Mid-Century, More Than @midcenturymodern Kanal auf Telegram

Mid-Century, More Than

Mid-Century, More Than
Русско-английский канал о модернизме середины XX века в архитектуре и дизайне.

——

This is a bilingual channel about mid-century architecture and design.

✉️@Midmod_bot

knd.gov.ru/license?id=6735f1b015601c23cb22e799&registryType=bloggersPermission
15,104 Abonnenten
16,733 Fotos
2 Videos
Zuletzt aktualisiert 11.03.2025 07:40

Mid-Century Modern: A Timeless Design Movement

Mid-Century Modern is a design movement that flourished in the mid-20th century, roughly from the 1930s to the 1960s. Originating in the United States and spreading globally, the Mid-Century Modern aesthetic is characterized by its emphasis on clean lines, organic forms, and a harmonious relationship with nature. Influenced by the Bauhaus and International styles, this movement found its voice in architecture, furniture, and graphic design, making it one of the most recognizable and beloved design styles to date. The ethos of Mid-Century Modernism lies in simplicity, functionality, and an appreciation for natural materials. Key figures like architects Richard Neutra, Charles and Ray Eames, and Mies van der Rohe pioneered designs that celebrated open spaces and minimalism. The movement also coincided with a post-war economic boom, leading to a suburban housing explosion that embraced this new architectural philosophy. As we explore this iconic era, we will delve into its historical roots, significant contributions to design, and how its influences endure in contemporary architecture and lifestyle today.

What are the defining characteristics of Mid-Century Modern design?

Mid-Century Modern design is known for its emphasis on clean lines and simple forms. Unlike its predecessors, which often featured ornate designs, this style focuses on functionality without sacrificing aesthetics. This movement also embraced the concept of 'bringing the outdoors in,' promoting large windows and open spaces that create a seamless transition from inside to outside.

Additionally, the use of natural materials such as wood and stone is a hallmark of Mid-Century Modern design. These materials not only serve practical purposes but also enhance the visual warmth and comfort of spaces. Bright colors are often used in accents or furniture, providing a contrast to the understated, neutral tones of walls and floors.

Who were the key figures in the Mid-Century Modern movement?

Some of the most notable figures in the Mid-Century Modern movement include architects such as Frank Lloyd Wright, who is often credited as a precursor to the movement with his 'organic architecture' philosophy. Other influential architects include Richard Neutra, known for his sleek homes that harmonized with nature, and Eero Saarinen, famed for his innovative structures like the TWA Flight Center.

In the realm of furniture design, Charles and Ray Eames made significant contributions with their iconic chairs and modular furniture that emphasized comfort and functionality. Similarly, George Nelson and Harry Bertoia created timeless pieces that are still celebrated in design circles today.

How did the socio-economic context influence Mid-Century Modern architecture?

The socio-economic landscape of the mid-20th century played a pivotal role in the emergence of Mid-Century Modern architecture. Following World War II, there was a significant demand for affordable housing as returning soldiers sought to settle down and start families. This led to the development of suburbs and a preference for functional, streamlined homes that could be built quickly and efficiently.

Furthermore, advances in materials and construction techniques allowed architects to explore new forms and designs. The popularity of automobiles also changed how people interacted with their environment, leading to homes designed with a focus on accessibility and open spaces rather than the more traditional compartmentalized floor plans.

What is the legacy of Mid-Century Modern design today?

The legacy of Mid-Century Modern design is evident in contemporary architecture and interior design. Its principles of simplicity, functionality, and a strong connection to nature continue to resonate with modern designers and homeowners alike. Many aspects of this aesthetic have been revived, appreciated for their timeless appeal and practicality.

Moreover, Mid-Century Modern furnishings have become highly collectible, with original pieces fetching significant prices at auctions and in antique shops. Additionally, the resurgence of interest in vintage and retro styles in recent years has further solidified the movement's enduring popularity in both residential and commercial spaces.

How can one incorporate Mid-Century Modern elements into their home?

Incorporating Mid-Century Modern elements into a home can be achieved through the use of iconic furniture pieces, such as Eames chairs or teak tables that epitomize the style. Choosing a color palette with muted earth tones accented by bold splashes of color can also evoke the Mid-Century vibe. Accessories like geometric patterns in textiles or artwork can help to finish the look.

