...and Action!

Yup, that's me!

Багато думаю про ці слова. І зараз не можу повірити. Ні в них, ні в новини про смерть цього абсолютно магічного і неймовірного діда.

Sweet dreams, David Lynch 💔

Змонтував музичне відео для японської виконавиці ✨ Серйозно, вчитайтеся в цей текст ще раз, бо я в захваті!

Продакшен був у Токіо з невеликою командою, яка дуже вірила в те, що буде класно, навіть без великого бюджету (бо його не було, хех). Зате були талановиті люди, яким я дуже вдячний за можливість попрацювати на такому проєкті!

Про що кліп? Мені подобається інтерпретація, де головна героїня намагається вирватися з монотонних буднів і знайти справжню себе. Звичайно, іноді для цього потрібно пробігтися нічними вулицями Токіо, куди ж без цього. Але ще важливіше зробити той самий перший крок назустріч собі. А може, це все демони, хто знає...

Не думав, що кінець 2024 року дасть мені можливість змонтувати кліп для японської діви. Ще й музика повністю попадає в мене. Мрія Саші з 2012 року нарешті здійснена!

Mora Mothaus - Eye.Seek: https://youtu.be/MZNehpmN3io?si=JiRBAOmUixqv6zkk

Один зі способів розібрати візуальний стиль Arcane на складові, це почати шукати щось схоже у стімпанку і міському фентезі. Але набагато краще дивитися в бік плакатів та Ар-нуво/Ар-деко.

Це роботи чеського художника, ілюстратора та ювелірного дизайнера Альфонса Мухи, який особливо прославився наприкінці 1800 років.

М'які пастельні кольори, вишуканий декоративний стиль, німби, квіти, орнаменти та особливий акцент на позі і фігурі — все це зробило роботи Мухи такими прекрасними!

У центрі цих плакатів практично завжди образ міфологічної загадкової жінки — Муха надихався середньовічними та кельтськими міфами, що допомагало йому робити великий акцент на романтизованому образі у своїх роботах.

Мені дуже подобається ця м'якість і водночас монументальність у його плакатах. Завдяки романтизації виникає відчуття, що це образи з якогось не нашого, але все ж таки чимось близького до нас світу.

У персонажах Arcane я відчуваю щось схоже. Особливо те, як Fortiche теж робить акценти на позах. Характери та зовнішність героїв багато в чому побудовані на контрастах — вони часто помиляються, приймають рішення на основі емоцій... загалом усе як у людей. І це класно приземляє героїв. Але візуально вони все одно десь не з нами та все ж таки ближчі до ідеального міфу.

Особливо жінки — мені дуже подобається, як вони написані в серіалі, і класно, що візуально цей міфічний стиль підкреслює їхні характери і арки.

До речі, з містами у Arcane теж є цікаве розділення та контраст: Пілтовер ближче до Ар-деко, де більше суворої закономірності та геометрії. Тобто більше контролю. У той час як Заун ближче до Ар-нуво, більше природних, м'яких і хаотичних ліній.

Ну все, скасовуйте фінал серіалу — ось справжній канон. Навіть ці ваші мультивсесвіти на місці 😈

Кому цікаво, звідки це — тут посилання на оригінал.

Моя найулюбленіша паралель у всьому серіалі — це танець між Екко і Джинкс/Паудер. Ба більше, обидві версії цього "танцю" відбуваються в сьомій серії, що в першому, що в другому сезоні. Але як же сильно відрізняється контекст.

Далі спойлери до другого сезону!

Якщо в першому це битва, яка спочатку відчувається як гра з дитинства, але потім перетікає в реальний бій (цей троп усе ще неймовірно недооцінений), то в другому сезоні це ніжний танець двох закоханих людей.

Плюс самі стилі анімації абсолютно чудово відображають основне відчуття. У першому сезоні графічний малюнок, у ньому багато неохайності, негативного простору і неограненої емоції. А в другому це вже ближче до реальної оптики та цінності моменту.

Але що об'єднує ці моменти? Час. І те, як шоу його показує.

Обидві такі сцени зроблені з низькою частотою кадрів, щоб кожен окремий фрейм був цінний сам по собі. Час ніби заморожується, але насправді він усе ще йде.

Тільки якщо в битві на мосту це окремі мальовані панелі, то в другому сезоні це степ-прінтінг — низька частота кадрів, але високі значення витримки, які дають розмитість рухів (Кар Вай був би задоволений).

Звичайно ж, обидві сцени абсолютно чудово коментують здатність Екко контролювати час.

Arcane точно стане однією з найважливіших подій та характеристик 2020-х років у медіа! І класно, що ми можемо спостерігати за цим на власні очі ❤️

Прямо зараз це один із найкращих серіалів. Ever. До того ж це найбільш вдалий приклад коммерційного мистецтва, яке чудово розуміє сучасне покоління.

Неймовірно, як природно практично кожен персонаж безповоротно впливає на події серіалу, — все ж таки не тільки у головних героїв є агентність і можливість бути в центрі уваги. А також майже усі залишають палаючий відбиток у серці глядача — у мене точно залишають, бо переживав за персонажів як ненормальний.

Та що там, ще з часів першого сезону я зрозумів, що хочу дружити тут практично з усіма, навіть із лиходіями.

А той факт, що це анімація, з абсолютно вражаючим набором стилів і якоюсь шаленою розкадровкою та постановкою, за якими можна вивчити приблизно все, що треба знати про кіно та арт, — вражає ще сильніше!

