ARTinvestment.RU

«Всю жизнь у нас дома на полке стояла очень простая алюминиевая тарелка, и я постоянно разглядывала царапины на ней. Мне казалось, что более идеальной вещи быть не может – это круг, металл, и кто-то ей очень долго пользовался», – вспоминает о рождении работы, которую вы видите перед собой, художница Екатерина Рожкова.
 
Ее авторская манера формировалась под влиянием двух совершенно разных изобразительных традиций.
 
С одной стороны, это московская школа живописи, с другой – богатые традиции японского искусства, с которыми Рожкова познакомилась в рамках практики в национальной академии изобразительных искусств в Токио (1994–1996).
 
Весь этот многолетний практический опыт получил отражение в уникальной стилистике работ Екатерины Рожковой, для которых характерны техническое совершенство, высокий эстетизм и кинематографичность. Художница работает в смешанной технике, применяя темперу, акрил, тушь. Но главным и любимым инструментом Рожковой, её визитной карточкой является простой графитный карандаш.
 
«Карандаш дает диапазон – от неуверенного, незавершенного состояния до предельно четкой ясности графита», говорит автор.
 
Наконец, ещё одно обширное направление творчества Екатерины Рожковой – это натюрморты. При этом попадающие в поле зрения автора предметы, как правило, очень просты, будничны. Для Рожковой все эти потрепанные занавески, исцарапанные тарелки, железные ведра или старые швейные машинки –это зачастую про личное, про далекие воспоминания из детства и предметный мир, с ними связанный.
 
Ярким примером такой личной истории является одна из самых ранних и известных натюрмортных серий Екатерины Рожковой «Тарелки», к которой относится также представленная на текущих торгах работа.
 
Многократно увеличивая масштаб изображения , Екатерина Рожкова в итоге лишила свои тарелки их прямой функции, они обрели статус знака, символа.
 
Приобрести эту символичную композицию можно на нашем аукционе.
 
🖼Е. Рожкова. Тарелка. 2016
 
#КартинаДня

Юрий Жарких (1938) – русский и французский художник, который стал одним из ключевых представителей ленинградского нонконформизма в 1970-х годах.
 
В конце 1975 года по его инициативе было основано Товарищество экспериментальных выставок, объединившее художников-нонконформистов. Его влияние ощущалось во всех аспектах выставочной деятельности Ленинграда в середине 70-х.
 
В своем творчестве Юрий Жарких прошел путь от диссидентского активизма и интереса к аналитическому методу Павла Филонова до позднемодернистского неоэкспрессионизма. Его полотна становятся открытым пространством для взаимодействия живописного языка, идеологических тем, религиозных символов и фрагментов городской повседневной жизни.
 
Картина «Голубое яблоко», представленная на аукционе, является ярким примером работ Жарких 1980–90-х годов, когда он уже сформировал свой уникальный стиль. Эти произведения отличаются сложностью, эмоциональностью и выразительностью. Они поражают необычными, метафизическими сюжетами и обладают своей пластикой и драматизмом. Жарких тщательно прорабатывает цветовую поверхность, создавая сложную фактуру, которая словно излучает свет.
 
В странном и метафизическом «Голубом яблоке» можно увидеть тему эмиграции, отражающую первую и вторую родину художника. Яблоко изображено на фоне русских берез, создавая красивый контраст с голубым небом. В сердцевине яблока, среди причудливых антропоморфных форм, просматривается пейзаж венецианского канала — некая «картина внутри картины». Так же, как яблоко состоит из нескольких слоев красного, оранжевого и желтого цветов, художнику, выросшему в Советском Союзе и переехавшему в Европу, свойственна эта двойственность. Белые линии, разделяющие яблоко на две половины, и «двуликая» антропоморфная форма на одной из этих линий служат дополнительным подтверждением этой интерпретации.
 
Работу можно приобрести на нашем аукционе.
 
🖼️Ю. Жарких. Голубое яблоко. 1994.
 
#ХудожникДня

Евгений Зевин (1947) – российский авангардный художник и живописец, который прошел путь от представителя нонконформистского движения до признанного мастера, удостоенного звания народного художника России и возглавляющего Российскую академию искусств.
 
В 1970-х годах он стал важной фигурой советского художественного подполья, при этом никогда не задумывался о эмиграции, несмотря на критику со стороны официальной советской прессы и другие трудности.
 
С начала 1980-х его работы начали выставляться на международных выставках. На сегодняшний день произведения Зевина находятся в крупнейших музеях и галереях Европы, США, Израиля, Канады и других стран.
 
В своих картинах Евгений Зевин всегда оставался далек от официальных соцреалистических норм, но при этом не изменял формату станковой живописи, избегая концептуальных экспериментов своих коллег, таких как инсталляции и перформансы. Как сам художник говорит, он создает свои работы с расчетом на 200 лет, а не на 2 часа.
 
На текущих торгах представлен живописный портрет «Николай II» (2014) работы Зевина, который является частью большого полиптиха «Россия ХХ век. Портрет эпохи». В этой серии художник создал галерею портретов ключевых правителей России XX века: Владимира Ленина, Иосифа Сталина, Никиты Хрущева и др.
 
Все семь портретов полиптиха, включая портрет Николая II, выполнены в стилистике, отсылающей к кубистическим поискам русских авангардистов, таких как Юрий Анненков и Аристарх Лентулов.
 
Изображение последнего императора Российской империи выполнено в сдержанных оттенках белого, голубого, бежевого и коричневого. Зевин избегает чрезмерной ломкости линий. Используя кубистические элементы как стилистический прием, он сохраняет портретное сходство. Лицо Николая помещено на почти полностью абстрактный фон из геометрических форм, однако одна важная деталь отличает этот портрет от других работ в полиптихе – изображение золотых церковных куполов.
 
Приобрести работу можно на нашем аукционе.
 
🖼Е. Зевин. Николай II. 2014.
 
#КартинаДня

Какие работы вызвали интерес коллекционеров за первый день торгов?
 
🖼Э. Белютин. Встреча (Модуль). 1986.
 
Как говорил автора: «Забудьте обо всем. Не ложитесь спать, если не написали двух-трех хороших этюдов. …Рисуйте и пишите все – нет ничего некрасивого, везде есть сюжет для художника. Будьте самостоятельны, оригинальны, не бойтесь преувеличивать, изменять, что-то подчеркивать. Помните, что преувеличение, метафора – основа искусства…»
 
Сделать ставку
 
🖼М. Добужинский. Улочка Петербурга. 1903
 
По этому серьезному пейзажу и не скажешь, но Мстислав Добужинский обладал отменным чувством юмора. Например, в 1911 году он создал шутливую «Азбуку», составленную из шаржей и эпиграмм на своих друзей-художников из объединения «Мир искусства».
 
Сделать ставку
 
🖼Н. Лермонтова. Корабль. Эскиз для постановки кукольного спектакля по сказке А.С. Пушкина «Сказка о царе Салтане...» 1918–1919.
 
Будущая художница родилась в семье ученого-физика, приват-доцента Петербургского университета. В отличие от их знаменитого дальнего родственника, поэта М. Ю. Лермонтова, в этой семье на протяжении поколений предпочтение отдавалось изучению точных наук. Отец Надежды, ее брат и сестра Александра были физиками, а сестра Екатерина – одной из первых в России женщин-геологов. Однако для Надежды Владимировны главной страстью в жизни стала не наука, а искусство.
 
Сделать ставку
 
#топлоты