А как вам живые картины?
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Картины. Живопись. Искусство
@kartiny2
Добро пожаловать, дружище! Мы уже тебя заждались 😁
Реклама @neznayca
Картины. Живопись. Искусство (Russian)
Добро пожаловать в наш канал 'Картины. Живопись. Искусство'! Если ты любишь искусство и живопись, то тебе точно понравится у нас. Мы собрали воедино лучшие произведения из мира живописи, чтобы каждый мог насладиться их красотой и вдохновиться. Здесь ты найдешь шедевры различных художников, от классиков до современных мастеров. Мы уверены, что каждая картина способна перенести тебя в удивительный мир искусства и вызвать много эмоций. Присоединяйся к нам и делись своими впечатлениями вместе с нами! Добро пожаловать в мир красоты и вдохновения! 🎨✨
22 Jan, 20:59
Энди Уорхол. Мэрлин Монро
Работа Энди Уорхол«Мэрилин Монро». Её приравняли к портрету Джоконды. Этот портрет использовался широко в Голливуде, изображение приобрело такую популярность, что после смерти дивы полотно было продано за приличную сумму.
Для самого художника работа оказалась знаковой, он немало реализовал коммерческих проектов на ее основе. Интересно, что именно этот образ знаменитой Мерилин Монро и запомнился, а ведь актриса за свою непродолжительную жизнь сменила несколько образов.
Мерилин изображена в своем индивидуальном стиле. Она улыбается, а ее глаза полузакрыты. Такой взгляд придает образу сексуальности и загадочности, так манящей мужчин. Яркая помада оттеняет белизну зубов и делает акцент на губах.
Художник создал портрет в духе импрессионизма, но все же отобразил истинный такой популярный образ актрисы. Несмотря на кажущуюся внешнюю привлекательность, в портрете заложен глубокий смысл.
Образ Мерилин служил всего лишь красивой оберткой, так привлекающей многочисленных поклонников. Ее воспринимали как секс-символ и красивую женщину целой эпохи. Еще долгие годы после ее смерти женщины во всем мире копировали этот оригинальный стиль, открывая в себе сексуальность и привлекая представителей противоположного пола.
Никого не волновали внутренние переживания этой красивой женщины, которые и привели ее к печальному концу. Она на самом деле была очень неуверенной в себе, за кажущейся уверенностью скрывался застенчивый ребенок. Мерилин считала свою актерскую карьеру неудачной и мечтала о серьезных ролях.
Режиссеры видели ее лишь в образ сексуальной соблазнительницы. Внутренние противоречия, депрессия, неудачи в личной жизни и отсутствия детей скрывались за маской такого красивого портрета. Уорхол был основателем целого цикла портретов Мерилин, написанных в этом стиле после ее смерти.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Работа Энди Уорхол«Мэрилин Монро». Её приравняли к портрету Джоконды. Этот портрет использовался широко в Голливуде, изображение приобрело такую популярность, что после смерти дивы полотно было продано за приличную сумму.
Для самого художника работа оказалась знаковой, он немало реализовал коммерческих проектов на ее основе. Интересно, что именно этот образ знаменитой Мерилин Монро и запомнился, а ведь актриса за свою непродолжительную жизнь сменила несколько образов.
Мерилин изображена в своем индивидуальном стиле. Она улыбается, а ее глаза полузакрыты. Такой взгляд придает образу сексуальности и загадочности, так манящей мужчин. Яркая помада оттеняет белизну зубов и делает акцент на губах.
Художник создал портрет в духе импрессионизма, но все же отобразил истинный такой популярный образ актрисы. Несмотря на кажущуюся внешнюю привлекательность, в портрете заложен глубокий смысл.
Образ Мерилин служил всего лишь красивой оберткой, так привлекающей многочисленных поклонников. Ее воспринимали как секс-символ и красивую женщину целой эпохи. Еще долгие годы после ее смерти женщины во всем мире копировали этот оригинальный стиль, открывая в себе сексуальность и привлекая представителей противоположного пола.
Никого не волновали внутренние переживания этой красивой женщины, которые и привели ее к печальному концу. Она на самом деле была очень неуверенной в себе, за кажущейся уверенностью скрывался застенчивый ребенок. Мерилин считала свою актерскую карьеру неудачной и мечтала о серьезных ролях.
Режиссеры видели ее лишь в образ сексуальной соблазнительницы. Внутренние противоречия, депрессия, неудачи в личной жизни и отсутствия детей скрывались за маской такого красивого портрета. Уорхол был основателем целого цикла портретов Мерилин, написанных в этом стиле после ее смерти.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
22 Jan, 11:16
Три рецепта: как за 1,5 часа получить культурного ребенка
💻Бесплатный вебинар 25 января в 13:00 по МСК
Когда ваш ребенок слышит слова «Моцарт», «Бах» или «Шопен», что он чувствует? Возможно, ничего. Эти имена могут звучать для него как абстракция — нечто далекое, сложное, неинтересное.
И это нормально. Мы живем в мире, где классическая музыка часто оказывается в тени других увлечений. Родителям сложно объяснить, зачем эта музыка, почему она важна, как она может стать частью жизни ребенка.
Но, возможно, вы замечали:
🔹 Дети быстро теряют интерес к музыкальной школе и занятиям, жалуясь на скуку.
🔹 Книги и фильмы о великих композиторах остаются непрочитанными, а музыка звучит «непонятно».
🔹 Вы хотите, чтобы ребенок рос гармонично, ценил красоту искусства, но не знаете, как это сделать без давления.
Вы не одни. Это боль многих родителей, которые хотят дать детям больше, но не хотят превращать процесс в «обязаловку».
На вебинаре Юлия Казанцева, приглашенный лектор Московской филармонии, кандидат искуствоведения, пианист и педагог с 20-летним опытом, расскажет:
🎵 Как за 1,5 часа вы сможете показать ребенку, что классика — это интересно и красиво.
🎵 Какие простые шаги помогут привить ребенку любовь к музыке.
🎵 Почему культурное развитие важно для успеха в будущем.
💡 Для кого этот вебинар:
— Для родителей, которые хотят видеть своих детей не только умными, но и культурно развитыми.
— Для тех, кто ищет способы привить детям тягу к искусству и гармонии.
— Для бабушек и дедушек, которые мечтают передать своим внукам любовь к классике.
— Для семей, где дети уже занимаются музыкой, но теряют интерес.
🎁 Подарок при регистрации:
Видео-урок «Как слушать с ребёнком «Времена года» Чайковского, чтобы привить любовь к прекрасному»
📅 Когда: 25 января, 13:00 по МСК
🌐 Где: Онлайн
💡 Участие: Бесплатное
🌟 Регистрируйтесь прямо сейчас:
https://yuliakazantseva.ru/webinarkids?utm_source=tg&utm_medium=posev&utm_campaign=webinarkids&utm_content=kartiny2
Пусть ваш ребенок почувствует мир искусства и сделает первые шаги к гармоничному и культурному будущему. Начните вместе уже 25 января!
💻Бесплатный вебинар 25 января в 13:00 по МСК
Когда ваш ребенок слышит слова «Моцарт», «Бах» или «Шопен», что он чувствует? Возможно, ничего. Эти имена могут звучать для него как абстракция — нечто далекое, сложное, неинтересное.
И это нормально. Мы живем в мире, где классическая музыка часто оказывается в тени других увлечений. Родителям сложно объяснить, зачем эта музыка, почему она важна, как она может стать частью жизни ребенка.
Но, возможно, вы замечали:
🔹 Дети быстро теряют интерес к музыкальной школе и занятиям, жалуясь на скуку.
🔹 Книги и фильмы о великих композиторах остаются непрочитанными, а музыка звучит «непонятно».
🔹 Вы хотите, чтобы ребенок рос гармонично, ценил красоту искусства, но не знаете, как это сделать без давления.
Вы не одни. Это боль многих родителей, которые хотят дать детям больше, но не хотят превращать процесс в «обязаловку».
На вебинаре Юлия Казанцева, приглашенный лектор Московской филармонии, кандидат искуствоведения, пианист и педагог с 20-летним опытом, расскажет:
🎵 Как за 1,5 часа вы сможете показать ребенку, что классика — это интересно и красиво.
🎵 Какие простые шаги помогут привить ребенку любовь к музыке.
🎵 Почему культурное развитие важно для успеха в будущем.
💡 Для кого этот вебинар:
— Для родителей, которые хотят видеть своих детей не только умными, но и культурно развитыми.
— Для тех, кто ищет способы привить детям тягу к искусству и гармонии.
— Для бабушек и дедушек, которые мечтают передать своим внукам любовь к классике.
— Для семей, где дети уже занимаются музыкой, но теряют интерес.
🎁 Подарок при регистрации:
Видео-урок «Как слушать с ребёнком «Времена года» Чайковского, чтобы привить любовь к прекрасному»
📅 Когда: 25 января, 13:00 по МСК
🌐 Где: Онлайн
💡 Участие: Бесплатное
🌟 Регистрируйтесь прямо сейчас:
https://yuliakazantseva.ru/webinarkids?utm_source=tg&utm_medium=posev&utm_campaign=webinarkids&utm_content=kartiny2
Пусть ваш ребенок почувствует мир искусства и сделает первые шаги к гармоничному и культурному будущему. Начните вместе уже 25 января!
20 Jan, 10:12
Мечтательность
1866
Дэниел Риджуэй Найт 🇺🇸
Масло, холст. Информации нет.
Музей Беркшира, США
Американский художник-реалист, известный своими жанровыми картинами, изображающими сельскую жизнь Франции. Родившись в Пенсильвании, он с ранних лет проявлял интерес к живописи и обучался в Пенсильванской академии изящных искусств. В 1861 году Найт отправился в Париж для продолжения обучения в Школе изящных искусств под руководством Марка Габриэля Шарля Глейра.
Картина относится к раннему периоду творчества Найта. В это время он находился под влиянием европейских мастеров и стремился запечатлеть тонкие эмоциональные состояния своих персонажей. Хотя подробная информация о сюжете картины отсутствует, можно предположить, что она изображает молодую женщину, погруженную в мечтательные размышления, что соответствует названию произведения.
Интересный факт из жизни художника: после возвращения в США в 1863 году Найт участвовал в Гражданской войне, создавая зарисовки военных сцен. Этот опыт, вероятно, обогатил его понимание человеческих эмоций и состояний, что впоследствии отразилось в его работах.
В 1872 году Найт вновь переехал во Францию, где поселился в Пуасси на берегу Сены. Там он начал создавать свои знаменитые картины, изображающие сельских жителей в их повседневной жизни. Его внимание к деталям и способность передавать атмосферу момента сделали его работы популярными и востребованными.
«Мечтательность» отражает ранние стремления Найта исследовать внутренний мир своих персонажей, что стало предвестником его последующих работ, посвященных жизни простых людей на фоне живописных французских пейзажей.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1866
Дэниел Риджуэй Найт 🇺🇸
Масло, холст. Информации нет.
Музей Беркшира, США
Американский художник-реалист, известный своими жанровыми картинами, изображающими сельскую жизнь Франции. Родившись в Пенсильвании, он с ранних лет проявлял интерес к живописи и обучался в Пенсильванской академии изящных искусств. В 1861 году Найт отправился в Париж для продолжения обучения в Школе изящных искусств под руководством Марка Габриэля Шарля Глейра.
Картина относится к раннему периоду творчества Найта. В это время он находился под влиянием европейских мастеров и стремился запечатлеть тонкие эмоциональные состояния своих персонажей. Хотя подробная информация о сюжете картины отсутствует, можно предположить, что она изображает молодую женщину, погруженную в мечтательные размышления, что соответствует названию произведения.
Интересный факт из жизни художника: после возвращения в США в 1863 году Найт участвовал в Гражданской войне, создавая зарисовки военных сцен. Этот опыт, вероятно, обогатил его понимание человеческих эмоций и состояний, что впоследствии отразилось в его работах.
В 1872 году Найт вновь переехал во Францию, где поселился в Пуасси на берегу Сены. Там он начал создавать свои знаменитые картины, изображающие сельских жителей в их повседневной жизни. Его внимание к деталям и способность передавать атмосферу момента сделали его работы популярными и востребованными.
«Мечтательность» отражает ранние стремления Найта исследовать внутренний мир своих персонажей, что стало предвестником его последующих работ, посвященных жизни простых людей на фоне живописных французских пейзажей.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
18 Jan, 20:25
Смерть и девушка, 1915 год.
Эгон Шиле 🇦🇹
Холст, масло. 150х180см
Австрийская галерея Бельведер, Австрия
В период создания этой работы Шиле переживал важные личные перемены: он женился на Эдит Хармс и был призван на военную службу в разгар Первой мировой войны. Эти события отразились в его творчестве, где часто присутствуют темы смерти и эротизма. В «Смерти и деве» художник обращается к традиционному мотиву, изображая молодую женщину, обнимающую фигуру смерти в монашеском одеянии. Такое представление смерти как возлюбленного придает сцене особую эмоциональную глубину и лишает её ужаса.
Интересно отметить, что первоначально Шиле назвал картину «Мужчина и девушка» или «Сплетенные люди», что подчеркивает тесную связь между персонажами. Сюжет перекликается с работой другого австрийского художника, Оскара Кокошки, «Невеста ветра» (1914), где также изображены объятия пары на фоне бурных переживаний.
В 2016 году картина послужила источником вдохновения для художественного фильма «Эгон Шиле: Смерть и дева» режиссера Дитера Бернера, основанного на биографическом романе Хильде Бергер «Смерть и девушки: Эгон Шиле и женщины».
«Смерть и дева» остается мощным выражением человеческих эмоций, отражая сложные отношения между жизнью, любовью и неизбежностью смерти, что делает её актуальной и сегодня.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Эгон Шиле 🇦🇹
Холст, масло. 150х180см
Австрийская галерея Бельведер, Австрия
В период создания этой работы Шиле переживал важные личные перемены: он женился на Эдит Хармс и был призван на военную службу в разгар Первой мировой войны. Эти события отразились в его творчестве, где часто присутствуют темы смерти и эротизма. В «Смерти и деве» художник обращается к традиционному мотиву, изображая молодую женщину, обнимающую фигуру смерти в монашеском одеянии. Такое представление смерти как возлюбленного придает сцене особую эмоциональную глубину и лишает её ужаса.
Интересно отметить, что первоначально Шиле назвал картину «Мужчина и девушка» или «Сплетенные люди», что подчеркивает тесную связь между персонажами. Сюжет перекликается с работой другого австрийского художника, Оскара Кокошки, «Невеста ветра» (1914), где также изображены объятия пары на фоне бурных переживаний.
В 2016 году картина послужила источником вдохновения для художественного фильма «Эгон Шиле: Смерть и дева» режиссера Дитера Бернера, основанного на биографическом романе Хильде Бергер «Смерть и девушки: Эгон Шиле и женщины».
«Смерть и дева» остается мощным выражением человеческих эмоций, отражая сложные отношения между жизнью, любовью и неизбежностью смерти, что делает её актуальной и сегодня.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
16 Jan, 12:10
Серебристый клубок, 1921
Франклин Кармайкл 🇨🇦
Масло, холст. 119,7 x 101,6 см.
Художественная галерея Онтарио, Канада
Франклин Кармайкл (1890–1945) был одним из основателей «Группы семи» — объединения канадских художников, стремившихся отразить уникальную природу Канады через искусство. Кармайкл специализировался на пейзажах, часто изображая канадские леса, озера и горы.
Хотя конкретная информация о картине «Серебристый клубок» ограничена, название может указывать на изображение природного мотива, возможно, связанного с водой или древесными формами, что характерно для стиля Кармайкла. Его работы известны использованием насыщенных цветов и стремлением передать атмосферу канадской природы.
Картина отражает стремление художника к созданию национального канадского искусства, подчеркивая красоту и своеобразие местных пейзажей. Посетители Художественной галереи Онтарио имеют возможность увидеть эту работу и оценить вклад Кармайкла в развитие канадской живописи.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Франклин Кармайкл 🇨🇦
Масло, холст. 119,7 x 101,6 см.
Художественная галерея Онтарио, Канада
Франклин Кармайкл (1890–1945) был одним из основателей «Группы семи» — объединения канадских художников, стремившихся отразить уникальную природу Канады через искусство. Кармайкл специализировался на пейзажах, часто изображая канадские леса, озера и горы.
Хотя конкретная информация о картине «Серебристый клубок» ограничена, название может указывать на изображение природного мотива, возможно, связанного с водой или древесными формами, что характерно для стиля Кармайкла. Его работы известны использованием насыщенных цветов и стремлением передать атмосферу канадской природы.
Картина отражает стремление художника к созданию национального канадского искусства, подчеркивая красоту и своеобразие местных пейзажей. Посетители Художественной галереи Онтарио имеют возможность увидеть эту работу и оценить вклад Кармайкла в развитие канадской живописи.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
14 Jan, 17:09
Наша первая ссора, 1878 г.
Роберт Уокер Макбет 🇫🇮
Масло, холст. 70,5 x 106,2 см.
