ARTinvestment.RU

Как возникло произведение, которое вы видите перед собой?
 
В конце 1923 года Константин Сомов уехал с выставкой-продажей работ русских художников в США. На Родину, в СССР, художник уже не вернулся, обосновавшись во Франции. Туда он приплыл на пароходе вместе с семьей С.В. Рахманинова, с которым познакомился через своего родственника.
 
Накануне отъезда из США Сомов получил через Рахманинова заказ фортепианной фирмы Sieinway & Sons написать большой портрет композитора для зала «Стейнвей-холл» в Нью-Йорке. Предполагалось, что портрет будет использоваться в рекламных целях.
 
Работу над портретом художник начал в замке Корбевиль в 40 километрах от Парижа, арендованном Рахманиновым в качестве дачи. Сомов жил в гостях у Рахманинова, работая над большим этюдом к будущему портрету.
 
Во время своего пребывания в замке Сомов много работал на пленэре. Его дневники содержат многочисленные описания природы и особенностей ландшафта в окрестностях замка. Любуясь красотой открывающихся видов, художник присматривал места для этюдов. Местность в кантоне Орсэ, где среди природного парка находился Корбевиль, испещренная мелкими речушками и ручьями, террасами спускалась от замка вниз. Подобный ландшафт и запечатлен на представленном пейзаже.
 
Сомов писал своей сестре: «Начал писать этюд с волнением и страхом, что ничего не выйдет».
 
В «Дневнике» за 1925 год на страницах, посвященных пребыванию в Корбевиле, художник упоминает о своих ежедневных променадах рядом с замком, как по аллее парка, так и по лесу, где он по утрам или в первой половине дня собирал грибы и ежевику.
 
Пейзаж «В Корбевиле», видимо, был написан во время одной из этих прогулок. Подобные «упражнения» на натуре были частью творческого метода художника. Иногда этюды использовались Сомовым для создания фонов в его сюжетных композициях, но часто, как и в данном случае, имели самостоятельное значение. В подобных работах, в отличие от большинства законченных картин, где художник бывал детально педантичен даже в пейзажных фонах, он позволял себе живописную раскованность и эмоциональность.
 
Приобрести этот уникальный этюд можно на нашем аукционе.
 
🖼К. Сомов. В Корбевиле. 1925.
 
#КартинаДня

Аполлинарий Васнецов – русский пейзажист и педагог, брат живописца Виктора Васнецова. Именно благодаря брату он сумел стать одним из значимых действующих лиц художественной жизни России своего времени. Как это произошло?
 
Их отец был священником, интересовался историей, естествознанием, литературой, любил рисовать. Но именно пример старшего брата сыграл ключевую роль в выборе Аполлинарием профессии. Позднее он писал: «Я и художником-то стал потому, что в детстве видел его рисунки и работы».
 
Благодаря Виктору Аполлинарий получил начальное художественное образование и уехал в Петербург. Художественная среда столицы потрясла юного живописца. «В Вятке, в духовном училище, я и не подозревал, что есть где-то какая-то жизнь искусства, охватывающая человека всецело и беззаветно».
 
В родном городе он практически не видел картин. Здесь же, через брата, он познакомился с ведущими фигурами культуры своего времени: Крамским, Репиным, Антокольским.
 
Художник вспоминал: «…Я сразу же попал с братом в мастерскую Репина, когда он писал знаменитую свою картину “Бурлаки”... Заряд был довольно сильный для того, чтобы ошеломить такого юнца, как я, приехавшего из глуши Вятской губернии».
 
Главной целью для него стало поступление в Академию художеств, но для этого ему недоставало диплома о среднем образовании. Он подготовился к сдаче экзамена и отправился обратно в Вятку для получения диплома.
 
Но на родине все пошло не по плану. Васнецов попал в окружение студентов – сторонников народничества и его планы на будущее резко изменились. Он решил покончить с искусством и посвятить себя общественной деятельности.
 
«Служить народу, “идти в народ” увлекло меня, и я решил идти в народные учителя».
Юноша успешно сдал экзамен и выбрал местом службы школу в селе Быстрица неподалеку от Вятки.
 
Но проработав там около года, художник разуверился в народнических идеалах и все-таки отправился к брату в Москву, где продолжил творческий путь.
 
Многие из произведений художника посвящены истории и представленная работа – не исключение. Приобрести полотно с изображением мастеров старых времен можно на нашем аукционе.
 
🖼А. Васнецов. Старорусские мастера. Конец XIX – начало ХХ века.
 
#ХудожникДня

Картина «Встреча» (1981) Николая Вечтомова – одна из тех работ, которые высоко ценятся коллекционерами: вечтомовская красно-черная гамма, большой размер, сложная эмоциональная составляющая.
 
Сам Николай Вечтомов (1923–2007) – представитель советского неофициального круга художников, сюрреалист, фронтовик, партизан, герой войны, бежавший из плена.
 
Художник Немухин вспоминал: «Многие годы буквально бок о бок работал я с Николаем Вечтомовым. По натуре он человек тихий, закрытый, даже застенчивый, очень любящий земной уют. Но в живописи у него доминирует багрово-красный цвет, из сияния которого вырастают расплывчатые темные фигуры причудливых форм, похожие на те, что появляются вместе с легкой болью, если, плотно закрыв глаза, надавить пальцами на веки».
 
Однажды в разговоре c Немухиным Вечтомов открылся: «Мы живем в темноте и уже свыклись с ней, вполне различаем предметы. И все же свет мы черпаем оттуда, из сияния закатного Космоса, он-то и дает нам энергию видения. Потому для меня важны не предметы, а их отражения, ибо в них таится дыхание чужеродной стихии. Да и вообще, старик, я хотел бы, чтобы, когда умру, меня не в землю закопали, а похоронили на астероиде».
 
Вот так интересно мыслил этот художник. Неудивительно, что его работы также отражают его необычное, научно-фантастическое мировосприятие.
 
Представленная картина – не исключение. Что мы видим?
 
Два силуэта встречаются друг с другом. Кто это? Души? Инопланетяне? Существа из других миров? Метафорические образы? Ответ, как всегда, остается задачей зрителя – этим и прекрасны философские произведения Вечтомова.
 
🖼Н. Вечтомов. Встреча. 1981
 
#КартинаДня

Кто такой Карл Розен? Долгое время биография латышско-русского художника, яркого представителя старой школы пейзажной живописи была загадкой.
 
В советской и постсоветской России о нем почти ничего не было известно. Работы с подписью «K.Rosen», попадавшие на российский арт-рынок в 1990-х –начале 2000-х, приписывали некой художнице Каролине Розен или белогвардейскому офицеру – художнику по фамилии Розин.
 
Лишь благодаря усилиям искусствоведов, изучивших материалы латышских музеев, архивов и галерей, удалось восстановить биографию Карла Розена. Их статья «Неизвестный K. Rosen», вышедшая в 2004 году – наиболее полный источник сведений о жизни и творчестве латышского пейзажиста.
 
Карл Розен  (1864–1934) родился в городе Елгаве. По окончании реального училища отправился покорять столицу, поступил в Академию художеств, учился у Шишкина и Клевера-Старшего.
 
У Юлия Клевера-Старшего юноша работал ассистентом в мастерской – прорисовывал промежуточные слои его картин по авторскому подмалевку. Подобные работы Клевера и мастерской сегодня называют «клеверками».
 
Первая персональная выставка Карла Розена состоялась в 1927 году в рижском Клубе офицеров. На ней было представлено 104 работы. Судя по старым ценникам, сохранившимся на оборотах некоторых работ, картины Розена стоили довольно дорого.
 
Последние три года жизни художник почти не работал, так как был тяжело болен. В некрологе о Карле Розене сказано как о человеке миролюбивом, честном, работавшем на поприще искусства 49 лет и содержавшем семью исключительно на доходы от продажи своих картин.
 
Творчество Карла Розена имело достаточно ценителей ещё при жизни художника. Неудивительно, ведь в пейзажах Карла Розена есть всё то, за что ценят и любят классическую пейзажную школу – тщательность в проработке деталей, лирическое настроение.
 
Один из образцов его пейзажного творчества – перед вами, его можно приобрести на нашем аукционе.
 
🖼К. Розен. Зимний пейзаж. Начало XX века.
 
#ХудожникДня

Какие работы вызвали интерес коллекционеров за первый день торгов? Рассказываем:
 
🖼А. Васнецов.  Старорусские мастера. Конец XIX – начало ХХ века
 
Интересно, что Аполлинарий Васнецов не имел профессионального художественного образования, однако это не помешало ему достичь вершин живописного мастерства, стать  признанным художником, академиком и действительным членом Академии художеств, и одним из значимых действующих лиц художественной жизни России конца XIX – начала XX века.
 
Сделать ставку
 
🖼А. Салахова. № 2. Из серии «Куб». 2022.
 
Айдан – дочь художника Т. Т. Салахова.
Получив прекрасное образование, она могла бы следовать по стопам отца, овеянная его славой. Но она выбрала другой путь: от живописи Айдан переходит к инсталляциям, к видеоинсталляциям, постоянно экспериментируя и находя всё новые формы выражения своих идей.
 
