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🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
@clasicaalatardecer
En este canal se publicarán obras de música clásica y datos curiosos sobre la misma.
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🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻 (Spanish)
¡Bienvenidos a Clásica al Atardecer! Este canal está dedicado a todos los amantes de la música clásica, donde se publicarán obras maestras de compositores reconocidos y datos curiosos sobre este apasionante género musical. Si te encanta sumergirte en la belleza y profundidad de la música clásica, este es el lugar perfecto para ti. Además, podrás disfrutar de anuncios y novedades relacionadas con el mundo de la música clásica en este canal. No te pierdas ninguna de las publicaciones y descubre nuevas piezas musicales que te sorprenderán. Únete a nuestra comunidad y comparte tu pasión por la música clásica con otros aficionados. Encuentra más grupos y canales de la comunidad NEXUS en @Comunidad_NEXUS. ¡Prepárate para disfrutar de un viaje musical único y enriquecedor en Clásica al Atardecer!
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
26 Jan, 16:00
ESTACIÓN ARTE
Todas Las Artes tienen una parada en común. Encontrarás cada día un viaje diferente a través del arte: Fotografía, Pintura, Escultura, Arquitectura, Música, Danza, Poesía, Arte Culinario (Cocina) y Filosofía.
Te invitamos a deleitar a tus sentidos con esta oda a la vida, repasando artistas famosos y talentos desconocidos que merecen nuestro reconocimiento.
¿Nos acompañas?
Estación Arte,
Tu canal de Inspiración a diario
https://t.me/SonataLife
Comunidad NEXUS
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25 Jan, 18:03
#Concertino #MarcejMalecki #Malecki #IvanRonceab #IoanaNicolescu #FilarmónicaJorgeEnescu
Título: Concertino en Viejo Estilo para Dos Arpas y Orquesta
Autor: Marcej Malecki
Interpretación: Ion Ivan-Ronceab, Ioana Nicolescu, Filarmónica Jorge Enescu
Año: 2016
Lugar: Ateneo Romano, Bucarest, Rumania
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Título: Concertino en Viejo Estilo para Dos Arpas y Orquesta
Autor: Marcej Malecki
Interpretación: Ion Ivan-Ronceab, Ioana Nicolescu, Filarmónica Jorge Enescu
Año: 2016
Lugar: Ateneo Romano, Bucarest, Rumania
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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19 Jan, 16:00
🌄 - ZONA WALLPAPERS 4K - 🌉
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18 Jan, 18:02
#Concierto64 #ConciertoParaViolín #Mendelssonh #RayChen #KentNagano
Título: El Concierto para violín en mi menor, Op. 64
Autor: Felix Mendelssohn
Movimientos:
🎵 I. Allegro molto appassionato (mi menor)
🎵 II. Andante (do mayor)
🎵 III. Allegretto non troppo - Allegro molto vivace (mi mayor)
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Gotemburgo
Ray Chen - Violín
Director:
Kent Nagano
@ClasicaAlAtardecer
Título: El Concierto para violín en mi menor, Op. 64
Autor: Felix Mendelssohn
Movimientos:
🎵 I. Allegro molto appassionato (mi menor)
🎵 II. Andante (do mayor)
🎵 III. Allegretto non troppo - Allegro molto vivace (mi mayor)
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Gotemburgo
Ray Chen - Violín
Director:
Kent Nagano
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
18 Jan, 18:00
#Concierto64 #ConciertoParaViolín #Mendelssonh #RayChen #KentNagano
EL CONCIERTO PARA VIOLÍN EN MI MENOR, OP. 64
El concierto consta de tres movimientos con las siguientes indicaciones de tempo:
🎵 I. Allegro molto appassionato (mi menor)
🎵 II. Andante (do mayor)
🎵 III. Allegretto non troppo - Allegro molto vivace (mi mayor)
Allegro molto appassionato.
El concierto empieza con una entrada inmediata del violín solista, en lugar de un tutti orquestal, con la melodía en mi menor que le rondaba por la cabeza a Mendelssohn y no le dejaba en paz. Tras una bravura de rápidas notas descendentes, el tema inicial es tomado de nuevo por la orquesta. Luego hay una frenética transición cromática mientras la música decrece y modula a un segundo tema más tranquilo en sol mayor. La melodía es interpretada inicialmente por los vientos con el solista proporcionando un pedal sobre un sol al aire. Tras una corta coda acaba la exposición del primer movimiento inicial donde la melodía es interpretada por el propio violín solista. Los dos temas del principio son combinados en el desarrollo, donde la música se desarrolla hasta alcanzar una innovadora cadenza, la cual Mendelssohn prefirió escribir al completo más que dejar que el intérprete improvisara.
Andante
El fagot mantiene el si del acorde final del primer movimiento para luego subir un semitono hasta el do central. Esto sirve como modulación desde la tonalidad de mi menor del primer movimiento para entrar en el lírico movimiento lento en do mayor. El movimiento está escrito en forma ternaria y recuerda a las Canciones sin palabras del propio autor. El tema central más melancólico escrito en la menor es introducido primero por la orquesta y a continuación el violín toma la melodía y el acompañamiento simultáneamente. El acompañamiento en trémolo requiere un solista de dedos ágiles y diestros y seguidamente la música vuelve al tema principal en do mayor, esta vez acabando con una conclusión serena.
Allegretto non troppo – Allegro molto vivace
Tras el segundo movimiento, hay un corto pasaje de transición de catorce compases en mi menor para únicamente el violín solista y las cuerdas. Esto conduce al vivo final, cuya mayoría esta en mi mayor y el comienzo contiene una fanfarria de trompetas. El tercer movimiento está escrito en forma de rondó-sonata con un tema inicial que el solista interpreta con velocidad. La exposición inicial conduce a un corto segundo tema en si mayorque es interpretado por el solista en donde se encadenan una serie de rápidos arpegios ascendentes y descendentes, que recuerdan a la cadenza del primer movimiento. La orquesta luego interpreta una variación de la melodía inicial, que continúa con un corto desarrollo en sol mayor. La recapitulación es similar a la exposición, aparte del contracanto que interpretan las cuerdas. Hay una pequeña cadenza cerca del final del movimiento cuando los vientos tocan la melodía principal contra los prolongados trinos del violín solista. El concierto concluye con una frenética coda.
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EL CONCIERTO PARA VIOLÍN EN MI MENOR, OP. 64
El concierto consta de tres movimientos con las siguientes indicaciones de tempo:
🎵 I. Allegro molto appassionato (mi menor)
🎵 II. Andante (do mayor)
🎵 III. Allegretto non troppo - Allegro molto vivace (mi mayor)
Allegro molto appassionato.
El concierto empieza con una entrada inmediata del violín solista, en lugar de un tutti orquestal, con la melodía en mi menor que le rondaba por la cabeza a Mendelssohn y no le dejaba en paz. Tras una bravura de rápidas notas descendentes, el tema inicial es tomado de nuevo por la orquesta. Luego hay una frenética transición cromática mientras la música decrece y modula a un segundo tema más tranquilo en sol mayor. La melodía es interpretada inicialmente por los vientos con el solista proporcionando un pedal sobre un sol al aire. Tras una corta coda acaba la exposición del primer movimiento inicial donde la melodía es interpretada por el propio violín solista. Los dos temas del principio son combinados en el desarrollo, donde la música se desarrolla hasta alcanzar una innovadora cadenza, la cual Mendelssohn prefirió escribir al completo más que dejar que el intérprete improvisara.
Andante
El fagot mantiene el si del acorde final del primer movimiento para luego subir un semitono hasta el do central. Esto sirve como modulación desde la tonalidad de mi menor del primer movimiento para entrar en el lírico movimiento lento en do mayor. El movimiento está escrito en forma ternaria y recuerda a las Canciones sin palabras del propio autor. El tema central más melancólico escrito en la menor es introducido primero por la orquesta y a continuación el violín toma la melodía y el acompañamiento simultáneamente. El acompañamiento en trémolo requiere un solista de dedos ágiles y diestros y seguidamente la música vuelve al tema principal en do mayor, esta vez acabando con una conclusión serena.
Allegretto non troppo – Allegro molto vivace
Tras el segundo movimiento, hay un corto pasaje de transición de catorce compases en mi menor para únicamente el violín solista y las cuerdas. Esto conduce al vivo final, cuya mayoría esta en mi mayor y el comienzo contiene una fanfarria de trompetas. El tercer movimiento está escrito en forma de rondó-sonata con un tema inicial que el solista interpreta con velocidad. La exposición inicial conduce a un corto segundo tema en si mayorque es interpretado por el solista en donde se encadenan una serie de rápidos arpegios ascendentes y descendentes, que recuerdan a la cadenza del primer movimiento. La orquesta luego interpreta una variación de la melodía inicial, que continúa con un corto desarrollo en sol mayor. La recapitulación es similar a la exposición, aparte del contracanto que interpretan las cuerdas. Hay una pequeña cadenza cerca del final del movimiento cuando los vientos tocan la melodía principal contra los prolongados trinos del violín solista. El concierto concluye con una frenética coda.
El concierto tuvo un éxito inmediato, con una calurosa acogida el día de su estreno y bien recibido por los críticos contemporáneos. Hacia finales del siglo XIX, la pieza todavía era considerada como uno de los conciertos para violín más grandiosos del repertorio. Se convertiría en una de las piezas más populares de Mendelssohn y todavía sigue interpretándose a menudo, a pesar de que el interés por su música haya declinado a principios del siglo XX.
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18 Jan, 18:00
#Concierto64 #ConciertoParaViolín #Mendelssonh #RayChen #KentNagano
EL CONCIERTO PARA VIOLÍN EN MI MENOR, OP. 64
El Concierto para violín en mi menor, Op. 64 es la última gran obra orquestal del compositor alemán Felix Mendelssohn. Forma una importante parte del repertorio de violín y es uno de los conciertos para ese instrumento más populares y más interpretados de todos los tiempos. Una interpretación estándar tiene una duración de casi media hora.
Mendelssohn originalmente prometió un concierto para violín en 1838 a Ferdinand David, un amigo cercano que era un consumado violinista. Sin embargo, la obra tardó seis años en completarse y no fue estrenada hasta el año siguiente, en 1845. Durante este tiempo, Mendelssohn se carteó con regularidad con David, en busca de consejos para el concierto. La obra es uno de los primeros conciertos para violín del Romanticismo e influyó en las obras de varios compositores. A pesar de que el concierto consta de tres movimientos en la estructura típica rápido-lento-rápido y cada movimiento sigue la forma tradicional, la obra era innovadora e incluía características nuevas para la época. Como aspectos distintivos se destacan la entrada inmediata del violín al comienzo y el enlace entre movimientos sin solución de continuidad.
La obra fue inicialmente bien recibida y pronto fue considerada como uno de los conciertos para violín más grandes de todos los tiempos. Sigue siendo popular y se ha forjado la reputación de ser esencial su dominio para todos los virtuosos del violín; normalmente es uno de los primeros conciertos románticos que se aprenden. Varios violinistas profesionales lo han grabado y se interpreta con regularidad en salas de concierto así como en competiciones de música clásica.
Este concierto para violín sobresale respecto anteriores conciertos por la conexión entre los movimientos. No hay pausa entre el primero y segundo movimientos, con una nota del fagot mantenida entre los dos. El pasaje que hace de puente entre los dos últimos movimientos empieza justo después del final del movimiento lento. La melodía es similar a la del principio, para recalcar la forma cíclica de la obra.