Ніхто зараз так не вкладається в анімацію в такій кількості і з такою божевільною якістю продакшена — французька анімаційна студія Fortiche прямо зараз абсолютно на вершині! І не дарма, бо щоразу, коли натикаюся в інтернеті на процес створення серіалу, я хочу встати і походити по кімнаті, щоб усвідомити кількість роботи.

На Ютубі є чудова серія документалок про створення шоу. Дуже раджу, якщо не бачили.

Щоразу, коли люди в інтернеті запитують про автоматизовані інструменти або як можна швидко досягти такого результату... ні, не можна. У таких ситуаціях працівники Fortiche з посмішкою нагадують, що вони все робили руками і, інколи, страждали. Тому що тільки жива людина може передати героям на екрані стільки пристрасті та життя.

Наприклад, зверніть увагу на те, як персонажі тут "грають" — acting часто те, що робить серіал видовищним і в емоції на екрані віриш. Особливо за межами екшену, який тут теж неймовірний.

Окремо зазначу те, як серіал абсолютно відривається в плані монтажу і зміни ритму — тут дивовижно працює білд ап для створення очікування видовищного моменту. Який, часом, ці очікування навіть перевершує. А вільне ставлення до простору серіалу як до кліпу з гнучким і постійно мінливим стилем, потрапляє щоразу в сердечко!

Це очевидно, але я все одно напишу це для контексту — Arcane це зараз найкращий підручник для візуального оповідання. Починаючи від блокінгу найпростіших діалогів і закінчуючи передачею найабстрактніших емоцій через стиль та мазок пензлем окремого художника.

І на візуальному рівні, я думаю, пройде ще багато років, перш ніж ми побачимо щось схоже на те, чого автори досягли в Arcane.

Так, знаю, що другий сезон трохи поспішає — те, що в першому займало три серії, другий вміщує в одну. Тому емоційні та наративні біти не відчуваються такими вагомими. Через що бувало складно у моменті приєднатися до подій (арка Іші відчувається особливо покинутою). Врешті-решт нам, людям, для емоцій потрібен час.

І судячи з усього це рішення було більше з боку стримінгу — у художників було, як і раніше, максимально багато свободи, але й бізнесова частина натякала, що третій раз свято може не спрацювати (на мою думку, ще як би спрацювало).

Однак прямо зараз це не так важливо, хоча б тому що у нас більше нічого схожого на Arcane просто немає. Особливо такого щирого та великого.

Практично нічого не знаю про League of Legends. І навряд чи буду цікавитися, оскільки мене повністю влаштовує контакт з серіалом (і серіалами, тому що спін-оффи вже заявлені). Просто неймовірно радий таким витворам мистецтва на своєму віку і вдячний кожному, хто був причетний до цього шедевру, кожну хвилину якого я люблю всією душею ✨

P.S. Для тих, хто переживає за долю Джинкс — усе гаразд, вона прослизнула під час вибуху у вентиляцію, а наприкінці останньої серії полетіла на дирижаблі. Прям як і мріяла в дитинстві.

У кіноманському середовищі є це постійне бажання в особливий момент кричати в екран «ооо, та це ж зональна лінза! 👀». І ніби всі з цим згодні і світ у порядку.

Але коли цей момент відбувається в анімації, особливо у стилізованій і не фотореалістичній — це взагалі якесь свято розміром з галактику, на якому починаєш світитися як квазар! ✨

Багато думаю про цей вибір кольору очей у героїнь в Arcane, як на першому зображенні.

Розумію, що залежно від сцени і шейдінгу він змінюється. До того ж на концептах тон трохи відрізняється. Але навіть якщо справа не в очах, можна подивитися на кодінг кольору їхнього дизайну (от ви колір нігтів у Джинкс помічали?) і зрозуміти, що сестри завжди мають "частинку одна одної" у своїй зовнішності.

Це особливо має значення після першого таймскіпу в першому сезоні — Вай та Джинкс значну кількість часу не з'являються разом на екрані. Але завдяки кольору глядач все одно відчуває зв'язок героїнь до моменту їхньої зустрічі.

Ось такий вийшов артефакт після етеру (я вивчив нове слово, дякую)!

Тепер спробуйте знайти всіх Ґодзілл на цьому зображенні! Як правильно сказали в чаті під час трансляції — відбулася лагідна ґодзілізація.

Все ще не віриться, що каналу вже 9 років 🫠

Не все йшло за планом: про донат я дізнався надто пізно, але дякую що допомогли налаштувати і продовжували донатити; свічки... ох, це просто максимальна пожежна небезпека (але я чекаю на 10 годинну версію, де я намагаюся їх задути); а ще малювати та розповідати одночасно це все ще навичка, яка не завжди мені дається.

Але, незважаючи на це, ми дійсно з вами класно провели час. Пиріг був просто неперевершений. А ваша підтримка та участь у житті каналу безцінні. Дякую, я дуже зарядився! ✨

Запис вже доступний.

Через декілька годин почнемо!

https://www.youtube.com/live/SegpGJTRYrY

Що мені дуже подобається в трейлері нової (і, скоріш за все, останньої) частини Mission: Impossible, так це яскравий та насичений колір. Адже темна і густа гамма попереднього Dead Reckoning повністю зникла.

Господи, цей червоний колір літака НАЙЧЕРВОНІШИЙ колір у світі!