Сделать ставку
 
🖼М. Брянский. Портрет девушки с книгой. 1867.
 
Пример того, что художник может не иметь безумной, насыщенной биографии, а просто получить качественное образование, работать портретистом, получать награды и признание за прекрасно выполненные произведения.
 
Сделать ставку
 
#топлоты

Сегодня в полдень стартовал аукцион ARTinvestment.RU № 557.

Среди топ-лотов:

✅«В саду. Портрет жены» Давида Бурлюка – возможность заглянуть в семейную жизнь автора. Бурлюк любил изображать супругу, но в каждом портрете она запечатлена в совершенно разных состояниях и эмоциях.

✅«Сосновая роща на рассвете» Семёна Фёдорова. Мы видим эту работу только благодаря Великому князю Владимиру Александровичу. Фёдоров поступил на военную службу, но тут вмешался случай: судьба свела художника с князем, который был не только выдающимся военачальником, но и большим ценителем искусства.
Великий князь разглядел большой талант в любительских работах Фёдорова, распорядился уволить его в запас и принять в Академию художеств.

✅«В Корбевиле» Константина Сомова. Эта работа появилась благодаря Рахманинову. Накануне отъезда из США Сомов получил через Рахманинова заказ фортепианной фирмы Sieinway & Sons написать большой портрет композитора для зала «Стейнвей-холл» в Нью-Йорке. Работу над портретом художник начал в замке Корбевиль в 40 километрах от Парижа, арендованном Рахманиновым в качестве дачи.

Одновременно сегодня откроется 238-й кураторский аукцион – «Айдан и AIDAN STUDIO». В каталоге – работы Айдан Салаховой и 14 ее учеников.

Салахова – удивительная художница, которая переосмысляет традиционное восточное искусство. Одна из первых на постсоветском пространстве она начала работать с темами гендерных ролей и положения женщины. Ее работы есть в Третьяковской галерее и ММОМА.

#АнонсАукциона

Продолжаем собирать для вас подборки самых значимых новостей из мира искусства.
 
•  Произведения Давида Бурлюка, Константина Сомова, Семёна Федорова, Гавриила Кондратенко и других художников будут выставлены на аукцион ARTinvestment.RU № 557, который начнется 18 ноября.
 
•  Музей Нидерландов начал реставрацию знаменитой картины Рембрандта ван Рейна «Ночной дозор» после пяти лет предварительных исследований. Посетители имеют возможность наблюдать за процессом реставрации в реальном времени, так как работа проходит в специальной стеклянной камере.
https://tass.ru/kultura/22390683  
 
• В рамках масштабных мероприятий по борьбе с подделками произведений искусства в Европе выявлено более 2100 фальшивок на сумму 200 миллионов евро. В ходе операции обнаружены мастерские, производящие копии работ таких знаменитых художников, как Бэнкси, Уорхол, Пикассо и Модильяни, а также фальшивые выставки и сертификаты подлинности.
 
• Известный греческий скульптор Никос Флорос работает над несколькими проектами, посвященными мексиканской революционерке и художнице Фриде Кало, которая творила в стилях фолк-арт и сюрреализм.
 
• В центре «Зотов» откроется выставка конструктивизма под названием «Русское невероятное». Посетители смогут увидеть это явление с разных сторон – через живопись, архитектуру, кино и музыку.
 
• В Москве стартовал самоцветный фестиваль «Мастера России. Ювелирное и камнерезное искусство». Впервые на фестивале представлены работы не только известных мастеров, но и молодых авторов – выпускников столичного колледжа декоративно-прикладного искусства имени Карла Фаберже. 
 
#ПодборкаАртНовостей

Один из топ-лотов прошедшего Аукциона шедевров – созданная в третьей четверти XIX века картина Ивана Шишкина «Летний день» (продана 35 400 000 рублей);
 
Современники называли Ивана Ивановича Шишкина «лесной богатырь-художник»,
«царь леса» не только за его картины, воспевающие мощь и величие русской природы. Он и внешне напоминал могучего царя лесного царства. «Это был прекрасный человек, с виду суровый, на самом деле добряк, по внешности волостной старшина, на самом деле тончайший художник».
 
Шишкин родился в краю с могучими северными лесами, из окна его комнаты в родительском доме открывался волшебной красоты вид на полноводную Каму и ее окрестности. Возможно именно благодаря этому появились на свет его завораживающие пейзажи.
 
В стенах Московского училища с его демократическими устоями у Шишкина также постепенно вызревала мысль о национальном пейзаже. В середине ХIХ века в русском искусстве господствовал пейзаж условно классицистический. Художники-пейзажисты не искали красоты в природе родной страны – они вдохновлялись эффектными видами Италии и Швейцарии. Сердцу Шишкина были ближе виды родного русского леса. Неохотно рисуя в стенах гимназии обязательные гипсы, он спешил на этюды в окрестности Москвы – Сокольники, Останкино, Свиблово, в Троице-Сергиеву лавру.
 
Работоспособность Шишкина была феноменальной. «Работать! Работать ежедневно, отправляясь на эту работу, как на службу. Нечего ждать пресловутого “вдохновения”… Вдохновение – это сама работа!» – говорил художник. Летом он отправлялся на этюды в разные лесные места России, ежегодно писал в мастерской огромные полотна для передвижных выставок. До самых последних лет жизни он сохранил творческую энергию. Любимая работа выводила его из самых тяжелых депрессий после перенесенных жизненных невзгод.
 
На протяжении жизни излюбленными сюжетами для Шишкина являлись изображения величественного леса с его заросшими чащами, мшистой почвой и густой растительностью – такое полотно и было представлено на минувших торгах.
 
🖼И. Шишкин. Летний день. Третья четверть XIX века.
 
#топлоты

⚡️255 млн рублей – суммарная выручка осеннего аукциона шедевров ARTinvestment.RU.
 
В общей сложности продано 18 произведений искусства. Среди топ-лотов действительно лучшие образцы отечественного искусства – «Парусник в штормовом море» Ивана Айвазовского (57 725 600 рублей, с учетом 18% комиссии), «Портрет сестры Кати» Зинаиды Серебряковой (39 530 000 рублей), картина Ивана Шишкина «Летний день» (35 400 000 рублей) и работа Михаила Врубеля «Лель» (29 500 000 рублей).
 
Расскажем об авторе одного из них подробнее.
 
🔹Зинаида Серебрякова родилась и выросла в творческой семье Бенуа-Лансере. Ее отец был скульптором-анималистом, а мать – художником-графиком. Дяди были архитекторами и художественными критиками.
 
🔹Лишилась имения и овдовела в 36 лет. В 1919 году их фамильное имение в Нескучном было сожжено. Семья переехала в Харьков, где муж Серебряковой умер от тифа у нее на руках. Серебрякова осталась с четырьмя детьми и пожилой матерью. Чтобы прожить, она устроилась на работу в археологический музей в Харькове, делала зарисовки экспонатов.
 
🔹43 года провела в несчастливой эмиграции. Осенью 1924 года Серебрякова поехала в Париж к дяде, Александру Бенуа, на временные заработки. В России она оставила детей, пожилую мать, рассчитывая уехать на время. Однако судьба сложилась так, что она не смогла вернуться на родину и надолго разлучилась с родными.
 
🔹Хрущевская оттепель сделала ее знаменитой в России. В 60-х годах XX века Серебрякова обретает известность в СССР. Проводятся большие выставки, печатаются большие тиражи марок и открыток, а ее творчество сравнивают с мастерами эпохи Возрождения.
 
🔹Не стеснялась ню. Серебрякова воспевала здоровое, красивое женское тело. Часто героинями ее картин становились простые и полнотелые девушки.
 
Именно такая работа и стала топ-лотом на этой неделе. Поздравляем коллекционера с удачным приобретением!
 
🖼З. Серебрякова. Портрет сестры Кати.1911.
 
#ИтогиАукциона

Некоторые ценовые результаты торгов 15 ноября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

АЙВАЗОВСКИЙ Иван Константинович (1817–1900) Парусник в штормовом море. 1885
Холст, масло. 63 × 51
Цена: 57 725 600 рублей

СЕРЕБРЯКОВА Зинаида Евгеньевна (1884–1967) Портрет сестры Кати (этюд к картине «Купальщица»). 1911
Холст, темпера, масло. 55,5 × 56,8
Цена: 39 530 000 рублей

ШИШКИН Иван Иванович (1832–1898) Летний день. Третья четверть XIX века
Холст, масло. 53,5 × 38
Цена: 35 400 000 рублей

ВРУБЕЛЬ Михаил Александрович (1856–1910) Лель. Из цикла произведений по мотивам оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка». 1900-е
Абрамцевская керамическая мастерская
Майолика, восстановительный обжиг. 43 × 32 × 24
Цена: 29 500 000 рублей

Сегодня расскажем о знаменитом живописце XVIII века Владимире Боровиковском.
 
Его отец Лука Боровиковский происходил из казаков. Оставив военную службу, он занялся иконописью, создавал фрески в храмах и монастырях. Владимир Боровиковский учился рисованию под руководством отца, а потом помогал ему выполнять заказы.
 