@ClasicaAlAtardecer
EL CONCIERTO PARA VIOLÍN EN MI MENOR, OP. 64
El Concierto para violín en mi menor, Op. 64 es la última gran obra orquestal del compositor alemán Felix Mendelssohn. Forma una importante parte del repertorio de violín y es uno de los conciertos para ese instrumento más populares y más interpretados de todos los tiempos. Una interpretación estándar tiene una duración de casi media hora.
Mendelssohn originalmente prometió un concierto para violín en 1838 a Ferdinand David, un amigo cercano que era un consumado violinista. Sin embargo, la obra tardó seis años en completarse y no fue estrenada hasta el año siguiente, en 1845. Durante este tiempo, Mendelssohn se carteó con regularidad con David, en busca de consejos para el concierto. La obra es uno de los primeros conciertos para violín del Romanticismo e influyó en las obras de varios compositores. A pesar de que el concierto consta de tres movimientos en la estructura típica rápido-lento-rápido y cada movimiento sigue la forma tradicional, la obra era innovadora e incluía características nuevas para la época. Como aspectos distintivos se destacan la entrada inmediata del violín al comienzo y el enlace entre movimientos sin solución de continuidad.
La obra fue inicialmente bien recibida y pronto fue considerada como uno de los conciertos para violín más grandes de todos los tiempos. Sigue siendo popular y se ha forjado la reputación de ser esencial su dominio para todos los virtuosos del violín; normalmente es uno de los primeros conciertos románticos que se aprenden. Varios violinistas profesionales lo han grabado y se interpreta con regularidad en salas de concierto así como en competiciones de música clásica.
Este concierto para violín sobresale respecto anteriores conciertos por la conexión entre los movimientos. No hay pausa entre el primero y segundo movimientos, con una nota del fagot mantenida entre los dos. El pasaje que hace de puente entre los dos últimos movimientos empieza justo después del final del movimiento lento. La melodía es similar a la del principio, para recalcar la forma cíclica de la obra.
El concierto además llama la atención por los largos periodos en los que el solista realiza un mero acompañamiento para la orquesta, como por ejemplo en los arpegios rebotados al principio de la recapitulación. Esto también fue muy novedoso para un concierto para violín de esa época.
@ClasicaAlAtardecer
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13 Jan, 18:00
#DefyingGravity #Wicked #StephenSchwartz #FrancescoParrino
Título: Defying Gravity - Wicked
Autor: Stephen Schwartz
Interpretación:
Francesco Parrino
@ClasicaAlAtardecer
Título: Defying Gravity - Wicked
Autor: Stephen Schwartz
Interpretación:
Francesco Parrino
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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06 Jan, 17:00
#LosReyesMagos #Reyes #ArielRamírez #MisaCriolla #AntonioCarmonaBarroso
Título: Los Reyes Magos - Navidad Nuestra
Álbum: Misa Criolla
Autor: Ariel Ramírez
Interpretación:
Coral Polifónica de Baeza y Vientos del Sur
Director:
Antonio Carmona Barroso
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Los Reyes Magos - Navidad Nuestra
Álbum: Misa Criolla
Autor: Ariel Ramírez
Interpretación:
Coral Polifónica de Baeza y Vientos del Sur
Director:
Antonio Carmona Barroso
Fuente: 🎼
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06 Jan, 17:00
#LosreyesMagos #Reyes #ArielRamírez #MisaCriolla #AntonioCarmonaBarroso
LA MISA CRIOLLA DE ARIEL RAMíREZ (1964)
La misa criolla es una obra musical para solistas, coro y orquesta, de naturaleza religiosa y folclórica, creada por el músico argentino Ariel Ramírez (1921-2010). Los textos litúrgicos fueron traducidos y adaptados por los sacerdotes Antonio Osvaldo Catena, Alejandro Mayol y Jesús Gabriel Segade. La obra está dedicada a dos hermanas alemanas, Elisabeth y Regina Brückner, quienes ayudaron con alimentos a los prisioneros de un campo de concentración durante el nazismo.
La obra fue compuesta y grabada en 1964 y lanzada como álbum en 1965, con el grupo folklórico Los Fronterizos, Eduardo Madeo, Gerardo López, Julio César Isella y Juan Carlos Moreno, (voces), Jaime Torres (charango), Chango Farías Gómez (percusión), Raúl Barboza (acordeón), Luis Amaya (guitarra), la Cantoría de la Basílica del Socorro, dirigida por el padre Jesús Gabriel Segade y una orquesta integrada por instrumentos regionales dirigida por el propio Ariel Ramírez.
Simultáneamente con "la Misa criolla", Ariel Ramírez compuso "Navidad nuestra", con letra del poeta e historiador Félix Luna, e incluida como lado B del álbum. Ambas obras están relacionadas y en algunas oportunidades puede producirse la confusión de considerar que Navidad nuestra o algunos de sus temas integran la Misa criolla.
La primera inspiración de Ariel Ramírez para escribir una obra religiosa se produjo en los años cincuenta, cuando era un músico desconocido y residía en un convento en Würzburg (Alemania).
LA MISA CRIOLLA DE ARIEL RAMíREZ (1964)
La misa criolla es una obra musical para solistas, coro y orquesta, de naturaleza religiosa y folclórica, creada por el músico argentino Ariel Ramírez (1921-2010). Los textos litúrgicos fueron traducidos y adaptados por los sacerdotes Antonio Osvaldo Catena, Alejandro Mayol y Jesús Gabriel Segade. La obra está dedicada a dos hermanas alemanas, Elisabeth y Regina Brückner, quienes ayudaron con alimentos a los prisioneros de un campo de concentración durante el nazismo.
La obra fue compuesta y grabada en 1964 y lanzada como álbum en 1965, con el grupo folklórico Los Fronterizos, Eduardo Madeo, Gerardo López, Julio César Isella y Juan Carlos Moreno, (voces), Jaime Torres (charango), Chango Farías Gómez (percusión), Raúl Barboza (acordeón), Luis Amaya (guitarra), la Cantoría de la Basílica del Socorro, dirigida por el padre Jesús Gabriel Segade y una orquesta integrada por instrumentos regionales dirigida por el propio Ariel Ramírez.
Simultáneamente con "la Misa criolla", Ariel Ramírez compuso "Navidad nuestra", con letra del poeta e historiador Félix Luna, e incluida como lado B del álbum. Ambas obras están relacionadas y en algunas oportunidades puede producirse la confusión de considerar que Navidad nuestra o algunos de sus temas integran la Misa criolla.
La primera inspiración de Ariel Ramírez para escribir una obra religiosa se produjo en los años cincuenta, cuando era un músico desconocido y residía en un convento en Würzburg (Alemania).
Una vez realizados los bocetos sobre la estructura, otro sacerdote y director de coro, el padre Jesús Gabriel Segade, fue quien realizó los arreglos corales. El padre Segade fue también quien dirigió el coro (la Cantoría de la Basílica del Socorro) en la primera versión de la Misa criolla.
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04 Jan, 18:00
#Sonata14 #ClaroDeLuna #Beethoven #DanielBarenboim
Título: La Sonata para Piano N.º 14 en Do Sostenido Menor «Quasi una fantasia », OP. 27, N.º 2 "Claro de Luna"
Autor: Ludwig Van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Adagio sostenuto
🎵 II. Allegretto
🎵 III. Presto agitato
Interpretación:
Daniel Barenboim
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Sonata para Piano N.º 14 en Do Sostenido Menor «Quasi una fantasia », OP. 27, N.º 2 "Claro de Luna"
Autor: Ludwig Van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Adagio sostenuto
🎵 II. Allegretto
🎵 III. Presto agitato
Interpretación:
Daniel Barenboim
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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04 Jan, 18:00
#Sonata14 #ClaroDeLuna #Beethoven #DanielBarenboim
LA SONATA PARA PIANO N.º 14 EN DO SOSTENIDO MENOR «QUASI UNA FANTASIA », OP. 27, N.º 2
La sonata consta de tres movimientos:
🎵 I. Adagio sostenuto
🎵 II. Allegretto
🎵 III. Presto agitato
I. Adagio sostenuto
El primer movimento está en do sostenido menor. El matiz es pianissimo y sólo en algunos pasajes alcanza el mezzoforte, además está escrito en similitud a la forma lied ternario y muchos la ven como de parecidas características a la forma sonata. Una melodía que Hector Berlioz llamó "lamento" se reproduce casi enteramente en la mano derecha.
La obra llegó a ser muy conocida en su tiempo. Berlioz mencionó que
II. Allegretto
El segundo movimiento es un minueto, es decir, algo muy convencional de la época, que curiosamente está escrito en re bemol mayor, tonalidad enarmónica con do sostenido mayor. El carácter es bastante apacible y no consta de sobresaltos, elemento a contrastar con el siguiente movimiento.
III. Presto agitato
El tercer movimiento supone un experimento de Beethoven y está escrito en forma sonata. El movimiento consta de rápidos arpegios, escalas y un juego hábil de preguntas y respuestas entre las dos manos. Su dificultad es muy elevada y contrasta con la de los dos movimientos anteriores. Esta misma hazaña musical es realizada por Beethoven en el op. 27 n.º 1.
En su análisis, el crítico alemán Paul Bekker afirma que:
"El movimiento allegro que introduce la sonata, confería a la pieza un determinado carácter desde el principio... que los movimientos posteriores podían complementar pero no cambiar. Beethoven se rebeló contra esta cualidad determinante del primer movimiento. Él quería un preludio, una introducción, no una proposición."
Aunque no existe testimonio directo sobre las razones específicas por las que Beethoven decidió el título para ambas piezas que conforman el op. 27 como Sonata Quasi una fantasia, puede ser significativo que la disposición de la presente obra no siga el modelo tradicional de un movimiento de sonata del periodo clásico que seguía el patrón: rápido - lento rápido - rápido.
LA SONATA PARA PIANO N.º 14 EN DO SOSTENIDO MENOR «QUASI UNA FANTASIA », OP. 27, N.º 2
La sonata consta de tres movimientos:
🎵 I. Adagio sostenuto
🎵 II. Allegretto
🎵 III. Presto agitato
I. Adagio sostenuto
El primer movimento está en do sostenido menor. El matiz es pianissimo y sólo en algunos pasajes alcanza el mezzoforte, además está escrito en similitud a la forma lied ternario y muchos la ven como de parecidas características a la forma sonata. Una melodía que Hector Berlioz llamó "lamento" se reproduce casi enteramente en la mano derecha.
La obra llegó a ser muy conocida en su tiempo. Berlioz mencionó que
«El adagio es uno de esos poemas que el lenguaje humano no acierta a calificar». El alumno de Beethoven, Carl Czerny lo llamó «una escena nocturna, en la que una lastimera voz fantasmal suena en la distancia». La popularidad del movimiento llegó a exasperar a Beethoven hasta tal punto que comentó a Czerny: «seguramente he escrito cosas mejores».II. Allegretto
El segundo movimiento es un minueto, es decir, algo muy convencional de la época, que curiosamente está escrito en re bemol mayor, tonalidad enarmónica con do sostenido mayor. El carácter es bastante apacible y no consta de sobresaltos, elemento a contrastar con el siguiente movimiento.
III. Presto agitato
El tercer movimiento supone un experimento de Beethoven y está escrito en forma sonata. El movimiento consta de rápidos arpegios, escalas y un juego hábil de preguntas y respuestas entre las dos manos. Su dificultad es muy elevada y contrasta con la de los dos movimientos anteriores. Esta misma hazaña musical es realizada por Beethoven en el op. 27 n.º 1.