Якщо це дійсно фінальна частина, то зробити фільм яскравим, насиченим і таким, що не нагнітає драму через "нічого не розібрати на екрані, зате драматично", мені здається прекрасним рішенням для цієї серії.

Персонаж Круза до останнього зберігає надію і віру, і нема потреби через колір робити фільм "серйознішим".

Тут варто зазначити, що це трейлер і фінальний результат може відрізнятися.

Але як же мало у нас фіналів довготривалих серій, які візуально запрошують тебе у велику подорож і щиро вірять (через колір) у світлий образ головного героя.

Залишу тут без контексту цей загадковий артефакт з нещодавньої прямої трансляції для Патреона. Запис вже є.

А 13 листопада каналу виповнюється 9 років! 👀

Ми точно з вами всіма побачимося вже на трансляції на Ютубі. І хто знає, який артефакт залишиться після цієї зустрічі!

Почали 😌

Сьогодні ввечері зроблю стрім для всіх, хто підтримує мене фінансово на Патреоні. Відповім на запитання, розповім про подальші плани та стан Ютубу сьогодні, а також разом порефлексуємо щодо реальності навколо 🫠

Тик: https://www.patreon.com/posts/115716870

Це мій спосіб подякувати всім, хто підписується на Патреон, та підтримати з ними контакт.

Приєднатися до стріму можна з мінімальної суми. Запис буде доступний, але вже за інший рейт 😏

Transformers One (2024)
dir. Josh Cooley

Можливо це найкращий (анімаційний) фільм про Трансформерів сьогодні!

Так само, як анімаційна повнометражка 1986 року безперечно вплинула на всі подальші (майже) 40 років франшизи, так і Transformers One, абсолютно точно вплине на наступні десятиліття франшизи про великих роботів. І скоріше за все немає жодної випадковості в тому, що обидва мультфільми провалилися в прокаті.

Головне і, безумовно, приємне здивування від Transformers One полягає в тому, як прогресують події на екрані. Це тільки здається, що ти дивишся дурненький мультик із великою екшен сценою наприкінці. Ну... тобто так, сцена є, і роботи й справді красиво б'ються. Але водночас Transformers One досить глибоко, для мультфільму за мультимільярдною франшизою для дітей та підлітків, копає у дорослі теми. Тут і про соціальну нерівність, і про жахи державної пропаганди та рабства, щоб нижчий клас залишався неосвіченим і задоволеним своїм становищем, і про медіа-пропаганду та неможливість вплинути на своє життя...Ну і, звичайно ж, про те, як Оптимус Прайм та Мегатрон стали культовими персонажами з крутими дизайнами.

Мультфільм усе ще дуже студійний, але в правильних пропорціях. Він знає, як потішити старих фанатів франшизи (особливо якщо в них усе ще живе 9-ти річна дитина) і тих, хто нічого не знає про Трансформерів, але хоче класно провести час.

Анімаційним гікам тут теж раді! Дуже сподобалося, як реалізований анімаційний стретчінг — техніка "розтягування" персонажа або його кінцівок під час руху для створення переконливої ілюзії. Скажімо, у 2D анімації під час условного замаху рукою стретчінг може виглядати як розмиття під час руху, або невелике подовження пропорцій. Що фізично й анатомічно може бути неможливо, але в контексті анімації достовірність не порушується.

У Transformers One пішли ще далі і під час руху кінцівкі робота розтягуються МЕХАНІЧНО, через що і створюється ілюзія правдоподібного руху не тільки на рівні анімації, а ще і на рівні фізичного об'єкту всередині світу самого мультфільму. Це дуже здорово виглядає і що більше я думав про це, то більше мені було цікаво дізнатися про режисера.

Ним виявився автор Toy Story 4, який неймовірно класно розуміє, що таке іграшки і як їх можна поміщати в незвичайні ситуації. Адже роботи в Transformers One справді виглядають і відчуваються іграшковими, але з таким ступенем пропрацювання нюансів руху, що дуже хочеться думати про них, як про щось справжнє. Цікаво, що в цій франшизі вже є погляд на Трансформерів як на іграшки від Тревіса Найта в Bumblebee. І в live action це теж спрацювало.

Плюс каст явно грається зі своїми ролями і щиро отримує задоволення. Те, як наприкінці голос Кріса Гемсворта не відрізнити від Пітера Каллена, постійного актора озвучення Оптимуса Прайма, — викликає багато запитань щодо того, наскільки голос талановитого австралійця недовикористаний в озвучці.

Загалом, якщо ви шукали Revenge of the Sith у світі Трансформерів, то цей мультфільм дуже сильно на вас зачекався!

4/4

Ed Wood (1994)
dir. Tim Burton

Ще один чудовий фільм-коментар на індустрію, тільки тепер складні стосунки героя зі світом навколо мають зовсім іншу температуру, ніж те, що було у тому ж The Substance текстом вище.

Для мене головна цінність Ed Wood у тому, що це байопік, який не намагається бути надмірно драматичним та серйозним. Фільм не видавлює з глядача жалість до трагічної долі героя і ставиться до неї більше з іронією та гумором. Особливо в кульмінації та на прекрасних фінальних титрах.

Всередині фільму жодної документальності — лише мотив щирого бажання слідувати своєму духу та збирати навколо однодумців!

До того ж сам Ед Вуд і справді чарівний. З радістю б змонтував його фільм.

Ну або ваш. Ні, серйозно, кличте мене як монтажера на ваші проєкти. Я зараз відкритий до пропозицій!