В 1770-х Боровиковский познакомился с поэтом Василием Капнистом, тот пригласил художника расписать дом, где должна была остановиться императрица Екатерина II. Роспись стен и живописные панно понравились Екатерине II, и она пригласила художника переехать в Петербург.
 
В 1790-х Владимир Боровиковский стал получать первые заказы. Он также написал «Портрет Екатерины II на прогулке в Царскосельском парке». Другие художники изображали императрицу в парадных нарядах или в образе древнегреческой богини правосудия Фемиды. Боровиковский же запечатлел Екатерину II во время прогулки с собакой – на картине императрица была изображена в кружевном чепце и домашней одежде
 
В 1797 году придворный чиновник Лопухин попросил Боровиковского нарисовать его жену – Марию Лопухину. Это полотно – признанный шедевр Боровиковского, ярчайшее воплощение эстетических идей сентиментализма. Поэт Яков Полонский под впечатлением от картины написал стихотворение:
 
Она давно прошла, и нет уже тех глаз,
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье – тень любви, и мысли – тень печали.
Но красоту ее Боровиковский спас.
 
Боровиковский не был женат и не имел детей. В завещании он просил раздать беднякам свое имущество, «состоящее в нескольких картинах, небольшом количестве книг, денег и в прочих домашних вещах».
 
В XIX веке картины Владимира Боровиковского хранились в частных коллекциях и украшали дворянские усадьбы. После революции они были национализированы и переданы в Третьяковскую галерею.
 
На Аукционе шедевров представлена икона Боровиковского «Св. Екатерина», возможно, написанная для церкви одной из усадеб архитектора и поэта Н. А. Львова. Приобрести произведение мастера еще можно до полудня этого дня.
 
🖼В. Боровиковский. Святая Екатерина. 1790-е.
 
#ХудожникДня

На этой неделе в топе эстетические мотивы – цветы, орнамент, театральные декорации. Расскажем подробнее об одном из топ-лотов – картине Василия Ермилова «Желто-голубой цветочный орнамент», проданной за 2 360 000 рублей.
 
Работы этого художника не в первый раз оказываются среди самых дорогих произведений торгов. Ермилов, как пионер советского дизайна, продолжает вдохновлять коллекционеров и ценителей искусства.
 
Родился в семье портного, окончил церковно-приходскую школу. После обучался в МУЖВЗ вместе с Д. Бурлюком и В. Маяковским, посещал студии И. Машкова и П. Кончаловского.
 
Имя Василия Ермилова в 1920-х гремело по стране, а улицы родного Харькова «кричали плакатами, лозунгами, щитами» авторства Ермилова. Это был настоящий пафос революции, запечатленный в красках.
 
В его произведениях в разные периоды жизни прослеживаются следы влияния кубизма, футуризма, супрематизма, конструктивизма. Ермилов также много работал в области плакатного и рекламного искусства, оформлял агитпоезда и торжественные празднества, занимался книжным дизайном.
 
В 1920-30-е годы Василий Ермилов разработал множество декоративных композиций с образами, заимствованными из народного творчества, в частности вышивки. Многие из этих работ служили художнику эскизами, на которые он опирался в своей оформительской деятельности.
 
Графический лист «Желто-голубой цветочный орнамент» (1933–1934) создан в зрелый период творчества художника. Используя популярный цветочный мотив, характерный для узоров украинской народной вышивки, Ермилов передает его отличительные черты, сохраняя ритмическую структуру и выразительную красочность.
 
В отличие от плоскостных орнаментов на тканях, Ермилов в духе своего времени создает пространственную композицию, где изгибы ленты задают намек на глубину, а в трактовке бутонов выражены их объемы.
 
Интересно, какие картины будут популярны на следующих торгах? Следите за новостями.
 
🖼В. Ермилов. Желто-голубой цветочный орнамент. 1933–1934.
 
#топлоты

Некоторые ценовые результаты торгов 1 ноября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

ЕРМИЛОВ Василий Дмитриевич (1894–1968) Желто-голубой цветочный орнамент. 1933–1934
Бумага, акварель, графитный карандаш, гуашь, золотая краска, серебряная краска. 49,8 × 70
Цена: 2 360 000 рублей

РОГИНСКИЙ Михаил Александрович (1931–2004) Спички. 1994
Картон, масло. 69,5 × 49
Цена: 2 360 000 рублей

Великая княгиня Ольга Александровна (1882–1960) Цветы на столе и подоконнике. 1948
Картон, масло. 27 × 35
Цена: 1 298 000 рублей

АННЕНКОВ Юрий Павлович (1889–1974) Эскиз оформления театральной сцены. Середина ХХ века
Бумага, гуашь, графитный карандаш. 32,7 × 42 (лист)
Цена: 826 000 рублей

Какими были бы картины музыканта? Ответ можно найти в творчестве джазмена-живописца Петра Петяева (1984), с которым мы вас сейчас познакомим.
 
📌Петяев окончил Суздальское художественно-реставрационное училище, где получил основательный багаж знаний. После он решил бросить учебу и продолжать развиваться самостоятельно.
 
📌Вместе с другими выпускниками суздальского училища он создал объединение молодых художников «Art-Navis», которое активно участвует в выставках и конкурсах, завоевывая признание на московской арт-сцене.
 
📌Первая персональная выставка состоялась, когда художнику было 25 лет – это было значимой вехой для его творческого пути.
 
📌Петяев черпает вдохновение из повседневной жизни – узоров на ткани, деревьев в сумерках или разговоров с друзьями. Каждая картина – это не просто изображение, а эмоциональное высказывание, наполненное личными впечатлениями.
 
📌Но основной источник вдохновения – конечно, музыка. Он умеет не только создавать яркие и эмоциональные картины, но и импровизировать на саксофоне, создавая новое из звуков и ритмов окружающего мира.
 
📌Звук – это, с чего начинается картина, а следующим этапом становится выбор цвета. Под цвет он подбирает предметы для натюрморта. Петяев смело работает с цветом, используя чистые оттенки и крупные цветовые плоскости. Поэтому его картины словно пронизаны светом.
 
Натюрморт – главный жанр творчества Петяева, а одна из знаковых работ – представленный на прошедших торгах «Чёрно-синий натюрморт».
 
🖼П. Петяев. Чёрно-синий натюрморт. 2024.
 
#ХудожникДня

«Сфоткай, как я фоткаю» – так говорят наши современники, в эпоху смартфонов и соцсетей. А в конце XIX века это выглядело так: два признанных художника, один рисует этюды, другой запечатлевает процесс рисования этюдов.
 
Автор картины Владимир Маковский (1846–1920) – выдающийся русский художник, представитель реализма и один из наиболее значительных мастеров жанровой живописи XIX века. Его творчество отличается вниманием к жизни простых людей, их быту и переживаниям. Маковский часто изображал сцены из повседневной жизни, придавая своим работам глубокую эмоциональную насыщенность и социальную значимость. Его картины полны ярких деталей, которые помогают зрителю погрузиться в атмосферу времени и места.
 
Не стала исключением и работа, на которой изображен Константин Крыжицкий (1858–1911) – тоже популярный русский художник, известный своими пейзажами и этюдами. Крыжицкий учился в Академии художеств, а затем продолжил свое обучение за границей. Крыжицкий был мастером пленэрной живописи.
 
Маковский мастерски передает атмосферу спокойствия и сосредоточенности, царящую в этот момент. Крыжицкий комфортно устроился под зонтом и погрузился в процесс создания этюдов. Зонт создает уютный уголок, а окружающая природа добавляет живописности сцене. Маковский использует мягкие и теплые цвета, чтобы передать ощущение лета и радости творчества.
 
Детали одежды Крыжицкого и его поза говорят о том, что он – человек искусства, который ценит каждый момент вдохновения. Взгляд художника устремлен на холст, природа вокруг него также играет важную роль: она не просто фон, а активный участник сцены, которая вдохновляет на творчество.
 
Эта работа подчеркивает значимость пленэрной живописи в русском искусстве того времени.
 
Не упустите возможность стать обладателем произведения искусства, которое сочетает в себе историю и талант двух выдающихся художников!
 
🖼В. Маковский. Художник на этюдах. Портрет К.Я. Крыжицкого. Конец XIX века.
 
#КартинаДня

Способность передать эмоции, резонирующие со зрителем – это важные качества для успешного портретиста. Зинаида Серебрякова, одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи, отвечает этому критерию.
 
Зинаида Серебрякова родилась в 1884 году в семье скульптора-анималиста и художницы-графика. Именно родители вдохновили ее на творческий путь.
 
В отличие от многих современников, таких как Казимир Малевич или Василий Кандинский, стремившихся к авангардным экспериментам, Серебрякова выбрала для себя традиционные формы и техники, что позволило ей создать уникальный стиль, гармонично сочетающий реализм и импрессионизм.
 
Серебрякова привнесла в портретный жанр особую эмоциональность. Одна из ее любимых тем – портреты детей, в которых чувствуется нежность и забота о собственных детях. Любила она также запечатлевать и женщин. При этом в отличие от многих художников того времени, которые часто изображали идеализированные формы, Серебрякова воспевала здоровое и красивое женское тело.
 