Художественная галерея Уокера, Англия
Картина «Наш первый спор» (англ. «Our First Tiff»), созданная в 1878 году шотландским художником Робертом Уокером Макбетом, является ярким примером жанровой живописи викторианской эпохи. Полотно, выполненное маслом на холсте размером 70,5 x 106,2 см, хранится в Галерее Уокера в Ливерпуле, Англия.
На картине изображена сцена из повседневной жизни: молодая пара, вероятно, супруги, сидит за столом на открытом воздухе. Мужчина, скрывая лицо за газетой, демонстрирует явное недовольство или обиду, в то время как женщина, наклонившись к нему, пытается заговорить или извиниться. Эта сцена передает момент первого разногласия или ссоры между ними, что отражено в названии работы.
Роберт Уокер Макбет (1848–1910) был известен своими жанровыми сценами, изображающими сельскую жизнь и бытовые моменты. Его работы отличаются вниманием к деталям и умением передать эмоции персонажей через их позы и выражения лиц. В «Нашем первом споре» художник мастерски использует свет и композицию, чтобы подчеркнуть напряжение между героями и создать интимную атмосферу сцены.
Картина является ценным примером викторианской жанровой живописи, отражающей интерес художников того времени к повседневным сюжетам и человеческим взаимоотношениям. Сегодня «Наш первый спор» привлекает внимание зрителей своей эмоциональной глубиной и мастерством исполнения, оставаясь актуальной и понятной для современного зрителя.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Роберт Уокер Макбет 🇫🇮
Масло, холст. 70,5 x 106,2 см.
Художественная галерея Уокера, Англия
Картина «Наш первый спор» (англ. «Our First Tiff»), созданная в 1878 году шотландским художником Робертом Уокером Макбетом, является ярким примером жанровой живописи викторианской эпохи. Полотно, выполненное маслом на холсте размером 70,5 x 106,2 см, хранится в Галерее Уокера в Ливерпуле, Англия.
На картине изображена сцена из повседневной жизни: молодая пара, вероятно, супруги, сидит за столом на открытом воздухе. Мужчина, скрывая лицо за газетой, демонстрирует явное недовольство или обиду, в то время как женщина, наклонившись к нему, пытается заговорить или извиниться. Эта сцена передает момент первого разногласия или ссоры между ними, что отражено в названии работы.
Роберт Уокер Макбет (1848–1910) был известен своими жанровыми сценами, изображающими сельскую жизнь и бытовые моменты. Его работы отличаются вниманием к деталям и умением передать эмоции персонажей через их позы и выражения лиц. В «Нашем первом споре» художник мастерски использует свет и композицию, чтобы подчеркнуть напряжение между героями и создать интимную атмосферу сцены.
Картина является ценным примером викторианской жанровой живописи, отражающей интерес художников того времени к повседневным сюжетам и человеческим взаимоотношениям. Сегодня «Наш первый спор» привлекает внимание зрителей своей эмоциональной глубиной и мастерством исполнения, оставаясь актуальной и понятной для современного зрителя.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
13 Jan, 16:39
Дайджест картин за ноябрь '24
Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg
Демон Михаила Врубеля
Сборник Эдуард Мане
Сафо и Фаон. Жак-Луи Давид
Диана и нимфы, увиденные сатиром. Дейк, Антонис ван
Обнажённая, спускающаяся по лестнице. Марсель Дюшан
Карусель. Марк Гертлер
Охотник в дюнах. Макс_Либерман
Наблюдение за огнем. Колин Гилл
Портрет мадемуазель Ланж в образе Данаи. Анн-Луи Жироде-Триозона
Натюрморт с кофейными чашками. Антон Файстауэр
Подготовка к дневному представлению. Эдмунд_Тарбелл
Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg
Демон Михаила Врубеля
Сборник Эдуард Мане
Сафо и Фаон. Жак-Луи Давид
Диана и нимфы, увиденные сатиром. Дейк, Антонис ван
Обнажённая, спускающаяся по лестнице. Марсель Дюшан
Карусель. Марк Гертлер
Охотник в дюнах. Макс_Либерман
Наблюдение за огнем. Колин Гилл
Портрет мадемуазель Ланж в образе Данаи. Анн-Луи Жироде-Триозона
Натюрморт с кофейными чашками. Антон Файстауэр
Подготовка к дневному представлению. Эдмунд_Тарбелл
10 Jan, 20:51
Шахматы
1949
Цейтлин
Картина изображает юного пионера, сосредоточенно делающего ход в шахматной партии. Мальчик, облачённый в пионерский галстук, символ эпохи, воплощает идеалы советской молодёжи: собранность, решительность и стремление к интеллектуальному развитию. Контраст между ярким красным галстуком и приглушёнными тонами фона подчёркивает значимость пионерского движения в СССР. Художник мастерски передал момент размышления, делая картину живой и динамичной, создавая ощущение, что мальчик вот-вот сделает свой ход.
Григорий Цейтлин, заслуженный художник России, известен своими портретами, в которых с большим вниманием и теплотой раскрывал характер человека и его душевное богатство. Его работы хранятся в различных художественных музеях, включая Государственную Третьяковскую галерею и региональные музеи России.
Картина «Игра в шахматы» является примером того, как Цейтлин удачно сочетал простоту композиции с глубоким психологизмом, передавая не только внешность, но и внутренний мир своих персонажей. Изображённый мальчик отражает ценности, прививаемые советской системе образования и воспитания, где особое внимание уделялось интеллектуальному развитию и моральным качествам подрастающего поколения.
Таким образом, через образ юного шахматиста в пионерском галстуке, художник передаёт идеалы своего времени, подчёркивая важность умственного труда, сосредоточенности и ответственности, присущих советской молодёжи.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1949
Цейтлин
Картина изображает юного пионера, сосредоточенно делающего ход в шахматной партии. Мальчик, облачённый в пионерский галстук, символ эпохи, воплощает идеалы советской молодёжи: собранность, решительность и стремление к интеллектуальному развитию. Контраст между ярким красным галстуком и приглушёнными тонами фона подчёркивает значимость пионерского движения в СССР. Художник мастерски передал момент размышления, делая картину живой и динамичной, создавая ощущение, что мальчик вот-вот сделает свой ход.
Григорий Цейтлин, заслуженный художник России, известен своими портретами, в которых с большим вниманием и теплотой раскрывал характер человека и его душевное богатство. Его работы хранятся в различных художественных музеях, включая Государственную Третьяковскую галерею и региональные музеи России.
Картина «Игра в шахматы» является примером того, как Цейтлин удачно сочетал простоту композиции с глубоким психологизмом, передавая не только внешность, но и внутренний мир своих персонажей. Изображённый мальчик отражает ценности, прививаемые советской системе образования и воспитания, где особое внимание уделялось интеллектуальному развитию и моральным качествам подрастающего поколения.
Таким образом, через образ юного шахматиста в пионерском галстуке, художник передаёт идеалы своего времени, подчёркивая важность умственного труда, сосредоточенности и ответственности, присущих советской молодёжи.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
07 Jan, 20:56
Мистическое Рождество
1500
Сандро Боттичелли
Национальная галерея, Лондон
Картина есть одно из самых загадочных и насыщенных символизмом произведений художника. Она считается уникальным примером творчества позднего периода мастера.
На полотне изображена сцена Рождества, но в нетрадиционной интерпретации. Ангелы ликуют в небесах, образуя хороводы, а на земле наблюдаются сцены прощения: люди обнимают ангелов, символизируя надежду и примирение. Богородица склонилась перед младенцем Христом в окружении вола и осла, традиционных символов скромности и смирения.
Интересной особенностью картины является греческая надпись в верхней части, где художник упоминает Апокалипсис. Он ссылается на нестабильные времена в Италии и правление Сатаны, которое, по его словам, длилось три с половиной года. После этого наступает надежда на победу добра над злом, что визуализировано в центральной сцене.
Эта работа наполнена мистикой и религиозным посланием, отражая личные переживания Боттичелли и влияние проповедника Савонаролы, идеи которого глубоко повлияли на художника. "Мистическое Рождество" — это не только произведение искусства, но и духовное высказывание о надежде, вере и искуплении.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1500
Сандро Боттичелли
Национальная галерея, Лондон
Картина есть одно из самых загадочных и насыщенных символизмом произведений художника. Она считается уникальным примером творчества позднего периода мастера.
На полотне изображена сцена Рождества, но в нетрадиционной интерпретации. Ангелы ликуют в небесах, образуя хороводы, а на земле наблюдаются сцены прощения: люди обнимают ангелов, символизируя надежду и примирение. Богородица склонилась перед младенцем Христом в окружении вола и осла, традиционных символов скромности и смирения.
Интересной особенностью картины является греческая надпись в верхней части, где художник упоминает Апокалипсис. Он ссылается на нестабильные времена в Италии и правление Сатаны, которое, по его словам, длилось три с половиной года. После этого наступает надежда на победу добра над злом, что визуализировано в центральной сцене.
Эта работа наполнена мистикой и религиозным посланием, отражая личные переживания Боттичелли и влияние проповедника Савонаролы, идеи которого глубоко повлияли на художника. "Мистическое Рождество" — это не только произведение искусства, но и духовное высказывание о надежде, вере и искуплении.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
30 Dec, 14:33
Франц Марк
Свиньи
Это словно взгляд на мир сквозь яркие стекла эмоций, символов и невероятной фантазии. Когда смотришь на эту картину, сразу чувствуешь энергию экспрессионизма, который, как будто, вырывается за рамки холста, чтобы сказать: «Здесь все не просто так». А еще где-то проскальзывает символизм — он словно нашептывает свои тайны, которые ты раскрываешь с каждым новым взглядом.
Марка, если честно, всегда привлекал мир животных. Людей он писал редко, почти никогда. Его отталкивало то, насколько, по его мнению, человеческий мир был безобразным и чуждым. А вот животные для него были воплощением чистоты и искренности, своего рода идеалом живой природы. Наверное, именно поэтому в его работах звери словно оживают — они наделены душой, и кажется, что в их чертах скрывается что-то человеческое... или, может, даже большее.
Посмотри на «Свиней»: здесь цвета говорят больше, чем сами формы. Синяя свинья? Это, скорее всего, символ мужского начала, спокойного и сильного. А красный? Вот тут хитрость! Это не про страсть или любовь, а про вес грубой материи, про что-то давящее и тяжелое. А желтый – это нежность, женское начало, которое уравновешивает всю композицию.
Картина, несмотря на свою выразительность, удивительно реалистична. Экспрессионизм тут переплетается с почти осязаемой правдой, словно художник нашел способ соединить два мира – видимый и внутренний. Это делает работу Марка новаторской и необычной.
И что особенно здорово, так это то, что Франц Марк словно дает нам ключ к загадке, но не открывает саму дверь. Картина полна символов и эмоций, но каждый зритель волен раскрыть ее тайны по-своему. Вот ты смотришь на яркие краски и идеально подобранный фон – и понимаешь, что все здесь не случайно. Задний план словно усиливает общий настрой, делает мир картины более глубоким, объемным, захватывающим.
И в этом, пожалуй, и есть главная магия «Свиней» — они заставляют задуматься, почувствовать, открыть что-то новое в себе. Это больше, чем просто изображение животных, это диалог с душой зрителя.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Свиньи
Это словно взгляд на мир сквозь яркие стекла эмоций, символов и невероятной фантазии. Когда смотришь на эту картину, сразу чувствуешь энергию экспрессионизма, который, как будто, вырывается за рамки холста, чтобы сказать: «Здесь все не просто так». А еще где-то проскальзывает символизм — он словно нашептывает свои тайны, которые ты раскрываешь с каждым новым взглядом.
Марка, если честно, всегда привлекал мир животных. Людей он писал редко, почти никогда. Его отталкивало то, насколько, по его мнению, человеческий мир был безобразным и чуждым. А вот животные для него были воплощением чистоты и искренности, своего рода идеалом живой природы. Наверное, именно поэтому в его работах звери словно оживают — они наделены душой, и кажется, что в их чертах скрывается что-то человеческое... или, может, даже большее.
Посмотри на «Свиней»: здесь цвета говорят больше, чем сами формы. Синяя свинья? Это, скорее всего, символ мужского начала, спокойного и сильного. А красный? Вот тут хитрость! Это не про страсть или любовь, а про вес грубой материи, про что-то давящее и тяжелое. А желтый – это нежность, женское начало, которое уравновешивает всю композицию.
Картина, несмотря на свою выразительность, удивительно реалистична. Экспрессионизм тут переплетается с почти осязаемой правдой, словно художник нашел способ соединить два мира – видимый и внутренний. Это делает работу Марка новаторской и необычной.
И что особенно здорово, так это то, что Франц Марк словно дает нам ключ к загадке, но не открывает саму дверь. Картина полна символов и эмоций, но каждый зритель волен раскрыть ее тайны по-своему. Вот ты смотришь на яркие краски и идеально подобранный фон – и понимаешь, что все здесь не случайно. Задний план словно усиливает общий настрой, делает мир картины более глубоким, объемным, захватывающим.
И в этом, пожалуй, и есть главная магия «Свиней» — они заставляют задуматься, почувствовать, открыть что-то новое в себе. Это больше, чем просто изображение животных, это диалог с душой зрителя.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
27 Dec, 16:18
Новая глава – фильм о том, как найти себя
Когда кажется, что поздно начинать новое.
Творческий путь тернист и непонятен.
Когда в тебя не верят, а ты доказываешь обратное.
Фильм о том, как потерять себя к 30 годам, чтобы найти свой творческий путь и больше с него не сворачивать.
Посвящается всем тем, кому недостаёт веры в себя.
🎞 Фильм где я рассказываю как все было на самом деле.
👆 Если хотите 2025 год сделать особенным, рекомендуем посмотреть фильм.
Когда кажется, что поздно начинать новое.
Творческий путь тернист и непонятен.
Когда в тебя не верят, а ты доказываешь обратное.
Фильм о том, как потерять себя к 30 годам, чтобы найти свой творческий путь и больше с него не сворачивать.
Посвящается всем тем, кому недостаёт веры в себя.
🎞 Фильм где я рассказываю как все было на самом деле.
👆 Если хотите 2025 год сделать особенным, рекомендуем посмотреть фильм.
27 Dec, 16:08
Дайджест картин за октябрь '24
Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Мечта земли. Саттар Бахлулзаде
Христианская Дирцея в цирке Нерона. Генрих Семирадский
Истина, выбирающаяся из колодца. Жан-Леон Жером
Будуар графини (из цикла Модный брак). Уильям Хогарт
Модный брак — цикл из шести картин Уильяма Хогарта
Принцесса и обезьянка. Янис Розенталс
Большая одалиска. Жан Огюст Доминик Энгр
Одалистка. Модильяни
Красная площадь в Москве. Фёдор Алексеев
Вино. Александра Экстер
Сад художника. Рэймонд Бут
Сборник картин. Леонардо Да Винчи
Банки с супом. Энди Уорхол
Лучшие картины. Винсент Ван Гог
Видение Фауста (Шабаш ведьм). Фалеро Луис Рикаддо
Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Мечта земли. Саттар Бахлулзаде
Христианская Дирцея в цирке Нерона. Генрих Семирадский
Истина, выбирающаяся из колодца. Жан-Леон Жером
Будуар графини (из цикла Модный брак). Уильям Хогарт
Модный брак — цикл из шести картин Уильяма Хогарта
Принцесса и обезьянка. Янис Розенталс
Большая одалиска. Жан Огюст Доминик Энгр
Одалистка. Модильяни
Красная площадь в Москве. Фёдор Алексеев
Вино. Александра Экстер
Сад художника. Рэймонд Бут
Сборник картин. Леонардо Да Винчи
Банки с супом. Энди Уорхол
Лучшие картины. Винсент Ван Гог
Видение Фауста (Шабаш ведьм). Фалеро Луис Рикаддо
27 Dec, 12:15
Искусство — дарить!
Добавьте немного волшебства в свой дом или подарите близким частичку красоты в самый сказочный момент года! ✨🎁
Искусствовед и художник Нелли Романовская открывает свой новогодний онлайн арт-маркет с маленькими и уютными работами.
Уникальные этюды в стиле импрессионизм станут для вас не только украшением интерьера, но и подарят ощущение движения жизни и гармонии.
Подробнее про арт-маркет и доступных картинах на канале «Утро с искусством»
Еще больше творчества Нелли в профиле
Добавьте немного волшебства в свой дом или подарите близким частичку красоты в самый сказочный момент года! ✨🎁
Искусствовед и художник Нелли Романовская открывает свой новогодний онлайн арт-маркет с маленькими и уютными работами.
Уникальные этюды в стиле импрессионизм станут для вас не только украшением интерьера, но и подарят ощущение движения жизни и гармонии.
Подробнее про арт-маркет и доступных картинах на канале «Утро с искусством»
Еще больше творчества Нелли в профиле
27 Dec, 12:09
В 2020 был на выставке в Третьяковке. Если узнали хоть одну картину — ставьте лайк
24 Dec, 23:01
Картина «Первая прогулка в космосе» американского художника Марка Шулера, созданная в 1989 году, посвящена историческому событию — первому выходу человека в открытый космос. На полотне изображён советский космонавт Алексей Леонов, совершивший этот подвиг 18 марта 1965 года.