En su análisis, el crítico alemán Paul Bekker afirma que:
"El movimiento allegro que introduce la sonata, confería a la pieza un determinado carácter desde el principio... que los movimientos posteriores podían complementar pero no cambiar. Beethoven se rebeló contra esta cualidad determinante del primer movimiento. Él quería un preludio, una introducción, no una proposición."
Aunque no existe testimonio directo sobre las razones específicas por las que Beethoven decidió el título para ambas piezas que conforman el op. 27 como Sonata Quasi una fantasia, puede ser significativo que la disposición de la presente obra no siga el modelo tradicional de un movimiento de sonata del periodo clásico que seguía el patrón: rápido - lento rápido - rápido.
En cambio, esta composición posee una trayectoria ponderada hasta el final, manteniendo la música rápida contenida hasta el tercer movimiento.
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04 Jan, 18:00
#Sonata14 #ClaroDeLuna #Beethoven #DanielBarenboim
LA SONATA PARA PIANO N.º 14 EN DO SOSTENIDO MENOR «QUASI UNA FANTASIA », OP. 27, N.º 2
La Sonata para piano n.º 14 en do sostenido menor «Quasi una fantasia», Op. 27, n.º 2, popularmente conocida como
La pieza fue compuesta en 1801 y publicada por Giovanni Cappi en Viena en marzo de 1802, el mismo día que las dos sonatas anteriores, cuya primera edición apareció bajo el siguiente epígrafe:
"Sonata casi una fantasía para clavecín o piano, compuesta y dedicada a la señorita condesa Giulietta Guicciardi, de Ludwig van Beethoven. Op. 27, n.º 2. Publicado en Viena en casa de Giovanni Cappi, Michaelerplatz N º 5."
La «damigella» o señorita a la que se refería la dedicatoria anterior era su alumna, la condesa Giulietta Guicciardi de 17 años y de quien se decía que estaba enamorado.
@ClasicaAlAtardecer
LA SONATA PARA PIANO N.º 14 EN DO SOSTENIDO MENOR «QUASI UNA FANTASIA », OP. 27, N.º 2
La Sonata para piano n.º 14 en do sostenido menor «Quasi una fantasia», Op. 27, n.º 2, popularmente conocida como
Claro de luna (en alemán, Mondscheinsonate), fue escrita por Ludwig van Beethoven en 1801 y publicada en 1802. Se trata de una de las obras más famosas del autor, junto con el primer movimiento de la Quinta Sinfonía, la bagatela para piano Para Elisa y la Novena Sinfonía.La pieza fue compuesta en 1801 y publicada por Giovanni Cappi en Viena en marzo de 1802, el mismo día que las dos sonatas anteriores, cuya primera edición apareció bajo el siguiente epígrafe:
"Sonata casi una fantasía para clavecín o piano, compuesta y dedicada a la señorita condesa Giulietta Guicciardi, de Ludwig van Beethoven. Op. 27, n.º 2. Publicado en Viena en casa de Giovanni Cappi, Michaelerplatz N º 5."
La «damigella» o señorita a la que se refería la dedicatoria anterior era su alumna, la condesa Giulietta Guicciardi de 17 años y de quien se decía que estaba enamorado.
El apodo Claro de luna se haría popular después de la muerte de Beethoven, surgiendo a raíz de una comparación que el poeta y crítico musical alemán Ludwig Rellstab realizó entre el primer movimiento de la pieza y el claro de luna del lago de Lucerna.
@ClasicaAlAtardecer
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31 Dec, 17:00
#OrquestaJohannStrauss #AñoNuevo #AndréRieu
CONCIERTO DE NAVIDAD EN CASA CON ANDRÉ RIEU
Ejecución: Orquesta de Johann Strauss
Director: André Rieu
Año: 2012
Repertorio:
▫️ 00:00 Introducción
▫️ 03:25 O Daughter of Zion
▫️ 06:15 White Christmas
▫️ 09:59 Sleigh Ride
▫️ 13:08 Old Toy Trains
▫️ 16:44 Walking in the Air
▫️ 22:23 December Lights
▫️ 27:38 Go Tell it On the Mountain
▫️ 30:03 Jingle Bells
▫️ 32:15 Winter Wonderland
▫️ 34:01 Christmas Rose
▫️ 37:56 The Holy City
▫️ 43:18 Ave Maria
▫️ 48:32 Sleep Little Jesus
▫️ 51:51 Hallelujah
▫️ 56:40 Silent Night
@ClasicaAlAtardecer
CONCIERTO DE NAVIDAD EN CASA CON ANDRÉ RIEU
Ejecución: Orquesta de Johann Strauss
Director: André Rieu
Año: 2012
Repertorio:
▫️ 00:00 Introducción
▫️ 03:25 O Daughter of Zion
▫️ 06:15 White Christmas
▫️ 09:59 Sleigh Ride
▫️ 13:08 Old Toy Trains
▫️ 16:44 Walking in the Air
▫️ 22:23 December Lights
▫️ 27:38 Go Tell it On the Mountain
▫️ 30:03 Jingle Bells
▫️ 32:15 Winter Wonderland
▫️ 34:01 Christmas Rose
▫️ 37:56 The Holy City
▫️ 43:18 Ave Maria
▫️ 48:32 Sleep Little Jesus
▫️ 51:51 Hallelujah
▫️ 56:40 Silent Night
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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05 Dec, 20:00
NUEVAS PALABRAS
¿Estás corto de palabras? No seas amarrete!!! Únete y aprende una nueva palabra para tu vocabulario y derrocha palabras por doquier!!
Así nunca te cansarás de tener recursos a tu disposición. Sorprende a tus profesores y amigos con nuevas palabras en tu lenguaje.
Ojo!! Esto no te asegurará éxito con las mujeres!!!
https://t.me/DiccionarioLetras
Comunidad NEXUS
¿Estás corto de palabras? No seas amarrete!!! Únete y aprende una nueva palabra para tu vocabulario y derrocha palabras por doquier!!
Así nunca te cansarás de tener recursos a tu disposición. Sorprende a tus profesores y amigos con nuevas palabras en tu lenguaje.
Ojo!! Esto no te asegurará éxito con las mujeres!!!
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02 Dec, 18:00
#Capricho24 #Paganini #Perlman
Título: Capricho No 24 en La menor, Op. 1
Autor: Niccolò Paganini
Movimientos:
🎵 Capricho n.º 1 en mi mayor "Arpegios"
🎵 Capricho n.º 2 en si menor
🎵 Capricho n.º 3 en mi menor "Octavas"
🎵 Capricho n.º 4 en do menor "Terceras"
🎵 Capricho n.º 5 en la menor
🎵 Capricho n.º 6 en sol menor "El Trino / Trémolo"
🎵 Capricho n.º 7 en la edad
🎵 Capricho n.º 8 en mi♭ mayo
🎵 Capricho n.º 9 en mi mayor "La Caza / La chasse
🎵 Capricho n.º 10 en sol menor
🎵 Capricho n.º 11 en do mayor
🎵 Capricho n.º 12 en la♭ mayor
🎵 Capricho n.º 13 en si♭ mayor, "El Diablo de la Risa"
🎵 Capricho n.º 14 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 15 en mi menor
🎵 Capricho n.º 16 en sol menor
🎵 Capricho n.º 17 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 18 in do mayor
🎵 Capricho n.º 19 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 20 en re mayor
🎵 Capricho n.º 21 en la mayor
🎵 Capricho n.º 22 en fa mayor
🎵 Capricho n.º 23 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 24 en la menor
Interpretación:
Izthak Perlmam
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Capricho No 24 en La menor, Op. 1
Autor: Niccolò Paganini
Movimientos:
🎵 Capricho n.º 1 en mi mayor "Arpegios"
🎵 Capricho n.º 2 en si menor
🎵 Capricho n.º 3 en mi menor "Octavas"
🎵 Capricho n.º 4 en do menor "Terceras"
🎵 Capricho n.º 5 en la menor
🎵 Capricho n.º 6 en sol menor "El Trino / Trémolo"
🎵 Capricho n.º 7 en la edad
🎵 Capricho n.º 8 en mi♭ mayo
🎵 Capricho n.º 9 en mi mayor "La Caza / La chasse
🎵 Capricho n.º 10 en sol menor
🎵 Capricho n.º 11 en do mayor
🎵 Capricho n.º 12 en la♭ mayor
🎵 Capricho n.º 13 en si♭ mayor, "El Diablo de la Risa"
🎵 Capricho n.º 14 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 15 en mi menor
🎵 Capricho n.º 16 en sol menor
🎵 Capricho n.º 17 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 18 in do mayor
🎵 Capricho n.º 19 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 20 en re mayor
🎵 Capricho n.º 21 en la mayor
🎵 Capricho n.º 22 en fa mayor
🎵 Capricho n.º 23 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 24 en la menor
Interpretación:
Izthak Perlmam
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
02 Dec, 18:00
#Capricho24 #Paganini #Perlman
Título: Capricho No 24 en La menor, Op.1
Autor: Niccolò Paganini
Interpretación: Izthak Perlmam
@ClasicaAlAtardecer
Título: Capricho No 24 en La menor, Op.1
Autor: Niccolò Paganini
Interpretación: Izthak Perlmam
@ClasicaAlAtardecer
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02 Dec, 18:00
#Capricho24 #Paganini #Perlman
EL CAPRICHO No 24 PARA VIOLÍN, OP. 1, DE NICCOLÒ PAGANINI
🎵 Capricho n.º 1 en mi mayor "Arpegios" (Andante)
🎵 Capricho n.º 2 en si menor (Moderato)
🎵 Capricho n.º 3 en mi menor "Octavas" (Sostenuto – Presto – Sostenuto)
🎵 Capricho n.º 4 en do menor "Terceras" (Maestoso)
🎵 Capricho n.º 5 en la menor (Agitato)
🎵 Capricho n.º 6 en sol menor "El Trino / Trémolo" (Lento)
🎵 Capricho n.º 7 en la edad (Posato)
🎵 Capricho n.º 8 en mi♭ mayor (Maestoso)
🎵 Capricho n.º 9 en mi mayor "La Caza / La chasse" (Allegretto)
🎵 Capricho n.º 10 en sol menor (Vivace)
🎵 Capricho n.º 11 en do mayor (Andante – Presto – Andante)
🎵 Capricho n.º 12 en la♭ mayor (Allegro)
🎵 Capricho n.º 13 en si♭ mayor, "El Diablo de la Risa" (Allegro)
🎵 Capricho n.º 14 en mi♭ mayor (Moderato)
🎵 Capricho n.º 15 en mi menor (Posato)
🎵 Capricho n.º 16 en sol menor (Presto)
🎵 Capricho n.º 17 en mi♭ mayor (Sostenuto – Andante)
🎵 Capricho n.º 18 in do mayor (Corrente – Allegro)
🎵 Capricho n.º 19 en mi♭ mayor (Lento – Allegro assai)
🎵 Capricho n.º 20 en re mayor (Allegretto)
🎵 Capricho n.º 21 en la mayor (Amoroso – Presto)
🎵 Capricho n.º 22 en fa mayor (Marcato)
🎵 Capricho n.º 23 en mi♭ mayor (Posato – Minore – Posato)
🎵 Capricho n.º 24 en la menor (Tema. Quasi presto – Variazioni I–XI – Finale)
@ClasicaAlAtardecer
EL CAPRICHO No 24 PARA VIOLÍN, OP. 1, DE NICCOLÒ PAGANINI
🎵 Capricho n.º 1 en mi mayor "Arpegios" (Andante)
🎵 Capricho n.º 2 en si menor (Moderato)
🎵 Capricho n.º 3 en mi menor "Octavas" (Sostenuto – Presto – Sostenuto)
🎵 Capricho n.º 4 en do menor "Terceras" (Maestoso)
🎵 Capricho n.º 5 en la menor (Agitato)
🎵 Capricho n.º 6 en sol menor "El Trino / Trémolo" (Lento)
🎵 Capricho n.º 7 en la edad (Posato)
🎵 Capricho n.º 8 en mi♭ mayor (Maestoso)
🎵 Capricho n.º 9 en mi mayor "La Caza / La chasse" (Allegretto)
🎵 Capricho n.º 10 en sol menor (Vivace)
🎵 Capricho n.º 11 en do mayor (Andante – Presto – Andante)
🎵 Capricho n.º 12 en la♭ mayor (Allegro)
🎵 Capricho n.º 13 en si♭ mayor, "El Diablo de la Risa" (Allegro)
🎵 Capricho n.º 14 en mi♭ mayor (Moderato)
🎵 Capricho n.º 15 en mi menor (Posato)
🎵 Capricho n.º 16 en sol menor (Presto)
🎵 Capricho n.º 17 en mi♭ mayor (Sostenuto – Andante)
🎵 Capricho n.º 18 in do mayor (Corrente – Allegro)
🎵 Capricho n.º 19 en mi♭ mayor (Lento – Allegro assai)
🎵 Capricho n.º 20 en re mayor (Allegretto)
🎵 Capricho n.º 21 en la mayor (Amoroso – Presto)
🎵 Capricho n.º 22 en fa mayor (Marcato)
🎵 Capricho n.º 23 en mi♭ mayor (Posato – Minore – Posato)
🎵 Capricho n.º 24 en la menor (Tema. Quasi presto – Variazioni I–XI – Finale)
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02 Dec, 18:00
#Capricho24 #Paganini #Perlman
EL CAPRICHO No 24 PARA VIOLÍN, OP. 1, DE NICCOLÒ PAGANINI
Los 24 Caprichos para violín fueron escritos en grupos (seis, seis y doce) por Niccolò Paganini entre 1802 y 1817. También son designadas como M. S. 25 en el Catalogo tematico delle musiche di Niccolò Paganini de Maria Rosa Moretti y Anna de Sorrento, que fue publicada en 1982. Los Caprichos están escritos en forma de estudios, y cada número explora diferentes técnicas del violín (trinos en dobles cuerdas, cambio extremadamente rápido de posiciones y cuerdas, etc.)