Несмотря на личные трагедии – утрату мужа и имения, а также долгие годы эмиграции – Серебрякова продолжала создавать искусство, которое оставалось верным ее внутреннему миру.
 
В 60-х годах XX века, после 43 лет несчастливой эмиграции, ее творчество вновь обрело популярность в Советском Союзе, а ее работы даже сравнивали с мастерами эпохи Возрождения.
 
Зинаида Серебрякова оставила после себя богатое наследие. Ее портреты остаются живыми свидетельствами человеческих эмоций и отношений.
 
Одна из таких работ – женский портрет – доступна на нашем аукционе!
 
🖼З. Серебрякова. Женский портрет. 1934.
 
#ХудожникДня

Эскиз, который вы видите, создан Александром Бенуа для постановки пьесы Мережковского «Царевич Алексей» в Большом Драматическом театре – первой пьесы, над которой в новом, послереволюционном театре работал Бенуа.
 
В этой постановке не было обычной для первых спектаклей театра романтической помпезности, торжественных порталов, специального занавеса, даже декоративного обрамления. Пьеса Мережковского рассматривалась как «трагедия реального типа», а ее персонажи – как живые люди, в психологической достоверности страданий и быта которых необходимо убедить зрителя.
 
Используя уроки Станиславского, Бенуа ставил перед актерами задачу «ближе подойти к жизни». Мастеру было присуще чутье специфики театральных жанров.
 
Пo мнению Монахова (исполнителя главной роли), «Царевич Алексей» стал «едва ли не лучшей, наиболее слаженной постановкой театра за все время его существования, он имел огромный и вполне заслуженный успех.
 
Бенуа сумел восхитить зрителей проникновением в мир трагедии и сумел в колорите интерьеров отразить противостояние двух главных сил – «багрово-красная» палата Петра и «светлая горница» Алексея.
 
Поэт Кузмин считал декорации Бенуа к этому спектаклю его «лучшими декорационными работами»: «Помимо театральности, – писал он, – есть какое-то острое ощущение чувства природы, воздуха и именно исторического воздуха, петровского солнца».
 
Бенуа признавался, что работал с «колоссальными трудностями» при остром «недостатке материалов и технических средств». Но «я могу сейчас сказать: драма живет. “Царевич Алексей» производит на все элементы публики потрясающее впечатление. В постановке я стремился выявить основные идеи романа Мережковского, представляющего собою трагедию реального типа».
 
Приобрести эту знаковую с культурной точки зрения работу можно на нашем аукционе.
 
🖼А. Бенуа. В палатах Петра. Эскиз декорации для постановки пьесы Д. Мережковского «Царевич Алексей». 1919.
 
#КартинаДня

Что такое искусство? Это не только способ самовыражения, но и отражение человечества. Произведения художницы Наталии Нестеровой – яркий пример переплетения личной истории и жизни общества.
 
Нестерова родилась во время войны, в 1944 году, в семье архитекторов. Дедушка, Николай Иванович, был первым учителем Наталии. В три года она уже рисовала, а первой работой стал портрет деда.
 
Бабушка, строгий учитель русского языка, привила ей любовь к литературе и стихам. Кстати, в детстве они играли в карты, что, как вы видите, стало важным образом в работах будущей художницы.
 
Первая персональная выставка Нестеровой прошла в 1974 году и продлилась всего один день, но произвела фурор благодаря смелым картинам, которые противоречили канонам соцреализма.
 
Её работы наполнены символикой и метафорами, что позволяет зрителю увидеть не только красоту, но и глубину человеческих переживаний. Например, образы птиц в её картинах символизируют одновременно мечты и трагедии.
 
Наталия Нестерова любила изображать еду и застолья, что придавало её работам особую атмосферу праздника. Рынки и рестораны становятся самостоятельными персонажами картин. Она сама говорила: «Шумный базар – это символ изменчивого мира». Её персонажи – от библейских до современных – пируют вместе, что подчеркивает единство человечества.
 
Часто лица людей на её картинах скрыты или изображены с закрытыми глазами, что позволяет зрителям интерпретировать образы по-своему, делает работы театральными и интригующими.
 
Полотно «Карты», доступное для покупки на нашем аукционе, является ярким примером уникального стиля и философии художницы.
 
🖼Н. Нестерова. Карты. 1974.
 
#ХудожникДня

Какие работы кроме топ-лотов, о которых мы уже рассказали утром, вызвали интерес коллекционеров в первые дни торгов?
 
🖼М. Рогинский. Спички. 1994.
 
«Я заставлял себя воссоздавать реальность, исходя из своих представлений о ней», – говорил художник. И вот эта воссозданная реальность – дверь, окно, полка с бутылками, спички, яблоки, – какой бы простой она ни казалась, вызывает у зрителя глубинный отклик, ненавязчиво завладевает его вниманием, вызывает ассоциации, увлекает в размышления.
 
Сделать ставку
 
🖼Т. Нариманбеков. Гранаты над ковром. 1973.
 
Мотив со спелыми алыми гранатами был одним из излюбленных в творчестве художника. Как вспоминает дочь художника, увлечение этой темой зародилось у отца, когда тот ездил на пленэры в сельскую местность в поисках фольклорного материала, ярких деталей и красок для своих картин. Оказавшись так однажды в деревушке Геокчай художник был поражен красотой местных гранатовых садов – с тех пор гранаты и поселились в полотнах мастера.
 
Сделать ставку
 
🖼А. Зверев. Цветок в горшке. 1965.
 
Мы привыкли любоваться портретами и автопортретами Зверева, тем ценнее наконец-то увидеть на торгах цветочный натюрморт. Он написан так же размашисто и смело, как и другие работы, буквально выцарапан на холсте.
 
Сделать ставку
 
#топлоты

Делимся последними новостями из мира искусства и культуры:
 
• В калифорнийском Музее Хэггин проходит моновыставка «Дело об исчезающем Гогене». Единственным экспонатом стала картина Поля Гогена, исключенная из официального каталога  работ мастера.
 
• Музей американского искусства Уитни объявил о бесплатном входе для всех посетителей до 25 лет. Это стало возможным благодаря пожертвованию в  2,25 миллиона долларов от художницы Джули Мехрету.
 
• Впервые за пять лет на аукцион выставят скульптуру Михаила Врубеля. Этот художник редко представлен на рынке искусства: лишь 14 его скульптур выставлялись на открытых торгах.
 
• В Доме русского зарубежья открылась выставка «Дмитрий Стеллецкий. Художник с душою древней», приуроченная к 150-летнему юбилею мастера. Стеллецкий известен своей страстью к допетровскому искусству и стремлением переосмыслить его в современном контексте.
 
• В подцерковном пространстве Смольного собора открылась выставка «Чтимые образы Богоматери от Тихвина до Владивостока. Иконы XV – начала XX вв. из частных собраний Москвы», где представлено более девяноста уникальных образов.
 
• Швейцарская прокуратура прекратила расследование в отношении российского коллекционера Дмитрия Рыболовлева, который судился с арт-дилером Ивом Бувье с 2014 года. Рыболовлев обвинял Бувье в мошенничестве на €1,1 млрд, а Бувье утверждал, что Рыболовлев совершал незаконные действия в интересах иностранного государства.
 
#ПодборкаАртНовостей

Атмосфера крестьянской жизни👇
 
Суммарная выручка аукциона ARTinvestment.RU и кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» составила 13,2 млн рублей.
 
Среди топ-лотов лидировала деревенская тематика – поющие крестьянки, нивы, крестьянский костюм.
 
Расскажем подробнее про одну из этих работ – картину 2006 года Кима Бритова «Отдыхающие нивы» (продана за 1 062 000 рублей).
 
Ким Николаевич Бритов — один из трех художников (Ким Бритов, Владимир Юкин, Валерий Кокурин), показ которых на выставке «Советская Россия» в 1960 году ознаменовал рождение нового явления в отечественной культуре – владимирской живописной школы.
 
В картинах владимирцев нередко задние планы не менее интенсивны по цвету, чем передние, однако качественно цветовой фон, которым они написаны, таков, что у зрителя не исчезает впечатление пространства.
 
Особенно важную роль в их полотнах играет цветовой ритм. Именно это мы и наблюдаем на представленном полотне – насыщенное чередование цветов, узор из неба, поля, реки, облаков и деревьев. Этот прием усиливает декоративность и цепляет взгляд.
 
Традиционное крестьянское поле мгновенно из чего-то рутинного, скучного и рабочего превращается в затейливую картину, жизнерадостную и нарядную.
 
Такая картина будет выигрышно смотреться в любом интерьере, приковывать внимание и вызывать позитивные эмоции.
 
А какие тематики будут популярны на следующей неделе? Следите за новостями!
 
🖼К. Бритов. Отдыхающие нивы. 2006.
 