Алексей Архипович Леонов стал первым человеком, покинувшим пределы космического корабля и находившимся в открытом космосе в течение 12 минут и 9 секунд. Этот выход был частью миссии космического корабля «Восход-2» и ознаменовал собой значительный шаг в освоении космического пространства.
Картина Шулера отражает момент, когда Леонов парит в безграничном космосе, соединённый с кораблём лишь страховочным тросом. Художник мастерски передаёт величие и опасность этого события, подчёркивая храбрость и решимость космонавта. Использование тёмных и светлых оттенков создаёт впечатление бескрайности космоса и подчёркивает одиночество человека в этой среде.
Создание картины в 1989 году, в период окончания холодной войны, символизирует объединяющую силу космических исследований, способных преодолевать политические и идеологические барьеры. Работа Шулера служит напоминанием о том, что стремление к познанию и исследованию неизведанного является общим достоянием всего человечества.
Картина «Первая прогулка в космосе» занимает особое место в творчестве Марка Шулера, отражая его интерес к космической тематике и восхищение достижениями человечества в этой области. Она также является данью уважения Алексею Леонову, чьё мужество и новаторство проложили путь для последующих поколений исследователей космоса.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Алексей Архипович Леонов стал первым человеком, покинувшим пределы космического корабля и находившимся в открытом космосе в течение 12 минут и 9 секунд. Этот выход был частью миссии космического корабля «Восход-2» и ознаменовал собой значительный шаг в освоении космического пространства.
Картина Шулера отражает момент, когда Леонов парит в безграничном космосе, соединённый с кораблём лишь страховочным тросом. Художник мастерски передаёт величие и опасность этого события, подчёркивая храбрость и решимость космонавта. Использование тёмных и светлых оттенков создаёт впечатление бескрайности космоса и подчёркивает одиночество человека в этой среде.
Создание картины в 1989 году, в период окончания холодной войны, символизирует объединяющую силу космических исследований, способных преодолевать политические и идеологические барьеры. Работа Шулера служит напоминанием о том, что стремление к познанию и исследованию неизведанного является общим достоянием всего человечества.
Картина «Первая прогулка в космосе» занимает особое место в творчестве Марка Шулера, отражая его интерес к космической тематике и восхищение достижениями человечества в этой области. Она также является данью уважения Алексею Леонову, чьё мужество и новаторство проложили путь для последующих поколений исследователей космоса.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
21 Dec, 19:48
Изучение маков
1832
Джеймс Инскипп 🏴
Масло, графит на картоне. 40,6 x 22,9 см.
Йельский центр британского искусства, США
Картина представляет зрителю два красных мака на скромном, монохромном фоне. Эта работа, выполненная английским художником, известным своими изображениями цветов и фруктов, демонстрирует его пристальное внимание к деталям и способность находить красоту в простых формах.
На холсте доминируют алые лепестки маков, написанные видимыми мазками кисти, что передает тонкую текстуру цветка. Один мак гордо стоит прямо, в то время как другой грациозно склоняется, словно склонив голову в тихой усталости. Стебли и листья, выполненные в приглушенных зеленых оттенках, служат фоном для ярких цветов, подчеркивая их насыщенность.
Сдержанная палитра теплых, землистых тонов фона подчеркивает живость красного цвета, делая его главным акцентом в композиции. Простота композиции привлекает внимание зрителя к самой сути маков – их хрупкой красоте и мимолетности цветения.
Будучи этюдом, эта работа, вероятно, служила для художника способом изучения форм, цветов и текстур этих цветов. Инскипп не просто воспроизводит внешний вид маков, но и передает их деликатную натуру и хрупкость.
«Изучение маков» Инскиппа – это не просто ботаническое изображение; это тонкое и задумчивое размышление о красоте природы и тихой поэзии, которую можно найти в простых формах. Его сдержанная цветовая гамма и тщательно проработанные детали вызывают чувство покоя и умиротворенного созерцания.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1832
Джеймс Инскипп 🏴
Масло, графит на картоне. 40,6 x 22,9 см.
Йельский центр британского искусства, США
Картина представляет зрителю два красных мака на скромном, монохромном фоне. Эта работа, выполненная английским художником, известным своими изображениями цветов и фруктов, демонстрирует его пристальное внимание к деталям и способность находить красоту в простых формах.
На холсте доминируют алые лепестки маков, написанные видимыми мазками кисти, что передает тонкую текстуру цветка. Один мак гордо стоит прямо, в то время как другой грациозно склоняется, словно склонив голову в тихой усталости. Стебли и листья, выполненные в приглушенных зеленых оттенках, служат фоном для ярких цветов, подчеркивая их насыщенность.
Сдержанная палитра теплых, землистых тонов фона подчеркивает живость красного цвета, делая его главным акцентом в композиции. Простота композиции привлекает внимание зрителя к самой сути маков – их хрупкой красоте и мимолетности цветения.
Будучи этюдом, эта работа, вероятно, служила для художника способом изучения форм, цветов и текстур этих цветов. Инскипп не просто воспроизводит внешний вид маков, но и передает их деликатную натуру и хрупкость.
«Изучение маков» Инскиппа – это не просто ботаническое изображение; это тонкое и задумчивое размышление о красоте природы и тихой поэзии, которую можно найти в простых формах. Его сдержанная цветовая гамма и тщательно проработанные детали вызывают чувство покоя и умиротворенного созерцания.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
04 Dec, 18:59
Беженцы , 1917 г.
Якаб Казак 🇱🇻
Масло, холст
Национальный художественный музей, Латвия
Знаковое произведение латвийского художника, созданное в период Первой мировой войны. Размер полотна — впечатляющие 210,5 х 107 см, что подчёркивает монументальность и драматизм сцены.
Якаб Казак, будучи одним из лидеров латвийского художественного авангарда, создал эту работу на фоне социальных и политических потрясений, вызванных Первой мировой войной. Картина отражает трагедию беженцев, вынужденных покидать свои дома под гнётом войны. В 1917 году, когда создавалось произведение, Латвия находилась под оккупацией германской армии, и тысячи людей потеряли свои дома, став беженцами.
На картине изображены несколько фигур: мужчина в строгом костюме, задумчиво прижимающий руку к лицу, и группа женщин, выражающих разные состояния — усталость, горечь, материнскую заботу. Мужчина, возможно, символизирует интеллигенцию или отца семейства, раздавленного несправедливостью времени. Женщина в красном платье с ребёнком на руках напоминает образ мадонны, олицетворяющей жизнь и её продолжение даже в условиях бедствия.
На заднем плане изображены угрюмые деревья, ветви которых создают тревожный, гнетущий настрой. Их мрачные очертания усиливают атмосферу безысходности, подчёркивая тяжёлую судьбу героев.
Работа выполнена в экспрессионистской манере, характерной для творчества Казака. Геометризированные формы, строгие линии и приглушённая цветовая палитра подчёркивают эмоциональную напряжённость. Казак мастерски использует цвет, чтобы выразить контраст между жизненной энергией и подавленностью: ярко-красное платье женщины и мрачный фон усиливают драматизм сцены.
«Беженцы» — это не просто картина, а глубокое высказывание художника о трагедии народа в условиях войны. Казак стремился не только показать страдания, но и зафиксировать гуманистическую надежду на лучшее будущее.
Сегодня это произведение остаётся актуальным, напоминая о судьбе людей, вынужденных искать спасение вдали от дома, и призывая к осмыслению таких явлений через призму истории и искусства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Якаб Казак 🇱🇻
Масло, холст
Национальный художественный музей, Латвия
Знаковое произведение латвийского художника, созданное в период Первой мировой войны. Размер полотна — впечатляющие 210,5 х 107 см, что подчёркивает монументальность и драматизм сцены.
Якаб Казак, будучи одним из лидеров латвийского художественного авангарда, создал эту работу на фоне социальных и политических потрясений, вызванных Первой мировой войной. Картина отражает трагедию беженцев, вынужденных покидать свои дома под гнётом войны. В 1917 году, когда создавалось произведение, Латвия находилась под оккупацией германской армии, и тысячи людей потеряли свои дома, став беженцами.
На картине изображены несколько фигур: мужчина в строгом костюме, задумчиво прижимающий руку к лицу, и группа женщин, выражающих разные состояния — усталость, горечь, материнскую заботу. Мужчина, возможно, символизирует интеллигенцию или отца семейства, раздавленного несправедливостью времени. Женщина в красном платье с ребёнком на руках напоминает образ мадонны, олицетворяющей жизнь и её продолжение даже в условиях бедствия.
На заднем плане изображены угрюмые деревья, ветви которых создают тревожный, гнетущий настрой. Их мрачные очертания усиливают атмосферу безысходности, подчёркивая тяжёлую судьбу героев.
Работа выполнена в экспрессионистской манере, характерной для творчества Казака. Геометризированные формы, строгие линии и приглушённая цветовая палитра подчёркивают эмоциональную напряжённость. Казак мастерски использует цвет, чтобы выразить контраст между жизненной энергией и подавленностью: ярко-красное платье женщины и мрачный фон усиливают драматизм сцены.
«Беженцы» — это не просто картина, а глубокое высказывание художника о трагедии народа в условиях войны. Казак стремился не только показать страдания, но и зафиксировать гуманистическую надежду на лучшее будущее.
Сегодня это произведение остаётся актуальным, напоминая о судьбе людей, вынужденных искать спасение вдали от дома, и призывая к осмыслению таких явлений через призму истории и искусства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
01 Dec, 17:15
Покупать билет не нужно:
t.me/Płótno_tg
01 Dec, 17:09
Циклоп, ок. 1914 г.
от Одилон_Редон 🇫🇷
Масло на картоне, наклеенном на доску. 65,8 x 52,7 см
Музей Креллер-Мюллер, Нидерланды
"Циклоп" — это одна из самых загадочных и интригующих работ французского художника Одилона Редона.
Одилон Редон (1840-1916) был выдающимся французским художником, известным своими символистскими работами. Его творчество охватывает широкий спектр тем и стилей, от мифологических сюжетов до пейзажей и портретов. Редон часто использовал пастель и уголь, но также работал с маслом, создавая произведения, полные глубокого символизма и мистики.
"Циклоп" — это произведение, которое отражает интерес Редона к мифологии и фантастическим существам. Центральным элементом картины является изображение циклопа — мифического существа с одним глазом. Редон мастерски использует цвет и свет, чтобы создать атмосферу таинственности и загадочности.
Циклоп изображен в окружении природы, что подчеркивает его связь с миром мифов и легенд. Художник использует мягкие, приглушенные тона, которые создают ощущение спокойствия и задумчивости. В то же время, фигура циклопа вызывает чувство тревоги и неизвестности, что делает картину еще более интригующей.
Как и многие другие работы Редона, "Циклоп" наполнен символизмом. Циклоп может символизировать внутренний мир человека, его страхи и сомнения. Один глаз циклопа может олицетворять ограниченное восприятие реальности, в то время как окружающая природа символизирует бесконечность и неизвестность.
Картина также может быть интерпретирована как размышление о человеческой природе и нашем месте в мире. Циклоп, несмотря на свою мифическую сущность, вызывает чувство сопереживания и понимания, что делает его образ еще более глубоким и многослойным.
"Циклоп" Одилона Редона — это произведение, которое заставляет зрителя задуматься о мире мифов и легенд, а также о собственном внутреннем мире. Картина наполнена символизмом и мистикой, что делает её одной из самых запоминающихся работ художника. В музее Крёллер-Мюллер эта картина занимает особое место, привлекая внимание любителей искусства со всего мира.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
от Одилон_Редон 🇫🇷
Масло на картоне, наклеенном на доску. 65,8 x 52,7 см
Музей Креллер-Мюллер, Нидерланды
"Циклоп" — это одна из самых загадочных и интригующих работ французского художника Одилона Редона.
Одилон Редон (1840-1916) был выдающимся французским художником, известным своими символистскими работами. Его творчество охватывает широкий спектр тем и стилей, от мифологических сюжетов до пейзажей и портретов. Редон часто использовал пастель и уголь, но также работал с маслом, создавая произведения, полные глубокого символизма и мистики.
"Циклоп" — это произведение, которое отражает интерес Редона к мифологии и фантастическим существам. Центральным элементом картины является изображение циклопа — мифического существа с одним глазом. Редон мастерски использует цвет и свет, чтобы создать атмосферу таинственности и загадочности.
Циклоп изображен в окружении природы, что подчеркивает его связь с миром мифов и легенд. Художник использует мягкие, приглушенные тона, которые создают ощущение спокойствия и задумчивости. В то же время, фигура циклопа вызывает чувство тревоги и неизвестности, что делает картину еще более интригующей.
Как и многие другие работы Редона, "Циклоп" наполнен символизмом. Циклоп может символизировать внутренний мир человека, его страхи и сомнения. Один глаз циклопа может олицетворять ограниченное восприятие реальности, в то время как окружающая природа символизирует бесконечность и неизвестность.
Картина также может быть интерпретирована как размышление о человеческой природе и нашем месте в мире. Циклоп, несмотря на свою мифическую сущность, вызывает чувство сопереживания и понимания, что делает его образ еще более глубоким и многослойным.
"Циклоп" Одилона Редона — это произведение, которое заставляет зрителя задуматься о мире мифов и легенд, а также о собственном внутреннем мире. Картина наполнена символизмом и мистикой, что делает её одной из самых запоминающихся работ художника. В музее Крёллер-Мюллер эта картина занимает особое место, привлекая внимание любителей искусства со всего мира.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
30 Nov, 08:01
«Миниатюрная скульптура Японии» — первый аукционный дом в России, специализирующийся на аутентичных НЭЦКЭ и САГЕМОНО из Японии.
Наша миссия - открыть для Вас удивительный мир японской миниатюры и обеспечить доступ до аутентичных предметов музейного уровня по разумным ценам.
Регистрируйтесь, участвуйте и Побеждайте
https://japanesenetsuke.bidspirit.com/?viewHiddenAuctions=1#catalog~216
Также присоединяйтесь к нам в Телеграмм и откройте для себя новые горизонты.
t.me/+WoiSBz-VbFhjMGY6
«Искусство — это навсегда».
Наша миссия - открыть для Вас удивительный мир японской миниатюры и обеспечить доступ до аутентичных предметов музейного уровня по разумным ценам.
Регистрируйтесь, участвуйте и Побеждайте
https://japanesenetsuke.bidspirit.com/?viewHiddenAuctions=1#catalog~216
Также присоединяйтесь к нам в Телеграмм и откройте для себя новые горизонты.
t.me/+WoiSBz-VbFhjMGY6
«Искусство — это навсегда».
30 Nov, 07:51
Подготовка к дневному представлению
1907
Эдмунд_Тарбелл 🇺🇸
Масло, холст. 45,5 х 35,5 см.
Музей искусств Индианаполиса, США
Картина является ярким примером работы американской школы Бостона, которая сочетала академическую утонченность с влиянием французского импрессионизма. Художник изобразил молодую женщину, погруженную в повседневный процесс подготовки к выходу на представление — сцена передает спокойствие и интимность момента. Работа выполнена в технике масляной живописи и отличается мягкими мазками, создающими текстурную и световую динамику.
На полотне можно увидеть, как женщина в светлой блузке поправляет шляпку перед зеркалом, едва заметным в левом углу композиции. Такая постановка характерна для работ Тарбелла, который вдохновлялся картинами голландского мастера Йоханнеса Вермеера. Присутствие зеркала и тонкая игра света и тени также подчеркивают влияние Вермеера, что прослеживается и в других произведениях Бостонской школы.
Картина гармонично сочетает элементы реализма и импрессионизма. Внимание к деталям, например, к структуре ткани и отражению света, делает образ живым, а широкие мазки передают легкость и эфемерность момента. Композиция создает эффект уединения и внутреннего сосредоточения героини, что подчеркивает эмоциональную глубину работы.
Картина хранится в музее искусства Индианаполиса и считается одной из самых выдающихся работ Тарбелла, демонстрируя его мастерство в изображении женской красоты и повседневных сцен. Картина отражает не только художественные достижения начала XX века, но и культурное восприятие роли женщины в обществе того времени.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1907
Эдмунд_Тарбелл 🇺🇸
Масло, холст. 45,5 х 35,5 см.
Музей искусств Индианаполиса, США
Картина является ярким примером работы американской школы Бостона, которая сочетала академическую утонченность с влиянием французского импрессионизма. Художник изобразил молодую женщину, погруженную в повседневный процесс подготовки к выходу на представление — сцена передает спокойствие и интимность момента. Работа выполнена в технике масляной живописи и отличается мягкими мазками, создающими текстурную и световую динамику.
