Картины. Живопись. Искусство

Наблюдение за огнем
1919 г.
Колин Гилл 🏴󠁧󠁢󠁥󠁮󠁧󠁿

Наблюдение за огнем
1919 г.
Колин Гилл 🏴󠁧󠁢󠁥󠁮󠁧󠁿
Масло, холст. 76,2 x 50,8 см.
Имперский военный музей, Англия

Это не только живописное произведение, но и своего рода окно в события Первой мировой войны.

На картине изображены трое офицеров британской Королевской артиллерии, которые из заброшенной траншеи в «ничейной земле» корректируют артиллерийский огонь. Один из них использует полевой телефон, а двое других сосредоточенно наблюдают за полем боя. Рядом видны следы разрушений — полусгоревшее дерево и пустынный ландшафт, создающие ощущение опасности и безмолвия.

Колин Гилл, будучи официальным военным художником, хотел не просто зафиксировать детали войны, но и передать эмоции и напряжение, которые сопровождали солдат. Картина удивительно сочетает в себе документальную точность и художественную выразительность. Она рассказывает о непростой, но очень важной роли наблюдателей, которые рисковали жизнями ради точности артиллерийского огня.

Этот небольшой, но насыщенный по содержанию шедевр напоминает о том, какие испытания выпадали на долю людей во время войны, и позволяет глубже понять их повседневную реальность.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

20 ноября московская галерея Île Thélème отмечает день рождения!

Темой праздника станет путешествие Пантагрюэля в поиске оракула волшебной бутылки. В программе найдется место и большому концерту Île Thélème Ensemble, и нарядному путешествию в Версальский сад, и пленочному кинематографу. А праздничную атмосферу дополнят торт, угощения и живое общение с гостями и сотрудниками галереи.

В рамках концерта Île Thélème Ensemble прозвучат сочинения Стравинского, Десятникова, Берио, Фуррера, Саариахо, Такемицу и Полякова.

Билеты на праздник уже доступны на сайте пространства.

Охотник в дюнах
1913
Макс_Либерман 🇩🇪
Масло на холсте. 70,5 x 100,5 см.
Австрийская галерея Бельведер, Австрия

Картина немецкого художника Макса Либермана представляет собой выразительный образец импрессионистского стиля, в котором мастер работал в течение большей части своей карьеры. Либерман, один из наиболее известных представителей немецкого импрессионизма, создал эту работу с использованием широкой, динамичной манеры письма, передающей движение, атмосферу и жизнь.

На картине изображён охотник, сопровождаемый несколькими собаками, который идёт по зелёным, слегка холмистым дюнам. Пейзаж выглядит живым благодаря технике художника: мазки краски густы и энергичны, что создаёт ощущение ветреной погоды и подвижности природы. Охотник одет в традиционную охотничью одежду того времени — твидовый костюм и кепку, а в руках держит ружьё, подчёркивая реалистичность сцены. Собаки, изображённые рядом с ним, добавляют динамику и подчёркивают тему охоты, показывая взаимодействие человека и природы.

Цветовая палитра картины преимущественно состоит из естественных тонов: зелёного, коричневого, бежевого, с лёгкими оттенками серого. Это создаёт атмосферу умиротворения и единения с природой, но в то же время передаёт её суровую красоту. Небо над дюнами занимает небольшую часть полотна, акцентируя внимание зрителя на фигуре охотника и окружающем его пейзаже.

Макс Либерман стремился запечатлеть моменты из повседневной жизни, привнося в них нотки романтики и эмоциональности. Эта работа отражает характерные черты позднего импрессионизма, где внимание уделяется игре света, тени и движению. Картина демонстрирует любовь художника к природе и его способность передавать мимолётные впечатления с помощью живописи.

Картина остаётся примером мастерства в изображении простых, но глубоких сцен, наполненных энергией и жизнью.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Карусель
1916
Марк Гертлер 🏴󠁧󠁢󠁥󠁮󠁧󠁿
Tate Britain, England

Original file

"Мerry-Go-Round" (в переводе "Карусель") – одно из самых известных произведений британского художника еврейского происхождения Марка Гертлера. Эта картина выполнена маслом на холсте и имеет внушительные размеры – 189,2 × 142,2 см. Сегодня полотно находится в коллекции музея Tate Britain в Англии.

На момент создания картины Европа была охвачена Первой мировой войной. Это кровопролитие потрясло весь мир, а искусство того времени часто отражало ужас и абсурдность происходящего. Марк Гертлер, пацифист по убеждениям, также выразил свой протест против войны, создав "Merry-Go-Round".

Картина была вдохновлена ярмарочной каруселью, но вместо беззаботного развлечения зритель сталкивается с мрачной, гипнотической атмосферой. Это произведение стало одним из сильнейших антивоенных высказываний в британском искусстве того времени.

