Картины. Живопись. Искусство टेलीग्राम पोस्ट

Энди Уорхол. Мэрлин Монро

Работа Энди Уорхол«Мэрилин Монро». Её приравняли к портрету Джоконды. Этот портрет использовался широко в Голливуде, изображение приобрело такую популярность, что после смерти дивы полотно было продано за приличную сумму.

Для самого художника работа оказалась знаковой, он немало реализовал коммерческих проектов на ее основе. Интересно, что именно этот образ знаменитой Мерилин Монро и запомнился, а ведь актриса за свою непродолжительную жизнь сменила несколько образов.

Мерилин изображена в своем индивидуальном стиле. Она улыбается, а ее глаза полузакрыты. Такой взгляд придает образу сексуальности и загадочности, так манящей мужчин. Яркая помада оттеняет белизну зубов и делает акцент на губах.

Художник создал портрет в духе импрессионизма, но все же отобразил истинный такой популярный образ актрисы. Несмотря на кажущуюся внешнюю привлекательность, в портрете заложен глубокий смысл.

Образ Мерилин служил всего лишь красивой оберткой, так привлекающей многочисленных поклонников. Ее воспринимали как секс-символ и красивую женщину целой эпохи. Еще долгие годы после ее смерти женщины во всем мире копировали этот оригинальный стиль, открывая в себе сексуальность и привлекая представителей противоположного пола.

Никого не волновали внутренние переживания этой красивой женщины, которые и привели ее к печальному концу. Она на самом деле была очень неуверенной в себе, за кажущейся уверенностью скрывался застенчивый ребенок. Мерилин считала свою актерскую карьеру неудачной и мечтала о серьезных ролях.

Режиссеры видели ее лишь в образ сексуальной соблазнительницы. Внутренние противоречия, депрессия, неудачи в личной жизни и отсутствия детей скрывались за маской такого красивого портрета. Уорхол был основателем целого цикла портретов Мерилин, написанных в этом стиле после ее смерти.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Три рецепта: как за 1,5 часа получить культурного ребенка

💻Бесплатный вебинар 25 января в 13:00 по МСК

Когда ваш ребенок слышит слова «Моцарт», «Бах» или «Шопен», что он чувствует? Возможно, ничего. Эти имена могут звучать для него как абстракция — нечто далекое, сложное, неинтересное.

И это нормально. Мы живем в мире, где классическая музыка часто оказывается в тени других увлечений. Родителям сложно объяснить, зачем эта музыка, почему она важна, как она может стать частью жизни ребенка.

Но, возможно, вы замечали:

🔹 Дети быстро теряют интерес к музыкальной школе и занятиям, жалуясь на скуку.
🔹 Книги и фильмы о великих композиторах остаются непрочитанными, а музыка звучит «непонятно».
🔹 Вы хотите, чтобы ребенок рос гармонично, ценил красоту искусства, но не знаете, как это сделать без давления.

Вы не одни. Это боль многих родителей, которые хотят дать детям больше, но не хотят превращать процесс в «обязаловку».

На вебинаре Юлия Казанцева, приглашенный лектор Московской филармонии, кандидат искуствоведения, пианист и педагог с 20-летним опытом, расскажет:

🎵 Как за 1,5 часа вы сможете показать ребенку, что классика — это интересно и красиво.
🎵 Какие простые шаги помогут привить ребенку любовь к музыке.
🎵 Почему культурное развитие важно для успеха в будущем.

💡 Для кого этот вебинар:
— Для родителей, которые хотят видеть своих детей не только умными, но и культурно развитыми.
— Для тех, кто ищет способы привить детям тягу к искусству и гармонии.
— Для бабушек и дедушек, которые мечтают передать своим внукам любовь к классике.
— Для семей, где дети уже занимаются музыкой, но теряют интерес.

🎁 Подарок при регистрации:
Видео-урок «Как слушать с ребёнком «Времена года» Чайковского, чтобы привить любовь к прекрасному»

📅 Когда: 25 января, 13:00 по МСК
🌐 Где: Онлайн
💡 Участие: Бесплатное

🌟 Регистрируйтесь прямо сейчас:
https://yuliakazantseva.ru/webinarkids?utm_source=tg&utm_medium=posev&utm_campaign=webinarkids&utm_content=kartiny2

Пусть ваш ребенок почувствует мир искусства и сделает первые шаги к гармоничному и культурному будущему. Начните вместе уже 25 января!

Мечтательность
1866
Дэниел Риджуэй Найт 🇺🇸
Масло, холст. Информации нет.
Музей Беркшира, США

Американский художник-реалист, известный своими жанровыми картинами, изображающими сельскую жизнь Франции. Родившись в Пенсильвании, он с ранних лет проявлял интерес к живописи и обучался в Пенсильванской академии изящных искусств. В 1861 году Найт отправился в Париж для продолжения обучения в Школе изящных искусств под руководством Марка Габриэля Шарля Глейра.