Aunque escribió mucha música de cámara y conciertos, el genovés Nicolò Paganini compuso, entre los años de 1801 y 1807, su célebre colección de 24 Caprichos para violín, Op. 1, obra con la que inaugura la técnica violinística moderna y la que lo convierte en una de los violinistas más famosos de la historia. Desde entonces, ha tenido una enorme influencia, no sólo entre los violinistas –que aún hoy la siguen considerando su biblia-, sino en todos aquellos compositores que, como los pianistas, intentaron imitar su virtuosismo técnico.
Aunque inspirados en L’arte del violino compuesto por Pietro Locatelli en 1733, Paganini reinventa el género del Capriccio y lo convierte en la breve pieza de imaginativa musicalidad y ambiciosa técnica que es hoy.
El Capricho número 24 en La menor es un tema con variaciones que ha dado origen a varias obras de renombrados compositores como la Grande Fantaisie de bravoure sur La Clochette (1834) y los Grandes Études de Paganini (1838) de Franz Liszt, las Variaciones sobre un tema de Paganini op. 35 (1863) de Johannes Brahms, la impresionante Rapsodia sobre un tema de Paganini op. 43 (1934) de Serguei Rachmaninov o las Variaciones sobre un tema de Paganini (1941) de Witold Roman Lutoslawski.
@ClasicaAlAtardecer
EL CAPRICHO No 24 PARA VIOLÍN, OP. 1, DE NICCOLÒ PAGANINI
Los 24 Caprichos para violín fueron escritos en grupos (seis, seis y doce) por Niccolò Paganini entre 1802 y 1817. También son designadas como M. S. 25 en el Catalogo tematico delle musiche di Niccolò Paganini de Maria Rosa Moretti y Anna de Sorrento, que fue publicada en 1982. Los Caprichos están escritos en forma de estudios, y cada número explora diferentes técnicas del violín (trinos en dobles cuerdas, cambio extremadamente rápido de posiciones y cuerdas, etc.)
Aunque escribió mucha música de cámara y conciertos, el genovés Nicolò Paganini compuso, entre los años de 1801 y 1807, su célebre colección de 24 Caprichos para violín, Op. 1, obra con la que inaugura la técnica violinística moderna y la que lo convierte en una de los violinistas más famosos de la historia. Desde entonces, ha tenido una enorme influencia, no sólo entre los violinistas –que aún hoy la siguen considerando su biblia-, sino en todos aquellos compositores que, como los pianistas, intentaron imitar su virtuosismo técnico.
Aunque inspirados en L’arte del violino compuesto por Pietro Locatelli en 1733, Paganini reinventa el género del Capriccio y lo convierte en la breve pieza de imaginativa musicalidad y ambiciosa técnica que es hoy.
El Capricho número 24 en La menor es un tema con variaciones que ha dado origen a varias obras de renombrados compositores como la Grande Fantaisie de bravoure sur La Clochette (1834) y los Grandes Études de Paganini (1838) de Franz Liszt, las Variaciones sobre un tema de Paganini op. 35 (1863) de Johannes Brahms, la impresionante Rapsodia sobre un tema de Paganini op. 43 (1934) de Serguei Rachmaninov o las Variaciones sobre un tema de Paganini (1941) de Witold Roman Lutoslawski.
Por todo ello, Paganini es el paradigma del virtuoso romántico, hombre de una personalidad apasionada y músico de extraordinaria agilidad. Aunque otros compositores contemporáneos, posiblemente menos dotados para la música que los anteriores, extendieran la creencia de que su altísima técnica e inventiva debía ser obra del mismísimo diablo.
@ClasicaAlAtardecer
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20 Nov, 18:00
#Liebesträume #LosTresNocturnos #FranzLiszt #FabioMartino
LIEBESTRÄUME. DREI NOTTURNI (LOS TRES NOCTURNOS)
Liebesträume. Drei Notturni (alemán: Sueños de amor. Tres nocturnos. Liebe: amor; Träume: sueños. Forma singular: Liebestraum), es una serie de tres obras para piano solo (S/G541) de Franz Liszt. Fueron publicadas en 1850. A menudo se utiliza el término para referirse específicamente al tercer Liebestraum, que es el más reconocido de los tres. Fueron concebidos como canciones sobre poemas de Ludwig Uhland y Ferdinand Freiligrath. En 1850 aparecieron dos versiones como un conjunto de canciones para voz soprano y piano y como transcripciones para cuatro manos.
Los tres nocturnos
Los tres poemas de Uhland y Freiligrath describen tres formas diferentes del amor.
🎵 Liebesträume n.º 1: Hohe liebe (Sueño de amor No. 1: Alto amor)
La primera, Hohe Liebe (Alto amor, Amor exaltado) representa el amor religioso y sagrado: el mártir renuncia al amor terrenal, ya que "el Cielo ha abierto sus puertas".
"En brazos del amor reposan ustedes embriagados,
los frutos de la vida les llaman;
una mirada tan solo sobre mí ha descendido,
pero soy más rico que todos ustedes.
Renuncio gustoso a la felicidad terrena
y alzo, como un mártir, los ojos;
pues sobre mí, en la dorada distancia,
se ha abierto el cielo."
Johann Ludwig Uhland.
🎵 Liebesträume n.º 2: Gestorben war ich (Sueño de amor No. 2: Yo estaba muerto)
El segundo es Gestorben war ich y es una evocación del amor erótico. "Gestorben war ich" ("Yo había muerto" o "Yo estaba muerto") se refiere metafóricamente a "La petite mort", el orgasmo femenino:
"Estaba muerto
por el éxtasis del amor;
yacía enterrado
en sus brazos;
me despertaron
sus besos;
vi el cielo
en sus ojos."
Johann Ludwig Uhland
🎵 Liebesträume n.º 3: O lieb, so lang du lieben kannst (Sueño de amor No. 3: ¡Oh, ama, ama tanto como puedas!)
El tercer nocturno, el más famoso de los tres, trata el amor incondicional maduro. Está escrito en La bemol mayor y se inicia en "poco allegro", aunque luego va creciendo. Puede considerarse que este último nocturno de los Sueños de amor está dividido en tres partes, separadas cada una por una rápida cadencia que exige bastante destreza y un grado relativamente alto de habilidad técnica. Se utiliza la misma melodía a lo largo de toda la pieza, aunque cambia cada vez, especialmente hacia la mitad de la obra, cuando se alcanza el momento culminante. Al final, el Liebestraum n.º 3 se va apagando en una sección final mucho más lenta con acordes y lentos arpegios y termina con un acorde roto tocado muy lentamente, como si fueran notas sueltas más que unidas en una misma frase.
"¡Oh, ama, ama mientras puedas!
¡Oh, ama, ama mientras te guste amar!
Llegará la hora, llegará la hora
en la que sobre las tumbas te lamentarás."
y asegúrate de que tu corazón brille
y el amor lleva y ama
mientras tenga otro corazón
cálido en el amor
y quien te cubre el pecho
Hazle lo que puedas hacer
y hacerlo feliz cada hora
y no lo hagas una hora nublado
Y ten cuidado con tu lengua
pronto una palabra dura se ha escapado
Oh dios, no fue mal,
pero el otro va y llora"
Ferdinand Freiligrath
@ClasicaAlAtardecer
LIEBESTRÄUME. DREI NOTTURNI (LOS TRES NOCTURNOS)
Liebesträume. Drei Notturni (alemán: Sueños de amor. Tres nocturnos. Liebe: amor; Träume: sueños. Forma singular: Liebestraum), es una serie de tres obras para piano solo (S/G541) de Franz Liszt. Fueron publicadas en 1850. A menudo se utiliza el término para referirse específicamente al tercer Liebestraum, que es el más reconocido de los tres. Fueron concebidos como canciones sobre poemas de Ludwig Uhland y Ferdinand Freiligrath. En 1850 aparecieron dos versiones como un conjunto de canciones para voz soprano y piano y como transcripciones para cuatro manos.
Los tres nocturnos
Los tres poemas de Uhland y Freiligrath describen tres formas diferentes del amor.
🎵 Liebesträume n.º 1: Hohe liebe (Sueño de amor No. 1: Alto amor)
La primera, Hohe Liebe (Alto amor, Amor exaltado) representa el amor religioso y sagrado: el mártir renuncia al amor terrenal, ya que "el Cielo ha abierto sus puertas".
"En brazos del amor reposan ustedes embriagados,
los frutos de la vida les llaman;
una mirada tan solo sobre mí ha descendido,
pero soy más rico que todos ustedes.
Renuncio gustoso a la felicidad terrena
y alzo, como un mártir, los ojos;
pues sobre mí, en la dorada distancia,
se ha abierto el cielo."
Johann Ludwig Uhland.
🎵 Liebesträume n.º 2: Gestorben war ich (Sueño de amor No. 2: Yo estaba muerto)
El segundo es Gestorben war ich y es una evocación del amor erótico. "Gestorben war ich" ("Yo había muerto" o "Yo estaba muerto") se refiere metafóricamente a "La petite mort", el orgasmo femenino:
"Estaba muerto
por el éxtasis del amor;
yacía enterrado
en sus brazos;
me despertaron
sus besos;
vi el cielo
en sus ojos."