Центральное место в композиции занимает вращающаяся карусель, на которой расположены фигуры мужчин и женщин в военной форме. Лица персонажей обезличены, выражают крайнюю напряжённость или пустоту, подчёркивая их обезличенность и потерю индивидуальности. Цветовая гамма насыщена яркими, почти кричащими цветами – красным, синим, жёлтым, что создаёт контраст между кажущейся праздничностью и скрытым трагизмом сцены.

Фигуры на карусели находятся в строгом ритме, напоминающем военный марш. Этот ритм подчёркивает ощущение механической неотвратимости – карусель символизирует цикличность и неизбежность насилия и войны.

Карусель в данной работе выступает как метафора бесконечного и бессмысленного круговорота войны. Люди, изображённые на ней, выглядят как жертвы, лишённые свободы воли, вынужденные участвовать в этом трагическом «аттракционе». Яркие цвета усиливают абсурдность ситуации и подчеркивают контраст между внешним и внутренним.

"Merry-Go-Round" оказала значительное влияние на последующее британское искусство, став примером того, как визуальное искусство может передавать мощный антивоенный месседж. Марк Гертлер использовал элементы модернизма, экспрессионизма и примитивизма, чтобы создать это эмоционально насыщенное произведение.

Сегодня картина остаётся важным напоминанием о жестокости войны и силе искусства как инструмента социальной критики.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Дайджест картин за сентябрь '24

Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Пробудившийся стыд. Уильям Холман Хант
Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения. Сальвадор Дали
Черёмуха в стакане. Петров-Водкин
Рождение Венеры. Энди Уорхол
Обезьяны, крадущие фрукты. Франс Снейдерс
Без названия. Макс Эрнст
Единоборство Мстислава с Редедей. Николай Рерих
Башкиры (Башкиры, конвоирующие приговоренных). Вильям Аллан
Казнь Джей Грей. Поль Деларош
Книжный червь. Карл Шпицвег
Тачанка. Митрофан Греков
Мадонна с пулемётом. Карлис Падегс
Четыре свободы Рузвельта
Мастерская художника. Истинная аллегория семи лет моей творческой и нравственной жизни. Гюстав Курбе
Воспоминания Олив. Альберто Варгас

Влияние хронофотографии на создание произведения
Интерес к движению и динамике был центральной темой для многих художников начала XX века. На Дюшана повлияла хронофотография — метод, разработанный учёным и фотографом Этьеном-Жюлем Марэ. Дюшан также черпал вдохновение из серии фотографий «Женщина спускается по лестнице», сделанной в 1887 году Эдвардом Мэйбриджем, которая представляла собой серию последовательных снимков, фиксирующих движение в реальном времени.

Воплощая в себе принципы хронофотографии, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» становится чем-то большим, чем просто картиной: это попытка зафиксировать каждое мгновение движения, словно в серии кадров. Дюшан разбивает изображение обнажённого тела на геометрические формы, что отражает влияние кубизма, но также добавляет элементы механического и динамичного. Это произведение — своеобразный синтез живописи и кинематографа, передающий иллюзию движения статичным образом.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Обнажённая, спускающаяся по лестнице
1912
Марсель Дюшан
Холст, Масло. 147 × 89.2 см
Художественный музей Филадельфии, Филадельфия

Марсель Дюшан — одна из самых ярких и неоднозначных фигур XX века, чьи работы предвосхитили многие направления в искусстве, включая дадаизм и сюрреализм. Его картина «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» (1912), созданная в технике масла на холсте, является одним из самых значимых произведений модернизма, вызывая интерес зрителей и искусствоведов на протяжении более чем века.

В начале XX века искусство находилось в состоянии стремительных перемен. К традиционным формам изображения уже было применено множество революционных подходов, таких как кубизм, возникший под влиянием Пабло Пикассо и Жоржа Брака, и футуризм, стремящийся показать динамику современного мира. Картина Дюшана появилась на этом переломном фоне и предложила нечто совершенно новое, объединяя в себе элементы разных направлений и подходов.

Картина была представлена публике в 1912 году на Салоне Независимых в Париже. Это событие должно было стать дебютом работы, однако члены выставочного комитета, в том числе кубисты, выступили против её показа, сочтя произведение не соответствующим их идеям. Таким образом, картина вызвала неоднозначную реакцию, став символом свободы художественного самовыражения и бунта против канонов.

На картине изображена фигура, которая, как можно догадаться из названия, спускается по лестнице. Однако это не классическая обнажённая натура, как её принято представлять в искусстве. Фигура фрагментирована и разбита на множество геометрических форм. Она словно движется со скоростью, оставляя за собой следы и размытие. Картина кажется лишённой привычного объёма и перспективы: перед зрителем остаётся лишь череда абстрактных форм, где каждая деталь — лишь часть единого движения.