Картина относится к раннему периоду творчества Найта. В это время он находился под влиянием европейских мастеров и стремился запечатлеть тонкие эмоциональные состояния своих персонажей. Хотя подробная информация о сюжете картины отсутствует, можно предположить, что она изображает молодую женщину, погруженную в мечтательные размышления, что соответствует названию произведения.

Интересный факт из жизни художника: после возвращения в США в 1863 году Найт участвовал в Гражданской войне, создавая зарисовки военных сцен. Этот опыт, вероятно, обогатил его понимание человеческих эмоций и состояний, что впоследствии отразилось в его работах.

В 1872 году Найт вновь переехал во Францию, где поселился в Пуасси на берегу Сены. Там он начал создавать свои знаменитые картины, изображающие сельских жителей в их повседневной жизни. Его внимание к деталям и способность передавать атмосферу момента сделали его работы популярными и востребованными.

«Мечтательность» отражает ранние стремления Найта исследовать внутренний мир своих персонажей, что стало предвестником его последующих работ, посвященных жизни простых людей на фоне живописных французских пейзажей.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Смерть и девушка, 1915 год.
Эгон Шиле 🇦🇹
Холст, масло. 150х180см
Австрийская галерея Бельведер, Австрия

В период создания этой работы Шиле переживал важные личные перемены: он женился на Эдит Хармс и был призван на военную службу в разгар Первой мировой войны. Эти события отразились в его творчестве, где часто присутствуют темы смерти и эротизма. В «Смерти и деве» художник обращается к традиционному мотиву, изображая молодую женщину, обнимающую фигуру смерти в монашеском одеянии. Такое представление смерти как возлюбленного придает сцене особую эмоциональную глубину и лишает её ужаса.

Интересно отметить, что первоначально Шиле назвал картину «Мужчина и девушка» или «Сплетенные люди», что подчеркивает тесную связь между персонажами. Сюжет перекликается с работой другого австрийского художника, Оскара Кокошки, «Невеста ветра» (1914), где также изображены объятия пары на фоне бурных переживаний.

В 2016 году картина послужила источником вдохновения для художественного фильма «Эгон Шиле: Смерть и дева» режиссера Дитера Бернера, основанного на биографическом романе Хильде Бергер «Смерть и девушки: Эгон Шиле и женщины».

«Смерть и дева» остается мощным выражением человеческих эмоций, отражая сложные отношения между жизнью, любовью и неизбежностью смерти, что делает её актуальной и сегодня.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Серебристый клубок, 1921
Франклин Кармайкл 🇨🇦
Масло, холст. 119,7 x 101,6 см.
Художественная галерея Онтарио, Канада

Франклин Кармайкл (1890–1945) был одним из основателей «Группы семи» — объединения канадских художников, стремившихся отразить уникальную природу Канады через искусство. Кармайкл специализировался на пейзажах, часто изображая канадские леса, озера и горы.

Хотя конкретная информация о картине «Серебристый клубок» ограничена, название может указывать на изображение природного мотива, возможно, связанного с водой или древесными формами, что характерно для стиля Кармайкла. Его работы известны использованием насыщенных цветов и стремлением передать атмосферу канадской природы.

Картина отражает стремление художника к созданию национального канадского искусства, подчеркивая красоту и своеобразие местных пейзажей. Посетители Художественной галереи Онтарио имеют возможность увидеть эту работу и оценить вклад Кармайкла в развитие канадской живописи.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Наша первая ссора, 1878 г.
Роберт Уокер Макбет 🇫🇮
Масло, холст. 70,5 x 106,2 см.
Художественная галерея Уокера, Англия

Картина «Наш первый спор» (англ. «Our First Tiff»), созданная в 1878 году шотландским художником Робертом Уокером Макбетом, является ярким примером жанровой живописи викторианской эпохи. Полотно, выполненное маслом на холсте размером 70,5 x 106,2 см, хранится в Галерее Уокера в Ливерпуле, Англия.

На картине изображена сцена из повседневной жизни: молодая пара, вероятно, супруги, сидит за столом на открытом воздухе. Мужчина, скрывая лицо за газетой, демонстрирует явное недовольство или обиду, в то время как женщина, наклонившись к нему, пытается заговорить или извиниться. Эта сцена передает момент первого разногласия или ссоры между ними, что отражено в названии работы.

Роберт Уокер Макбет (1848–1910) был известен своими жанровыми сценами, изображающими сельскую жизнь и бытовые моменты. Его работы отличаются вниманием к деталям и умением передать эмоции персонажей через их позы и выражения лиц. В «Нашем первом споре» художник мастерски использует свет и композицию, чтобы подчеркнуть напряжение между героями и создать интимную атмосферу сцены.