На полотне можно увидеть, как женщина в светлой блузке поправляет шляпку перед зеркалом, едва заметным в левом углу композиции. Такая постановка характерна для работ Тарбелла, который вдохновлялся картинами голландского мастера Йоханнеса Вермеера. Присутствие зеркала и тонкая игра света и тени также подчеркивают влияние Вермеера, что прослеживается и в других произведениях Бостонской школы.
Картина гармонично сочетает элементы реализма и импрессионизма. Внимание к деталям, например, к структуре ткани и отражению света, делает образ живым, а широкие мазки передают легкость и эфемерность момента. Композиция создает эффект уединения и внутреннего сосредоточения героини, что подчеркивает эмоциональную глубину работы.
Картина хранится в музее искусства Индианаполиса и считается одной из самых выдающихся работ Тарбелла, демонстрируя его мастерство в изображении женской красоты и повседневных сцен. Картина отражает не только художественные достижения начала XX века, но и культурное восприятие роли женщины в обществе того времени.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
27 Nov, 20:08
Зарылся в нейросети. И вот уже у меня выходит четвёртый клип в ютубе. Посмотрите, когда станет скучно. Лайк и подписка, конечно, а комментарий по желанию:
Стимпанк: https://youtu.be/1eR2I6KLQGE?si=iYNt335bxNky70dp
Киберпанк: youtu.be/655urDmfPTE?si=2GEn327GBQQfzkiQ
Космический Futurism: youtu.be/FGS3de-f_Zk?si=oXLyyty-6g9dl3y1
Приятного просмотра!
27 Nov, 20:07
Натюрморт с кофейными чашками
1912
Антон Файстауэр 🇦🇹
Венский музей
Яркий пример экспериментов австрийского модернизма начала XX века. Этот натюрморт, написанный маслом на холсте, отличается особой цветовой насыщенностью и энергичной манерой письма, которые выделяют его среди работ того времени.
В центре композиции — стол, на котором разложены разнообразные предметы: кофейные чашки, кувшин, чайник, фрукты. Они организованы таким образом, чтобы направить взгляд зрителя по всей картине, создавая ощущение движения. На первый взгляд, хаотичное расположение объектов на самом деле продуманно, что подчеркивает мастерство художника в создании глубины и гармонии.
Файстауэр активно использует пастозные мазки, передающие богатство текстур: от блестящей поверхности фарфора до мягкости фруктов. Контрасты между насыщенными тёмными тонами и яркими акцентами зелёного, оранжевого и белого создают впечатление живости и материальности.
Файстауэр, будучи частью движения модернистов, исследовал цвет как основное средство выражения эмоций. Здесь он использует глубокие коричневые и бордовые оттенки для фона, чтобы усилить эффект ярких и светлых цветов на переднем плане. Чашки и кувшины как будто излучают свет, создавая ощущение домашнего уюта, но при этом картина не теряет своей напряжённой экспрессивности.
Файстауэр был одним из основателей «Группы художников Зальцбурга» и одним из ведущих мастеров своего времени. Его стиль сочетает в себе черты постимпрессионизма и экспрессионизма, а также влияние таких мастеров, как Поль Сезанн. Файстауэр стремился обновить традицию натюрморта, сделав её более динамичной и эмоциональной.
Картина «Натюрморт с кофейными чашками» отражает этот стремление к новаторству. Она подчеркивает ценность повседневных вещей, превращая их в символы уюта и изысканности, но в то же время вызывает у зрителя чувство присутствия в этом почти сюрреалистическом пространстве.
Сегодня это произведение является значимой частью культурного наследия Австрии. Оно иллюстрирует переходное время в искусстве, когда художники искали новые формы самовыражения и расширяли границы традиционного жанра натюрморта.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1912
Антон Файстауэр 🇦🇹
Венский музей
Яркий пример экспериментов австрийского модернизма начала XX века. Этот натюрморт, написанный маслом на холсте, отличается особой цветовой насыщенностью и энергичной манерой письма, которые выделяют его среди работ того времени.
В центре композиции — стол, на котором разложены разнообразные предметы: кофейные чашки, кувшин, чайник, фрукты. Они организованы таким образом, чтобы направить взгляд зрителя по всей картине, создавая ощущение движения. На первый взгляд, хаотичное расположение объектов на самом деле продуманно, что подчеркивает мастерство художника в создании глубины и гармонии.
Файстауэр активно использует пастозные мазки, передающие богатство текстур: от блестящей поверхности фарфора до мягкости фруктов. Контрасты между насыщенными тёмными тонами и яркими акцентами зелёного, оранжевого и белого создают впечатление живости и материальности.
Файстауэр, будучи частью движения модернистов, исследовал цвет как основное средство выражения эмоций. Здесь он использует глубокие коричневые и бордовые оттенки для фона, чтобы усилить эффект ярких и светлых цветов на переднем плане. Чашки и кувшины как будто излучают свет, создавая ощущение домашнего уюта, но при этом картина не теряет своей напряжённой экспрессивности.
Файстауэр был одним из основателей «Группы художников Зальцбурга» и одним из ведущих мастеров своего времени. Его стиль сочетает в себе черты постимпрессионизма и экспрессионизма, а также влияние таких мастеров, как Поль Сезанн. Файстауэр стремился обновить традицию натюрморта, сделав её более динамичной и эмоциональной.
Картина «Натюрморт с кофейными чашками» отражает этот стремление к новаторству. Она подчеркивает ценность повседневных вещей, превращая их в символы уюта и изысканности, но в то же время вызывает у зрителя чувство присутствия в этом почти сюрреалистическом пространстве.
Сегодня это произведение является значимой частью культурного наследия Австрии. Оно иллюстрирует переходное время в искусстве, когда художники искали новые формы самовыражения и расширяли границы традиционного жанра натюрморта.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
24 Nov, 17:09
Портрет мадемуазель Ланж в образе Данаи
1799
Анн-Луи Жироде-Триозона 🇫🇷
В Институте искусств Миннеаполиса (США)
Это не просто портрет, а пример того, как искусство может становиться оружием в личных конфликтах. Это произведение было создано как сатирический ответ на разногласия между художником и актрисой мадам Ланж, известной своей красотой и скандальной репутацией.
Первоначально Ланж заказала у Жироде портрет, но осталась недовольна его исполнением и отказалась платить полную сумму. Художник, оскорбленный этим, уничтожил первую версию работы и создал вторую, в которой вложил множество язвительных деталей. В ней Ланж изображена в образе Данаи из древнегреческого мифа — смертной, которую Зевс посетил в виде золотого дождя. Однако, вместо возвышения, художник акцентировал на жадности и тщеславии своей модели.
Символы на картине имеют язвительное значение: монеты, падающие на Ланж, подчеркивают её меркантильность; разбитое зеркало в её руках — тщеславие и неспособность видеть свою истинную натуру; индюк с обручальным кольцом символизирует её мужа, которого она якобы выбрала из-за богатства. Даже мертвая голубка с ошейником «верность» и другие детали указывают на её спорную репутацию и личные отношения.
Это произведение отражает не только конфликт между художником и его моделью, но и общее отношение общества того времени к женщине с неоднозначной репутацией. Жироде, будучи учеником Жака-Луи Давида, проявил здесь элементы романтизма, добавив драматизм в свою сатиру, но этот жест повредил его собственной репутации, оставив неоднозначное наследие в истории искусства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1799
Анн-Луи Жироде-Триозона 🇫🇷
В Институте искусств Миннеаполиса (США)
Это не просто портрет, а пример того, как искусство может становиться оружием в личных конфликтах. Это произведение было создано как сатирический ответ на разногласия между художником и актрисой мадам Ланж, известной своей красотой и скандальной репутацией.
Первоначально Ланж заказала у Жироде портрет, но осталась недовольна его исполнением и отказалась платить полную сумму. Художник, оскорбленный этим, уничтожил первую версию работы и создал вторую, в которой вложил множество язвительных деталей. В ней Ланж изображена в образе Данаи из древнегреческого мифа — смертной, которую Зевс посетил в виде золотого дождя. Однако, вместо возвышения, художник акцентировал на жадности и тщеславии своей модели.
Символы на картине имеют язвительное значение: монеты, падающие на Ланж, подчеркивают её меркантильность; разбитое зеркало в её руках — тщеславие и неспособность видеть свою истинную натуру; индюк с обручальным кольцом символизирует её мужа, которого она якобы выбрала из-за богатства. Даже мертвая голубка с ошейником «верность» и другие детали указывают на её спорную репутацию и личные отношения.
Это произведение отражает не только конфликт между художником и его моделью, но и общее отношение общества того времени к женщине с неоднозначной репутацией. Жироде, будучи учеником Жака-Луи Давида, проявил здесь элементы романтизма, добавив драматизм в свою сатиру, но этот жест повредил его собственной репутации, оставив неоднозначное наследие в истории искусства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
21 Nov, 10:55
Наблюдение за огнем
1919 г.
Колин Гилл 🏴
Масло, холст. 76,2 x 50,8 см.
Имперский военный музей, Англия
Это не только живописное произведение, но и своего рода окно в события Первой мировой войны.
На картине изображены трое офицеров британской Королевской артиллерии, которые из заброшенной траншеи в «ничейной земле» корректируют артиллерийский огонь. Один из них использует полевой телефон, а двое других сосредоточенно наблюдают за полем боя. Рядом видны следы разрушений — полусгоревшее дерево и пустынный ландшафт, создающие ощущение опасности и безмолвия.
Колин Гилл, будучи официальным военным художником, хотел не просто зафиксировать детали войны, но и передать эмоции и напряжение, которые сопровождали солдат. Картина удивительно сочетает в себе документальную точность и художественную выразительность. Она рассказывает о непростой, но очень важной роли наблюдателей, которые рисковали жизнями ради точности артиллерийского огня.
Этот небольшой, но насыщенный по содержанию шедевр напоминает о том, какие испытания выпадали на долю людей во время войны, и позволяет глубже понять их повседневную реальность.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1919 г.
Колин Гилл 🏴
Масло, холст. 76,2 x 50,8 см.
Имперский военный музей, Англия
Это не только живописное произведение, но и своего рода окно в события Первой мировой войны.
На картине изображены трое офицеров британской Королевской артиллерии, которые из заброшенной траншеи в «ничейной земле» корректируют артиллерийский огонь. Один из них использует полевой телефон, а двое других сосредоточенно наблюдают за полем боя. Рядом видны следы разрушений — полусгоревшее дерево и пустынный ландшафт, создающие ощущение опасности и безмолвия.
Колин Гилл, будучи официальным военным художником, хотел не просто зафиксировать детали войны, но и передать эмоции и напряжение, которые сопровождали солдат. Картина удивительно сочетает в себе документальную точность и художественную выразительность. Она рассказывает о непростой, но очень важной роли наблюдателей, которые рисковали жизнями ради точности артиллерийского огня.
Этот небольшой, но насыщенный по содержанию шедевр напоминает о том, какие испытания выпадали на долю людей во время войны, и позволяет глубже понять их повседневную реальность.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
18 Nov, 12:15
20 ноября московская галерея Île Thélème отмечает день рождения!
Темой праздника станет путешествие Пантагрюэля в поиске оракула волшебной бутылки. В программе найдется место и большому концерту Île Thélème Ensemble, и нарядному путешествию в Версальский сад, и пленочному кинематографу. А праздничную атмосферу дополнят торт, угощения и живое общение с гостями и сотрудниками галереи.
В рамках концерта Île Thélème Ensemble прозвучат сочинения Стравинского, Десятникова, Берио, Фуррера, Саариахо, Такемицу и Полякова.
Билеты на праздник уже доступны на сайте пространства.
Темой праздника станет путешествие Пантагрюэля в поиске оракула волшебной бутылки. В программе найдется место и большому концерту Île Thélème Ensemble, и нарядному путешествию в Версальский сад, и пленочному кинематографу. А праздничную атмосферу дополнят торт, угощения и живое общение с гостями и сотрудниками галереи.
В рамках концерта Île Thélème Ensemble прозвучат сочинения Стравинского, Десятникова, Берио, Фуррера, Саариахо, Такемицу и Полякова.
Билеты на праздник уже доступны на сайте пространства.
18 Nov, 12:09
Охотник в дюнах
1913
Макс_Либерман 🇩🇪
Масло на холсте. 70,5 x 100,5 см.
Австрийская галерея Бельведер, Австрия
Картина немецкого художника Макса Либермана представляет собой выразительный образец импрессионистского стиля, в котором мастер работал в течение большей части своей карьеры. Либерман, один из наиболее известных представителей немецкого импрессионизма, создал эту работу с использованием широкой, динамичной манеры письма, передающей движение, атмосферу и жизнь.
На картине изображён охотник, сопровождаемый несколькими собаками, который идёт по зелёным, слегка холмистым дюнам. Пейзаж выглядит живым благодаря технике художника: мазки краски густы и энергичны, что создаёт ощущение ветреной погоды и подвижности природы. Охотник одет в традиционную охотничью одежду того времени — твидовый костюм и кепку, а в руках держит ружьё, подчёркивая реалистичность сцены. Собаки, изображённые рядом с ним, добавляют динамику и подчёркивают тему охоты, показывая взаимодействие человека и природы.
Цветовая палитра картины преимущественно состоит из естественных тонов: зелёного, коричневого, бежевого, с лёгкими оттенками серого. Это создаёт атмосферу умиротворения и единения с природой, но в то же время передаёт её суровую красоту. Небо над дюнами занимает небольшую часть полотна, акцентируя внимание зрителя на фигуре охотника и окружающем его пейзаже.
Макс Либерман стремился запечатлеть моменты из повседневной жизни, привнося в них нотки романтики и эмоциональности. Эта работа отражает характерные черты позднего импрессионизма, где внимание уделяется игре света, тени и движению. Картина демонстрирует любовь художника к природе и его способность передавать мимолётные впечатления с помощью живописи.
Картина остаётся примером мастерства в изображении простых, но глубоких сцен, наполненных энергией и жизнью.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1913
Макс_Либерман 🇩🇪
Масло на холсте. 70,5 x 100,5 см.
Австрийская галерея Бельведер, Австрия
Картина немецкого художника Макса Либермана представляет собой выразительный образец импрессионистского стиля, в котором мастер работал в течение большей части своей карьеры. Либерман, один из наиболее известных представителей немецкого импрессионизма, создал эту работу с использованием широкой, динамичной манеры письма, передающей движение, атмосферу и жизнь.
На картине изображён охотник, сопровождаемый несколькими собаками, который идёт по зелёным, слегка холмистым дюнам. Пейзаж выглядит живым благодаря технике художника: мазки краски густы и энергичны, что создаёт ощущение ветреной погоды и подвижности природы. Охотник одет в традиционную охотничью одежду того времени — твидовый костюм и кепку, а в руках держит ружьё, подчёркивая реалистичность сцены. Собаки, изображённые рядом с ним, добавляют динамику и подчёркивают тему охоты, показывая взаимодействие человека и природы.
Цветовая палитра картины преимущественно состоит из естественных тонов: зелёного, коричневого, бежевого, с лёгкими оттенками серого. Это создаёт атмосферу умиротворения и единения с природой, но в то же время передаёт её суровую красоту. Небо над дюнами занимает небольшую часть полотна, акцентируя внимание зрителя на фигуре охотника и окружающем его пейзаже.
Макс Либерман стремился запечатлеть моменты из повседневной жизни, привнося в них нотки романтики и эмоциональности. Эта работа отражает характерные черты позднего импрессионизма, где внимание уделяется игре света, тени и движению. Картина демонстрирует любовь художника к природе и его способность передавать мимолётные впечатления с помощью живописи.
Картина остаётся примером мастерства в изображении простых, но глубоких сцен, наполненных энергией и жизнью.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
17 Nov, 17:09
Карусель
1916
Марк Гертлер 🏴
Tate Britain, England
Original file
"Мerry-Go-Round" (в переводе "Карусель") – одно из самых известных произведений британского художника еврейского происхождения Марка Гертлера. Эта картина выполнена маслом на холсте и имеет внушительные размеры – 189,2 × 142,2 см. Сегодня полотно находится в коллекции музея Tate Britain в Англии.
На момент создания картины Европа была охвачена Первой мировой войной. Это кровопролитие потрясло весь мир, а искусство того времени часто отражало ужас и абсурдность происходящего. Марк Гертлер, пацифист по убеждениям, также выразил свой протест против войны, создав "Merry-Go-Round".
Картина была вдохновлена ярмарочной каруселью, но вместо беззаботного развлечения зритель сталкивается с мрачной, гипнотической атмосферой. Это произведение стало одним из сильнейших антивоенных высказываний в британском искусстве того времени.
Центральное место в композиции занимает вращающаяся карусель, на которой расположены фигуры мужчин и женщин в военной форме. Лица персонажей обезличены, выражают крайнюю напряжённость или пустоту, подчёркивая их обезличенность и потерю индивидуальности. Цветовая гамма насыщена яркими, почти кричащими цветами – красным, синим, жёлтым, что создаёт контраст между кажущейся праздничностью и скрытым трагизмом сцены.
Фигуры на карусели находятся в строгом ритме, напоминающем военный марш. Этот ритм подчёркивает ощущение механической неотвратимости – карусель символизирует цикличность и неизбежность насилия и войны.