#ИтогиАукциона

Некоторые ценовые результаты торгов 25 октября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

МАЛЯВИН Филипп Андреевич (1869–1940) Поющие крестьянки. 1933
Другие названия: «Поющие бабы», «Поющие женщины на фоне зимнего пейзажа»
Холст, масло. 50,5 × 65
Цена: 7 080 000 рублей

БРИТОВ Ким Николаевич (1925–2010) Отдыхающие нивы. 2006
Картон, масло. 50,3 × 50,5
Цена: 1 062 000 рублей

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Без названия (Кисть)
Холст, масло, металл, смешанная авторская техника. 100,2 × 80
Цена: 1 003 000 рублей

КОРОВИН Константин Алексеевич (1861–1939) Эскиз костюма крестьянской девушки. Опера «Золотой петушок» Н. А. Римского-Корсакова для оперного театра в Турине. 1924
Премьера состоялась в 1925
Бумага на картоне, акварель, графитный карандаш, тушь, белила. 38 × 24,3 (лист с рисунком), 49,5 × 38 (картон основа)
Цена: 767 000 рублей

Творчество одних живописцев всегда влияет на других. Яркий пример – Анатолий Слепышев (1932-2016) – один из самых ярких представителей московской школы живописи, вдохновлявшийся работами предшественников.
 
Формироваться образный мир Анатолия Слепышева начал ещё в детстве – в деревенских пейзажах Пензенской области. Далее была учеба в Художественном институте имени В. И. Сурикова. Диплом Слепышеву, правда, так и не дали, обвинив его в излишнем увлечении импрессионизмом.
 
Слепышев утверждал, что «человек учится не у природы, а у мастеров». Неизгладимое впечатление произвели на него фрески Феофана Грека и работы Александра Древина.  
 
Художнику пришлось сменить не одно место работы: он работал учителем рисования в московских средних школах, художником-оформителем в библиотеке, реставратором в мастерских Кремля, оформителем павильонов ВДНХ и т.д.
 
Признание к Слепышеву пришло далеко не сразу. Как вспоминает советская актриса Алла Демидова, работы Слепышева поначалу покупали в основном иностранцы, «рано распознавшие, что приобретать, что нет». В 1989 году, после успешной продажи работ на знаменитом аукционе Sotheby’s в Москве о художнике узнали во всем мире.
 
Сейчас творчество Слепышева продолжает оказывать влияние на молодых художников, ведь его вклад в культурный фонд живописи бесценен. Не даром французская актриса Катрин Денев записала в книге отзывов на парижской выставке: «Слепышев – великий художник. В его работах – сочетание трагедии и радости, что, возможно, и есть суть русской души».
 
Произведение мастера «Возвращение с охоты» (1989) доступно для покупки на нашем аукционе.
 
🖼А. Слепышев. Возвращение с охоты. 1989.
 
#ХудожникДня

Коллаж – это не просто техника, а способ увидеть мир по-новому. В нашем случае он помог создать многослойный портрет Глеба Жеглова. Точнее не просто портрет, а целую вселенную, собранную из деталей.
 
Работа одного из ярких коллажистов Саши Бома изображает Глеба Жеглова – культового персонажа из романа «Место встречи изменить нельзя». Это пример, как классические образы могут быть интерпретированы в новом свете.
 
Саша Бом использует разнообразные техники: от традиционной вырезки и наклеивания до цифровых манипуляций. В своих работах он часто обращается к культурным и историческим темам, а его стилистика отличается яркими цветами, контрастными текстурами и неожиданными сочетаниями.
 
Глеб Жеглов, созданный писателем Юрием Дружковым и воплощенный на экране актером Владимиром Высоцким, стал символом целой эпохи. Его образ ассоциируется с мужеством, справедливостью и неукротимой волей к победе.
 
В последние годы образ Жеглова активно переосмысляется в различных формах искусства: от кино до театра и даже музыки. В наше время Жеглов воспринимается как идеал «человека действия», который не боится идти против системы, как символ борьбы с коррупцией и несправедливостью.
 
Коллаж собирает образ Глеба Жеглова из цветной бумаги и журнальных вырезок, в основном на английском языке. Это позволяет взглянуть на него в контексте современных реалий, через призму общемировой культуры.
 
Данное произведение искусства может стать не только украшением вашего интерьера, но и важным элементом дискуссии о социальной справедливости и личной ответственности.

 
🖼️Саша Бом. Глеб Жеглов. 2024.
 
#КартинаДня

Вот мы добрались и до гиперреализма – технически сложного жанра, который требует не только изображать увиденное, но и преображать реальность. Одним из пионеров этого жанра в СССР стал художник Сергей Базилев (1952).
 
Он родился в семье художников, с детства был окружен искусством и не мог представить себя без него.
 
Интерес к гиперреализму возник у него в самом начале творческой деятельности. В 1968 году, будучи студентом, он поспорил с одноклассниками о том, что сможет нарисовать с фотографии голую девушку также реалистично, как она была изображена на снимке. Получилось ярко, реальнее реальности. Именно эту работу считают первой гиперреалистической картиной на территории СССР.
 
Тематика работ Базилева в начале карьеры была сосредоточена на драматичных сюжетах, отражающих внутреннее напряжение и предчувствие катастрофы. Однако с течением времени стиль начал меняться. Художник стал уделять больше внимания камерным сюжетам: натюрмортам, пейзажам и сценам из повседневной жизни.
 
Его поздние картины отличаются пленэрностью и импрессионистичностью. Несмотря на это, основой его работ по-прежнему остается фотография, что создает уникальный синтез между традиционной живописью и современными художественными приемами.
 
Сергей Базилев – не только талантливый художник, но и педагог. Он долгое время преподавал в родном институте и стажировался в Санкт-Петербургской Академии Художеств. А его работы выставлены на более чем 100 выставках как в России, так и за рубежом; они находятся в коллекциях Третьяковки, Музея Питера Людвига в Кёльне и Музея Нортона Доджа в США.
 
Сегодня Сергей Базилев продолжает жить и работать в Москве, создавая новые произведения искусства. На нашем аукционе представлена его безымянная работа, посвященная прекрасной  и загадочной девушке.
 
С. Базилев. Без названия. 2024.
 
#ХудожникДня

Современники называли его «юродствующим гением», говорили, что его биография полна мифов и чудес – речь сегодня пойдет про художника Василия Ситникова.
 
Он родился в селе под Лебедянью, но провел последние годы жизни в Нью-Йорке. Приехал в Ленинград поступать в Академию художеств, но экзамены сдавать не стал, а во ВХУТЕМАС не приняли. При этом, не имея образования, он смог в итоге работать художником-мультипликатором на «Мосфильме».
 
Обучался лоции, навигации и судовождении в Москве, поступил на рабфак в Московский институт востоковедения – и работал в метро откатчиком вагонеток, успевая при этом лепить фигурки из глины.
 
Носил прозвище «Васька-фонарщик», которым был обязан своей работе – демонстрации диапозитивов в Суриковском институте. Строил модели парусных кораблей и три года провел в Казанской психтюрьме  – был арестован по доносу, признан душевнобольным.
 
Все эти удивительные события не мешали ему творить, преподавать и даже выработать собственную художественную систему, исходя из разработки световоздушной и пространственной концепции символизма.
 
Картина «Сидящая обнаженная» – одна из работ цикла Ситникова «Уроки». Как правило, эти картины они начинали создавать ученики художника с натуры в его домашней академии. Видя, что ученик не совсем верно понимает поставленные перед ним задачи, Василий Яковлевич отстранял его от мольберта и сам выправлял и заканчивал рисунок или живописную работу.
 
Вот такие вещи он и называл уроками, которые служили начинающим художникам эталоном и образцом для копирования и подражания, наглядным пособием для уяснения ситниковской живописной системы.
 
Те ученические картины, на которые Ситников тратил много времени и сил, он считал своими и потому подписывал их. Теперь приобрести работу с такой удивительной судьбой можно на нашем аукционе.
 
🖼В. Ситников. Сидящая обнаженная. Из цикла «Уроки». 1971.
 
#ХудожникДня

Портрет может отобразить не только внешность, но и идеалы человека. Одним из таких произведений является портрет Карла Брюллова, написанный Федором Завьяловым. Это полотно отражает личность великого мастера и служит примером связи поколений художников.
 
Федор Завьялов поступил в Императорскую Академию художеств в 1821 году. В 1833 году он получил малую золотую медаль за свою работу, а через три года – большую золотую. Это открыло ему двери в Италию, где он несколько лет вдохновлялся и совершенствовал навыки.
 
Автор не старался поразить зрителей своей фантазией, но был известен как отличный мастер и колорист. Его работы украшали храмы и дворцы, оставив заметный след в истории русского искусства.
 
Карл Брюллов же – один из самых значительных русских художников XIX века. Его творчество было пронизано духом романтизма и стремлением к красоте и свободе, часто отражало сложные чувства и переживания.
 
Интересно, что оба художника обращали внимание на культурно значимые сюжеты всемирной истории, подчеркивали их важность. Именно эта общая ценность и отражена в представленном произведении.
 
Портрет Карла Брюллова, созданный Завьяловым, задуман как полупарадный, что видно из внушительного размера полотна и композиции.
 
Художник запечатлевает Брюллова на фоне археологической зоны Помпей и дымящегося Везувия – напоминания о самом известном произведении героя картины. А женский скульптурный торс за левым плечом Брюллова – отсылка к античности, вдохновлявшей его.
 
Портрет великого художника – самая знаменитая работа Завьялова. Не упустите возможность стать обладателем произведения, соединяющего сразу несколько эпох человеческой истории!
 