Картина является ценным примером викторианской жанровой живописи, отражающей интерес художников того времени к повседневным сюжетам и человеческим взаимоотношениям. Сегодня «Наш первый спор» привлекает внимание зрителей своей эмоциональной глубиной и мастерством исполнения, оставаясь актуальной и понятной для современного зрителя.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Дайджест картин за ноябрь '24

Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg

Демон Михаила Врубеля
Сборник Эдуард Мане
Сафо и Фаон. Жак-Луи Давид
Диана и нимфы, увиденные сатиром. Дейк, Антонис ван
Обнажённая, спускающаяся по лестнице. Марсель Дюшан
Карусель. Марк Гертлер
Охотник в дюнах. Макс_Либерман
Наблюдение за огнем. Колин Гилл
Портрет мадемуазель Ланж в образе Данаи. Анн-Луи Жироде-Триозона
Натюрморт с кофейными чашками. Антон Файстауэр
Подготовка к дневному представлению. Эдмунд_Тарбелл

Шахматы
1949
Цейтлин

Картина изображает юного пионера, сосредоточенно делающего ход в шахматной партии. Мальчик, облачённый в пионерский галстук, символ эпохи, воплощает идеалы советской молодёжи: собранность, решительность и стремление к интеллектуальному развитию. Контраст между ярким красным галстуком и приглушёнными тонами фона подчёркивает значимость пионерского движения в СССР. Художник мастерски передал момент размышления, делая картину живой и динамичной, создавая ощущение, что мальчик вот-вот сделает свой ход.

Григорий Цейтлин, заслуженный художник России, известен своими портретами, в которых с большим вниманием и теплотой раскрывал характер человека и его душевное богатство. Его работы хранятся в различных художественных музеях, включая Государственную Третьяковскую галерею и региональные музеи России.

Картина «Игра в шахматы» является примером того, как Цейтлин удачно сочетал простоту композиции с глубоким психологизмом, передавая не только внешность, но и внутренний мир своих персонажей. Изображённый мальчик отражает ценности, прививаемые советской системе образования и воспитания, где особое внимание уделялось интеллектуальному развитию и моральным качествам подрастающего поколения.

Таким образом, через образ юного шахматиста в пионерском галстуке, художник передаёт идеалы своего времени, подчёркивая важность умственного труда, сосредоточенности и ответственности, присущих советской молодёжи.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Мистическое Рождество
1500
Сандро Боттичелли
Национальная галерея, Лондон

Картина есть одно из самых загадочных и насыщенных символизмом произведений художника. Она считается уникальным примером творчества позднего периода мастера.

На полотне изображена сцена Рождества, но в нетрадиционной интерпретации. Ангелы ликуют в небесах, образуя хороводы, а на земле наблюдаются сцены прощения: люди обнимают ангелов, символизируя надежду и примирение. Богородица склонилась перед младенцем Христом в окружении вола и осла, традиционных символов скромности и смирения.

Интересной особенностью картины является греческая надпись в верхней части, где художник упоминает Апокалипсис. Он ссылается на нестабильные времена в Италии и правление Сатаны, которое, по его словам, длилось три с половиной года. После этого наступает надежда на победу добра над злом, что визуализировано в центральной сцене.

Эта работа наполнена мистикой и религиозным посланием, отражая личные переживания Боттичелли и влияние проповедника Савонаролы, идеи которого глубоко повлияли на художника. "Мистическое Рождество" — это не только произведение искусства, но и духовное высказывание о надежде, вере и искуплении.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Франц Марк
Свиньи

Это словно взгляд на мир сквозь яркие стекла эмоций, символов и невероятной фантазии. Когда смотришь на эту картину, сразу чувствуешь энергию экспрессионизма, который, как будто, вырывается за рамки холста, чтобы сказать: «Здесь все не просто так». А еще где-то проскальзывает символизм — он словно нашептывает свои тайны, которые ты раскрываешь с каждым новым взглядом.

Марка, если честно, всегда привлекал мир животных. Людей он писал редко, почти никогда. Его отталкивало то, насколько, по его мнению, человеческий мир был безобразным и чуждым. А вот животные для него были воплощением чистоты и искренности, своего рода идеалом живой природы. Наверное, именно поэтому в его работах звери словно оживают — они наделены душой, и кажется, что в их чертах скрывается что-то человеческое... или, может, даже большее.

Посмотри на «Свиней»: здесь цвета говорят больше, чем сами формы. Синяя свинья? Это, скорее всего, символ мужского начала, спокойного и сильного. А красный? Вот тут хитрость! Это не про страсть или любовь, а про вес грубой материи, про что-то давящее и тяжелое. А желтый – это нежность, женское начало, которое уравновешивает всю композицию.

Картина, несмотря на свою выразительность, удивительно реалистична. Экспрессионизм тут переплетается с почти осязаемой правдой, словно художник нашел способ соединить два мира – видимый и внутренний. Это делает работу Марка новаторской и необычной.

И что особенно здорово, так это то, что Франц Марк словно дает нам ключ к загадке, но не открывает саму дверь. Картина полна символов и эмоций, но каждый зритель волен раскрыть ее тайны по-своему. Вот ты смотришь на яркие краски и идеально подобранный фон – и понимаешь, что все здесь не случайно. Задний план словно усиливает общий настрой, делает мир картины более глубоким, объемным, захватывающим.

И в этом, пожалуй, и есть главная магия «Свиней» — они заставляют задуматься, почувствовать, открыть что-то новое в себе. Это больше, чем просто изображение животных, это диалог с душой зрителя.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.