Additionally, the layout of a space can reflect Mid-Century principles by emphasizing open floor plans that promote flow and accessibility. Large windows or glass doors can enhance natural light, creating a bright, airy environment that embraces the outdoor landscape, a key aspect of this design philosophy.

Mid-Century, More Than Telegram-Kanal

Добро пожаловать в канал "Mid-Century, More Than"! Здесь вы найдете увлекательную информацию об истории и влиянии модернизма середины прошлого века в архитектуре и дизайне. Этот русско-английский канал посвящен изучению того, как эстетика и технологии этого периода сформировали современное понимание стиля и функциональности. Благодаря ему вы погрузитесь в уникальный мир культуры и искусства, оцените инновационные подходы к созданию предметов обихода и узнаете о вдохновляющих проектах и дизайнерских решениях. Присоединяйтесь к нам сегодня, чтобы расширить свои знания и погрузиться в историю искусства и дизайна! @Midmod_bot

Mid-Century, More Than Neuste Beiträge

Post image

К слову о «Гильде»: мы, конечно, знали о том, что испытания атомной бомбы, проведенные США на атолле Бикини летом 1946 г., сопровождались грандиозной PR-кампанией: активно освещались американскими и зарубежными СМИ, в прямом эфире транслировались по радио и вообще были похоже на реалити-шоу. Однако для нас стало новостью, что первая из сброшенных на бедный атолл бомб, носила имя Гильда в качестве признания кинематографических заслуг Риты Хейворт.

Собственно, сообщения об этом, предшествовавшие испытаниям, стали новостью и для Хейворт. По словам Орсона Уэллса, тогдашнего супруга Хейворт, «Рита и раньше постоянно выходила из себя, но сильнее всего она взбесилась, узнав, что ее именем назовут атомную бомбу. Рита чуть не лишилась рассудка от гнева, она была вне себя от ярости… Она хотела отправиться в Вашингтон и устроить там пресс-конференцию, но Гарри Кон (основатель компании «Columbia Pictures» - прим. MCMT) не позволил ей, сказав, что такой шаг с ее стороны будет непатриотичным». В результате на бомбу не только нанесли надпись «ГИЛЬДА», но и наклеили фотографию Хейворт из июньского номера журнала «Esquire» за 1946 г., что должно было символизировать оглушительный успех актрисы…

———

Speaking of ‘Gilda’, it is a well-known fact that the nuclear weapon tests conducted by the US at Bikini Atoll in the summer of 1946 were supported by a huge publicity campaign. They were extensively covered in the media, both in the US and around the world, broadcast live over the radio, and, in general, had a reality show vibe. However, some of you may be just as appalled as we were upon learning that the first bomb tested in what is known as Operation Crossroads had been named Gilda as an homage to Rita Hayworth’s stellar career.

As it turns out, Hayworth was also appalled when she heard of the plans to use her name for the bomb. According to Orson Welles, Hayworth’s then-husband, “Rita used to fly into terrible rages all the time, but the angriest was when she found out that they'd put her on the atom bomb. Rita almost went insane, she was so angry. ... She wanted to go to Washington to hold a press conference, but Harry Cohn (Columbia Pictures’ co-founder - MCMT) wouldn't let her because it would be unpatriotic.” Alluding to Hayworth’s bombshell popularity, the bomb was then decorated with the name Gilda stenciled in black as well as Rita Hayworth’s photograph from the June, 1946 issue of Esquire…

(photos: atomictourism.us, conelrad.blogspot.com, U.S. Army Photographic Signal Corps via outrider.org, National Archives via smithsonianmag.com)

10 Mar, 19:11
882
Post image

Вестник постмодернизма,
выпуск №193

 
Судя по экспонатам сингапурского музея Red Dot в 2024 г. многие продолжали изобретать велосипед, а группа дизайнеров во главе с Колином Херпергером, почти десять лет назад поставив перед собой задачу придумать велосипедный шлем, который бы складывался, как фигурка оригами, наконец выпустила шлем aH-1, получивший не только высшую награду Red Dot, но и несколько других престижный премий. Состоящий из одиннадцати нейлоновых камер, соединяющихся друг с другом и усиленных полимерными ребрами жесткости, этот надувной шлем в сложенном состоянии занимает в десять раз меньше места, чем обычный шлем, а надувается за полминуты – для этого компания-производитель «Ventete» даже разработала и включила в комплект специальный насос, совместимый с ниппелями Presta и, следовательно, позволяющий также накачивать велосипедные камеры (то есть в крайнем случае надуть шлем наверняка можно и обычным велосипедным).