🖼Ф. Завьялов. Портрет художника К. П. Брюллова. Середина XIX века.
 
#КартинаДня

Искусство, как зеркало общества, отражает его страхи, надежды и стремления. Например, картина Оскара Рабина «Дом напротив» (1975) – многослойное произведение, которое позволяет глубже понять тех, кто не нашел свое место в качестве винтика системы.
 
Оскар Рабин (1928–2018) – выдающийся советский художник-нонконформист, основатель «Лианозовской школы» и организатор той самой «бульдозерной выставки». Родившись в семье врачей, он осиротел в подростковом возрасте и нашел убежище в искусстве. Рабин учился у Евгения Кропивницкого и вскоре стал частью андеграундного художественного движения.
 
Его картины часто интерпретировались как протест против советского режима, хотя сам художник утверждал, что его искусство всегда было вне политики. Он был мастером живописи, который успешно продавал свои работы как в условиях андеграунда, так и после эмиграции на Запад.
 
Картина Оскара Рабина «Дом напротив» – яркий пример его уникального стиля и философии.
 
На первый взгляд, композиция может показаться простой: изображен дом с покосившейся водосточной трубой и унылым фонарем, отбрасывающим желтый свет на оконные стекла. Однако именно эта простота создает атмосферу одиночества и заброшенности. Рабин использует предметы повседневной жизни как символы более глубоких социальных и эмоциональных состояний.
 
Если вспомнить, что эта работа была создана в Советском Союзе, мы начинаем чувствовать в этом образе дома напряжение, конфликт между индивидуальным и коллективным. Вокруг многоэтажные дома, заводы, а напротив них – одинокий, едва держащийся домик. Но окна еще светятся – каждая индивидуальность имеет право на жизнь.
 
Кстати, это картина доступна для покупки на нашем аукционе.
 
🖼О. Рубин. Дом напротив. 1975.
 
#КартинаДня

Истории о художниках обрастают мифами и легендами. Со временем сложно отличить реальность и вымысел. Одним из таких художников был Филипп Малявин (1869–1940). А ведь как иначе? Его биография полна интересных событий и ярких фактов, как будто выдуманных для приключенческого романа.
 
Академик, изучавший основы грамоты под наставничеством деревенского фельдфебеля, послушник афонского монастыря, создававший портреты Ленина, сын бедных крестьян, который получил золотую медаль за свою картину на Всемирной выставке в Париже – кажется, что такие противоречивые события просто не могли произойти в жизни одного человека.
 
Мы точно не знаем, но есть легенда, что судьбоносное знакомство со скульптором Императорской Академии художеств Владимиром Беклемишевым началось с картины, которую односельчане автора хотели выставить на показ для проезжающего через Бузулукский уезд будущего императора Николая II. Маршрут изменился, наследник престола рисунок не увидел, но его заметил Беклемишев. В конце декабря того же года он оказался на Афоне, где познакомился с работами Малявина и организовал его переезд в Санкт-Петербург. Беклемишев взял мастера под опеку, содействовал получению стипендии и предоставил жилье в своей квартире.
 
Осенью 1892 года Филипп Малявин стал «вольнослушающим» Императорской Академии художеств, не имея даже начального образования. Его успехи были значительными: он неоднократно получал денежные пособия за рисунки и завоевывал медали, а в 1894 году он попал в мастерскую Ильи Репина.
 
Творчество Малявина охватывает широкий спектр тем, но особое внимание он уделял изображению крестьянок. Его картины наполнены яркими цветами и динамичными композициями. Одним из ярких примеров его мастерства является картина «Поющие крестьянки» (1933), которая демонстрирует не только техническое мастерство художника, но и глубокую эмоциональную связь с изображаемыми персонажами.
 
На нашем аукционе представлена эта замечательная работа. Картина захватывает дух своим светом и жизненной энергией, передавая атмосферу радости и простоты крестьянской жизни.
 
🖼Ф. Малявин. Поющие крестьянки. 1933.
 
#ХудожникДня

Картины каких художников вызвали внимание коллекционеров за первый день торгов?
 
🖼В. Ситников. Сидящая обнаженная. Из цикла «Уроки». 1971
 
Жизнь автора работы, Василия Ситникова, полна странных противопоставлений, грустных и грубых, трагических и драматических, творческих и житейских. Родился в селе под Лебедянью – провел последние годы жизни и умер в Нью-Йорке; нигде живописи не учился – но работал художником-мультипликатором на «Мосфильме».
 
Сделать ставку
 
🖼С. Базилев. Без названия. 2024.
 
Сергей Базилев стоял у истоков советской школы гиперреализма – направления, в основе которого лежит использование фотографий в качестве прототипов для создания живописных или графических произведений.
 
Сделать ставку
 
🖼С. Бом. Глеб Жеглов. 2024.
 
Саша Бом – современный российский художник, создающий яркие, контрастные изображения, используя вырезки из глянцевых журналов, разноцветной бумаги и т.п. При этом тщательно подобранные по цвету и форме рекламные слоганы, названия брендов и фотографии в итоге складываются в хорошо знакомые образы – в хрестоматийные портреты великих людей, шедевры мировой живописи, пейзажи с открыток, кадры из культовых фильмов и так далее.
 
Сделать ставку
 
#топлоты

От пейзажа до портрета👇
 
Ждете новых торгов? Осталось совсем чуть-чуть и вашему вниманию будут представлены сразу два каталога:
 
🔷Аукциона ARTinvestment.RU № 553. Среди топ-лотов:
 
🔸«Сумерки летом» Юлия Клевера-старшего. В свое время художник поставил цель – развить свое дарование без помощи наставников, работая с натуры. Судя по красоте его работ, в том числе и этой, ему удалось выполнить задуманное.
 
🔸«Поющие крестьянки» Филиппа Малявина. Интересны и красноречивы другие названия картины: «Поющие бабы» и «Поющие женщины на фоне зимнего пейзажа».
 
🔸«Дом напротив» Оскара Рабина. Произведение относится ко времени, когда в прошлом осталась Рижская академия, Суриковский институт, работа десятником на железной дороге, годы жизни в подмосковном Лианозове,  формирование группы единомышленников. А что в будущем? Художник пока не знает. Но продолжает писать картины.
 
🔸«Портрет художника К.П. Брюллова» кисти Фёдора Завьялова – одно из самых знаковых произведений в творческой биографии живописца. Завьялов создал несколько авторских вариантов-повторений этого портрета, самый известный из которых хранится в собрании Государственной Третьяковской галереи.
 
🔷Кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге – работы гиперреалиста Сергея Базилева, мастера деревянной скульптуры Дмитрия Воронина, фотографа Анатолия Горяинова, студии цифрового искусства Doping Pong и др.
 
#АнонсАукциона

Что нового произошло в мире искусства в последнее время? Вот основные события:
 
• 21 октября стартует аукцион ARTinvestment.RU № 553, на котором будут представлены работы Юлия Клевера-старшего, Филиппа Малявина, Федора Завьялова и других мастеров.
 
• Национальный фонд Британии отреставрировал картину Моне из серии «Мост Чаринг-Кросс», которая принадлежала Уинстону Черчиллю и потемнела от сигарного дыма. Лишь близкие Черчилля знали, что он владеет работой Моне.
 
• Исследование, с помощью современных нейробиологических методов, показало, что оригинал картины «Девушка с жемчужной сережкой» вызывает более сильные эмоции, чем ее репродукции.
 
• Фонд In artibus и The Art Newspaper Russia организуют 7-й фестиваль фильмов об искусстве. Мероприятие пройдет с 21 октября по 3 ноября. В этом году хедлайнерами станут видеохудожники и режиссеры Ила Бека и Луиза Лемуан.
 
• В Музее Востока открылась персональная выставка Аиши Каддафи, дочери бывшего ливийского лидера Муаммара Каддафи. На выставке исследует темы предательства и утрат. Экспозиция «Дочь Ливии» посвящена памяти ее погибших отца и брата.
 
• Известные российские художники выступили в защиту отдела новейших течений в Третьяковской галерее, который планируется закрыть 22 октября. Обращение поддержали 200 деятелей искусства.
 
• Музей архитектуры представляет выставку «Собирая свод», раскрывающую тайны архитектурных памятников и их невидимых героев – реставраторов.
 
#ПодборкаАртНовостей

Рассказываем об одном интересном лоте прошлой неделе и его авторе.
 
Художник Илья Глазунов родился в Ленинграде. Когда началась Великая Отечественная война, ему едва исполнилось 11 лет. В блокаду погибли его отец, мать, бабушка, дедушка, тетя и дядя.
 
По Дороге жизни в Новгородскую область увезли единственного выжившего из Глазуновых – мальчика Илью. После снятия блокады в 1944 году он вернулся в родной город.
 
Выбирая тему дипломной работы во время обучения на художника, Глазунов не сомневался. Он давно решил, что его картина будет посвящена непростому периоду Великой Отечественной войны, когда победа над врагом еще была очень далека. «Дороги войны» – так Глазунов решил назвать работу. В итоге он создал ее позже, но образ дороги остался значимым в его жизни и творчестве.
 