Історія про т.зв. найгіршого режисера у світі найбільш не Тимобертонівський, і водночас найбільш Тимобертонівський фільм у його кар'єрі. Майже всі його історії про вигнанців з унікальною перспективою на світ навколо, і мені до душі, як у своїх фільмах Тім Бертон відчуває багато співчуття до таких героїв.

Але коли такий персонаж режисер... це багато що змінює. Особливо для самого Бертона, який абсолютно точно рефлексуючий автор. Чи це фільм про самого себе? А чом би й ні?

Sunshine (2007)
dir. Danny Boyle

Для мене Sunshine завжди був особливою науковою фантастикою. І фільмом у цілому.

Денні Бойл створив справжній шедевр для фанатів сенсорних відчуттів. У фільму якоїсь неймовірної краси музичний ритм, який досягається загадковим саунд-дизайном, який кличе кудись у далечінь (сигнал біди "Ікара-1" один із найбільш пронизливих витворів звукового мистецтва), масштабним танцем із форм (планет, станцій, антен, перегородок та інтерфейсів), а також монтажем, що проникає під шкіру (привіт, сцена з 25-м кадром) та вибором лінз (коли у тебе лиходій відчувається божеством через оптичний дисторшен — це прекрасно!).

Який би жанр не взяв Бойл, завжди є ракурс, який глядач ще не бачив. З концепції "Наше Сонце гине і ми маємо скинути на нього астро-бомбу, яка, теоретично, врятує зірку, а разом і нашу планету" висунуто все і навіть більше (привіт сценарій Алекса Гарленда).

Я розумію, що третій акт раптово стає божевільним і для когось це може бути сильним мінусом — для головних героїв і так достатньо загроз, навіщо робити ще одну та менш масштабну. Але у фільмі червоною лінією проходить конфлікт духовності та прагматизму. І третій акт, як боротьба з поїхавшим втіленням самого Сонця, повністю виправдовує ці ідеї.

Окремо хочу відзначити, як багато у фільмі медитативності (не без допомоги скора від Джона Мерфі та Underworld): сцена зі спостереженням за Меркурієм, маленький паросток у руках героїні Мішель Єо, кімната з голограмами... навіть сонячний вітер, який без проблем може знести персонажа на смерть, знято як щось надзвичайно красиве та варто того, щоб побачити один раз, а потім попрощатися з життям.

Якби на Letterboxd було б п'яте місце в списку улюблених, цей фільм негайно б туди потрапив. Всією душею люблю Sunshine і вважаю його неймовірно недооціненим!

House (1977)
dir. Nobuhiko Obayashi

У kaptainkristian є прекрасне відеоесе про цей фільм, і я навряд чи щось зможу додати до історії про те, як один із найвпливовіших і візуально божевільних хорорів написала 10-річна дочка режисера.

Для тих, хто не знає, що взагалі таке House, то так, у вас є відео вище. Але для контексту цього посту я проговорю ось що: уявіть собі фантасмагоричний колаж з усіх дитячих страхів у вигляді найшвидшого монтажу, який може собі дозволити кіно, потім загорніть це все в сюжет з Evil Dead про одержиму хатину, а головних героїнь зватимуть Gorgeous, Kung Fu, Melody, Sweet, Fantasy... плюс, знімаючи House, режисер хотів зробити фільм схожий на Jaws Спілберга. Але у підсумку зняв це ❤️

Кожна ситуація у фільмі пропущена через дитячу призму. Тому в мене є стійке відчуття, що ЖОДНЕ з творчих рішень на етапі виробництва не було піддано сумніву і дійшло до екранів.

Неперевершено!

P.S. Оригінальна Suspiria Ардженто і House вийшли в один рік. Це так, до слова.

3/4

The Wild Robot (2024)
dir. Chris Sanders

Кріс Сандерс, режисер Lilo & Stitch і першої частини How to Train Your Dragon, довгий час режисирував у парі і, можливо, все ніяк не міг показати себе на 100%.

А зараз, через багато років, на нині широких плечах DreamWorks Animation у ролі вже соло-режисера він видає одне з найпотужніших висловлювань про материнство!

Візуальний стиль The Wild Robot це прокачаний Puss in Boots — багато акварелі, розмитих контурів, уваги до текстури різної глибини і класної мови руху. Особливо увагу приділено до останнього — герої дуже різні і мова їхнього тіла говорить більше, ніж їхні слова.

Ще був вражений кількістю персонажів на екрані. Для КОЖНОГО з них потрібен був свій ріг, який було потрібно адаптувати під різну поведінку, характер, ситуації та анатомію. До того ж не у всіх персонажів буде однакова текстура шерсті... а раптом це взагалі метал або шкіра? Кількість різних істот, які постійно взаємодіють на екрані, просто зашкалює — це шалений обсяг роботи який майже непомітний.

The Wild Robot дуже красивий і добрий, і водночас... доволі злий і темний. Я не пам'ятаю, коли в подібних мультфільмах було так багато розмов і жартів про смерть та прямої демонстрації того, хто такий хижак у дикому лісі.

Якщо що я тільки за пряму і щиру розмову на складні теми в мультфільмах і нікого захищати від "шоку на екрані" мені не хочеться. Але тут явний крен у бік "ми покажемо, що ліс із хижаками РЕАЛЬНО небезпечний і життя тут ДУЖЕ складне"... щоб потім подружити взагалі всіх звірів... 🫠

Я розумію, для чого це робиться — один із мотивів мультфільму це злам застарілих способів життя. Однак цей перехід від суворої реальності до милої та фентезійної реальності не той тональний шифт який очікуєш.