По заверениям производителя, ah-1 защищает голову велосипедиста не хуже традиционных шлемов из пенополистирола и, согласно результатам независимого исследования, на 44% снижает риск ротационных повреждений головного мозга по сравнению с наиболее безопасными велошлемами, имеющимися в продаже на данный момент, то есть удобство и компактность шлема ah-1 были достигнуты не за счет безопасности велосипедистов. Кроме того, утверждается, что это изделие обеспечивает голове превосходную вентиляцию, сопоставимую с ездой без шлема.

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 193


Judging by some of the exhibits at Singapore’s Red Dot Design Museum, designers were still reinventing the bicycle in 2024 and there were a few successful stories. A team of designers led by Colin Herperger, having spent nearly a decade attempting to come up with a cycle helmet “that could fold down like a piece of origami and fit in your pocket”, finally released the aH-1 helmet that earned them the “Best of the Best” Red Dot Design award and several other industry prizes. Composed of eleven interconnected nylon chambers reinforced with polymer ribs, ah-1 is an inflatable helmet that deflates to 10% of its inflated size and takes about thirty seconds to inflate thanks to a portable electric pump, which comes with the helmet and is Presta-valve-compatible, so cyclists can use it for the tires as well (or if the pump goes dead, the helmet can be inflated with a conventional pump).

aH-1 is already commercially available from Ventete that claims that the helmet is just as safe as traditional foam-filled helmets and, in a third-party study, even showed a 44% reduction in overall linear risk compared to the best conventional helmets tested, so aH-1’s ease of use and impressive collapsibility were not won at the expense of safety. What’s more, aH-1’s airflow performance is allegedly better than that of traditional helmets and matches the effect of riding bare-headed.

(photos: ventete.com, red-dot.org)

09 Mar, 19:01
1,494
Post image

Не так давно мы делились с вами проектом доступного загородного дома из фанеры, разработанным в 1960 г. Хенриком Буллом. В 1934 г. Шарлотта Перриан, к тому времени занявшая левую полосу в мировом архитектурном движении (как убежденная коммунистка), приняла участие в конкурсе, организованном журналом «L’Architecture d’Aujourd’hui», и получила в нем второй приз, предложив проект «Жилого дома у воды». За счет низкой себестоимости, отсутствия необходимости в полноценном фундаменте, простоты и быстроты возведения, а также промышленного подхода к изготовлению составляющих этого дома проект должен был дать возможность рабочему классу получить собственное загородное жилье. К сожалению, по словам дочери Перриан, «Публика восприняла проект с неприязнью вплоть до отвращения, и за его реализацию так никто и не взялся».
 
Как и Хенрик Булл через четверть века после публикации эскизов, Перриан разделила дом на две части: дневную и ночную, - которые сообщались при помощи террасы, защищенной от осадков складной крышей, которая также служила внутренними перегородками. Вскоре Перриан спроектирует более продвинутую версию «Дома у воды», в которой появятся прозрачные стены и сдвижные перегородки, позволяющие организовывать внутреннее пространство по желанию жильцов, а крышей будет служить отрез брезента с отверстием для сбора воды.
 
P.S. При жизни Перриан ни один из этих проектов для рабочего класса не был реализован. Лишь в 2013 г. ее задумка была воплощена в жизнь и представлена на выставке «Art Basel» в Майями. Парадоксально, но сделано это было компанией «Louis Vuitton»…

P.P.S. Дополнительные изображения обязательно см. в комментариях к посту.