На полотнах Ильи Глазунова часто появлялись классики русской литературы и персонажи их произведений. Особое место в творчестве Ильи Сергеевича занимал Федор Достоевский – его любимый писатель.
 
Ценности, проповедуемые Федором Михайловичем, были очень близки художнику, неслучайно Глазунова называют «Достоевским в живописи».
 
Русская история также всегда была источником вдохновения для Ильи Глазунова. Художник изображал важных исторических персон и поворотные события в истории государства.
 
И любовь к истории, и любовь к литературе наверняка повлияли на восприятие Глазуновым традиционной русской темы – дороги.
 
Результат – перед вами, картина, посвященная знаменитой русской тройке, окруженной классическим холодным пейзажем. Лошади из последних сил мчат повозку сквозь бурю навстречу переменам и весне.
 
🖼И. Глазунов. Тройка на зимней дороге
1976.
 
#КартинаДня

Натюрморт в тренде👇
 
Суммарная выручка аукциона ARTinvestment.RU № 552 и 234-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» составила 15,2 млн рублей.
 
Цветовые натюрморты были популярны на этой недели, а один из них стал самым дорогим лотом – речь о созданной во второй половине 1930-х картине Льва Чистовского «Орхидеи» (продана за 3 540 000 рублей).
 
Рассказываем о работе подробнее.
 
Лев Чистовский (1902–1969) – художник русского зарубежья, проживший большую часть жизни во Франции. Ценил красоту в разных формах – был мастером работ в жанре ню, а также цветочных натюрмортов.
 
В 1925–1926 годах изучал живопись в Римской академии изящных искусств, а также во Флоренции. Будучи в Италии, познакомился со своей будущей супругой. Вместе они решили развивать в своем творчестве традиции старых мастеров и в 1926 году переехали в Париж.
 
С 1930-х годов Чистовский с супругой поселились в южных Пиренеях. Там в собственном доме они выращивали розы, ирисы и орхидеи, с которых писали натюрморты. При этом в композициях Чистовского преобладали орхидеи, а в натюрмортах его жены – розы.
 
На торгах был представлен яркий пример работы Льва Чистовского в жанре натюрморта – «Орхидеи», датируемый второй половиной 1930-х годов.
 
Художник достигает эффекта иллюзорности, чувственной достоверности изображения за счет сглаженной манеры письма и проработки деталей.
 
Композиция лаконична – на однотонном фоне изображены цветы в простой фарфоровой вазе. Но при этом полотно привлекает взгляд и не оставляет равнодушным.
 
А что привлечет внимание коллекционеров на следующей неделе? Не пропустите новостей!
 
🖼Л. Чистовский. Орхидеи. Вторая половина 1930-х.
 
#ИтогиАукциона

Некоторые ценовые результаты торгов 18 октября на AI Аукционе, с учетом 18% комиссии

ЧИСТОВСКИЙ Лев Смарагдович (1902–1969) Орхидеи. Вторая половина 1930-х
Оргалит, масло. 65,3 × 100
Цена: 3 540 000 рублей

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Рождение из смерти. 1978
Холст, масло. 90 × 119,8
Цена: 2 478 000 рублей

БРИТОВ Ким Николаевич (1925–2010) Город Владимир. Княгининский монастырь. 2008
Оргалит, масло. 45,8 × 65,7
Цена: 2 242 000 рублей

ПОЛЕНОВ Василий Дмитриевич (1844–1927) Халил. 1899
Холст на картоне, масло. 17,1 × 9,5 (холст), 18 × 10,6 (картон-основа)
Цена: 1 947 000 рублей

Чем вдохновляются художники?
 
Кому то из них нужны яркие впечатления, заграничные поездки, чтобы придумать идею работы.
 
Был в таким путешествиях и живописец Константин Сутягин.
 
В 2005 году по приглашению Министерства туризма Франции в составе группы художников он путешествовал по Бретани. В результате состоялось 17 выставок и издана книга «Бретань глазами русских художников». В 2012 году в составе творческой группы он совершил поездку в Северную Африку, по итогам  опубликовал книгу «Под небом Бизерты».
 
Но эти путешествия не были обязательным условием вдохновения Сутягина. Поводом для картины могло стать всё, что угодно, в том числе хризантемы на даче.
 
Как писал он сам: «На даче и цветы, и чашка, и кофейник – тоже дачники, они никуда не торопятся, их не убирают со стола, у них своя жизнь, свои отношения, лето бесконечно, а потом: оп! И они замерли, смотрят на художника: это еще кто?».
 
Возможно, именно такие мысли были у автора, когда он писал это полотно.
 
Кстати, на картине есть надпись от создателя: «Отцвели уж давно хризантемы в саду».
 
Одной из центральных тем творчества Константина Сутягина с 1997 года является тема счастья, поставленная им в противовес существующей в мире «отлаженной индустрии по производству несчастья».
 
В своих картинах – красочных, радостных, посвященных обычным вещам – Сутягин стремится прийти к простоте и подлинности, отличающей работы наивных художников.
 
Как говорит сам автор, «…Когда я не думаю, что за картину пишу и зачем, когда само – тогда и песня! Я только подпеваю. Бывает же: запел кто-то песню, очень хорошую, очень хорошо поет, — и сразу хочется подхватить. У меня не столько “душа поет” – сколько “душа подпевает”: красоте, миру, каким-то его ритмам – зима-весна-лето-осень – море, два буксира у пирса, ваза с цветами... И чем меньше думаешь об этом – тем больше шансов спеть».
 
Приобрести эту картину в свою коллекцию ещё можно в течении нескольких часов на нашем аукционе.
 
🖼К. Сутягин. Хризантемы. 2014.
 
#ХудожникДня

Это место существует уже очень давно, и на протяжении всей своей истории оно постоянно менялось. Но живописцу Киму Бритову (1925–2010) удалось запечатлеть его дух вне контекста эпохи.
 
Речь идет о картине Свято-Успенского Княгинина женского монастыря, основанного в 1200 году легендарным великим Владимирским князем Всеволодом Большое Гнездо.
 
На постройке монастыря настояла его супруга – княгиня Мария, которая позже приняла там постриг. В память о ней монастырь стали называть Княгининым.
 
Обитель стала родовой усыпальницей княгинь и княжон владимирского великокняжеского дома. В нем погребены вторая супруга князя Всеволода Большое Гнездо, супруга святого благоверного князя Александра Невского и ее дочь.
 
Монастырь на протяжении своего существования постоянно страдал от пожаров, татаро-монгольского нашествия на Владимир в 1238 году и набегов золотоордынских воинов.
 
Несмотря ни на что, обитель раз за разом возрождалась и славилась повсюду своими красивыми и богато украшенными храмами.
 
После Октябрьской революции обитель была закрыта в 1923 году. Многие постройки были снесены, а келии отдали для коммунального расселения мирян. В Успенском соборе же устроили зернохранилище.
 
В строениях закрытого монастыря разместили с 1985 года музей. В 1993 году монастырь был открыт и начала возрождаться монашеская жизнь.
 
Ким Бритов, основоположник владимирской школы, запечатлел монастырь в современную эпоху. Но, так как он не фотограф, лишь отображающий реальность, а живописец – в его полотне отразилась также и история монастыря, дух ушедшей эпохи.
 
Кстати, у вас еще есть шанс приобрести эту работу – аукцион продлится до полудня пятницы.
 
🖼Ким Бритов. Город Владимир. Княгининский монастырь. 2008.
 
#КартинаДня

Юло Соостер (1924–1970) – один из самых известных представителей «поколения шестидесятых», участник Манежной выставки, организатор знаменитых «вторников» на улице Красина, на которых общалась подпольная Москва.
 
В 1949 году эстонского художника, вместе с еще несколькими выпускниками Тартуского художественного института, отправили в лагерь по 58-й «антисоветской» статье УК – за желание поехать стажироваться заграницу. Приговор – десять лет, из которых Соостер отсидел семь и освободился в 1956 году.
 
Лагерная жизнь сглаживалась общением с другими интеллектуалами и, конечно же, творчеством – с тех лет остались пейзажи, эротические рисунки и портреты других заключенных.
 
Нередко художнику приходилось спасать свои работы из огня, куда их бросали охранники – поэтому у многих рисунков обгорелые края. В лагере художник выучил русский язык, а также познакомился со своей будущей спутницей жизни, с которой они поженились вскоре после того, как были освобождены.
 
Не найдя работы в родной Эстонии, художник вместе с супругой переселился в Москву, где их квартира стала центром притяжения для художников «оттепели». В число друзей Соостеров входили Юрий Соболев-Нолев, Илья Кабаков, Виктор Пивоваров, Эрнст Неизвестный и многие другие.
 
Надежды на то, что в хрущевской Москве эпохи «оттепели» можно будет свободно выставлять радикальную живопись, не оправдались: Хрущев разругал картины Соостера.
 
Ключевой образ Соостера – застывшее в безвременном пространстве огромное яйцо, которое художник считал символом первоисточника жизни. Он был неверующим, но «любил рассуждать о происхождении мира».
 
В представленной картине также есть фирменные мистические элементы Соостера. А также есть природа родных мест автора – художник был родом с острова Хийумаа, где много можжевельника, и Соостер любил его писать.
 