Карусель в данной работе выступает как метафора бесконечного и бессмысленного круговорота войны. Люди, изображённые на ней, выглядят как жертвы, лишённые свободы воли, вынужденные участвовать в этом трагическом «аттракционе». Яркие цвета усиливают абсурдность ситуации и подчеркивают контраст между внешним и внутренним.
"Merry-Go-Round" оказала значительное влияние на последующее британское искусство, став примером того, как визуальное искусство может передавать мощный антивоенный месседж. Марк Гертлер использовал элементы модернизма, экспрессионизма и примитивизма, чтобы создать это эмоционально насыщенное произведение.
Сегодня картина остаётся важным напоминанием о жестокости войны и силе искусства как инструмента социальной критики.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1916
Марк Гертлер 🏴
Tate Britain, England
Original file
"Мerry-Go-Round" (в переводе "Карусель") – одно из самых известных произведений британского художника еврейского происхождения Марка Гертлера. Эта картина выполнена маслом на холсте и имеет внушительные размеры – 189,2 × 142,2 см. Сегодня полотно находится в коллекции музея Tate Britain в Англии.
На момент создания картины Европа была охвачена Первой мировой войной. Это кровопролитие потрясло весь мир, а искусство того времени часто отражало ужас и абсурдность происходящего. Марк Гертлер, пацифист по убеждениям, также выразил свой протест против войны, создав "Merry-Go-Round".
Картина была вдохновлена ярмарочной каруселью, но вместо беззаботного развлечения зритель сталкивается с мрачной, гипнотической атмосферой. Это произведение стало одним из сильнейших антивоенных высказываний в британском искусстве того времени.
Центральное место в композиции занимает вращающаяся карусель, на которой расположены фигуры мужчин и женщин в военной форме. Лица персонажей обезличены, выражают крайнюю напряжённость или пустоту, подчёркивая их обезличенность и потерю индивидуальности. Цветовая гамма насыщена яркими, почти кричащими цветами – красным, синим, жёлтым, что создаёт контраст между кажущейся праздничностью и скрытым трагизмом сцены.
Фигуры на карусели находятся в строгом ритме, напоминающем военный марш. Этот ритм подчёркивает ощущение механической неотвратимости – карусель символизирует цикличность и неизбежность насилия и войны.
Карусель в данной работе выступает как метафора бесконечного и бессмысленного круговорота войны. Люди, изображённые на ней, выглядят как жертвы, лишённые свободы воли, вынужденные участвовать в этом трагическом «аттракционе». Яркие цвета усиливают абсурдность ситуации и подчеркивают контраст между внешним и внутренним.
"Merry-Go-Round" оказала значительное влияние на последующее британское искусство, став примером того, как визуальное искусство может передавать мощный антивоенный месседж. Марк Гертлер использовал элементы модернизма, экспрессионизма и примитивизма, чтобы создать это эмоционально насыщенное произведение.
Сегодня картина остаётся важным напоминанием о жестокости войны и силе искусства как инструмента социальной критики.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
15 Nov, 12:09
Дайджест картин за сентябрь '24
Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Пробудившийся стыд. Уильям Холман Хант
Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения. Сальвадор Дали
Черёмуха в стакане. Петров-Водкин
Рождение Венеры. Энди Уорхол
Обезьяны, крадущие фрукты. Франс Снейдерс
Без названия. Макс Эрнст
Единоборство Мстислава с Редедей. Николай Рерих
Башкиры (Башкиры, конвоирующие приговоренных). Вильям Аллан
Казнь Джей Грей. Поль Деларош
Книжный червь. Карл Шпицвег
Тачанка. Митрофан Греков
Мадонна с пулемётом. Карлис Падегс
Четыре свободы Рузвельта
Мастерская художника. Истинная аллегория семи лет моей творческой и нравственной жизни. Гюстав Курбе
Воспоминания Олив. Альберто Варгас
Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Пробудившийся стыд. Уильям Холман Хант
Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения. Сальвадор Дали
Черёмуха в стакане. Петров-Водкин
Рождение Венеры. Энди Уорхол
Обезьяны, крадущие фрукты. Франс Снейдерс
Без названия. Макс Эрнст
Единоборство Мстислава с Редедей. Николай Рерих
Башкиры (Башкиры, конвоирующие приговоренных). Вильям Аллан
Казнь Джей Грей. Поль Деларош
Книжный червь. Карл Шпицвег
Тачанка. Митрофан Греков
Мадонна с пулемётом. Карлис Падегс
Четыре свободы Рузвельта
Мастерская художника. Истинная аллегория семи лет моей творческой и нравственной жизни. Гюстав Курбе
Воспоминания Олив. Альберто Варгас
12 Nov, 12:25
Никита Кузьменко — российский художник-плакатист и дизайнер. Ему 27 лет. Он живет в Москве, но свой художественный почерк получил в Казани. Совсем скоро Никита покажет новую серию плакатов — «Лучшая жизнь».
Работа «Спасение» — визуальный нарратив о фатальности — станет центральной в новой серии. Это связь с личной, а затем и со зрительской реальностью: через свет, контекст, пространство и текст.
Мы не первое поколение, которое испытывает фатальность на себе. Вот и люди бывшие до нас понимали — спасения нет. Но в доме каждого партийного функционера висела репродукция Сикстинской Мадонны Рафаэля. Бытового спасения нет.
Этому, кстати, — отечественному разобщению, — Никита посвятил серию «Эмиграция» 2022 года. А годом ранее он выпустил «Русский стандарт». Вспомнился и Эрик Булатов, картины которого вывозились из Советского Союза со штампом «художественной ценности не имеет».
Художник делает плакат: коллекционирует раны и выкладывает из этого мозаику. У художника ничего не заживает, а работа живет в безвременье.
Это все к чему.
Подписывайтесь на канал Никиты.
Работа «Спасение» — визуальный нарратив о фатальности — станет центральной в новой серии. Это связь с личной, а затем и со зрительской реальностью: через свет, контекст, пространство и текст.
Мы не первое поколение, которое испытывает фатальность на себе. Вот и люди бывшие до нас понимали — спасения нет. Но в доме каждого партийного функционера висела репродукция Сикстинской Мадонны Рафаэля. Бытового спасения нет.
Этому, кстати, — отечественному разобщению, — Никита посвятил серию «Эмиграция» 2022 года. А годом ранее он выпустил «Русский стандарт». Вспомнился и Эрик Булатов, картины которого вывозились из Советского Союза со штампом «художественной ценности не имеет».
Художник делает плакат: коллекционирует раны и выкладывает из этого мозаику. У художника ничего не заживает, а работа живет в безвременье.
Это все к чему.
Подписывайтесь на канал Никиты.
12 Nov, 12:25
Влияние хронофотографии на создание произведения
Интерес к движению и динамике был центральной темой для многих художников начала XX века. На Дюшана повлияла хронофотография — метод, разработанный учёным и фотографом Этьеном-Жюлем Марэ. Дюшан также черпал вдохновение из серии фотографий «Женщина спускается по лестнице», сделанной в 1887 году Эдвардом Мэйбриджем, которая представляла собой серию последовательных снимков, фиксирующих движение в реальном времени.
Воплощая в себе принципы хронофотографии, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» становится чем-то большим, чем просто картиной: это попытка зафиксировать каждое мгновение движения, словно в серии кадров. Дюшан разбивает изображение обнажённого тела на геометрические формы, что отражает влияние кубизма, но также добавляет элементы механического и динамичного. Это произведение — своеобразный синтез живописи и кинематографа, передающий иллюзию движения статичным образом.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Интерес к движению и динамике был центральной темой для многих художников начала XX века. На Дюшана повлияла хронофотография — метод, разработанный учёным и фотографом Этьеном-Жюлем Марэ. Дюшан также черпал вдохновение из серии фотографий «Женщина спускается по лестнице», сделанной в 1887 году Эдвардом Мэйбриджем, которая представляла собой серию последовательных снимков, фиксирующих движение в реальном времени.
Воплощая в себе принципы хронофотографии, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» становится чем-то большим, чем просто картиной: это попытка зафиксировать каждое мгновение движения, словно в серии кадров. Дюшан разбивает изображение обнажённого тела на геометрические формы, что отражает влияние кубизма, но также добавляет элементы механического и динамичного. Это произведение — своеобразный синтез живописи и кинематографа, передающий иллюзию движения статичным образом.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
12 Nov, 12:23
Обнажённая, спускающаяся по лестнице
1912
Марсель Дюшан
Холст, Масло. 147 × 89.2 см
Художественный музей Филадельфии, Филадельфия
Марсель Дюшан — одна из самых ярких и неоднозначных фигур XX века, чьи работы предвосхитили многие направления в искусстве, включая дадаизм и сюрреализм. Его картина «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» (1912), созданная в технике масла на холсте, является одним из самых значимых произведений модернизма, вызывая интерес зрителей и искусствоведов на протяжении более чем века.
В начале XX века искусство находилось в состоянии стремительных перемен. К традиционным формам изображения уже было применено множество революционных подходов, таких как кубизм, возникший под влиянием Пабло Пикассо и Жоржа Брака, и футуризм, стремящийся показать динамику современного мира. Картина Дюшана появилась на этом переломном фоне и предложила нечто совершенно новое, объединяя в себе элементы разных направлений и подходов.
Картина была представлена публике в 1912 году на Салоне Независимых в Париже. Это событие должно было стать дебютом работы, однако члены выставочного комитета, в том числе кубисты, выступили против её показа, сочтя произведение не соответствующим их идеям. Таким образом, картина вызвала неоднозначную реакцию, став символом свободы художественного самовыражения и бунта против канонов.
На картине изображена фигура, которая, как можно догадаться из названия, спускается по лестнице. Однако это не классическая обнажённая натура, как её принято представлять в искусстве. Фигура фрагментирована и разбита на множество геометрических форм. Она словно движется со скоростью, оставляя за собой следы и размытие. Картина кажется лишённой привычного объёма и перспективы: перед зрителем остаётся лишь череда абстрактных форм, где каждая деталь — лишь часть единого движения.
Цветовая палитра ограничена тёплыми, приглушёнными тонами, что придаёт картине суровую, почти механическую атмосферу. Дюшан избегает яркости, его задача — подчеркнуть сам процесс движения, а не сосредоточиться на деталях тела или его пластике.
Интересно, что Дюшан называл своё произведение не кубистским и не футуристским, хотя оно и заимствует отдельные элементы обоих стилей. Кубисты, такие как Пикассо и Брак, критиковали картину за её чрезмерный акцент на движении, который они считали чуждым их стремлению к неподвижной, аналитической композиции. Футуристы же, напротив, приветствовали идею движения, но считали композицию слишком статичной по сравнению с их собственными работами.
Дюшан создаёт свой язык, смешивая элементы разных направлений. Кубизм в его версии не фокусируется на разложении объектов на части, а показывает процесс движения, а футуризм приобретает абстрактный и технический оттенок.
После споров в Париже картина была представлена в 1913 году на знаменитой выставке «Armory Show» в Нью-Йорке, где сразу вызвала скандал и привлекла внимание публики и критиков. Американская публика, непривычная к авангардным формам, приняла картину с удивлением и даже насмешкой, однако впоследствии именно она стала одним из символов модернизма.
Со временем картина приобрела статус культовой. Она была воспринята как вызов академическим традициям и как символ свободы творческого самовыражения. Влияние картины отразилось на будущем авангарда, в частности на таких направлениях, как дадаизм и сюрреализм, к которым Дюшан также приложил руку.
«Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это более чем просто живопись; это эксперимент, попытка переосмыслить само понятие искусства. Дюшан бросает вызов привычным канонам, заставляя зрителя увидеть обнажённое тело как нечто иное — не как объект созерцания, а как символ движения и непрерывности. Его картина представляет собой важный этап в развитии модернизма, став частью культурного наследия XX века и сохраняя актуальность и сегодня.
Таким образом, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это произведение, которое не укладывается в рамки ни одного направления, представляя собой яркий образец уникального подхода Дюшана к искусству.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1912
Марсель Дюшан
Холст, Масло. 147 × 89.2 см
Художественный музей Филадельфии, Филадельфия
Марсель Дюшан — одна из самых ярких и неоднозначных фигур XX века, чьи работы предвосхитили многие направления в искусстве, включая дадаизм и сюрреализм. Его картина «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» (1912), созданная в технике масла на холсте, является одним из самых значимых произведений модернизма, вызывая интерес зрителей и искусствоведов на протяжении более чем века.
В начале XX века искусство находилось в состоянии стремительных перемен. К традиционным формам изображения уже было применено множество революционных подходов, таких как кубизм, возникший под влиянием Пабло Пикассо и Жоржа Брака, и футуризм, стремящийся показать динамику современного мира. Картина Дюшана появилась на этом переломном фоне и предложила нечто совершенно новое, объединяя в себе элементы разных направлений и подходов.
Картина была представлена публике в 1912 году на Салоне Независимых в Париже. Это событие должно было стать дебютом работы, однако члены выставочного комитета, в том числе кубисты, выступили против её показа, сочтя произведение не соответствующим их идеям. Таким образом, картина вызвала неоднозначную реакцию, став символом свободы художественного самовыражения и бунта против канонов.
На картине изображена фигура, которая, как можно догадаться из названия, спускается по лестнице. Однако это не классическая обнажённая натура, как её принято представлять в искусстве. Фигура фрагментирована и разбита на множество геометрических форм. Она словно движется со скоростью, оставляя за собой следы и размытие. Картина кажется лишённой привычного объёма и перспективы: перед зрителем остаётся лишь череда абстрактных форм, где каждая деталь — лишь часть единого движения.
Цветовая палитра ограничена тёплыми, приглушёнными тонами, что придаёт картине суровую, почти механическую атмосферу. Дюшан избегает яркости, его задача — подчеркнуть сам процесс движения, а не сосредоточиться на деталях тела или его пластике.
Интересно, что Дюшан называл своё произведение не кубистским и не футуристским, хотя оно и заимствует отдельные элементы обоих стилей. Кубисты, такие как Пикассо и Брак, критиковали картину за её чрезмерный акцент на движении, который они считали чуждым их стремлению к неподвижной, аналитической композиции. Футуристы же, напротив, приветствовали идею движения, но считали композицию слишком статичной по сравнению с их собственными работами.
Дюшан создаёт свой язык, смешивая элементы разных направлений. Кубизм в его версии не фокусируется на разложении объектов на части, а показывает процесс движения, а футуризм приобретает абстрактный и технический оттенок.
После споров в Париже картина была представлена в 1913 году на знаменитой выставке «Armory Show» в Нью-Йорке, где сразу вызвала скандал и привлекла внимание публики и критиков. Американская публика, непривычная к авангардным формам, приняла картину с удивлением и даже насмешкой, однако впоследствии именно она стала одним из символов модернизма.
Со временем картина приобрела статус культовой. Она была воспринята как вызов академическим традициям и как символ свободы творческого самовыражения. Влияние картины отразилось на будущем авангарда, в частности на таких направлениях, как дадаизм и сюрреализм, к которым Дюшан также приложил руку.
«Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это более чем просто живопись; это эксперимент, попытка переосмыслить само понятие искусства. Дюшан бросает вызов привычным канонам, заставляя зрителя увидеть обнажённое тело как нечто иное — не как объект созерцания, а как символ движения и непрерывности. Его картина представляет собой важный этап в развитии модернизма, став частью культурного наследия XX века и сохраняя актуальность и сегодня.
Таким образом, «Обнажённая, спускающаяся по лестнице» — это произведение, которое не укладывается в рамки ни одного направления, представляя собой яркий образец уникального подхода Дюшана к искусству.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
09 Nov, 19:59
Конечно, всё бесплатно и для вашего удовольствия.
Вы знали, что у нас есть целая Сеть Культурных Каналов? Ага.
Есть каналы об искусстве (на этот вы подписаны, а есть с картинами Ван Гога и про музеи с выставками. Канал с русским реализмом).
Есть с литературой (короткие рассказы на русском и английском, канал Пелевина), а есть канал с классической музыкой, ну как же без этого). И кое что ещё...
Добавляйте всего одну папку к себе со всеми каналами сразу и больше ничего не нужно делать — только наслаждаться: https://t.me/addlist/c7ngCUTkDLw0ODZi
Что-то вы точно захотите почитать, посмотреть или послушать. Загляните. И поделитесь ссылкой на папку со знакомыми и друзьями
09 Nov, 19:58
Диана и нимфы, увиденные сатиром
1622 - 1627
Дейк, Антонис ван
Музей Прадо
Это одна из работ, иллюстрирующих влияние мифологии на барочное искусство.
На полотне изображена сцена, в которой сатир подглядывает за спящими богиней Дианой и её нимфами. Диана, римская богиня охоты и целомудрия. Её образ традиционно ассоциируется с чистотой и независимостью, но здесь она показана беззащитной и уязвимой, что контрастирует с её обычной ролью воительницы и защитницы природы. Ван Дейк использует насыщенные, глубокие тона, чтобы подчеркнуть чувственность сцены и драматизм момента. Гладкость и мягкость кожи Дианы контрастируют с грубостью и агрессивностью сатира, который стоит рядом. Этот контраст усиливает напряжение, придавая изображению едва уловимую тревожность.