Багато в чому це лише фон. Бо центральна тема стосунків робота і дитини тут зворушує до глибини душі та натискає на всі потрібні кнопки. І не так важливо хто ви, один з батьків чи дитина.

Якщо ви дивилися The Iron Giant від Бреда Берда, то ви загалом вже знаєте, яку динаміку стосунків очікувати. Тільки якщо фільм Берда був про батьківство, то фільм Сандерса нарешті про материнство.

Про те, як виправити те, що здається неможливим. Про справжнє "я поруч" і "я на твоєму боці". А також про те, що любов та емпатія – це навички. І ніколи не пізно їм навчитися.

Ідеальний анімаційний double feature!

The Substance (2024)
dir. Coralie Fargeat

Ох... Коли фільм не шкодує своїх персонажів, доводить їх до кінця, а потім робить ще один крок далі — for me that's cinema!

The Substance від самого початку підкорив мене світом з абсолютно мультяшним і гротескним лоском, героїнею, за яку вболівав до самого кінця (хоча водночас я розумів, що вона сама винна у своїх бідах, але мені все одно було її страшенно шкода) і тим, як мало потрібно фільму, щоб сказати приблизно все про стан індустрії та її ставлення до кумирів.

Я знаю, тут усе викручено на 350% і не схоже на реальність. Але чим далі йде фільм, тим сильніше розумієш — взагалі-то схоже. Нажаль.

Часто бачив, як люди не до кінця розуміють проблему героїні, яка пішла на такий дикий експеримент. На мою думку фільму вдається якщо не дослідити, то принаймні емоційно занурити в те, що таке дисморфофобія (розлад, за якого людина надмірно занепокоєна та заклопотана незначним дефектом свого тіла) та як працює дисоціація (людина починає сприймати те, що з нею відбувається так, начебто це відбувається не з нею, а з кимось стороннім) — коли це все ще ти, але це настільки інший ти, що реальність перед очима починає викривлюватись до абсурдного стану.

Одна з великих цінностей кіно полягає в тому, що автори можуть візуалізувати те, що пролягає на більш абстрактному та чуттєвому рівні.

Плюс візуально фільм абсолютно прекрасно розуміє свою глянцеву та кемпову природу — шалений вибір лінз, матеріалів одягу і сет-дизайну, а також ритміка монтажу тут створюють усі емоційні та наративні рівні, і дві з половиною години пролітають дуже швидко.

P.S.
Дівчата, тут вас в мене небагато серед підписників, але будь ласка, любіть себе більше і піклуйтеся про себе частіше!

2/4

Взяв 9 фільмів із переглянутого у своєму Letterboxd за останній місяць і... так, це несподіваний дайджест нещодавно побаченого/заново побаченого. Таке тут теж трапляється.

Nope (2022)
dir. Jordan Peele

Джордан Піл зробив великий любовний лист до кінематографа... який назвав Nope. І так сталося, що можливо саме це слово ви говорите собі, коли усвідомлюєте, скільки потрібно виконати підготовки і яку кількість спеціалістів доведеться зібрати разом, щоб ваш власний фільм спрацював.

Nope усім своїм існуванням каже, що кіно — це великий труд і шалене диво. Але навіть диво буває отруєним. І це величезне видовище може зжерти без залишку. Прямо як у сцені з туфлей, що зависла в неприродній позі — чим довше ти на неї дивишся, то більша ймовірність загинути.

А щось і зовсім не повинно бути зафіксовано на камеру і хай воно залишається в забутті — це привіт сюжетній лінії оператора, який так був засліплений ідеальністю видовища, що навряд чи його стосунки з творчістю могли б бути здоровими.

Справжня краса Nope полягає у тому, що на нього можна дивитися як на безкрайнє небо з хмарами і видивлятися необхідний для тебе сенс. Можливо він якраз там на небі сидить і чекає, непорушно і приховуючись.

А ще на фільм можна дивитися як на Jaws Спілберга, з великим і красивим полюванням на монстра, і другий перегляд дав мені набагато більше розглянути та відчути. До того ж фільму дуже підходить IMAX формат — відкриті простори та основна погоня в третьому акті справді неймовірні.

Саме тут в Nope для мене спрацювало постійне жонглювання тональністю. Я думаю в цьому простому перемиканні між різними настроями і є велике майбутнє кіно. Де є не щось одне, жанрове, а багато різного і дивного. Бо ми різні. Навіть впродовж одного дня.

Unstoppable (2010)
dir. Tony Scott

Режисер занадто рано нас покинув — Unstoppable став останнім фільмом у кар'єрі Тоні Скотта. Молодший брат Рідлі завжди був про шалену швидкість, кінетику, велику і щиру емоцію та безстрашних героїв, які йдуть до кінця, ніж про фабулу та складний сюжет. На відміну від старшого брата він відкривав інший бік кіно, більш грайливий і розважальний. За що йому велика подяка.

Цей фільм справжня пікова точка того, як на натурі можна зняти щось настільки ВЕЛИКЕ та НЕБЕЗПЕЧНЕ. Кадри на телелінзу з Крісом Пайном, який намагається перелізти з одного вагона на інший, справді неймовірно передають відчуття швидкості та небезпеки, від яких потім потрібно перевести дух. І водночас цей фільм про щось повсякденне та просте... про потяг.