Johann Ludwig Uhland
🎵 Liebesträume n.º 3: O lieb, so lang du lieben kannst (Sueño de amor No. 3: ¡Oh, ama, ama tanto como puedas!)
El tercer nocturno, el más famoso de los tres, trata el amor incondicional maduro. Está escrito en La bemol mayor y se inicia en "poco allegro", aunque luego va creciendo. Puede considerarse que este último nocturno de los Sueños de amor está dividido en tres partes, separadas cada una por una rápida cadencia que exige bastante destreza y un grado relativamente alto de habilidad técnica. Se utiliza la misma melodía a lo largo de toda la pieza, aunque cambia cada vez, especialmente hacia la mitad de la obra, cuando se alcanza el momento culminante. Al final, el Liebestraum n.º 3 se va apagando en una sección final mucho más lenta con acordes y lentos arpegios y termina con un acorde roto tocado muy lentamente, como si fueran notas sueltas más que unidas en una misma frase.
"¡Oh, ama, ama mientras puedas!
¡Oh, ama, ama mientras te guste amar!
Llegará la hora, llegará la hora
en la que sobre las tumbas te lamentarás."
y asegúrate de que tu corazón brille
y el amor lleva y ama
mientras tenga otro corazón
cálido en el amor
y quien te cubre el pecho
Hazle lo que puedas hacer
y hacerlo feliz cada hora
y no lo hagas una hora nublado
Y ten cuidado con tu lengua
pronto una palabra dura se ha escapado
Oh dios, no fue mal,
pero el otro va y llora"
Ferdinand Freiligrath
Franz Liszt es calificado como el pianista más brillante de su tiempo. Concebido a partir de un poema y perteneciente a un conjunto de tres nocturnos publicados en 1850 bajo el título de Liebesträume, el Sueño de amor nº 3 es la pieza que el público mejor identifica con Franz Liszt. Un bellísimo tema de gran habilidad técnica que se repite tres veces con variaciones de distinta intensidad.@ClasicaAlAtardecer
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20 Nov, 18:00
#Liebesträume #LosTresNocturnos #FranzLiszt #FabioMartino
Título: Liebesträume. Drei Notturni. (Los Tres nocturnos)
Autor: Franz Liszt
Movimientos:
00:00 🎵 Liebesträume n.º 1: Hohe liebe
07:30 🎵 Liebesträume n.º 2: Gestorben war ich
12:15 🎵 Liebesträume n.º 3: O lieb, so lang du lieben kannst
Interpretación:
Fabio Martino
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Liebesträume. Drei Notturni. (Los Tres nocturnos)
Autor: Franz Liszt
Movimientos:
00:00 🎵 Liebesträume n.º 1: Hohe liebe
07:30 🎵 Liebesträume n.º 2: Gestorben war ich
12:15 🎵 Liebesträume n.º 3: O lieb, so lang du lieben kannst
Interpretación:
Fabio Martino
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
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16 Nov, 18:45
#LaBellaDurmiente #Tchaikovsky #JuanLuisMartínez
LA BELLA DURMIENTE, OP. 66
La Bella Durmiente (en ruso, Спящая красавица Spyáschaya krasávitsa) es un cuento de hadas-ballet estructurado en un prólogo y tres actos, que fue encargado por el director de los Teatros Imperiales Iván Vsévolozhsky en 1888 y se estrenó en 1890. La música fue compuesta por Piotr Ilich Tchaikovsky, que completó la partitura en 1889. Se trata de su op. 66 y es el segundo de sus ballets.
Tchaikovsky fue abordado el 25 de mayo de 1888 por Vsévolozhsky, que era el director de los Teatros Imperiales de San Petersburgo, para hablarle sobre una posible adaptación de ballet basada en la historia de Undine. Posteriormente se decidió que La bella durmiente de Perrault fuera la historia para la cual compondría la música del ballet. Tchaikovsky no dudó en aceptar el encargo aunque era consciente de que El lago de los cisnes, su único ballet anterior, había sido recibido con poco entusiasmo en esa etapa de su carrera.
El escenario de ballet en el que trabajó Tchaikovsky se basó en la versión de los Hermanos Grimm de la obra de Perrault titulada Dornröschen. En dicha versión los padres de la princesa, el rey y la reina, sobreviven al sueño de cien años para celebrar la boda de la princesa con el príncipe. No obstante, Vsévolozhsky incluyó en el ballet otros personajes de los cuentos de Perrault, tales como El Gato con Botas, Caperucita Roja, Cenicienta, El pájaro azul, Riquete el del copete y Pulgarcito. Asimismo, se tomaron otros personajes de cuentos de hadas franceses como La bella y la bestia, Ricitos de oro y La gata blanca. Por su parte, Tchaikovsky estaba feliz de informar al director de los Teatros Imperiales que había tenido el gran placer de estudiar la obra y que había logrado la inspiración adecuada para hacerle justicia.
A Tchaikovsky le agradó el ballet estuviese inspirado en el cuento de hadas La bella durmiente del bosque de Charles Perrault, puesto que la historia sucede en la época de Luis XIV. De esa manera, tendría la oportunidad de escribir música en estilo barroco. El interés de Tchaikovsky en cuanto al establecimiento de la historia se remonta a 1867. Fue entonces cuando escribió un pequeño de ballet sobre la historia para los hijos de su hermana Alexandra Davydova. Había hecho lo mismo con El lago de los cisnes.
En noviembre de 1888 el compositor tuvo una reunión con oficiales del teatro y con Petipa, en la que se redactó un borrador del escenario. Petipa proporcionó a Tchaikovsky un análisis detallado de las necesidades musicales. Se trataba de directrices muy específicas acerca del tempo, la métrica, así como otras cuestiones musicales. Incluso especificó la longitud de determinadas piezas concretando un número exacto de compases. Pidió un vals en el acto 1, una mazurka en el acto 2 y una polonesa en el acto 3. Las especificaciones de Petipa estimularon la imaginación de Tchaikovsky, en lugar de obstaculizar su labor como cabría esperar. El compositor se puso a trabajar, y concluyó la partitura el 1 de septiembre de 1889
@ClasicaAlAtardecer
LA BELLA DURMIENTE, OP. 66
La Bella Durmiente (en ruso, Спящая красавица Spyáschaya krasávitsa) es un cuento de hadas-ballet estructurado en un prólogo y tres actos, que fue encargado por el director de los Teatros Imperiales Iván Vsévolozhsky en 1888 y se estrenó en 1890. La música fue compuesta por Piotr Ilich Tchaikovsky, que completó la partitura en 1889. Se trata de su op. 66 y es el segundo de sus ballets.
Tchaikovsky fue abordado el 25 de mayo de 1888 por Vsévolozhsky, que era el director de los Teatros Imperiales de San Petersburgo, para hablarle sobre una posible adaptación de ballet basada en la historia de Undine. Posteriormente se decidió que La bella durmiente de Perrault fuera la historia para la cual compondría la música del ballet. Tchaikovsky no dudó en aceptar el encargo aunque era consciente de que El lago de los cisnes, su único ballet anterior, había sido recibido con poco entusiasmo en esa etapa de su carrera.
El escenario de ballet en el que trabajó Tchaikovsky se basó en la versión de los Hermanos Grimm de la obra de Perrault titulada Dornröschen. En dicha versión los padres de la princesa, el rey y la reina, sobreviven al sueño de cien años para celebrar la boda de la princesa con el príncipe. No obstante, Vsévolozhsky incluyó en el ballet otros personajes de los cuentos de Perrault, tales como El Gato con Botas, Caperucita Roja, Cenicienta, El pájaro azul, Riquete el del copete y Pulgarcito. Asimismo, se tomaron otros personajes de cuentos de hadas franceses como La bella y la bestia, Ricitos de oro y La gata blanca. Por su parte, Tchaikovsky estaba feliz de informar al director de los Teatros Imperiales que había tenido el gran placer de estudiar la obra y que había logrado la inspiración adecuada para hacerle justicia.
A Tchaikovsky le agradó el ballet estuviese inspirado en el cuento de hadas La bella durmiente del bosque de Charles Perrault, puesto que la historia sucede en la época de Luis XIV. De esa manera, tendría la oportunidad de escribir música en estilo barroco. El interés de Tchaikovsky en cuanto al establecimiento de la historia se remonta a 1867. Fue entonces cuando escribió un pequeño de ballet sobre la historia para los hijos de su hermana Alexandra Davydova. Había hecho lo mismo con El lago de los cisnes.
En noviembre de 1888 el compositor tuvo una reunión con oficiales del teatro y con Petipa, en la que se redactó un borrador del escenario. Petipa proporcionó a Tchaikovsky un análisis detallado de las necesidades musicales. Se trataba de directrices muy específicas acerca del tempo, la métrica, así como otras cuestiones musicales. Incluso especificó la longitud de determinadas piezas concretando un número exacto de compases. Pidió un vals en el acto 1, una mazurka en el acto 2 y una polonesa en el acto 3. Las especificaciones de Petipa estimularon la imaginación de Tchaikovsky, en lugar de obstaculizar su labor como cabría esperar. El compositor se puso a trabajar, y concluyó la partitura el 1 de septiembre de 1889
Tchaikovsky murió tres años después del estreno de La Bella Durmiente, sin poder ver como una década más tarde, su querido ballet llegaba a las doscientas representaciones. El compositor estaba en lo cierto, esta es una de sus mejores obras en la que se une la belleza de las melodías, con la originalidad y una espléndida orquestación; su música trasciende el espectáculo visual y escénico porque en si misma es una gran obra sinfónica.@ClasicaAlAtardecer
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16 Nov, 18:45
#LaBellaDurmiente #Tchaikovsky #JuanLuisMartínez
Titulo: La Bella Durmiente, Op. 66
Autor: Piotr Ilich Tchaikovsky
Interpretación:
Sinfónica Ciudad de Zaragoza
Director:
Juan Luis Martínez
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: La Bella Durmiente, Op. 66
Autor: Piotr Ilich Tchaikovsky
Interpretación:
Sinfónica Ciudad de Zaragoza
Director:
Juan Luis Martínez
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12 Nov, 00:57
🔐𝑪𝑨𝑵𝑨𝑳𝑬𝑺 𝑱𝑨𝑴𝑨𝑺 𝑽𝑰𝑺𝑻𝑶𝑺 𝑨𝑵𝑻𝑬 𝑻𝑬𝑳𝑬𝑮𝑹𝑨𝑴👾
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02 Nov, 00:57
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31 Oct, 19:00
#SonataParaViolín #SonataParaGuitarra #Sonata6 #Paganini #SebastianBohren #AljažCvirn #Halloween
Titulo: Sonata para violín y guitarra Op.3 n°6
Autor: Niccolo Paganni
Movimientos:
🎵 I. Andate innocentemente
🎵 II.Allegro
🎵 III. Vivo e spiritoso
Interpretación:
Sebastian Bohren - Violín
Aljaž Cvirn - Guitarra
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Sonata para violín y guitarra Op.3 n°6
Autor: Niccolo Paganni
Movimientos:
🎵 I. Andate innocentemente
🎵 II.Allegro
🎵 III. Vivo e spiritoso
Interpretación:
Sebastian Bohren - Violín
Aljaž Cvirn - Guitarra
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31 Oct, 19:00
#SonataParaViolín #SonataParaGuitarra #Sonata6 #Paganini #SebastianBohren #AljažCvirn #Halloween
EL DIABÓLICO MITO DE PAGANINI
El magnífico Niccolo Paganini es uno de los de los músicos más virtuosos que nos ha dado la historia. Nacido en Génova en 1782, su inigualable talento musical y personalidad enigmática han atrapado el interés de la sociedad y la cultura durante décadas, siendo protagonista de misterios y leyendas que encierran su nombre buscando revelar el gran enigma que creen que se esconde tras semejante virtuosismo.
Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. Paganini, considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos, había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo.
Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo 5 años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias.
Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.
Paganini podía pasar de tocar en el violín pasajes tan tiernos como para hacer llorar al espectador como realizar una interpretación con tanta fuerza y velocidad que aún no se ha podido superar.
Con 31 años ya era considerado un virtuoso del violín, con un oído absoluto y una entonación perfecta. Tan perfecta era su técnica y su interpretación que algunos no dudaron en calificarla de auténtico pacto con el diablo.
Sus adelantos musicales asombraron desde un principio y se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.
Finalmente, durante un concierto, un espectador afirmó haber visto al diablo tocando junto al violinista. No hizo falta demasiado para que el rumor fuera esparcido, mientras muchas otras personas afirmaban también haber visto fenómenos extraños como fantasmas en el escenario o haber visto al violín flotando, tocándose solo, frente a las multitudes que iban a ver a Paganini.
Según cuenta en su libro el estudioso Philip Sandblom, pocos genios han experimentado tanta fortuna como Paganini. Este, además de estar asolado por una serie de afecciones crónicas también tenía el síndrome de Ehlers-Danlos, un grupo de alteraciones genéticas raras que afectan a los seres humanos provocado por un defecto en la síntesis de la falta o escasez de colágeno.
Esta afección provoca una excesiva flexibilidad de las articulaciones. Esto, aseguró este experto, permitió a Paganini realizar su dificilísima técnica con el violín.
Sus composiciones incluyen 24 caprichos para violín, que se encuentran entre las obras más difíciles que se han escrito para el instrumento, 6 conciertos para violín, 12 sonatas para violín y guitarra y 6 cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra.
@ClasicaAlAtardecer
EL DIABÓLICO MITO DE PAGANINI
El magnífico Niccolo Paganini es uno de los de los músicos más virtuosos que nos ha dado la historia. Nacido en Génova en 1782, su inigualable talento musical y personalidad enigmática han atrapado el interés de la sociedad y la cultura durante décadas, siendo protagonista de misterios y leyendas que encierran su nombre buscando revelar el gran enigma que creen que se esconde tras semejante virtuosismo.
Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. Paganini, considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos, había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo.
Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo 5 años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias.
Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.
Paganini podía pasar de tocar en el violín pasajes tan tiernos como para hacer llorar al espectador como realizar una interpretación con tanta fuerza y velocidad que aún no se ha podido superar.
Con 31 años ya era considerado un virtuoso del violín, con un oído absoluto y una entonación perfecta. Tan perfecta era su técnica y su interpretación que algunos no dudaron en calificarla de auténtico pacto con el diablo.
Sus adelantos musicales asombraron desde un principio y se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.
Finalmente, durante un concierto, un espectador afirmó haber visto al diablo tocando junto al violinista. No hizo falta demasiado para que el rumor fuera esparcido, mientras muchas otras personas afirmaban también haber visto fenómenos extraños como fantasmas en el escenario o haber visto al violín flotando, tocándose solo, frente a las multitudes que iban a ver a Paganini.
Según cuenta en su libro el estudioso Philip Sandblom, pocos genios han experimentado tanta fortuna como Paganini. Este, además de estar asolado por una serie de afecciones crónicas también tenía el síndrome de Ehlers-Danlos, un grupo de alteraciones genéticas raras que afectan a los seres humanos provocado por un defecto en la síntesis de la falta o escasez de colágeno.
Esta afección provoca una excesiva flexibilidad de las articulaciones. Esto, aseguró este experto, permitió a Paganini realizar su dificilísima técnica con el violín.
Sus composiciones incluyen 24 caprichos para violín, que se encuentran entre las obras más difíciles que se han escrito para el instrumento, 6 conciertos para violín, 12 sonatas para violín y guitarra y 6 cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra.
A pesar de la gran admiración y respeto que Paganini llegó a obtener estando en vida, las supersticiones, así como la magia y la brujería permeaban el imaginario colectivo de la época, debido a ello, después de su muerte se le negó ser sepultado bajo el rito cristiano. Mas Paganini nunca intentó desmentir el mito sobre su pacto con Lucifer, al contrario, durante toda su vida se esforzó en contribuir a su expansión y a vivir como un total enigma. Lo que valió el título "Del Violinista del Diablo".@ClasicaAlAtardecer
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28 Oct, 01:56
😱😱 ¡¡¡INCREÍBLE!!! 👀👀
📈 ESPARTA NOCTURNA 8k 🤝
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23 Oct, 18:00
#Sinfonía9 #HinmoALaAlegria #Beethoven #AngelaDenoke #WaltraudMeier #BurkhardFritz
#RenéPape #DanielBarenboim
Título: La Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125
Autor: Ludwig van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Allegro ma non troppo, un poco maestoso
🎵 II. Scherzo: Molto vivace - Presto
🎵 III. Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo
🎵 IV. Recitativo: (Presto – Allegro ma non troppo – Vivace
Interpretación:
Orquesta Diván Oeste-Este
Coro de la Ópera Estatal Alemana de Berlín
Angela Denoke - Soprano
Waltraud Meier - Mezzo Soprano
Burkhard Fritz - Tenor
René Pape - Bajo
Director:
Daniel Barenboim
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#RenéPape #DanielBarenboim
Título: La Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125
Autor: Ludwig van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Allegro ma non troppo, un poco maestoso
🎵 II. Scherzo: Molto vivace - Presto
🎵 III. Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo
🎵 IV. Recitativo: (Presto – Allegro ma non troppo – Vivace
Interpretación:
Orquesta Diván Oeste-Este
Coro de la Ópera Estatal Alemana de Berlín
Angela Denoke - Soprano
Waltraud Meier - Mezzo Soprano
Burkhard Fritz - Tenor
René Pape - Bajo
Director:
Daniel Barenboim
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23 Oct, 18:00
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LA SINFONÍA N.º 9 EN RE MENOR, OP. 125
La sinfonía, con una duración aproximada de 65 minutos, posee cuatro movimientos:
🎵 I. Allegro ma non troppo, un poco maestoso
🎵 II. Scherzo: Molto vivace - Presto
🎵 III. Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo
🎵 IV. Recitativo: (Presto – Allegro ma non troppo – Vivace
La textura es muy diversa. Sorprende el solo de bajo a modo de recitativo apenas sin acompañamiento instrumental. El tema primero es presentado como melodía acompañada también por el bajo. Al intervenir el coro, generalmente lo hace de manera homofónica. Constituye una grandiosa arquitectura musical con diversas texturas que van desde el recitativo a la doble fuga pasando por solistas, coro, etc. La letra, en alemán, está muy bien acompasada con la música, utilizando los unísonos del coro y metales para enfatizar un mensaje.
Dentro del movimiento hay diversos ritmos. Binarios y ternarios. La melodía sigue teniendo unas proporciones clásicas de 8 compases. La armonía es tonal pero ya muy desarrollada acercándose al romanticismo. Los matices de intensidad quedan repartidos en el largo movimiento, desde el pianissimo al fortissimo pasando por las intensidades intermedias. Sin embargo predominan los fortes, expresando con vehemencia el texto en los coros. Predomina el tempo allegro. Solo hay un adagio y un andante y sin embargo hay varios presto y un prestissimo al final.
La Novena Sinfonía empieza de forma poderosa, con un tema principal que transcurre en escalas y variaciones trepidantes, con incisos más adelante para los momentos líricos, nuevamente interrumpidos por la intensidad titánica de la composición. El volumen de la sinfonía es brutal para la época.
El segundo movimiento es calificado por algunos cronistas como “el infierno en llamas”, por su contundencia y velocidad, suavizado majestuosamente en la recapitulación.
El tercer movimiento, aunque sosegado, conduce firmemente a lo que será el cuarto movimiento, que contiene una melodía fácilmente reconocible y mundialmente famosa y original de Beethoven. El movimiento comienza con breves recapitulaciones de los movimientos anteriores, a los cuales los violonchelos contestan con comentarios inicialmente pensados para la voz humana. Finalmente, el bajo irrumpe con una llamada "Amigos no en esos tonos..." tras lo cual la melodía basada en la oda es tocada, primero por la orquesta, y luego por el coro. Los violonchelos, las flautas y los oboes crean el clima y las voces masculinas y femeninas se alternan declamando la “Oda a la Alegría” de Schiller (de ahí lo de “Coral”), arropadas por el todo orquestal.
La sinfonía avanza y se eleva sobre sí misma, mientras los coros llegan a niveles atronadores. Una doble fuga da el contrapunto pausado que lleva al veloz y prolongado cántico final, un desenlace de sinfonía único. Beethoven quería impresionar a sus oyentes y subrayar sus propósitos de fraternidad universal, y lo logró con este movimiento.
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LA SINFONÍA N.º 9 EN RE MENOR, OP. 125
La sinfonía, con una duración aproximada de 65 minutos, posee cuatro movimientos:
🎵 I. Allegro ma non troppo, un poco maestoso
🎵 II. Scherzo: Molto vivace - Presto
🎵 III. Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo
🎵 IV. Recitativo: (Presto – Allegro ma non troppo – Vivace
La textura es muy diversa. Sorprende el solo de bajo a modo de recitativo apenas sin acompañamiento instrumental. El tema primero es presentado como melodía acompañada también por el bajo. Al intervenir el coro, generalmente lo hace de manera homofónica. Constituye una grandiosa arquitectura musical con diversas texturas que van desde el recitativo a la doble fuga pasando por solistas, coro, etc. La letra, en alemán, está muy bien acompasada con la música, utilizando los unísonos del coro y metales para enfatizar un mensaje.
Dentro del movimiento hay diversos ritmos. Binarios y ternarios. La melodía sigue teniendo unas proporciones clásicas de 8 compases. La armonía es tonal pero ya muy desarrollada acercándose al romanticismo. Los matices de intensidad quedan repartidos en el largo movimiento, desde el pianissimo al fortissimo pasando por las intensidades intermedias. Sin embargo predominan los fortes, expresando con vehemencia el texto en los coros. Predomina el tempo allegro. Solo hay un adagio y un andante y sin embargo hay varios presto y un prestissimo al final.
La Novena Sinfonía empieza de forma poderosa, con un tema principal que transcurre en escalas y variaciones trepidantes, con incisos más adelante para los momentos líricos, nuevamente interrumpidos por la intensidad titánica de la composición. El volumen de la sinfonía es brutal para la época.
El segundo movimiento es calificado por algunos cronistas como “el infierno en llamas”, por su contundencia y velocidad, suavizado majestuosamente en la recapitulación.
El tercer movimiento, aunque sosegado, conduce firmemente a lo que será el cuarto movimiento, que contiene una melodía fácilmente reconocible y mundialmente famosa y original de Beethoven. El movimiento comienza con breves recapitulaciones de los movimientos anteriores, a los cuales los violonchelos contestan con comentarios inicialmente pensados para la voz humana. Finalmente, el bajo irrumpe con una llamada "Amigos no en esos tonos..." tras lo cual la melodía basada en la oda es tocada, primero por la orquesta, y luego por el coro. Los violonchelos, las flautas y los oboes crean el clima y las voces masculinas y femeninas se alternan declamando la “Oda a la Alegría” de Schiller (de ahí lo de “Coral”), arropadas por el todo orquestal.