———

What may look as the 1960 plywood house by the American Henrik Bull we recently featured is in fact a design by the French Charlotte Perriand proposed in 1934 when she had already secured a spot in the left lane of the modernist highway. An ardent communist, Perriand submitted her designs of what she believed was an affordable leisure house for the working class into a 1934 competition hosted by the L’Architecture d’Aujourd’hui magazine and won the 2nd prize. Referred to as ‘The Waterfront House’, this dwelling was designed as a simple and low-cost mass-produced summer residence that would not require a foundation and could be assembled quickly and easily of pre-fabricated parts. Much to Perriand’s regret, according to Perriand’s daughter, “No one was interested in building it. The reaction was one of dislike to horror.”

Just like Henrik Bull would a quarter of a century later, Perriand divided the house into two parts, day spaces and night spaces, with a wooden terrace in between. The terrace could be covered with a folding roof that transformed into partitions when not in use. In a little while, Perriand proposed an improved design of her Waterfront House that had full-height fenestration and moving partitions to enable the dwellers adjust the internal space as needed. The folding roof was gone and replaced with a piece of canvas with a hole in it, to collect water.

P.S. None of these designs for the working masses were built in Perriand’s lifetime. It took almost eighty years for her second design to materialize and become a centerpiece of the Art Basel in Miami in 2013. Ironically, the project was undertaken and funded by none other than Louis Vuitton…

P.P.S. For more images, see the comments down below.

(photos: yatzer.com courtesy of Louis Vuitton, Paris 16 via Wiki Commons, carolearagon.wordpress.com, ©AChP, sensesatlas.com, whitewall.art)

08 Mar, 19:07
1,548
Post image

Непростительно долго мы ничего не писали о творческих союзах. Исправляемся и делимся с вами работами одного удивительного дуэта, сформировавшегося на Дулевском фарфоровом заводе. Речь идет о Маргарите Михайловне Шепелевой (Кожиной) (1916-1972), пришедшей на завод в 1947 г. сразу после окончания Московского института прикладного и декоративного искусства, и ее муже, советском скульпторе-керамисте Павле Михайловиче Кожине (1904-1976), в 1938 г. принятом на завод в качестве ведущего скульптора и к моменту появления в штате Маргариты Михайловны создавшем великое множество фарфоровых скульптур. Маргарита Михайловна в прямом смысле приложила руку ко многим декоративным произведениям мужа, облачив их в красочную, детализированную и оживляющую роспись, но сегодня мы обратимся лишь к прикладным работам этой семейной пары.

Оказывается, помимо мелкой пластики, Павел Михайлович оставил после себя значительное количество новаторских по форме посудных изделий, а Маргарита Михайловна дополнила их жизнеутверждающими рисунками. Союз пузатых форм и широких и ярких мазков в этих изделиях 1960-х гг. обнаруживает связь с богатым прошлым Дулевского завода и руководящую роль Петра Леонова, главного художника завода, стремившегося создать новый, национальный фарфор и обещавшего, что «пока мы верны народным традициям, Дулевский фарфор будет молодым и оптимистичным»…

P.S. Дополнительные изображения см. в комментариях к посту.

———

It has been unforgivably long since this channel saw content on artistic duos, so we’d like to make it up to you and ourselves with a few designs by an incredible couple that met at Dulyovo Porcelain Factory, Margarita Kozhina (nee Shepeleva; 1916-1972), a Soviet artist who joined the factory in 1947 shortly after graduating from Moscow Institute for Applied Arts, and her husband, Pavel Kozhin (1904-1976), a Soviet ceramicist who was employed by Dulyovo as a chief sculptor in 1938 and, by the time his future spouse arrived, had created countless porcelain sculptures.

Kozhin’s figurines certainly benefitted from his wife’s bright, intricate, and lively décor – so did his functional pieces which, albeit much less numerous and lesser-known, are just as striking courtesy of their original forms and buoyant colors. Balancing between tradition and modernity, these rounded designs decorated by Shepeleva with her confident daubs of radiant colors are inseparable from the factory’s legacy and showcase the artistic leadership of Pyotr Leonov who was an ardent proponent of a new kind of ceramics, one with a national identity, claiming that “while we remain faithful to our folk beginnings, Dulyovo’s porcelain will be young and uplifting.”

P.S. For more images, check out the comments down below.

(photos: goskatalog.ru, auction-rusenamel.ru, dzen.ruuser curator_ivan, dfz.ru)

05 Mar, 19:12
307