🖼Ю. Соостер. Залитые лунным светом можжевельники. 1967.
 
#ХудожникДня

Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) – это скульптор, живописец, график, представитель прославленной династии грузинских скульпторов.
 
Представленная на торгах его работа «Птичка в клетке» – своего рода гимн красоте. Как говорит сам Мерабишвили, для него любовь к женской фигуре – это уважение и дань красоте: «Ничто так не передает красоту пластики, как линия женской формы. Женская фигура вдохновляет и одухотворяет все мое творчество – скульптуру, графику и живопись, и увлечение это постоянно».
 
При взгляде на картину возникают параллели с хрестоматийными образами модернистского искусства.  Мерабишвили свободно оперирует изобразительным языком своих предшественников, используя те приемы, которые позволяют отразить его творческий замысел.
 
В нижней части фигуры своими широкими бедрами модель напоминает красавиц Модильяни, а в верхней части её тела Pata уходит в кубистическую резкость.
 
Всё изображение построено на гармоничном соотношении округлых и угловатых геометрических форм и линий. Округлые изгибы женского тела дополняют многочисленные округлые формы интерьера. Но эти плавные линии отделены друг от друга узким прямоугольником кушетки и линией стены.
 
В такой же гармонии находятся и цвета: светлый бокал поддержан белым ковриком и белой сигаретой, а цвет обнаженного тела модели совпадает с цветом оперенья птицы. Этот прием ещё больше роднит девушку и птицу.
 
Приобрести эту поэтичную и яркую работу можно на нашем аукционе.
 
🖼PATA. Птичка в клетке. 2006.
 
#КартинаДня

Найти свой путь можно в любом возрасте – об этом говорит биография художника Василия Поленова.
 
Он долго искал свое направление – и уже в зрелом возрасте обрел известность как пейзажист и мастер жанровой живописи.
 
Влияние на поиски оказала заграничная поездка. «Пользу она мне принесла во многих отношениях, главное, в том, что все, что до сих пор я делал, не то, все это надо бросить и начать снова-здорово. Тут я пробовал и перепробовал все роды живописи: историческую, жанр, пейзаж, марину, портрет головы, образа животных, nature morte и т. д. и пришел к заключению, что мой талант всего ближе к пейзажному, бытовому жанру, которым я и займусь», рассказывал творец.
 
Отыскав «себя», Поленов начал помогать и другим. Так в его усадьбе воплотилась заветная мечта: «Желание мое устроить музей осуществилось, когда нам удалось соорудить на берегу Оки дом, приспособленный к размещению коллекций, и я несказанно радуюсь, когда вижу, как приходят посетители и разглядывают наши собрания. Приходят целые экскурсии из ближайших городов, школ, из деревень, крестьяне и крестьянки с детьми».
 
Кстати, при жизни художника имение называлось Борок. Сам же Поленов называл его «поместьице». Только в советские годы усадьбу переименовали в Поленово.
 
Интересно, что во все времена усадьба была полна гостей. Сюда приезжали Левитан, Репин, Коровин, Васнецов, как сосед наведывался в гости Чехов. В тридцатые годы ХХ века в «баньке» жил великий русский композитор Сергей Прокофьев. В «Поленово» он написал музыку к балету «Ромео и Джульетта».
 
В 1881 году Василий Поленов начал работу над картиной «Христос и грешница» – первой из будущего цикла о жизни Христа. Вместе с искусствоведом Адрианом Праховым и промышленником Семеном Лазаревым он отправился на Ближний Восток. Путешественники побывали в Турции, Египте, Палестине, Сирии и Греции.
 
Поленова сильно вдохновили яркие восточные пейзажи и пестрые одежды местных жителей. А результат этого вдохновения – перед вами, в этюде с восточным мужчиной, облаченным в халат и куфию.
 
🖼В. Поленов. Халил. 1899.
 
#ХудожникДня

Библейские сюжеты и предания о святых привлекали художников во все времена, даже в Советском Союзе.
 
«Чудо Георгия о змие» входит в редкий живописный цикл произведений андеграундного творца Анатолия Зверева. Серия посвящена религиозно-философской тематике, на полотнах цикла нашли свое художественное осмысление библейские сюжеты и образы.
 
Согласно преданиям, на родине святого, близ Ливанских гор, находилось большое озеро, в котором жил огромный змей. Жители боялись его и каждый день приносили ему в жертву своих детей.
 
Когда пришел черед царя, он отправил к озеру единственную дочь. На озере начался шторм. Горько плакала девушка, ожидая смертного часа. Неожиданно к ней подъехал воин на белом коне. В руках он держал копье. Девушка упрашивала незнакомца покинуть берег озера, чтобы не погибнуть. Но святой, увидев змея, осенил себя крестным знамением и устремился на него. Великомученик Георгий пронзил змея копьем, после чего счастливые жители сожгли чудовище.
 
Со времени основания Москвы Георгий Победоносец считается ее покровителем, а Чудо святого Георгия о змие изображается на гербе столицы.
 
Такой яркий сюжет привлек внимание художника и нашел отражение на полотне.
 
В работе Зверева узнается характерный художественный почерк мастера: отказ от предварительного рисунка, обобщенные экспрессивные формы, неразрывное единство образа и фона. Зверев изображает святого на белоснежном коне, с копьем, поражающим чудовище, закругленными гибкими мазками, лишь контурно обозначающими фигуры персонажей.
 
Автор оставляет размашистую витиеватую подпись «АЗ» и дату создания работы, которые становятся органичной и неотъемлемой частью композиции.
 
🖼А. Зверев. Чудо Георгия о змие. 1978.
 
#КартинаДня

Несмотря на фамилию, этот художник и скульптор всемирно популярен. Речь пойдет, конечно же, об Эрнсте Неизвестном.
 
Он родился в 1925 году в Свердловске в семье врача Иосифа Неизвестного и Беллы Дижур, писавшей научно-популярные книги для детей.
 
Изначально его звали Эрик, но в 1941 году при получении паспорта юноша сменил имя на Эрнст, в его понимании более серьёзное. Любопытно, что в переводе с немецкого Ernst – значит «серьёзный».
 
До 1942 года Эрнст Неизвестный занимался в школе для художественно одаренных детей, а в 1943 ушел добровольцем в Красную Армию. В конце Великой Отечественной войны был тяжело ранен.
 
Разрывная пуля выбила три ребра, у солдата случился открытый пневмоторакс. Его посчитали погибшим. Посмертно представили к награждению орденом Красной Звезды. Спасла случайность: когда его мёртвого санитары потащили в подвал и неловко бросили, он закричал от боли. Так врачи поняли, что он жив и спасли Неизвестного.
 
После войны юноша выучился на художника и начал делать скульптуры.
 
За свои работы Неизвестный подвергся критике со стороны Хрущёва, который в 1962 году на выставке назвал его скульптуры «дегенеративным искусством». Позже именно Неизвестный создал Хрущеву надгробный памятник на Новодевичьем кладбище.
 
В 1970-е Эрнст Неизвестный уехал из Советского Союза. В 1980-х годах выставлялся в галерее Магна в Сан-Франциско. Его выставки имели большой успех. По заказу галереи создал цикл «Man through the Wall», который был посвящён крушению коммунизма.
 
Интересно, что Неизвестный был бессребреником. Все свои гонорары он тратил на помощь другим и на бронзу, из которой отливал свои работы.
 
Конечно, он прославился прежде всего благодаря своим скульптурным работам. Тем уникальнее живописное полотно авторства Неизвестного, представленное на нашем аукционе.
 
🖼Э. Неизвестный. Рождение из смерти. 1978.
 
#ХудожникДня

На этой неделе вас ждет множество философских тем и размышлений о жизни в форме картин разных жанров и эпох👇
 
Уже совсем скоро вашему вниманию будет представлен каталог аукциона ARTinvestment.RU. Среди топ-лотов:
 
📌«Буря на море» Кириака Костанди, созданная под влиянием стилистики
Ивана Айвазовского и посвященная одной из центральных в маринистике тем – бушующего моря и человека, борющегося за жизнь.
 
📌Концептуальное «Рождение из смерти» знаменитого советского и американского художника, скульптора Эрнста Неизвестного.
 
📌«Базар у Троице-Сергиевой лавры» Владимира Аралова, написанный в середине ХХ века и создающий при этом ощущение старинного сказочно-прекрасного городка.
 
📌«Орхидеи» Льва Чистовского. На однотонном фоне изображены цветы в
простой фарфоровой вазе – Чистовский часто помещал свои цветочные букеты
в изделия севрской фарфоровой мануфактуры. Несмотря на простоту сюжета, цвета всегда были и остаются символом жизни.
 
📌«Город Владимир. Княгининский монастырь» Кима Бритова, созданный в традиционной манере владимирской школы и также посвященный знаковому философскому месту.
 
Одновременно откроется кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге – работы художника и фотографа Сергея Борисова, медиа творца Натальи Гудович, станковой живописицы Юлии Гуковой, художника-реставратора Андрей Гурьянова, легендарного Pata (Пааты Мерабишвили), Студии Doping Pong и др.
 
Оставайтесь с нами, не пропустите новости!
 
#АнонсАукциона