В центре картины — фигуры Дианы и нимфы, драпированные ярко-красной тканью, что символизирует страсть и притягивает внимание зрителя. Композиция картины подчеркивает интимность и загадочность сцены. Изображение животных на переднем плане, включая мёртвую дичь и атрибуты охоты, создаёт ощущение присутствия природы и напоминает о роли Дианы как богини лесов и зверей.
Ван Дейк мастерски использует светотень, подчёркивая детали и создавая глубину сцены. Свет падает на Диану и нимфу, оставляя фигуру сатира в полутени, что усиливает его образ как тёмного, наблюдающего существа. Сцена наполнена таинственностью и символизмом, что характерно для стиля художника.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1622 - 1627
Дейк, Антонис ван
Музей Прадо
Это одна из работ, иллюстрирующих влияние мифологии на барочное искусство.
На полотне изображена сцена, в которой сатир подглядывает за спящими богиней Дианой и её нимфами. Диана, римская богиня охоты и целомудрия. Её образ традиционно ассоциируется с чистотой и независимостью, но здесь она показана беззащитной и уязвимой, что контрастирует с её обычной ролью воительницы и защитницы природы. Ван Дейк использует насыщенные, глубокие тона, чтобы подчеркнуть чувственность сцены и драматизм момента. Гладкость и мягкость кожи Дианы контрастируют с грубостью и агрессивностью сатира, который стоит рядом. Этот контраст усиливает напряжение, придавая изображению едва уловимую тревожность.
В центре картины — фигуры Дианы и нимфы, драпированные ярко-красной тканью, что символизирует страсть и притягивает внимание зрителя. Композиция картины подчеркивает интимность и загадочность сцены. Изображение животных на переднем плане, включая мёртвую дичь и атрибуты охоты, создаёт ощущение присутствия природы и напоминает о роли Дианы как богини лесов и зверей.
Ван Дейк мастерски использует светотень, подчёркивая детали и создавая глубину сцены. Свет падает на Диану и нимфу, оставляя фигуру сатира в полутени, что усиливает его образ как тёмного, наблюдающего существа. Сцена наполнена таинственностью и символизмом, что характерно для стиля художника.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
08 Nov, 20:28
Сафо и Фаон
1808
Жак-Луи Давид
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Картина погружает зрителя в древнегреческий миф о безответной любви поэтессы Сафо к юному лодочнику Фаону. Легенда гласит, что богиня Афродита даровала Фаону вечную молодость и неотразимую красоту, сделав его объектом вожделения и сердечной тоски для многих. Но именно Сафо, знаменитая своим мастерством слова и нежной лиричностью, по преданию, испытала к нему такую всепоглощающую любовь, что не смогла справиться с отказом и бросилась в море с Левкадской скалы.
Интересно, что сама история о любви Сафо к Фаону, а особенно об ее трагическом прыжке с Левкадской скалы, появилась спустя много лет после смерти поэтессы, став частью мифологии вокруг ее имени. Картина Давида не только воплощает легенду, но и передает драму человеческих чувств, что делает ее актуальной для зрителя, как и более двух столетий назад, так и сейчас.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1808
Жак-Луи Давид
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Картина погружает зрителя в древнегреческий миф о безответной любви поэтессы Сафо к юному лодочнику Фаону. Легенда гласит, что богиня Афродита даровала Фаону вечную молодость и неотразимую красоту, сделав его объектом вожделения и сердечной тоски для многих. Но именно Сафо, знаменитая своим мастерством слова и нежной лиричностью, по преданию, испытала к нему такую всепоглощающую любовь, что не смогла справиться с отказом и бросилась в море с Левкадской скалы.
Интересно, что сама история о любви Сафо к Фаону, а особенно об ее трагическом прыжке с Левкадской скалы, появилась спустя много лет после смерти поэтессы, став частью мифологии вокруг ее имени. Картина Давида не только воплощает легенду, но и передает драму человеческих чувств, что делает ее актуальной для зрителя, как и более двух столетий назад, так и сейчас.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
05 Nov, 19:46
Эдуард Мане – один из самых известных французских художников XIX века, который оказал большое влияние на развитие искусства, в частности на импрессионизм и реализм. Его работы часто выделяются ярким светом, контрастами, свободным мазком и необычной для своего времени тематикой. Рассмотрим некоторые из лучших и наиболее известных картин Мане, которые и по сей день привлекают внимание зрителей.
1️⃣ «Завтрак на траве» (Le Déjeuner sur l’herbe), 1863
Эта картина, также известная как «Завтрак на природе», вызвала скандал в Париже после своей первой выставки. Она изображает двух мужчин в современном костюме, сидящих на пикнике с обнаженной женщиной. Работа нарушала традиционные правила академической живописи, смешивая жанры и показывая обнаженное тело в контексте современной жизни, а не мифологии или религиозных сюжетов. Композиция картины вдохновлена классическими произведениями, но исполнение и реализм обнаженной модели выделяют её как вызов общественным и художественным нормам.
2️⃣ «Олимпия» (Olympia), 1863
«Олимпия» считается одной из самых провокационных работ Мане и также вызвала резонанс в обществе. Картина представляет собой портрет обнаженной женщины, лежащей на кровати, которая уверенно смотрит на зрителя, а у её ног сидит служанка с цветами. Это произведение переосмысливает классический образ Венеры и акцентирует внимание на современности и прямолинейности. Картина была воспринята как вызов общественным устоям и получила много критики за то, что изображенная женщина казалась зрителям слишком откровенной и вызывающей.
3️⃣ «Бар в Фоли-Бержер» (Un Bar aux Folies-Bergère), 1882
Эта картина – одна из последних работ Мане и представляет собой изображение барменши в модном кафе Парижа. В зеркале позади неё отражаются свет и жизнь ночного Парижа, что создает интригующую перспективу и глубину. Картина привлекает внимание своей сложной композицией и деталями, такими как разнообразие бутылок на баре и многочисленные отражения в зеркале. Эта работа считается выдающимся примером умения Мане сочетать реализм и символизм, создавая многозначные образы.
4️⃣ «Портрет Эмиля Золя» (Portrait d'Émile Zola), 1868
Этот портрет был написан как дань уважения другу Мане, писателю Эмилю Золя, который поддерживал художника после критики его предыдущих картин. На картине изображён Золя за рабочим столом, окружённый книгами и произведениями искусства, включая репродукцию «Олимпии». Картина выделяется своим вниманием к деталям и реалистичным изображением интеллигента. Она подчёркивает интеллектуальность Золя и его уважение к культуре и искусству, являясь одновременно и документом дружбы, и манифестом культурных взглядов.
5️⃣ «Испанский гитарист» (Le Joueur de guitare), 1860
Это одна из ранних работ Мане, созданная под влиянием испанского искусства, особенно работ Диего Веласкеса. Картина изображает молодого испанского гитариста в яркой традиционной одежде. Использование света и тени, динамичный мазок, внимание к национальным деталям в костюме – все это привносит в работу особое очарование. Картина стала одним из первых значительных произведений художника и открыла ему путь к признанию.
6️⃣ «Балкон» (Le Balcon), 1868–1869
Эта картина представляет собой сцену на балконе, где сидят или стоят несколько человек, глядя вдаль. Центральное место занимает фигура женщины в белом платье. Картина явно перекликается с работой Гойи «Махи на балконе», но Мане переделал её на свой лад, добавив нотки загадочности. Картина завораживает тем, как Мане передает настроение своих героев и контраст между светом и тенью.
Эти работы подчеркивают уникальный стиль Мане, его способность сочетать смелые идеи с мастерством исполнения. Мане стал своего рода мостом между традициями классического искусства и новаторскими идеями импрессионизма, влияя на многих художников своего времени и создавая картины, которые остаются важной частью мирового культурного наследия.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Эта картина, также известная как «Завтрак на природе», вызвала скандал в Париже после своей первой выставки. Она изображает двух мужчин в современном костюме, сидящих на пикнике с обнаженной женщиной. Работа нарушала традиционные правила академической живописи, смешивая жанры и показывая обнаженное тело в контексте современной жизни, а не мифологии или религиозных сюжетов. Композиция картины вдохновлена классическими произведениями, но исполнение и реализм обнаженной модели выделяют её как вызов общественным и художественным нормам.
«Олимпия» считается одной из самых провокационных работ Мане и также вызвала резонанс в обществе. Картина представляет собой портрет обнаженной женщины, лежащей на кровати, которая уверенно смотрит на зрителя, а у её ног сидит служанка с цветами. Это произведение переосмысливает классический образ Венеры и акцентирует внимание на современности и прямолинейности. Картина была воспринята как вызов общественным устоям и получила много критики за то, что изображенная женщина казалась зрителям слишком откровенной и вызывающей.
Эта картина – одна из последних работ Мане и представляет собой изображение барменши в модном кафе Парижа. В зеркале позади неё отражаются свет и жизнь ночного Парижа, что создает интригующую перспективу и глубину. Картина привлекает внимание своей сложной композицией и деталями, такими как разнообразие бутылок на баре и многочисленные отражения в зеркале. Эта работа считается выдающимся примером умения Мане сочетать реализм и символизм, создавая многозначные образы.
Этот портрет был написан как дань уважения другу Мане, писателю Эмилю Золя, который поддерживал художника после критики его предыдущих картин. На картине изображён Золя за рабочим столом, окружённый книгами и произведениями искусства, включая репродукцию «Олимпии». Картина выделяется своим вниманием к деталям и реалистичным изображением интеллигента. Она подчёркивает интеллектуальность Золя и его уважение к культуре и искусству, являясь одновременно и документом дружбы, и манифестом культурных взглядов.
Это одна из ранних работ Мане, созданная под влиянием испанского искусства, особенно работ Диего Веласкеса. Картина изображает молодого испанского гитариста в яркой традиционной одежде. Использование света и тени, динамичный мазок, внимание к национальным деталям в костюме – все это привносит в работу особое очарование. Картина стала одним из первых значительных произведений художника и открыла ему путь к признанию.
Эта картина представляет собой сцену на балконе, где сидят или стоят несколько человек, глядя вдаль. Центральное место занимает фигура женщины в белом платье. Картина явно перекликается с работой Гойи «Махи на балконе», но Мане переделал её на свой лад, добавив нотки загадочности. Картина завораживает тем, как Мане передает настроение своих героев и контраст между светом и тенью.
Эти работы подчеркивают уникальный стиль Мане, его способность сочетать смелые идеи с мастерством исполнения. Мане стал своего рода мостом между традициями классического искусства и новаторскими идеями импрессионизма, влияя на многих художников своего времени и создавая картины, которые остаются важной частью мирового культурного наследия.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
30 Oct, 21:17
Видение Фауста
(Шабаш ведьм)
1878
Фалеро Луис Рикаддо
Безумный шабаш ведьм движется в своей сумашедшей пляске и кажется, что это всё по настоящему и сейчас произойдёт что-то невероятное.
Испанский живописец 19 столетия Луис Рикардо Фалеро, это художник вне времени. Его невероятные картины вдохновляли и продолжают вдохновлять многих художников, завораживая мистичностью сюжетов и античной обнажённостью тел.
Луис был влюблён в астрономию и поэтому не случайно многие его работы так или иначе связаны с древними космогоническими мифами. Слава к художнику пришла ещё при жизни, благодаря многочисленным репродукциям с его картин. Обнажённые женские формы и мифологические художественные образы наполняют полотна Рекардо невероятной, отчасти даже пугающей, реалистичностью. Создаётся впечатление, что даже самые фантастические сюжеты на полотнах Фалеро, были им не придуманы, а срисованы с натуры.
(Шабаш ведьм)
1878
Фалеро Луис Рикаддо
Безумный шабаш ведьм движется в своей сумашедшей пляске и кажется, что это всё по настоящему и сейчас произойдёт что-то невероятное.
Испанский живописец 19 столетия Луис Рикардо Фалеро, это художник вне времени. Его невероятные картины вдохновляли и продолжают вдохновлять многих художников, завораживая мистичностью сюжетов и античной обнажённостью тел.
Луис был влюблён в астрономию и поэтому не случайно многие его работы так или иначе связаны с древними космогоническими мифами. Слава к художнику пришла ещё при жизни, благодаря многочисленным репродукциям с его картин. Обнажённые женские формы и мифологические художественные образы наполняют полотна Рекардо невероятной, отчасти даже пугающей, реалистичностью. Создаётся впечатление, что даже самые фантастические сюжеты на полотнах Фалеро, были им не придуманы, а срисованы с натуры.
27 Oct, 08:22
Винсент Ван Гог, один из самых выдающихся художников постимпрессионизма, оставил богатое наследие, включающее около 2100 произведений искусства, из которых более 860 — это картины. Его работы отличаются выразительностью, динамичностью и интенсивной цветовой палитрой, благодаря чему он приобрёл известность во всем мире. Рассмотрим самые знаковые его произведения, которые стали символами мирового искусства.
«Звёздная ночь» (1889)
Одна из самых известных картин Ван Гога, написанная в период его пребывания в психиатрической лечебнице Сен-Поль-де-Мозоль недалеко от Сен-Реми-де-Прованс. Картина изображает ночное небо с завихрениями света, яркими звездами и луной, словно окружающими городок внизу. Работа пронизана сильными эмоциями и передаёт чувство тревоги и восхищения перед бескрайностью вселенной. «Звёздная ночь» стала культовой благодаря своей уникальной технике и глубокой символике.
«Подсолнухи» (серия, 1888-1889)
Серия была написана в Арле, когда Ван Гог создавал свои натюрморты, используя простые и повседневные сюжеты. На картинах изображены букеты жёлтых подсолнухов в вазах, что символизирует жизнь и смерть: свежие цветы соседствуют с увядающими. Художник использовал оттенки жёлтого, чтобы создать тепло и оптимизм, но также передать ощущение тревоги. «Подсолнухи» стали визитной карточкой Ван Гога и оказали влияние на последующее развитие живописи.
«Ночная терраса кафе» (1888)
Эта картина была написана в Арле и изображает террасу кафе в ночное время. Ван Гог передал атмосферу южного французского городка с помощью ярких цветов и контрастов. Он использовал различные оттенки синего для изображения ночного неба и тёплые жёлтые тона для освещения кафе. Это произведение считается одной из первых картин, где художник начал активно использовать контрастные цвета, что стало отличительной чертой его стиля.
«Автопортрет с отрезанным ухом» (1889)
Этот автопортрет был написан вскоре после трагического инцидента, когда Ван Гог отрезал себе ухо в результате нервного срыва. Картина отражает его внутреннюю боль и психическое состояние. Художник использовал приглушенные цвета и плотные мазки, чтобы передать состояние тревоги и депрессии. Автопортрет также свидетельствует о стремлении художника к самоанализу и самоосмыслению.
«Пшеничное поле с воронами» (1890)
Считается одной из последних картин Ван Гога, созданной незадолго до его смерти. Она изображает поле под тёмным, угрожающим небом, по которому летают вороны. Картина наполнена мрачной символикой, олицетворяя одиночество и отчаяние. Яркие золотистые и жёлтые оттенки поля контрастируют с тёмным небом, усиливая драматизм сцены.
«Ирисы» (1889)
Были написаны в тот же период, что и «Звёздная ночь», в лечебнице Сен-Реми. Картина наполнена жизнью и светом, хотя и создавалась в сложное время для художника. Яркие синие цветы на фоне зелёной травы передают стремление к красоте даже в трудные моменты. «Ирисы» часто сравнивают с японскими гравюрами, которые Ван Гог высоко ценил и на которые он опирался в своей работе.
Заключение
Картины Ван Гога стали неотъемлемой частью мировой культуры, символизируя не только художественное новаторство, но и глубокие личные переживания художника. Каждое произведение, будь то «Звёздная ночь» или «Подсолнухи», отражает уникальный стиль и эмоциональную насыщенность его творчества. Несмотря на то, что Ван Гог не имел коммерческого успеха при жизни, его работы сейчас высоко ценятся и вдохновляют людей по всему миру.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
«Звёздная ночь» (1889)
Одна из самых известных картин Ван Гога, написанная в период его пребывания в психиатрической лечебнице Сен-Поль-де-Мозоль недалеко от Сен-Реми-де-Прованс. Картина изображает ночное небо с завихрениями света, яркими звездами и луной, словно окружающими городок внизу. Работа пронизана сильными эмоциями и передаёт чувство тревоги и восхищения перед бескрайностью вселенной. «Звёздная ночь» стала культовой благодаря своей уникальной технике и глубокой символике.
«Подсолнухи» (серия, 1888-1889)
Серия была написана в Арле, когда Ван Гог создавал свои натюрморты, используя простые и повседневные сюжеты. На картинах изображены букеты жёлтых подсолнухов в вазах, что символизирует жизнь и смерть: свежие цветы соседствуют с увядающими. Художник использовал оттенки жёлтого, чтобы создать тепло и оптимизм, но также передать ощущение тревоги. «Подсолнухи» стали визитной карточкой Ван Гога и оказали влияние на последующее развитие живописи.
