бритов. Город Владимир. Княгининский монастырь. 2008.
 
#КартинаДня

Юло Соостер (1924–1970) – один из самых известных представителей «поколения шестидесятых», участник Манежной выставки, организатор знаменитых «вторников» на улице Красина, на которых общалась подпольная Москва.
 
В 1949 году эстонского художника, вместе с еще несколькими выпускниками Тартуского художественного института, отправили в лагерь по 58-й «антисоветской» статье УК – за желание поехать стажироваться заграницу. Приговор – десять лет, из которых Соостер отсидел семь и освободился в 1956 году.
 
Лагерная жизнь сглаживалась общением с другими интеллектуалами и, конечно же, творчеством – с тех лет остались пейзажи, эротические рисунки и портреты других заключенных.
 
Нередко художнику приходилось спасать свои работы из огня, куда их бросали охранники – поэтому у многих рисунков обгорелые края. В лагере художник выучил русский язык, а также познакомился со своей будущей спутницей жизни, с которой они поженились вскоре после того, как были освобождены.
 
Не найдя работы в родной Эстонии, художник вместе с супругой переселился в Москву, где их квартира стала центром притяжения для художников «оттепели». В число друзей Соостеров входили Юрий Соболев-Нолев, Илья Кабаков, Виктор Пивоваров, Эрнст Неизвестный и многие другие.
 
Надежды на то, что в хрущевской Москве эпохи «оттепели» можно будет свободно выставлять радикальную живопись, не оправдались: Хрущев разругал картины Соостера.
 
Ключевой образ Соостера – застывшее в безвременном пространстве огромное яйцо, которое художник считал символом первоисточника жизни. Он был неверующим, но «любил рассуждать о происхождении мира».
 
В представленной картине также есть фирменные мистические элементы Соостера. А также есть природа родных мест автора – художник был родом с острова Хийумаа, где много можжевельника, и Соостер любил его писать.
 
🖼Ю. Соостер. Залитые лунным светом можжевельники. 1967.
 
#ХудожникДня

Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) – это скульптор, живописец, график, представитель прославленной династии грузинских скульпторов.
 
Представленная на торгах его работа «Птичка в клетке» – своего рода гимн красоте. Как говорит сам Мерабишвили, для него любовь к женской фигуре – это уважение и дань красоте: «Ничто так не передает красоту пластики, как линия женской формы. Женская фигура вдохновляет и одухотворяет все мое творчество – скульптуру, графику и живопись, и увлечение это постоянно».
 
При взгляде на картину возникают параллели с хрестоматийными образами модернистского искусства.  Мерабишвили свободно оперирует изобразительным языком своих предшественников, используя те приемы, которые позволяют отразить его творческий замысел.
 
В нижней части фигуры своими широкими бедрами модель напоминает красавиц Модильяни, а в верхней части её тела Pata уходит в кубистическую резкость.
 
Всё изображение построено на гармоничном соотношении округлых и угловатых геометрических форм и линий. Округлые изгибы женского тела дополняют многочисленные округлые формы интерьера. Но эти плавные линии отделены друг от друга узким прямоугольником кушетки и линией стены.
 
В такой же гармонии находятся и цвета: светлый бокал поддержан белым ковриком и белой сигаретой, а цвет обнаженного тела модели совпадает с цветом оперенья птицы. Этот прием ещё больше роднит девушку и птицу.
 
Приобрести эту поэтичную и яркую работу можно на нашем аукционе.
 
🖼PATA. Птичка в клетке. 2006.
 
#КартинаДня

Найти свой путь можно в любом возрасте – об этом говорит биография художника Василия Поленова.
 
Он долго искал свое направление – и уже в зрелом возрасте обрел известность как пейзажист и мастер жанровой живописи.
 
Влияние на поиски оказала заграничная поездка. «Пользу она мне принесла во многих отношениях, главное, в том, что все, что до сих пор я делал, не то, все это надо бросить и начать снова-здорово. Тут я пробовал и перепробовал все роды живописи: историческую, жанр, пейзаж, марину, портрет головы, образа животных, nature morte и т. д. и пришел к заключению, что мой талант всего ближе к пейзажному, бытовому жанру, которым я и займусь», рассказывал творец.
 
Отыскав «себя», Поленов начал помогать и другим. Так в его усадьбе воплотилась заветная мечта: «Желание мое устроить музей осуществилось, когда нам удалось соорудить на берегу Оки дом, приспособленный к размещению коллекций, и я несказанно радуюсь, когда вижу, как приходят посетители и разглядывают наши собрания. Приходят целые экскурсии из ближайших городов, школ, из деревень, крестьяне и крестьянки с детьми».
 
Кстати, при жизни художника имение называлось Борок. Сам же Поленов называл его «поместьице». Только в советские годы усадьбу переименовали в Поленово.
 
Интересно, что во все времена усадьба была полна гостей. Сюда приезжали Левитан, Репин, Коровин, Васнецов, как сосед наведывался в гости Чехов. В тридцатые годы ХХ века в «баньке» жил великий русский композитор Сергей Прокофьев. В «Поленово» он написал музыку к балету «Ромео и Джульетта».
 
В 1881 году Василий Поленов начал работу над картиной «Христос и грешница» – первой из будущего цикла о жизни Христа. Вместе с искусствоведом Адрианом Праховым и промышленником Семеном Лазаревым он отправился на Ближний Восток. Путешественники побывали в Турции, Египте, Палестине, Сирии и Греции.
 
Поленова сильно вдохновили яркие восточные пейзажи и пестрые одежды местных жителей. А результат этого вдохновения – перед вами, в этюде с восточным мужчиной, облаченным в халат и куфию.
 