Цветовая палитра ограничена тёплыми, приглушёнными тонами, что придаёт картине суровую, почти механическую атмосферу. Дюшан избегает яркости, его задача — подчеркнуть сам процесс движения, а не сосредоточиться на деталях тела или его пластике.

Интересно, что Дюшан называл своё произведение не кубистским и не футуристским, хотя оно и заимствует отдельные элементы обоих стилей. Кубисты, такие как Пикассо и Брак, критиковали картину за её чрезмерный акцент на движении, который они считали чуждым их стремлению к неподвижной, аналитической композиции. Футуристы же, напротив, приветствовали идею движения, но считали композицию слишком статичной по сравнению с их собственными работами.

Дюшан создаёт свой язык, смешивая элементы разных направлений. Кубизм в его версии не фокусируется на разложении объектов на части, а показывает процесс движения, а футуризм приобретает абстрактный и технический оттенок.

После споров в Париже картина была представлена в 1913 году на знаменитой выставке «Armory Show» в Нью-Йорке, где сразу вызвала скандал и привлекла внимание публики и критиков. Американская публика, непривычная к авангардным формам, приняла картину с удивлением и даже насмешкой, однако впоследствии именно она стала одним из символов модернизма.

Со временем картина приобрела статус культовой. Она была воспринята как вызов академическим традициям и как символ свободы творческого самовыражения. Влияние картины отразилось на будущем авангарда, в частности на таких направлениях, как дадаизм и сюрреализм, к которым Дюшан также приложил руку.

«Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это более чем просто живопись; это эксперимент, попытка переосмыслить само понятие искусства. Дюшан бросает вызов привычным канонам, заставляя зрителя увидеть обнажённое тело как нечто иное — не как объект созерцания, а как символ движения и непрерывности. Его картина представляет собой важный этап в развитии модернизма, став частью культурного наследия XX века и сохраняя актуальность и сегодня.

Таким образом, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это произведение, которое не укладывается в рамки ни одного направления, представляя собой яркий образец уникального подхода Дюшана к искусству.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

🤩 Друзья, знаю что любите искусство, и скорее всего вам понравится моё предложение 😁

Конечно, всё бесплатно и для вашего удовольствия.

Вы знали, что у нас есть целая Сеть Культурных Каналов? Ага.

Есть каналы об искусстве (на этот вы подписаны, а есть с картинами Ван Гога и про музеи с выставками. Канал с русским реализмом).

Есть с литературой (короткие рассказы на русском и английском, канал Пелевина), а есть канал с классической музыкой, ну как же без этого). И кое что ещё...

Добавляйте всего одну папку к себе со всеми каналами сразу и больше ничего не нужно делать — только наслаждаться: https://t.me/addlist/c7ngCUTkDLw0ODZi

Что-то вы точно захотите почитать, посмотреть или послушать. Загляните. И поделитесь ссылкой на папку со знакомыми и друзьями 😏

Диана и нимфы, увиденные сатиром
1622 - 1627
Дейк, Антонис ван
Музей Прадо

Это одна из работ, иллюстрирующих влияние мифологии на барочное искусство.

На полотне изображена сцена, в которой сатир подглядывает за спящими богиней Дианой и её нимфами. Диана, римская богиня охоты и целомудрия. Её образ традиционно ассоциируется с чистотой и независимостью, но здесь она показана беззащитной и уязвимой, что контрастирует с её обычной ролью воительницы и защитницы природы. Ван Дейк использует насыщенные, глубокие тона, чтобы подчеркнуть чувственность сцены и драматизм момента. Гладкость и мягкость кожи Дианы контрастируют с грубостью и агрессивностью сатира, который стоит рядом. Этот контраст усиливает напряжение, придавая изображению едва уловимую тревожность.

В центре картины — фигуры Дианы и нимфы, драпированные ярко-красной тканью, что символизирует страсть и притягивает внимание зрителя. Композиция картины подчеркивает интимность и загадочность сцены. Изображение животных на переднем плане, включая мёртвую дичь и атрибуты охоты, создаёт ощущение присутствия природы и напоминает о роли Дианы как богини лесов и зверей.