«Ночная терраса кафе» (1888)
Эта картина была написана в Арле и изображает террасу кафе в ночное время. Ван Гог передал атмосферу южного французского городка с помощью ярких цветов и контрастов. Он использовал различные оттенки синего для изображения ночного неба и тёплые жёлтые тона для освещения кафе. Это произведение считается одной из первых картин, где художник начал активно использовать контрастные цвета, что стало отличительной чертой его стиля.
«Автопортрет с отрезанным ухом» (1889)
Этот автопортрет был написан вскоре после трагического инцидента, когда Ван Гог отрезал себе ухо в результате нервного срыва. Картина отражает его внутреннюю боль и психическое состояние. Художник использовал приглушенные цвета и плотные мазки, чтобы передать состояние тревоги и депрессии. Автопортрет также свидетельствует о стремлении художника к самоанализу и самоосмыслению.
«Пшеничное поле с воронами» (1890)
Считается одной из последних картин Ван Гога, созданной незадолго до его смерти. Она изображает поле под тёмным, угрожающим небом, по которому летают вороны. Картина наполнена мрачной символикой, олицетворяя одиночество и отчаяние. Яркие золотистые и жёлтые оттенки поля контрастируют с тёмным небом, усиливая драматизм сцены.
«Ирисы» (1889)
Были написаны в тот же период, что и «Звёздная ночь», в лечебнице Сен-Реми. Картина наполнена жизнью и светом, хотя и создавалась в сложное время для художника. Яркие синие цветы на фоне зелёной травы передают стремление к красоте даже в трудные моменты. «Ирисы» часто сравнивают с японскими гравюрами, которые Ван Гог высоко ценил и на которые он опирался в своей работе.
Заключение
Картины Ван Гога стали неотъемлемой частью мировой культуры, символизируя не только художественное новаторство, но и глубокие личные переживания художника. Каждое произведение, будь то «Звёздная ночь» или «Подсолнухи», отражает уникальный стиль и эмоциональную насыщенность его творчества. Несмотря на то, что Ван Гог не имел коммерческого успеха при жизни, его работы сейчас высоко ценятся и вдохновляют людей по всему миру.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
25 Oct, 11:20
Разрушить барьеры между творцом и зрителем
Каждый фотограф заслуживает признания. А мобильная фотография снимает любые ограничения!
HONOR Eurasia запустил мобильный фотоконкурс, где вы можете показать свои способности и выиграть смартфоны HONOR 200 | 200 Pro.
Покажите свой талант профессионалам индустрии и дополните фотогалерею проекта, где уже представлены мастера редких ремесел нашего континента.
В проекте HONOR Eurasia PortrAIts уже приняли участие знаменитые фотографы: Олег Зотов, Алексей Сулима, Кася Паласатка и другие. Покажите свои творческие замыслы и встаньте в ряд с лучшими в своем деле 😉
Правила конкурса доступны на сайте
Каждый фотограф заслуживает признания. А мобильная фотография снимает любые ограничения!
HONOR Eurasia запустил мобильный фотоконкурс, где вы можете показать свои способности и выиграть смартфоны HONOR 200 | 200 Pro.
Покажите свой талант профессионалам индустрии и дополните фотогалерею проекта, где уже представлены мастера редких ремесел нашего континента.
В проекте HONOR Eurasia PortrAIts уже приняли участие знаменитые фотографы: Олег Зотов, Алексей Сулима, Кася Паласатка и другие. Покажите свои творческие замыслы и встаньте в ряд с лучшими в своем деле 😉
Правила конкурса доступны на сайте
25 Oct, 11:20
Банки с супом
1962
Энди Уорхол
Энди Уорхол изменил искусство с помощью повседневных вещей
В 1962 году американский художник Энди Уорхол произвел фурор в мире искусства, создав серию картин под названием "Банки с супом Кэмпбелл". Эта работа стала символом поп-арта, и вызвала много обсуждений и споров. Изображая обычные предметы, такие как консервные банки, Уорхол по-новому посмотрел на искусство, показав, что и повседневные вещи могут быть красивыми и важными.
Почему банки с супом?
На начало 1960-х годов американская культура сильно менялась: реклама, массовое производство и культура потребления становились частью повседневной жизни. Уорхол, который раньше работал в рекламе, решил использовать это в своём искусстве. Он выбрал консервные банки Кэмпбелл, потому что, по его словам, ел этот суп каждый день на протяжении 20 лет. Так он показал, что обычные вещи, которые есть в жизни каждого, могут стать предметом искусства.
Уорхол создал 32 картины, на каждой из которых был изображён один из видов супа Кэмпбелл. В этом была идея показать не уникальность, а наоборот — повторение и массовость, ведь суп был доступен каждому, как и искусство по мнению художника.
Как это выглядело?
На первый взгляд, его картины кажутся простыми — просто одинаковые банки супа, чуть-чуть отличающиеся друг от друга. Уорхол специально выбрал технику шелкографии, которая позволяла ему легко создавать копии одного и того же изображения. Таким образом, его искусство становилось чем-то похожим на товары, которые производятся на заводе: не уникальные вещи, а массовые продукты.
Цвета в картинах были яркими и чёткими, как в рекламе. Это подчеркивало, что Уорхол смотрит на искусство иначе, чем многие художники до него: для него не важна уникальность каждой картины, а скорее сам процесс создания множества одинаковых изображений.
Реакция на выставку
Когда Уорхол представил свои работы в Лос-Анджелесе, зрители отреагировали по-разному. Одни считали, что он издевается над искусством, ведь это просто банки супа. Другие увидели в его подходе что-то новое и интересное, восхищаясь тем, как он показал обыденные вещи с другой стороны. По сути, Уорхол поставил под сомнение старые представления о том, что считается "высоким искусством" и что достойно быть на выставках.
Эта серия работ оказала огромное влияние на поп-арт как направление в искусстве. В отличие от художников-абстракционистов, которые стремились выразить свои чувства через сложные формы и цвета, поп-арт изображал обычные предметы, такие как упаковки, комиксы или даже рекламные вывески.
Шутка над обществом или восхищение?
До сих пор идут споры о том, что Уорхол хотел сказать своими "Банками с супом". Одни считают, что он высмеивал современное общество, где всё становится одинаковым и массовым. Другие думают, что он наоборот показывал красоту простых вещей, которые мы часто не замечаем.
Сам Уорхол говорил, что просто изображает то, что ему нравится. Это добавляло его работам загадочности: никто не мог точно сказать, что он имел в виду.
Наследие
Сегодня "Банки с супом" являются настоящей иконой поп-арта и символом того, как Уорхол изменил подход к искусству. Его работы показали, что искусством может быть всё, что угодно — даже обычные вещи из повседневной жизни.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1962
Энди Уорхол
Энди Уорхол изменил искусство с помощью повседневных вещей
В 1962 году американский художник Энди Уорхол произвел фурор в мире искусства, создав серию картин под названием "Банки с супом Кэмпбелл". Эта работа стала символом поп-арта, и вызвала много обсуждений и споров. Изображая обычные предметы, такие как консервные банки, Уорхол по-новому посмотрел на искусство, показав, что и повседневные вещи могут быть красивыми и важными.
Почему банки с супом?
На начало 1960-х годов американская культура сильно менялась: реклама, массовое производство и культура потребления становились частью повседневной жизни. Уорхол, который раньше работал в рекламе, решил использовать это в своём искусстве. Он выбрал консервные банки Кэмпбелл, потому что, по его словам, ел этот суп каждый день на протяжении 20 лет. Так он показал, что обычные вещи, которые есть в жизни каждого, могут стать предметом искусства.
Уорхол создал 32 картины, на каждой из которых был изображён один из видов супа Кэмпбелл. В этом была идея показать не уникальность, а наоборот — повторение и массовость, ведь суп был доступен каждому, как и искусство по мнению художника.
Как это выглядело?
На первый взгляд, его картины кажутся простыми — просто одинаковые банки супа, чуть-чуть отличающиеся друг от друга. Уорхол специально выбрал технику шелкографии, которая позволяла ему легко создавать копии одного и того же изображения. Таким образом, его искусство становилось чем-то похожим на товары, которые производятся на заводе: не уникальные вещи, а массовые продукты.
Цвета в картинах были яркими и чёткими, как в рекламе. Это подчеркивало, что Уорхол смотрит на искусство иначе, чем многие художники до него: для него не важна уникальность каждой картины, а скорее сам процесс создания множества одинаковых изображений.
Реакция на выставку
Когда Уорхол представил свои работы в Лос-Анджелесе, зрители отреагировали по-разному. Одни считали, что он издевается над искусством, ведь это просто банки супа. Другие увидели в его подходе что-то новое и интересное, восхищаясь тем, как он показал обыденные вещи с другой стороны. По сути, Уорхол поставил под сомнение старые представления о том, что считается "высоким искусством" и что достойно быть на выставках.
Эта серия работ оказала огромное влияние на поп-арт как направление в искусстве. В отличие от художников-абстракционистов, которые стремились выразить свои чувства через сложные формы и цвета, поп-арт изображал обычные предметы, такие как упаковки, комиксы или даже рекламные вывески.
Шутка над обществом или восхищение?
До сих пор идут споры о том, что Уорхол хотел сказать своими "Банками с супом". Одни считают, что он высмеивал современное общество, где всё становится одинаковым и массовым. Другие думают, что он наоборот показывал красоту простых вещей, которые мы часто не замечаем.
Сам Уорхол говорил, что просто изображает то, что ему нравится. Это добавляло его работам загадочности: никто не мог точно сказать, что он имел в виду.
Наследие
Сегодня "Банки с супом" являются настоящей иконой поп-арта и символом того, как Уорхол изменил подход к искусству. Его работы показали, что искусством может быть всё, что угодно — даже обычные вещи из повседневной жизни.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
24 Oct, 14:32
На Саммите БРИКС покажут работы молодых скульпторов из Санкт-Петербургской академии художеств
Экспозиция «Этнографическая мозаика», посвященная странам БРИКС, открылась на XVI Саммите БРИКС в Казани. Посетители увидят 23 скульптуры, созданные международной командой из Санкт-Петербургской академии художеств.
Выставка задумана как социокультурный и образовательный проект. Рассказывает заместитель директора Фонда Росконгресс, директор Фонда Инносоциум Елена Маринина:
«Мы благодарны оргкомитету Саммита за возможность представить экспозицию на крупнейшем международном мероприятии. «Этнографическая мозаика» знакомит зрителей с колоритом стран БРИКС и выступает площадкой, где молодые художники могут раскрыть свой талант».
Куратор выставки – ректор Академии Семен Михайловский. Организаторы – Фонд Росконгресс, Фонд Инносоциум и Санкт-Петербургская академия художеств имени Репина. Подробнее
#реклама
О рекламодателе
Экспозиция «Этнографическая мозаика», посвященная странам БРИКС, открылась на XVI Саммите БРИКС в Казани. Посетители увидят 23 скульптуры, созданные международной командой из Санкт-Петербургской академии художеств.
Выставка задумана как социокультурный и образовательный проект. Рассказывает заместитель директора Фонда Росконгресс, директор Фонда Инносоциум Елена Маринина:
«Мы благодарны оргкомитету Саммита за возможность представить экспозицию на крупнейшем международном мероприятии. «Этнографическая мозаика» знакомит зрителей с колоритом стран БРИКС и выступает площадкой, где молодые художники могут раскрыть свой талант».
Куратор выставки – ректор Академии Семен Михайловский. Организаторы – Фонд Росконгресс, Фонд Инносоциум и Санкт-Петербургская академия художеств имени Репина. Подробнее
#реклама
О рекламодателе
24 Oct, 14:30
Леонардо да Винчи — одна из самых влиятельных фигур в истории искусства и науки. Мастер эпохи Возрождения, он оставил после себя шедевры, которые продолжают вдохновлять и восхищать людей по всему миру. Вот несколько его самых известных работ, которые заслуженно считаются вершинами мирового искусства.
1. Мона Лиза (Джоконда)
Наверное, самое знаменитое произведение Леонардо и одно из самых узнаваемых лиц в мире. Написанная около 1503–1506 годов, "Мона Лиза" поражает своей таинственной улыбкой и загадочными глазами. Картина примечательна использованием техники сфумато — мягкого перехода между светом и тенью, что придает портрету реалистичность и глубину. Сегодня "Мона Лиза" хранится в Лувре в Париже и привлекает миллионы посетителей ежегодно.
2. Тайная вечеря
Фреска "Тайная вечеря" (1495–1498), расположенная в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, изображает последний ужин Иисуса Христа с апостолами. Она примечательна композицией и выразительностью лиц, которые передают эмоциональное напряжение момента, когда Христос объявляет о предательстве одного из учеников. Эта работа отличается сложностью и уникальными техническими решениями, которые, однако, привели к проблемам с сохранностью фрески.
3. Витрувианский человек
Этот рисунок является одной из самых известных иллюстраций к анатомическим и архитектурным исследованиям Леонардо. "Витрувианский человек" демонстрирует пропорции человеческого тела, совмещая фигуру человека с геометрическими формами — кругом и квадратом. Работу можно рассматривать как символ гармонии между наукой и искусством, столь характерной для эпохи Возрождения.
4. Дама с горностаем
Портрет Чечилии Галлерани, известный как "Дама с горностаем" (около 1489–1490), — еще одно выдающееся произведение Леонардо. Картина привлекает внимание не только реалистичностью и живостью изображения, но и символизмом: горностай ассоциировался с чистотой и добродетелью. Картина хранится в Музее Чарторыйских в Кракове и считается одним из лучших портретов Ренессанса.
5. Благовещение
Ранняя работа Леонардо, выполненная около 1472–1475 годов, "Благовещение" представляет сцену, когда архангел Гавриил сообщает Деве Марии о будущем рождении Иисуса. Картина примечательна сложностью детализации, особенно в изображении природы и драпировок, что характерно для раннего творчества Леонардо.
6. Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом
Это произведение, созданное около 1503–1519 годов, изображает Марию, младенца Иисуса и его бабушку, святую Анну. Композиция картины считается революционной для своего времени, так как персонажи образуют сложную спиралевидную группу, что придает сцене динамику и глубину.
Каждая из этих работ — не просто образец живописи, но и источник многочисленных исследований и обсуждений. Шедевры Леонардо да Винчи раскрывают его гениальность как художника, ученого и философа, способного соединять искусство и науку, а также передавать через картины сложные идеи и чувства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1. Мона Лиза (Джоконда)
Наверное, самое знаменитое произведение Леонардо и одно из самых узнаваемых лиц в мире. Написанная около 1503–1506 годов, "Мона Лиза" поражает своей таинственной улыбкой и загадочными глазами. Картина примечательна использованием техники сфумато — мягкого перехода между светом и тенью, что придает портрету реалистичность и глубину. Сегодня "Мона Лиза" хранится в Лувре в Париже и привлекает миллионы посетителей ежегодно.
2. Тайная вечеря
Фреска "Тайная вечеря" (1495–1498), расположенная в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, изображает последний ужин Иисуса Христа с апостолами. Она примечательна композицией и выразительностью лиц, которые передают эмоциональное напряжение момента, когда Христос объявляет о предательстве одного из учеников. Эта работа отличается сложностью и уникальными техническими решениями, которые, однако, привели к проблемам с сохранностью фрески.
3. Витрувианский человек
Этот рисунок является одной из самых известных иллюстраций к анатомическим и архитектурным исследованиям Леонардо. "Витрувианский человек" демонстрирует пропорции человеческого тела, совмещая фигуру человека с геометрическими формами — кругом и квадратом. Работу можно рассматривать как символ гармонии между наукой и искусством, столь характерной для эпохи Возрождения.
4. Дама с горностаем
Портрет Чечилии Галлерани, известный как "Дама с горностаем" (около 1489–1490), — еще одно выдающееся произведение Леонардо. Картина привлекает внимание не только реалистичностью и живостью изображения, но и символизмом: горностай ассоциировался с чистотой и добродетелью. Картина хранится в Музее Чарторыйских в Кракове и считается одним из лучших портретов Ренессанса.
5. Благовещение
Ранняя работа Леонардо, выполненная около 1472–1475 годов, "Благовещение" представляет сцену, когда архангел Гавриил сообщает Деве Марии о будущем рождении Иисуса. Картина примечательна сложностью детализации, особенно в изображении природы и драпировок, что характерно для раннего творчества Леонардо.
6. Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом
Это произведение, созданное около 1503–1519 годов, изображает Марию, младенца Иисуса и его бабушку, святую Анну. Композиция картины считается революционной для своего времени, так как персонажи образуют сложную спиралевидную группу, что придает сцене динамику и глубину.