Якщо загрозу монстра в Nope відчуваєш поступово, то "монстр" в Unstoppable від самого початку заявляється як звір, якого не приборкати. Мені завжди було до душі кіно, яке могло класно показати техніку або транспорт як щось живе або стихійне — через шалені ракурси, рух камери та хлесткий монтаж прямо з кліпів MTV доставляти до глядачів відчуття, що цей потяг точно живий.

Rushmore (1998)
dir. Wes Anderson

Вес Андерсон не зовсім мій режисер. Крім тих моментів, коли його діяльність присвячена анімації — саме у Fantastic Mr. Fox та Isle of Dogs для мене розкривається його театральний стиль, де діти і дорослі міняються ролями, а вигадана і (іноді буквально) лялькова реальність, підкріплює та створює всі події та сенси на екрані.

Rushmore чарівний фільм, який прекрасно розуміє, що він робить. Особливо з урахуванням того, що це одна з перших робіт режисера. Але в мене не влучає, так само, як і більшість його фільмів. Відчуття, що щойно в Андерсона на екрані live action, я одразу ж перестаю відчувати світ і героїв на екрані.

Нещодавні короткометражки в цьому плані для мене працюють краще — те, що самі герої усвідомлюють театральність навколо, створює всі необхідні зв'язки та стилізацію. Нажаль з іншими фільмами так у мене не працює. Навіть у тих, де відбувається концентрований Андерсон, на кшталт Asteroid City. Відчуття, ніби він заходить у кіно з анімаційних ракурсів, але його творчість все ще залишається театром.

Хоча я мушу визнати, фінальна постановка в Rushmore чудова і прекрасно працює як кульмінація цього романтичного балагану!

1/4

Кто сьогодні nocturnal animal, зізнавайтесь 🎃

Зовсім забув, що я зробив цей тізер до відео і не завантажив його сюди. Бо зазвичай роблю такі штуки тільки для Інстаграма.

Але нехай буде тут. Все ще подобається.

Музична пауза: пісня Modern Fears з Come True на вінілі (та сама платівка з відео).

Поки що немає можливості зробити фон красивим — програвач буквально стоїть на пляшках від вина з дротами на фоні. Тож візуально це такий lo-fi сетап 🫠

Кому цікаво про техніку: програвач Audio Technica AT-LP120 (оригінал), картридж Ortofon 2M-Red, аудіо Klipsch The Sixes.

Klipsch взагалі, на мою думку, один з найкращих варіантів для дуже живої та об'ємної акустики. І не тільки для програвача.

До речі, на Патреоні вже починаю розбирати відео по Come True. Ось тут є пост з усіма версіями тексту есе і розповіддю про створення.

А далі на спеціальному стримі для патронів розберу те, як відео змонтоване та детальніше розкажу про виробництво.

Дякую вам за теплий прийом і підтримку нового есе. Класно, що це загадкове відео про музику спрацювало саме так, як я того і хотів! ✨

Нове відео на каналі!

Come True. Хорор, який магічним чином народився з пісні.

Це один із найбільш загадкових і моторошних фільмів про сни, і по-справжньому його можна зрозуміти лише доторкнувшись до його саундтреку від Electric Youth та Pilotpriest.

А ще це сиквел до відео по Breathing, на який так багато хто з вас чекав ✨

Oh, you might shed some tears
But these modern fears won't hold you down
And oh, it might take some years
But these modern fears won't be around. 💙

Саме так виглядав процес монтажу відео по Come True. Справжня фотохроніка у кольорі.

Реліз на каналі вже сьогодні ввечері ✨

Знаю, що нагадую про це щоразу, але ви дуже допомагаєте, коли додивляєтеся відео до кінця — Ютуб дуже любить, коли ви це робите, і в ідеалі за один раз.

А лайки і коментарі, звичайно ж, теж дуже класно. Для мене взагалі основна мета це обговорювати відео з вами і дізнаватися, як на вас вплинула тема ролика.

Скоро побачимось!

На Патреоні вже можна подивитися нове відеоесе про Come True та його неймовірно загадковий саундтрек.

Все ще не знаю, коли відео буде на Ютубі — хочу трохи потримати цей випуск ексклюзивно на Патреоні, таким чином виразити вдячність всім, хто мене підтримує. Але чекати повноцінного релізу залишилось не так довго 😌

Закінчую відеоесе, яке робив ще наприкінці 2021 і яке мало вийти на початку 2022 року. Але після початку повномасштабного вторгнення відклав його на невизначений час.

Уже зовсім скоро ролик вийде на каналі, на Патреоні вже певний час лежить анонс із подробицями, плюс само відео там вийде раніше.

А поки, якщо хочете максимально підготуватися, можете подивитися відео по Breathing (фільм, який так і не вийшов), хоррор про сни Come True і послухати музику до обох проектів:

- Breathing (Original Motion Picture Soundtrack from a Lost Film)
- Come True (Original Motion Picture Score)

Так, загадкові відео про музику повертаються на канал. Тільки цього разу контекст ще більш таємничий, ніж у фільму, що не вийшов.

Міцно обіймаю і дякую всім тим, хто досі залишається і підтримує. Знаю, що зараз це може бути непросто.

Channel photo updated

Чому гібридна анімація, наприклад як в Arcane, Puss in Boots або Teenage Mutant Ninja Turtles це не стиль Spider-Verse?