Ван Дейк мастерски использует светотень, подчёркивая детали и создавая глубину сцены. Свет падает на Диану и нимфу, оставляя фигуру сатира в полутени, что усиливает его образ как тёмного, наблюдающего существа. Сцена наполнена таинственностью и символизмом, что характерно для стиля художника.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Сафо и Фаон
1808
Жак-Луи Давид
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Картина погружает зрителя в древнегреческий миф о безответной любви поэтессы Сафо к юному лодочнику Фаону. Легенда гласит, что богиня Афродита даровала Фаону вечную молодость и неотразимую красоту, сделав его объектом вожделения и сердечной тоски для многих. Но именно Сафо, знаменитая своим мастерством слова и нежной лиричностью, по преданию, испытала к нему такую всепоглощающую любовь, что не смогла справиться с отказом и бросилась в море с Левкадской скалы.

Интересно, что сама история о любви Сафо к Фаону, а особенно об ее трагическом прыжке с Левкадской скалы, появилась спустя много лет после смерти поэтессы, став частью мифологии вокруг ее имени. Картина Давида не только воплощает легенду, но и передает драму человеческих чувств, что делает ее актуальной для зрителя, как и более двух столетий назад, так и сейчас.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Эдуард Мане – один из самых известных французских художников XIX века, который оказал большое влияние на развитие искусства, в частности на импрессионизм и реализм. Его работы часто выделяются ярким светом, контрастами, свободным мазком и необычной для своего времени тематикой. Рассмотрим некоторые из лучших и наиболее известных картин Мане, которые и по сей день привлекают внимание зрителей.

1️⃣ «Завтрак на траве» (Le Déjeuner sur l’herbe), 1863
Эта картина, также известная как «Завтрак на природе», вызвала скандал в Париже после своей первой выставки. Она изображает двух мужчин в современном костюме, сидящих на пикнике с обнаженной женщиной. Работа нарушала традиционные правила академической живописи, смешивая жанры и показывая обнаженное тело в контексте современной жизни, а не мифологии или религиозных сюжетов. Композиция картины вдохновлена классическими произведениями, но исполнение и реализм обнаженной модели выделяют её как вызов общественным и художественным нормам.

2️⃣ «Олимпия» (Olympia), 1863
«Олимпия» считается одной из самых провокационных работ Мане и также вызвала резонанс в обществе. Картина представляет собой портрет обнаженной женщины, лежащей на кровати, которая уверенно смотрит на зрителя, а у её ног сидит служанка с цветами. Это произведение переосмысливает классический образ Венеры и акцентирует внимание на современности и прямолинейности. Картина была воспринята как вызов общественным устоям и получила много критики за то, что изображенная женщина казалась зрителям слишком откровенной и вызывающей.

3️⃣ «Бар в Фоли-Бержер» (Un Bar aux Folies-Bergère), 1882
Эта картина – одна из последних работ Мане и представляет собой изображение барменши в модном кафе Парижа. В зеркале позади неё отражаются свет и жизнь ночного Парижа, что создает интригующую перспективу и глубину. Картина привлекает внимание своей сложной композицией и деталями, такими как разнообразие бутылок на баре и многочисленные отражения в зеркале. Эта работа считается выдающимся примером умения Мане сочетать реализм и символизм, создавая многозначные образы.

4️⃣ «Портрет Эмиля Золя» (Portrait d'Émile Zola), 1868
Этот портрет был написан как дань уважения другу Мане, писателю Эмилю Золя, который поддерживал художника после критики его предыдущих картин. На картине изображён Золя за рабочим столом, окружённый книгами и произведениями искусства, включая репродукцию «Олимпии». Картина выделяется своим вниманием к деталям и реалистичным изображением интеллигента. Она подчёркивает интеллектуальность Золя и его уважение к культуре и искусству, являясь одновременно и документом дружбы, и манифестом культурных взглядов.

5️⃣ «Испанский гитарист» (Le Joueur de guitare), 1860
Это одна из ранних работ Мане, созданная под влиянием испанского искусства, особенно работ Диего Веласкеса. Картина изображает молодого испанского гитариста в яркой традиционной одежде. Использование света и тени, динамичный мазок, внимание к национальным деталям в костюме – все это привносит в работу особое очарование. Картина стала одним из первых значительных произведений художника и открыла ему путь к признанию.

6️⃣ «Балкон» (Le Balcon), 1868–1869
Эта картина представляет собой сцену на балконе, где сидят или стоят несколько человек, глядя вдаль. Центральное место занимает фигура женщины в белом платье. Картина явно перекликается с работой Гойи «Махи на балконе», но Мане переделал её на свой лад, добавив нотки загадочности. Картина завораживает тем, как Мане передает настроение своих героев и контраст между светом и тенью.

Эти работы подчеркивают уникальный стиль Мане, его способность сочетать смелые идеи с мастерством исполнения. Мане стал своего рода мостом между традициями классического искусства и новаторскими идеями импрессионизма, влияя на многих художников своего времени и создавая картины, которые остаются важной частью мирового культурного наследия.

⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.