Каждая из этих работ — не просто образец живописи, но и источник многочисленных исследований и обсуждений. Шедевры Леонардо да Винчи раскрывают его гениальность как художника, ученого и философа, способного соединять искусство и науку, а также передавать через картины сложные идеи и чувства.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
23 Oct, 08:09
🐳Как музыка спасла сотни белух
Это реальная история: она произошла у Чукотского полуострова.
Сотни белух были спасены с помощью классической музыки.
В 1985 году огромная стая белух оказалась в ловушке из-за 4 километрового айсберга. Животные не могли преодолеть его на одном вдохе, а вынырнуть по пути было негде.
🚢Ледокол «Москва» прибыл на помощь животным. Когда судно пробилось сквозь льды к белухам.
Увы, уставшие и травмированные животные не двигались с места. Их не получалось убедить последовать обратно в открытую воду.
Член экипажа сделал необычное предположение — поставить музыку, ведь киты реагируют на мелодии. Из динамиков «Москвы» над ледяными просторами стали разноситься различные мелодии.
🎼Оказалось, что классическая музыка наиболее эффективна. Белухи «потянулись» за ней и таким образом выплыли из опасной зоны вслед за ледоколом.
Если белухам музыка жизнь спасла, может быть, и нам как-то поможет?
📝Я решила провести бесплатный эфир, на котором расскажу некоторые принципы составления плейлистов, которые пригодятся вам в жизни. Уже не для спасения белух, а для помощи самим себе.
Для регистрации на открытый эфир переходите по ссылке ниже:
https://yuliakazantseva.ru/webinar2610?utm_source=tg&utm_medium=posev&utm_campaign=webinar2610&utm_content=kartiny_zhivopis?
Но я буду рассказывать не только про целительные свойства музыки. А хочу показать, как навести порядок в голове и понять 1000 летнюю историю музыки.
Встречаемся в субботу 26-го октября в 11:00 по Москве
🎁 А после регистрации вас ждет подарочек «Музыка после тяжелого дня»
2VtzqwbCFF1
Это реальная история: она произошла у Чукотского полуострова.
Сотни белух были спасены с помощью классической музыки.
В 1985 году огромная стая белух оказалась в ловушке из-за 4 километрового айсберга. Животные не могли преодолеть его на одном вдохе, а вынырнуть по пути было негде.
🚢Ледокол «Москва» прибыл на помощь животным. Когда судно пробилось сквозь льды к белухам.
Увы, уставшие и травмированные животные не двигались с места. Их не получалось убедить последовать обратно в открытую воду.
Член экипажа сделал необычное предположение — поставить музыку, ведь киты реагируют на мелодии. Из динамиков «Москвы» над ледяными просторами стали разноситься различные мелодии.
🎼Оказалось, что классическая музыка наиболее эффективна. Белухи «потянулись» за ней и таким образом выплыли из опасной зоны вслед за ледоколом.
Если белухам музыка жизнь спасла, может быть, и нам как-то поможет?
📝Я решила провести бесплатный эфир, на котором расскажу некоторые принципы составления плейлистов, которые пригодятся вам в жизни. Уже не для спасения белух, а для помощи самим себе.
Для регистрации на открытый эфир переходите по ссылке ниже:
https://yuliakazantseva.ru/webinar2610?utm_source=tg&utm_medium=posev&utm_campaign=webinar2610&utm_content=kartiny_zhivopis?
Но я буду рассказывать не только про целительные свойства музыки. А хочу показать, как навести порядок в голове и понять 1000 летнюю историю музыки.
Встречаемся в субботу 26-го октября в 11:00 по Москве
🎁 А после регистрации вас ждет подарочек «Музыка после тяжелого дня»
2VtzqwbCFF1
23 Oct, 08:08
Сад художника
Рэймонд Бут
Известный британский художник, который прославился своими натуралистическими изображениями природы. Картина «Сад художника» прекрасно отражает его стиль и мастерство. На полотне изображены ветви цветущего дерева, вероятно яблони, с крупными бело-розовыми цветами на фоне нежно размытых деталей сада. Бут уделяет особое внимание деталям: каждая лепесток и лист тщательно прорисованы, создавая ощущение объёма и живости.
Цветы в центре композиции выделяются на фоне зелени, благодаря чему зритель ощущает близость и свежесть природы. Это позволяет прочувствовать атмосферу весеннего сада, когда растения оживают и начинают цвести. Картина словно переносит нас в тихий, уединённый уголок, где царит умиротворение и гармония.
Бут часто использовал в своих работах реалистический подход, что проявляется в точности передачи текстур и игры света. Его картины обычно передают не только внешний вид растений, но и их «душу» — природа изображена с такой теплотой и заботой, что зритель может ощутить её красоту и хрупкость. «Сад художника» — это ода природе, которая демонстрирует мастерство художника в изображении ботанических сюжетов и его умение создавать атмосферу спокойствия и вдохновения.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Рэймонд Бут
Известный британский художник, который прославился своими натуралистическими изображениями природы. Картина «Сад художника» прекрасно отражает его стиль и мастерство. На полотне изображены ветви цветущего дерева, вероятно яблони, с крупными бело-розовыми цветами на фоне нежно размытых деталей сада. Бут уделяет особое внимание деталям: каждая лепесток и лист тщательно прорисованы, создавая ощущение объёма и живости.
Цветы в центре композиции выделяются на фоне зелени, благодаря чему зритель ощущает близость и свежесть природы. Это позволяет прочувствовать атмосферу весеннего сада, когда растения оживают и начинают цвести. Картина словно переносит нас в тихий, уединённый уголок, где царит умиротворение и гармония.
Бут часто использовал в своих работах реалистический подход, что проявляется в точности передачи текстур и игры света. Его картины обычно передают не только внешний вид растений, но и их «душу» — природа изображена с такой теплотой и заботой, что зритель может ощутить её красоту и хрупкость. «Сад художника» — это ода природе, которая демонстрирует мастерство художника в изображении ботанических сюжетов и его умение создавать атмосферу спокойствия и вдохновения.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
21 Oct, 10:24
Вино
1914
Александра Экстер
Это произведение, созданное в духе кубофутуризма, который объединяет элементы кубизма и футуризма. Кубофутуризм сочетает геометрические формы кубизма с динамичностью и экспрессией футуризма, что находит отражение в работе Экстер. В этой композиции можно увидеть смешение абстрактных и реальных элементов, характерное для кубофутуристов, которые стремились к изображению множества точек зрения одновременно.
На картине представлены бутылки, фрукты и текстовые элементы, которые вписаны в композицию таким образом, что они превращаются в сочетание цвета, формы и текстуры. Экстер использует насыщенные цвета и коллажные элементы, создавая эффект объемности и движения. Ее выбор предметов для изображения — бутылки вина, фрукты — типичен для натюрморта, однако их исполнение разрушает традиционную форму и порядок.
Для Экстер французское искусство оказало большое влияние, особенно кубизм и работы Пабло Пикассо, который также экспериментировал с коллажем и текстурами. Однако, в отличие от некоторых кубистов, которые сосредотачивались на строгой геометрии, Экстер сохраняет ощущение декоративности и даже праздничности, что становится особенно заметным в её более поздних работах.
Картина также демонстрирует интерес художницы к типографике и использованию букв в живописи, что было частью авангардных экспериментов начала XX века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1914
Александра Экстер
Это произведение, созданное в духе кубофутуризма, который объединяет элементы кубизма и футуризма. Кубофутуризм сочетает геометрические формы кубизма с динамичностью и экспрессией футуризма, что находит отражение в работе Экстер. В этой композиции можно увидеть смешение абстрактных и реальных элементов, характерное для кубофутуристов, которые стремились к изображению множества точек зрения одновременно.
На картине представлены бутылки, фрукты и текстовые элементы, которые вписаны в композицию таким образом, что они превращаются в сочетание цвета, формы и текстуры. Экстер использует насыщенные цвета и коллажные элементы, создавая эффект объемности и движения. Ее выбор предметов для изображения — бутылки вина, фрукты — типичен для натюрморта, однако их исполнение разрушает традиционную форму и порядок.
Для Экстер французское искусство оказало большое влияние, особенно кубизм и работы Пабло Пикассо, который также экспериментировал с коллажем и текстурами. Однако, в отличие от некоторых кубистов, которые сосредотачивались на строгой геометрии, Экстер сохраняет ощущение декоративности и даже праздничности, что становится особенно заметным в её более поздних работах.
Картина также демонстрирует интерес художницы к типографике и использованию букв в живописи, что было частью авангардных экспериментов начала XX века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
18 Oct, 18:11
Красная площадь в Москве
1801
Фёдор Алексеев
Холст, масло. 81,3 × 110,5 см
Третьяковrа, Москва
Картина стала первой работой в серии произведений, посвящённых столичным видам. Она знаменует возрождение интереса к древней столице России в начале XIX века, когда Москва стала восприниматься не только как исторический центр, но и как важный объект культурного наследия.
На картине изображена Красная площадь с собором Василия Блаженного на переднем плане и Спасской башней Кремля справа. Композиция наполнена живыми деталями, передающими атмосферу городской жизни — фигуры людей, лошадей, экипажей и торговцев создают ощущение повседневной активности. Алексеева вдохновляло разнообразие архитектурных и культурных черт Москвы, и он стремился передать их уникальность.
В письме к президенту Академии художеств А. С. Строганову Алексеев писал: «По осмотрении Москвы я нашел столько прекрасных предметов для картин, что нахожусь в недоумении, с которого вида прежде начать; должно было решиться, и я уже начал первый эскиз с площади с церковью Василия Блаженного и зиму употреблю для писания картины». Эти слова отражают искреннюю заинтересованность художника в передаче многообразия облика Москвы, что стало основой для его дальнейших работ.
Картина не только документирует исторический облик города, но и служит ценным источником для понимания культурных и социальных аспектов той эпохи.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1801
Фёдор Алексеев
Холст, масло. 81,3 × 110,5 см
Третьяковrа, Москва
Картина стала первой работой в серии произведений, посвящённых столичным видам. Она знаменует возрождение интереса к древней столице России в начале XIX века, когда Москва стала восприниматься не только как исторический центр, но и как важный объект культурного наследия.
На картине изображена Красная площадь с собором Василия Блаженного на переднем плане и Спасской башней Кремля справа. Композиция наполнена живыми деталями, передающими атмосферу городской жизни — фигуры людей, лошадей, экипажей и торговцев создают ощущение повседневной активности. Алексеева вдохновляло разнообразие архитектурных и культурных черт Москвы, и он стремился передать их уникальность.
В письме к президенту Академии художеств А. С. Строганову Алексеев писал: «По осмотрении Москвы я нашел столько прекрасных предметов для картин, что нахожусь в недоумении, с которого вида прежде начать; должно было решиться, и я уже начал первый эскиз с площади с церковью Василия Блаженного и зиму употреблю для писания картины». Эти слова отражают искреннюю заинтересованность художника в передаче многообразия облика Москвы, что стало основой для его дальнейших работ.
Картина не только документирует исторический облик города, но и служит ценным источником для понимания культурных и социальных аспектов той эпохи.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
15 Oct, 17:09
Возвращаясь ко вчерашней "Одалиске" Энгра...
Картина на фото выше, принадлежит кисти Амедео Модильяни и представляет собой характерный для его творчества портрет обнаженной натуры. Художник часто обращался к теме ню, создавая чувственные и выразительные образы женщин. В данном случае поза одалиски, вдохновленная восточным искусством и традицией изображения лежащих женщин, нашла свое воплощение в его стиле.
Тема одалисок, ставшая популярной в европейской живописи благодаря Энгру, позже была подхвачена такими мастерами, как Анри Матисс и Пабло Пикассо, высоко ценившими творчество Энгра. Эти художники по-разному интерпретировали образ восточной наложницы, наполняя его своими художественными поисками и стилями.
В картинах Модильяни образы одалисок приобретают особую утонченность и плавность линий. Его характерный подход к изображению фигуры, вытянутые пропорции и изящные контуры придают работам особую эмоциональную глубину. В данном произведении фигура модели сочетает в себе чувственность и спокойствие, а плавные формы и приглушенная цветовая палитра подчеркивают интимность сцены.
Таким образом, Модильяни, работая с темой одалисок, продолжает традицию европейских мастеров, но вносит в нее свой уникальный почерк, объединяющий элементы классического подхода с современными художественными течениями начала XX века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
Картина на фото выше, принадлежит кисти Амедео Модильяни и представляет собой характерный для его творчества портрет обнаженной натуры. Художник часто обращался к теме ню, создавая чувственные и выразительные образы женщин. В данном случае поза одалиски, вдохновленная восточным искусством и традицией изображения лежащих женщин, нашла свое воплощение в его стиле.
Тема одалисок, ставшая популярной в европейской живописи благодаря Энгру, позже была подхвачена такими мастерами, как Анри Матисс и Пабло Пикассо, высоко ценившими творчество Энгра. Эти художники по-разному интерпретировали образ восточной наложницы, наполняя его своими художественными поисками и стилями.
В картинах Модильяни образы одалисок приобретают особую утонченность и плавность линий. Его характерный подход к изображению фигуры, вытянутые пропорции и изящные контуры придают работам особую эмоциональную глубину. В данном произведении фигура модели сочетает в себе чувственность и спокойствие, а плавные формы и приглушенная цветовая палитра подчеркивают интимность сцены.
Таким образом, Модильяни, работая с темой одалисок, продолжает традицию европейских мастеров, но вносит в нее свой уникальный почерк, объединяющий элементы классического подхода с современными художественными течениями начала XX века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
14 Oct, 17:07
Большая одалиска
1814
Жан Огюст Доминик Энгр
Холст, масло. 91 × 162 см
Лувр, Париж
Это не просто изображение обнажённой женщины в восточной обстановке, а произведение, которое отражает переходные моменты в искусстве начала XIX века, сочетая классические традиции с романтическими тенденциями. Несмотря на её внешний вид, будто созданный в духе старых мастеров, полотно носит черты радикального отхода от академических стандартов.
Энгр осознанно пошёл на искажение анатомии: удлинённая спина, добавленные позвонки и плавные линии придают фигуре утрированную элегантность и нереальность. Эта аномалия критиками XIX века была воспринята как нарушение правил, но на самом деле художник стремился передать идеализированную чувственность и грацию. Подобные удлинения форм можно рассматривать как отголоски маньеризма, в частности, произведений Пармиджанино и Бронзино.
Тема восточной экзотики в картине раскрыта через детали интерьера и аксессуары — такие, как персидские ткани и веер из перьев павлина. Однако эта экзотичность лишь обрамляет образ, она не доминирует, а служит фоном для самой фигуры одалиски, добавляя к её образу нотку загадочности и соблазнительности. Восточные мотивы были популярны в эпоху романтизма, когда интерес к чужим культурам, особенно Востока, считался признаком утончённого вкуса.
"Большая одалиска" также оказала влияние на более поздних мастеров: Амедео Модильяни вдохновлялся позой модели, а Матисс и Пикассо, восхищаясь Энгром, также обращались к теме одалисок, каждый в своём уникальном стиле. Таким образом, полотно Энгра стало своеобразным мостом между классикой и модернизмом, вдохновляя художников на эксперименты с формами и эстетикой.
Не принятая изначально, картина со временем приобрела культовый статус, что подтверждает её способность выходить за пределы времени, сохраняя актуальность даже спустя два века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
1814
Жан Огюст Доминик Энгр
Холст, масло. 91 × 162 см
Лувр, Париж
Это не просто изображение обнажённой женщины в восточной обстановке, а произведение, которое отражает переходные моменты в искусстве начала XIX века, сочетая классические традиции с романтическими тенденциями. Несмотря на её внешний вид, будто созданный в духе старых мастеров, полотно носит черты радикального отхода от академических стандартов.
Энгр осознанно пошёл на искажение анатомии: удлинённая спина, добавленные позвонки и плавные линии придают фигуре утрированную элегантность и нереальность. Эта аномалия критиками XIX века была воспринята как нарушение правил, но на самом деле художник стремился передать идеализированную чувственность и грацию. Подобные удлинения форм можно рассматривать как отголоски маньеризма, в частности, произведений Пармиджанино и Бронзино.
Тема восточной экзотики в картине раскрыта через детали интерьера и аксессуары — такие, как персидские ткани и веер из перьев павлина. Однако эта экзотичность лишь обрамляет образ, она не доминирует, а служит фоном для самой фигуры одалиски, добавляя к её образу нотку загадочности и соблазнительности. Восточные мотивы были популярны в эпоху романтизма, когда интерес к чужим культурам, особенно Востока, считался признаком утончённого вкуса.
"Большая одалиска" также оказала влияние на более поздних мастеров: Амедео Модильяни вдохновлялся позой модели, а Матисс и Пикассо, восхищаясь Энгром, также обращались к теме одалисок, каждый в своём уникальном стиле. Таким образом, полотно Энгра стало своеобразным мостом между классикой и модернизмом, вдохновляя художников на эксперименты с формами и эстетикой.
Не принятая изначально, картина со временем приобрела культовый статус, что подтверждает её способность выходить за пределы времени, сохраняя актуальность даже спустя два века.
⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.
85,236
subscribers
3,837
photos
40
videos