La sinfonía avanza y se eleva sobre sí misma, mientras los coros llegan a niveles atronadores. Una doble fuga da el contrapunto pausado que lleva al veloz y prolongado cántico final, un desenlace de sinfonía único. Beethoven quería impresionar a sus oyentes y subrayar sus propósitos de fraternidad universal, y lo logró con este movimiento.
La popularidad y belleza del tema de la alegría en este movimiento ha hecho olvidar los otros tres de una belleza y singularidad excepcionales, constituyendo un todo hermoso y coherente los cuatro movimientos.
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23 Oct, 18:00
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LA SINFONÍA N.º 9 EN RE MENOR, OP. 125
La Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125, conocida también como "Coral", es la última sinfonía completa del compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y populares de la música y el arte. Su último movimiento es un final coral sorprendentemente inusual en su época que se ha convertido en símbolo de la libertad. Precisamente, una adaptación de la sinfonía, realizada por Herbert von Karajan es, desde 1972, el himno de la Unión Europea (UE). En 2001, la partitura original de la sinfonía se inscribió en el Registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO, donde forma parte, junto con otros sobresalientes monumentos, de la herencia espiritual de la humanidad.
En 1817 la Sociedad Filarmónica de Londres encargó la composición de la sinfonía. Beethoven comenzó a componerla en 1818 y finalizó su composición a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la carrera de Beethoven.
El poema de Friedrich Schiller An die Freude (noviembre de 1785), traducido como A la alegría, y conocido como Oda a la alegría que Schiller publicó en 1786 en la primera versión y 1808 póstumo en la versión definitiva (clásica), provocó en Beethoven la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años. Se suele distinguir entre Oda a la alegría para denominar al poema original de Schiller, e «Himno a la alegría» como denominación del cuarto movimiento de la Novena sinfonía de Beethoven.
Beethoven estaba ansioso por estrenar su trabajo en Berlín tan pronto como fuera posible después de terminarlo, dado que pensó que el gusto musical en Viena estaba dominado por compositores italianos como Rossini. Cuando sus amigos y financistas oyeron eso, le motivaron a estrenar la sinfonía en la misma Viena.
El estreno de la novena sinfonía fue diez años después de la Octava, el 7 de mayo de 1824 en el Kärntnertortheater de Viena, junto con la obertura de Die Weihe des Hauses y las tres primeras partes de la Missa Solemnis. Esta fue la primera aparición en escena de Beethoven después de diez años; la sala estuvo llena.
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LA SINFONÍA N.º 9 EN RE MENOR, OP. 125
La Sinfonía n.º 9 en re menor, op. 125, conocida también como "Coral", es la última sinfonía completa del compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y populares de la música y el arte. Su último movimiento es un final coral sorprendentemente inusual en su época que se ha convertido en símbolo de la libertad. Precisamente, una adaptación de la sinfonía, realizada por Herbert von Karajan es, desde 1972, el himno de la Unión Europea (UE). En 2001, la partitura original de la sinfonía se inscribió en el Registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO, donde forma parte, junto con otros sobresalientes monumentos, de la herencia espiritual de la humanidad.
En 1817 la Sociedad Filarmónica de Londres encargó la composición de la sinfonía. Beethoven comenzó a componerla en 1818 y finalizó su composición a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la carrera de Beethoven.
El poema de Friedrich Schiller An die Freude (noviembre de 1785), traducido como A la alegría, y conocido como Oda a la alegría que Schiller publicó en 1786 en la primera versión y 1808 póstumo en la versión definitiva (clásica), provocó en Beethoven la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años. Se suele distinguir entre Oda a la alegría para denominar al poema original de Schiller, e «Himno a la alegría» como denominación del cuarto movimiento de la Novena sinfonía de Beethoven.
Beethoven estaba ansioso por estrenar su trabajo en Berlín tan pronto como fuera posible después de terminarlo, dado que pensó que el gusto musical en Viena estaba dominado por compositores italianos como Rossini. Cuando sus amigos y financistas oyeron eso, le motivaron a estrenar la sinfonía en la misma Viena.
El estreno de la novena sinfonía fue diez años después de la Octava, el 7 de mayo de 1824 en el Kärntnertortheater de Viena, junto con la obertura de Die Weihe des Hauses y las tres primeras partes de la Missa Solemnis. Esta fue la primera aparición en escena de Beethoven después de diez años; la sala estuvo llena.
Otra importante innovación de Beethoven fue la inclusión de coro y cantantes solistas, que él dispone en el cuarto movimiento, el momento climático de la obra.
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22 Oct, 00:57
🔐𝑪𝑨𝑵𝑨𝑳𝑬𝑺 𝑱𝑨𝑴𝑨𝑺 𝑽𝑰𝑺𝑻𝑶𝑺 𝑨𝑵𝑻𝑬 𝑻𝑬𝑳𝑬𝑮𝑹𝑨𝑴👾
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11 Oct, 16:00
#ThePowerofLove #JenniferRush #FrancescoParrino
Título: The Power of Love
Autor: Jennifer Rush
Interpretación:
Francesco Parrino
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Título: The Power of Love
Autor: Jennifer Rush
Interpretación:
Francesco Parrino
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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07 Oct, 18:00
#Sinfonía45 #Haydn #ConradVanAlphen
Título: La Sinfonía n.º45 en Fa Sostenido
Autor: Franz Joseph Haydn
Movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
Interpretación:
Sinfonia Rotterdam
Director:
Conrad Van Alphen
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Título: La Sinfonía n.º45 en Fa Sostenido
Autor: Franz Joseph Haydn
Movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
Interpretación:
Sinfonia Rotterdam
Director:
Conrad Van Alphen
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07 Oct, 18:00
#Sinfonia45 #Haydn #ConradVanAlphen
La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hoboken I/45, conocida como Sinfonía de los adioses, es una sinfonía del austríaco Joseph Haydn, compuesta en 1772.
Fue escrita para el patrón de Haydn, el príncipe Nikolaus Esterházy, durante una estancia en la que Haydn y la corte de músicos permanecieron en el palacio de verano, en Eszterháza. La estancia fue más larga de lo esperado y los músicos en su mayoría fueron obligados a mover a sus mujeres en casa, en Eisenstadt, por lo que en el último movimiento de la sinfonía, Haydn instó sutilmente a su patrón a dejarles volver a casa. Durante el adagio final cada músico deja de tocar, apaga la vela de su atril y se va en orden, dejando al final solo dos violines tocados con sordina (tocados por el propio Haydn y el concertino, Alois Luigi Tomasini).
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
El primer movimiento de la obra es un episodio turbulento en fa sostenido menor, una tonalidad extremadamente inusual para usar en esa parte de la obra. Comienza a la manera típica del periodo Sturm und Drang de Haydn, con arpegios menores descendentes en los primeros violines junto con notas sincopadas en los segundos violines y acordes mantenidos en los vientos. El movimiento sigue la forma sonata, pero se desvía del modelo común en varias ocasiones. Aparte de estas desviaciones de la norma, el primer movimiento es "bastante difícil de ser percibido como revolucionario" y "no es tan intrépido, al contener un desarrollo que solo se aventura a los niveles de IV, II♭ y VI, además de la mediante y la tónica".
El segundo movimiento, lento en la mayor y en compás de 3/8 también está escrito en forma sonata. Comienza con una relajante melodía tocada por violines con sordina, representando un motivo que "tiene hipo". El ambiente gradualmente se vuelve más sombrío y meditabundo con la alternancia entre modos mayores y menores, asemejándose a pasajes de las últimas obras de Schubert. A continuación siguen una serie de suspensiones disonantes mantenidas durante varios compases, que son extendidas hasta una gran duración por Haydn mientras que el mismo material aparece en la recapitulación. James Webster siente la música como programática, expresando el añoro del hogar.
El siguiente minueto está en la tonalidad de fa sostenido mayor; su principal peculiaridad es que la cadencia final de cada sección está construida de manera que suena muy débil, creando una sensación de incompletitud.
El último movimiento empieza como es característico en Haydn, como un final rápido y en 2/2, escrito en forma sonata y en la tonalidad de la obra: fa sostenido menor. La intensidad rítmica se incrementa mediante el uso de bariolage al unísono en la parte del primer violín. La música finalmente alcanza el final de la recapitulación en un pasaje que suena como si la sinfonía acabara, pero de repente es interrumpida por una cadencia rota.
A continuación sigue una larga coda, como si de un segundo movimiento lento se tratara, que es extremadamente inusual en sinfonías clásicas y probablemente sonaría muy sorprendente para el Príncipe. Está escrito en compás de 3/8 y modula de la mayor a fa sostenido mayor, momento en el que los músicos van abandonando sus puestos. El final es una especie de anticlímax deliberado y se suele interpretar en un suave pianissimo.
Este adagio final incluye una curiosidad que no todo oyente es capaz de percibir al oír una grabación: varios músicos tienen solos pequeños justo antes de marcharse. El orden de salida es: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.
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La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hoboken I/45, conocida como Sinfonía de los adioses, es una sinfonía del austríaco Joseph Haydn, compuesta en 1772.
Fue escrita para el patrón de Haydn, el príncipe Nikolaus Esterházy, durante una estancia en la que Haydn y la corte de músicos permanecieron en el palacio de verano, en Eszterháza. La estancia fue más larga de lo esperado y los músicos en su mayoría fueron obligados a mover a sus mujeres en casa, en Eisenstadt, por lo que en el último movimiento de la sinfonía, Haydn instó sutilmente a su patrón a dejarles volver a casa. Durante el adagio final cada músico deja de tocar, apaga la vela de su atril y se va en orden, dejando al final solo dos violines tocados con sordina (tocados por el propio Haydn y el concertino, Alois Luigi Tomasini).
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
El primer movimiento de la obra es un episodio turbulento en fa sostenido menor, una tonalidad extremadamente inusual para usar en esa parte de la obra. Comienza a la manera típica del periodo Sturm und Drang de Haydn, con arpegios menores descendentes en los primeros violines junto con notas sincopadas en los segundos violines y acordes mantenidos en los vientos. El movimiento sigue la forma sonata, pero se desvía del modelo común en varias ocasiones. Aparte de estas desviaciones de la norma, el primer movimiento es "bastante difícil de ser percibido como revolucionario" y "no es tan intrépido, al contener un desarrollo que solo se aventura a los niveles de IV, II♭ y VI, además de la mediante y la tónica".
El segundo movimiento, lento en la mayor y en compás de 3/8 también está escrito en forma sonata. Comienza con una relajante melodía tocada por violines con sordina, representando un motivo que "tiene hipo". El ambiente gradualmente se vuelve más sombrío y meditabundo con la alternancia entre modos mayores y menores, asemejándose a pasajes de las últimas obras de Schubert. A continuación siguen una serie de suspensiones disonantes mantenidas durante varios compases, que son extendidas hasta una gran duración por Haydn mientras que el mismo material aparece en la recapitulación. James Webster siente la música como programática, expresando el añoro del hogar.
El siguiente minueto está en la tonalidad de fa sostenido mayor; su principal peculiaridad es que la cadencia final de cada sección está construida de manera que suena muy débil, creando una sensación de incompletitud.