🖼В. Поленов. Халил. 1899.
 
#ХудожникДня

Библейские сюжеты и предания о святых привлекали художников во все времена, даже в Советском Союзе.
 
«Чудо Георгия о змие» входит в редкий живописный цикл произведений андеграундного творца Анатолия Зверева. Серия посвящена религиозно-философской тематике, на полотнах цикла нашли свое художественное осмысление библейские сюжеты и образы.
 
Согласно преданиям, на родине святого, близ Ливанских гор, находилось большое озеро, в котором жил огромный змей. Жители боялись его и каждый день приносили ему в жертву своих детей.
 
Когда пришел черед царя, он отправил к озеру единственную дочь. На озере начался шторм. Горько плакала девушка, ожидая смертного часа. Неожиданно к ней подъехал воин на белом коне. В руках он держал копье. Девушка упрашивала незнакомца покинуть берег озера, чтобы не погибнуть. Но святой, увидев змея, осенил себя крестным знамением и устремился на него. Великомученик Георгий пронзил змея копьем, после чего счастливые жители сожгли чудовище.
 
Со времени основания Москвы Георгий Победоносец считается ее покровителем, а Чудо святого Георгия о змие изображается на гербе столицы.
 
Такой яркий сюжет привлек внимание художника и нашел отражение на полотне.
 
В работе Зверева узнается характерный художественный почерк мастера: отказ от предварительного рисунка, обобщенные экспрессивные формы, неразрывное единство образа и фона. Зверев изображает святого на белоснежном коне, с копьем, поражающим чудовище, закругленными гибкими мазками, лишь контурно обозначающими фигуры персонажей.
 
Автор оставляет размашистую витиеватую подпись «АЗ» и дату создания работы, которые становятся органичной и неотъемлемой частью композиции.
 
🖼А. Зверев. Чудо Георгия о змие. 1978.
 
#КартинаДня

Несмотря на фамилию, этот художник и скульптор всемирно популярен. Речь пойдет, конечно же, об Эрнсте Неизвестном.
 
Он родился в 1925 году в Свердловске в семье врача Иосифа Неизвестного и Беллы Дижур, писавшей научно-популярные книги для детей.
 
Изначально его звали Эрик, но в 1941 году при получении паспорта юноша сменил имя на Эрнст, в его понимании более серьёзное. Любопытно, что в переводе с немецкого Ernst – значит «серьёзный».
 
До 1942 года Эрнст Неизвестный занимался в школе для художественно одаренных детей, а в 1943 ушел добровольцем в Красную Армию. В конце Великой Отечественной войны был тяжело ранен.
 
Разрывная пуля выбила три ребра, у солдата случился открытый пневмоторакс. Его посчитали погибшим. Посмертно представили к награждению орденом Красной Звезды. Спасла случайность: когда его мёртвого санитары потащили в подвал и неловко бросили, он закричал от боли. Так врачи поняли, что он жив и спасли Неизвестного.
 
После войны юноша выучился на художника и начал делать скульптуры.
 
За свои работы Неизвестный подвергся критике со стороны Хрущёва, который в 1962 году на выставке назвал его скульптуры «дегенеративным искусством». Позже именно Неизвестный создал Хрущеву надгробный памятник на Новодевичьем кладбище.
 
В 1970-е Эрнст Неизвестный уехал из Советского Союза. В 1980-х годах выставлялся в галерее Магна в Сан-Франциско. Его выставки имели большой успех. По заказу галереи создал цикл «Man through the Wall», который был посвящён крушению коммунизма.
 
Интересно, что Неизвестный был бессребреником. Все свои гонорары он тратил на помощь другим и на бронзу, из которой отливал свои работы.
 
Конечно, он прославился прежде всего благодаря своим скульптурным работам. Тем уникальнее живописное полотно авторства Неизвестного, представленное на нашем аукционе.
 
🖼Э. Неизвестный. Рождение из смерти. 1978.
 
#ХудожникДня

На этой неделе вас ждет множество философских тем и размышлений о жизни в форме картин разных жанров и эпох👇
 
Уже совсем скоро вашему вниманию будет представлен каталог аукциона ARTinvestment.RU. Среди топ-лотов:
 
📌«Буря на море» Кириака Костанди, созданная под влиянием стилистики
Ивана Айвазовского и посвященная одной из центральных в маринистике тем – бушующего моря и человека, борющегося за жизнь.
 
📌Концептуальное «Рождение из смерти» знаменитого советского и американского художника, скульптора Эрнста Неизвестного.
 
📌«Базар у Троице-Сергиевой лавры» Владимира Аралова, написанный в середине ХХ века и создающий при этом ощущение старинного сказочно-прекрасного городка.
 
📌«Орхидеи» Льва Чистовского. На однотонном фоне изображены цветы в
простой фарфоровой вазе – Чистовский часто помещал свои цветочные букеты
в изделия севрской фарфоровой мануфактуры. Несмотря на простоту сюжета, цвета всегда были и остаются символом жизни.
 
📌«Город Владимир. Княгининский монастырь» Кима Бритова, созданный в традиционной манере владимирской школы и также посвященный знаковому философскому месту.
 
Одновременно откроется кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге – работы художника и фотографа Сергея Борисова, медиа творца Натальи Гудович, станковой живописицы Юлии Гуковой, художника-реставратора Андрей Гурьянова, легендарного Pata (Пааты Мерабишвили), Студии Doping Pong и др.
 
Оставайтесь с нами, не пропустите новости!
 
#АнонсАукциона