Тим, хто давно в анімації, буде дуже корисно нагадати собі. А тим, хто дізнається про все вперше, це відео може замінити який-небудь хороший курс по стилю сучасної анімації і тому як CG неминуче з'являлося в цій частині індустрії.

Це відео справжній подарунок — давно не бачив, щоб автор на Ютубі так професійно і водночас природно занурив мене в тему. Особливо з урахуванням того, що я майже нічого нового не дізнався. Головне, що зараз в одному матеріалі є все, що так довго існувало в роздробленому вигляді.

Найімовірніше ви знайдете цей коментар нерепрезентативним, бо в інтернеті зазвичай пишуть набагато зліші речі, і взагалі я можу сильно помилятися. Але коли я читаю таке про той же The Rings of Power чи будь який інший твір, мені здається що такого типу глядач може, ну не знаю, радіти тому як Disney закривають другий сезон The Acolyte (можливо навіть бачити у цьому якусь перемогу). Або займатися хейтвотчем неідеальних, але все ще по своєму цікавих творів. Just why...?

Я не впрягаюся за студії та їхні IP, але мені б хотілося відзначити важливість важкої праці живих людей, які вкладаються у серіали та кіно. Бо мені сумно, коли я зараз бачу у масового глядача цю неймовірну відсутність бажання давати другий шанс та час для того, щоб твір міг зростати та змінюватися. Чомусь людям потрібно ОДРАЗУ та ЗАРАЗ щоб було круто. Але я не вважаю це справедливим.

Що такі глядачі тоді знаходять у моїй творчості яка повна протилежність ось цьому "посміятися з тупості"? Я правда не розумію, бо навіть найжахливіший фільм і серіал робити катастрофічно складно.

Цей коментар став приводом ось для яких думок: що більше я знаю про індустрію, що більше я працюю в ній, то менше мені хочеться заходити зі споживацьких і принижувальних ракурсів, які нічого не привносять. Особливо це не допомагає авторам, на яких, напевно, незадоволений глядач хотів би вплинути.

А щодо скасування The Acolyte... насправді це жахливі новини. У мене самого є питання до серіалу, але так само є і те, за що я йому дуже вдячний. Я був би рад подивитися другий сезон. Проте, судячи з усього, у нас буде ще більше CG Люка Скайвокера і Татуїна, тому що Disney навряд чи зробить правильні висновки і зовсім не збирається захищати акторів своїх проектів від несправедливого хейту. Навіщо їм тоді працювати зі студією та вкладатися в експерименти.

Ось вам приклад: уявіть, що мультсеріал The Clone Wars, який так зараз люблять фанати Star Wars, скасували б на першому або другому сезоні (так, вони були дійсно не дуже вдалими, але й рев'ю бомбинг не допомагав).

Серіали це медіум, який повинен дихати і мати можливість рости. І не тільки серіали, а загалом будь-яка творчість — давати право твору бути неідеальним, з помилками, нерівностями дуже важливо. Бо давши мистецтву можливість дихати і самому визначити свій шлях, ми можемо отримати ті самі 7 сезонів неймовірних The Clone Wars. І тут може бути інший серіал, який ви б хотіли любити, але чомусь не виходить.

І так, я не маю мети наїхати на автора коментаря, але цей дуже знайомий набір літер змусив відчувати почуття.

Я як і раніше буду тим, хто захищатиме перший сезон The Rings of Power від несправедливого хейту (можете перечитати серію моїх постів по тегу #TRoP і чому я вважаю, що серіал є за що любити). Але у Нерда в цьому відеоесе є класний ракурс з яким я в цілому згоден.

Адаптація Толкіна у вигляді серіалу з самого початку є практично неможливим завданням, бо правила роботи книжкових і телевізійних форматів ніхто не скасовував.

Знаю що виходить другий сезон, але я ще не встиг подивитися нові серії. Якщо буде що сказати, то тег #TRoP обов'язково поповниться новими постами (поки що не знаю на якій мові).

Нове відеоесе від Every Frame a Painting.

Так, це не жарт — Тоні справді повернувся з лаконічним та надихаючим відео, як і завжди.

We are so back!

Коли випадково натикаюся на ось такі уривки що зроблені ентузіастами, починаю в широкому сенсі розуміти наскільки великий внесок є у Spider-Verse, Arcane і сиквела Puss in Boots у медіа.

Вже неодноразово говорю про це, але цей стиль анімації точно визначив теперішні 20-ті.

Ось, наприклад, як виглядає один з коротких епізодів моєї улюбленої Halo в такому анімаційному стилі. Автор абсолютно чудово вловив те, як відтворити на екрані швидкість Спартанця, дивовижно відчув моменти ударів і кінетику, чудово попрацював з підготовкою глядача до руху (anticipation) та приділив достатньо уваги до 2D ефектів зброї та часток. Ох... а цей негативний простір і спрощення до ч/б для створення сили фінішного удару на 00:30!

І все одним довгим дублем. Прекрасна робота! З радістю б подивився серіал по Halo в такій стилістиці.

Кому цікаво, автор зробив все самостійно у Blender та перебуває тут.

З Prometheus, Covenant і Romulus теж усе не дуже просто.

- Корабель Prometheus у фільмі символ «забороненого» знання, за яким вирушили головні герої. Прямо як вогонь, який титан Прометей з давньогрецької легенди вкрав з Олімпу щоб передати людству. І Прометей з легенди, і екіпаж корабля у фільмі, були «жорстоко покарані Богами за свої дії».

- Covenant це релігійна домовленість — обіцянка, що дана людству Богом у Біблії за дотримання певних умов. Припускаю, що такою «умовою» у Alien: Covenant було не змінювати курс космічної подорожі.

- Romulus і Remus — брати-близнюки, які за легендою заснували місто Рим. Вони народилися в результаті таємного і протизаконного зв'язку, через що були кинуті на березі річки, де їх вигодувала вовчиця. У фільмі можна помітити не тільки логотип з нею на дверях головної лабораторії, а й саму станцію, яка складається з двох дуже схожих частин (брати як дві частини одного цілого).

За легендою брати не домовилися про місце для міста і про розподіл влади, а тому посварилися, внаслідок чого Ромул вбиває Рема. Думаю, що в контексті Alien: Romulus вбивство з легенди символічне, адже воно прямо пов'язане з сумною долею станції. Або тут є ще одне значення, яке я не помітив.

- Щодо Sevastopol з гри Alien: Isolation, я думаю не потрібно майже нічого пояснювати, окрім того, що дизайн станції невипадково віддзеркалює дизайн Nostromo і його вантажу — за сюжетом дочка Ріплі стикається з ксеноморфом на борту крипового корабля, а сама станція спочатку використовувалася як вільний порт, за яким майже ніхто не доглядав, що призвело її до занепаду.

Але так, звичайно ж це просто ще один привід згадати рідний Крим 🥲

(2/2)

У серії Alien одні з моїх найулюбленіших назв для космічних кораблів і станцій: Nostromo і Narcissus в Alien, Sulaco в Aliens, Patna в Alien³, Auriga в Alien: Resurrection, а також Prometheus, Covenant та Romulus з однойменних фільмів. Можна ще згадати станцію Sevastopol з гри Alien: Isolation.

І на цьому можна було б і закінчити — я просто люблю назви планет, станцій, кораблів чи бойових роботів в науковій фантастиці (привіт, Pacific Rim). Але я розумію, що не всім достатньо того факту, що якесь слово дуже красиво звучить. Тому тримайте розбір історій цих назв з Alien, про які ви, швидше за все, і не знали.

1857 рік. Україна, Бердичів, Житомирська область. Саме тут народжується письменник польсько-британського походження Джозеф Конрад. За цікавим збігом обставин під час виробництва першого Alien, Конрад являється одним із найулюбленіших письменників режисера Рідлі Скотта. І коли знадобилася назва для головного корабля, на якому відбуватиметься основна подія фільму, Скотт вирішив використати ім'я одного з найвідоміших персонажів Конрада, яке також є назвою книги де він фігурує — «Ностромо».

- У перекладі з італійської ця назва означає «боцман» — офіцер, який відповідає за команду на кораблі. У романі головний герой зарекомендував себе як надійна людина — Ностромо працьовитий іноземець, якому жителі вигаданої країни можуть довіряти завдяки всьому хорошому, що він для них зробив. Багатії в цій історії використовують робітників у своїх інтересах, так само як корпорація Weyland-Yutani у фільмі використовує екіпаж Nostromo — корабель з людьми на борту змінює курс, щоб забрати інопланетний зразок і доставити його корпорації. Цікаво, що в обох сюжетах саме жадібність приводить людство туди, де воно не повинно бути.

На полях: Nostromo це не величезний корабель розміром з місто, а старий і відносно невеликий тягач. А ось вантаж, який він тягне за собою, справді великий — це завод для переробки руди, який нагадує готичний собор.

- Човен Narcissus, на якому рятується Ріплі наприкінці Alien, можливо і справді названий на честь квітки — в більшості культур вона символізує надію і радість. Хоча в середньовіччі вважалося, що якщо нарцис поник при погляді на нього, це було передвістям смерті.

- Із Sulaco з Aliens, корабля з військовими і Ріплі на борту, ще цікавіше: «Сулако» названо на честь міста, в якому відбувається дія роману Конрада. І «Сулако» в романі, і Sulaco в Aliens перебувають у підпорядкуванні у гнусної бізнес-структури. Така назва є повагою до оригінального фільму, а також нагадуванням про те, що в Aliens загинуло ще більше людей — стартовою точкою можна вважати жадібність Weyland-Yutani з першого фільму, через яку було втрачено майже весь екіпаж корабля, а в сиквелі через дії корпорації жертвою стала вже ціла колонія.

- В Alien³ корабель, який вирушає за Ріплі та прибульцем, називається Patna. Це назва судна з іншого роману Джозефа Конрада під назвою «Лорд Джим». У цьому романі «Патна» тоне і замість того, щоб спробувати врятувати насамперед пасажирів корабля, капітан думає тільки про свій порятунок. Тут теми зради та егоїзму збігаються з тим, як зображують корпорацію Weyland-Yutani в триквелі — корабель у фільмі відправлено не для порятунку ув'язнених або Ріплі. Його відправляють тільки для того, щоб забезпечити безпеку прибульця. А всі інші в розумінні корпорації розхідний матеріал.

- В Alien: Resurrection дослідницьке судно, на якому відбуваються всі основні події фільму, називається Auriga. Воно назване на честь сузір'я, і одна з історій, пов'язаних із ним, це легенда грецького героя Іполіта, якого, як і Ріплі, воскресили.

(1/2)