El último movimiento empieza como es característico en Haydn, como un final rápido y en 2/2, escrito en forma sonata y en la tonalidad de la obra: fa sostenido menor. La intensidad rítmica se incrementa mediante el uso de bariolage al unísono en la parte del primer violín. La música finalmente alcanza el final de la recapitulación en un pasaje que suena como si la sinfonía acabara, pero de repente es interrumpida por una cadencia rota.
A continuación sigue una larga coda, como si de un segundo movimiento lento se tratara, que es extremadamente inusual en sinfonías clásicas y probablemente sonaría muy sorprendente para el Príncipe. Está escrito en compás de 3/8 y modula de la mayor a fa sostenido mayor, momento en el que los músicos van abandonando sus puestos. El final es una especie de anticlímax deliberado y se suele interpretar en un suave pianissimo.
Este adagio final incluye una curiosidad que no todo oyente es capaz de percibir al oír una grabación: varios músicos tienen solos pequeños justo antes de marcharse. El orden de salida es: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.
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25 Sep, 18:10
#Arte #Música #Clásica #Barroco #EliasConrad #Rameau
LES SAUVAGES - ELIAS CONRAD
Canción: Les Sauvages
Autor: Jean Philippe Rameau
Intérprete: Elias Conrad
Estilo: Clásica; Barroco
Año: 2020
Lugar: Alemania
@SonataLife
LES SAUVAGES - ELIAS CONRAD
Canción: Les Sauvages
Autor: Jean Philippe Rameau
Intérprete: Elias Conrad
Estilo: Clásica; Barroco
Año: 2020
Lugar: Alemania
Fuente: 🎼@SonataLife
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18 Sep, 18:00
#Passacaglia #Handel #Halvorsen #JohanHalvorsen #JuliaFischer #DanielMullerSchott
Título: Passacaglia Handel-Halvorsen
Autor: Johan Halvorsen
Interpretación:
Julia Fischer (violin)
Daniel Muller-Schott (cello)
@ClasicaAlAtardecer
Título: Passacaglia Handel-Halvorsen
Autor: Johan Halvorsen
Interpretación:
Julia Fischer (violin)
Daniel Muller-Schott (cello)
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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18 Sep, 18:00
#Passacaglia #Handel #Halvorsen #JohanHalvorsen #JuliaFischer #DanielMullerSchott
PASSACAGLIA HANDEL-HALVORSEN
En esta clase de repertorio para piano vamos a estudiar la partitura de la Passacaglia Handel-Halvorsen. Se trata de una obra compuesta por Johan Halvorsen, compositor, director de orquesta y violinista noruego.
Para componer la obra se basó en un tema del famoso compositor alemán Georg Friedrich Handel, de allí el nombre de “Handel-Halvorsen”. La passacaglia está basada en un bajo repetitivo sobre variaciones de una melodía.
Passacaglia, o Pasacalles en español, es una pieza musical basada en variaciones, y en esta ocasión Halvorsen desarrolla las variaciones que escribió Handel y añade algunas más, de forma que en una misma pieza podemos ver elementos estilísticos propios tanto del Barroco como del Romanticismo musical.
En 1894, cuando trabajaba en director de orquesta en Bergen, realizó esta extravagante adaptación para violín y viola de la Passacaglia de una Suite para clave solo de Haendel. Una passacaglia es una forma de variaciones continuas sobre un bajo que se repite, y Halvorsen elabora las propias variaciones de Haendel con un amplio despliegue instrumental: dobles registros, escalas apresuradas, armónicos y una amplia gama de dinámicas, timbres y articulaciones.
@ClasicaAlAtardecer
PASSACAGLIA HANDEL-HALVORSEN
En esta clase de repertorio para piano vamos a estudiar la partitura de la Passacaglia Handel-Halvorsen. Se trata de una obra compuesta por Johan Halvorsen, compositor, director de orquesta y violinista noruego.
Para componer la obra se basó en un tema del famoso compositor alemán Georg Friedrich Handel, de allí el nombre de “Handel-Halvorsen”. La passacaglia está basada en un bajo repetitivo sobre variaciones de una melodía.
Passacaglia, o Pasacalles en español, es una pieza musical basada en variaciones, y en esta ocasión Halvorsen desarrolla las variaciones que escribió Handel y añade algunas más, de forma que en una misma pieza podemos ver elementos estilísticos propios tanto del Barroco como del Romanticismo musical.
En 1894, cuando trabajaba en director de orquesta en Bergen, realizó esta extravagante adaptación para violín y viola de la Passacaglia de una Suite para clave solo de Haendel. Una passacaglia es una forma de variaciones continuas sobre un bajo que se repite, y Halvorsen elabora las propias variaciones de Haendel con un amplio despliegue instrumental: dobles registros, escalas apresuradas, armónicos y una amplia gama de dinámicas, timbres y articulaciones.
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14 Sep, 18:00
#HonorHim #NowWeAreFree #Gladiador #HansZimmer #JacobLadegaard
Título: Honor Him/Now we are free - Gladiator.
Autor: Hans Zimmer
Interpretación:
Jacob Ladegaard
@ClasicaAlAtardecer
Título: Honor Him/Now we are free - Gladiator.
Autor: Hans Zimmer
Interpretación:
Jacob Ladegaard
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
07 Sep, 15:00
#Mirages #GabrielFauré #MarianneCrebassa #FazilSay
Titulo: Mirages OP. 113
Autor: Gabriel Fauré
Movimento IV:
🎵 "Danseuse" (de Des songes et des paroles)
Interpretación:
Marianne Crebassa
Piano: Fazil Say
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Mirages OP. 113
Autor: Gabriel Fauré
Movimento IV:
🎵 "Danseuse" (de Des songes et des paroles)
Interpretación:
Marianne Crebassa
Piano: Fazil Say
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
07 Sep, 15:00
#Mirages #GabrielFauré #MarianneCrebassa #FazilSay
Titulo: Mirages OP. 113
Autor: Gabriel Fauré
Movimento II:
🎵 "Reflets dans l'eau" (de De l'eau et des paysages)
Interpretación:
Marianne Crebassa
Piano: Fazil Say
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Mirages OP. 113
Autor: Gabriel Fauré
Movimento II:
🎵 "Reflets dans l'eau" (de De l'eau et des paysages)
Interpretación:
Marianne Crebassa
Piano: Fazil Say
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
07 Sep, 15:00
#Mirages #GabrielFauré #MarianneCrebassa #FazilSay
Titulo: Mirages OP. 113
Autor: Gabriel Fauré
Movimento III:
🎵 "Jardin nocturne" (de De l'eau et des paysages)
Interpretación:
Marianne Crebassa
Piano: Fazil Say
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Mirages OP. 113
Autor: Gabriel Fauré
Movimento III:
🎵 "Jardin nocturne" (de De l'eau et des paysages)
Interpretación:
Marianne Crebassa
Piano: Fazil Say
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
07 Sep, 15:00
#Mirages #GabrielFauré #MarianneCrebassa #FazilSay
Titulo: Mirages OP. 113
Autor: Gabriel Fauré
Movimento I:
🎵 "Cygne sur l'eau" (de De l'eau et des paysages)
Interpretación:
Marianne Crebassa
Piano: Fazil Say
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Mirages OP. 113
Autor: Gabriel Fauré
Movimento I:
🎵 "Cygne sur l'eau" (de De l'eau et des paysages)
Interpretación:
Marianne Crebassa
Piano: Fazil Say
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
07 Sep, 15:00
#Mirages #GabrielFauré #MarianneCrebassa #FazilSay
MIRAGE OP. 113
Mirages, op. 113, es un ciclo de canciones de Gabriel Fauré, de cuatro mélodies para voz y piano. Compuesto en 1919, el ciclo se basa en cuatro de los poemas de la colección del mismo nombre de Renée de Brimont.
Mirages tuvo su estreno en la Société Nationale de Musique el 27 de diciembre de 1919, cantada por Madeleine Gray. Fauré fue el pianista del estreno, como solía serlo para sus canciones. Sin embargo, en ese momento su discapacidad auditiva era total, y esta fue la última vez que tocó en un evento de la Société.
Cuando su amigo, Gabriel Hanotaux, le mostró el volumen recién publicado de Espejismos de la barona Antoine de Brimont, un diletante de la sociedad. La Fauré de inmediato reconoció una sugestión verbal admirablemente adecuada a su música.
Los escenarios de Fauré de las dos partes de la colección de De Brimont son los siguientes:
🎵 I. "Cygne sur l'eau" (de De l'eau et des paysages)
🎵 II. "Reflets dans l'eau" (de De l'eau et des paysages)
🎵 III. "Jardin nocturne" (de De l'eau et des paysages)
🎵 IV. "Danseuse" (de Des songes et des paroles)
En "Cygne sur l'eau", la primera de estas canciones, "El cisne negro nada hacia lo desconocido que huye".
En "Reflets dans l'eau", el acompañamiento silenciosamente ansioso, ondulante y oscilante de "Cygne sur l'eau" se vuelve sereno, aunque armonizado con una sutil picante cuando el cisne se enfrenta a "las profundidades azules del tiempo pasado", simplemente, de manera reveladora, las ondas se reflejan en el piano. Este raro efecto pictórico puede escucharse como una metáfora de las últimas palabras del compositor a sus hijos: "Cuando ya no esté aquí, oirán que se dice de mis obras:" ¡Después de todo, eso no era mucho para escribir! " No debes dejar que eso te lastime o deprima, es la forma del mundo ... Siempre hay un momento de olvido.
En la tranquila quietud del "Jardín nocturno", las delicias terrenales, "Tus aromas de iris, jazmines y rosas, tus sombríos encantos del deseo y el aburrimiento", se encuentran por última vez.
La mélodie final, "Danseuse", evoca como desde una gran distancia el atractivo de lo erótico la danza evocada poderosamente con un lacónico chasquido de ostinato para terminar cuando "la humedad brilla, un beso vano, a lo largo de tus muslos suaves, vano ¡bailarín!"
Presentada a Fauré por su profesor en el Conservatorio a principios de 1919, Madeleine Gray aprendió la difícil La Chanson d'Eve rápidamente y con la agudeza suficiente para ganarse la admiración del compositor cuando la interpretó en una Gala de Fauré el 30 de mayo, el compositor al piano. Fauré compuso los Mirages específicamente para ella, y Madeleine Gray dio su estreno en un concierto de Société Nationale, acompañada por Fauré, su última actuación en ese lugar.
@ClasicaAlAtardecer
MIRAGE OP. 113
Mirages, op. 113, es un ciclo de canciones de Gabriel Fauré, de cuatro mélodies para voz y piano. Compuesto en 1919, el ciclo se basa en cuatro de los poemas de la colección del mismo nombre de Renée de Brimont.
Mirages tuvo su estreno en la Société Nationale de Musique el 27 de diciembre de 1919, cantada por Madeleine Gray. Fauré fue el pianista del estreno, como solía serlo para sus canciones. Sin embargo, en ese momento su discapacidad auditiva era total, y esta fue la última vez que tocó en un evento de la Société.
Cuando su amigo, Gabriel Hanotaux, le mostró el volumen recién publicado de Espejismos de la barona Antoine de Brimont, un diletante de la sociedad. La Fauré de inmediato reconoció una sugestión verbal admirablemente adecuada a su música.
Los escenarios de Fauré de las dos partes de la colección de De Brimont son los siguientes:
🎵 I. "Cygne sur l'eau" (de De l'eau et des paysages)
🎵 II. "Reflets dans l'eau" (de De l'eau et des paysages)
🎵 III. "Jardin nocturne" (de De l'eau et des paysages)
🎵 IV. "Danseuse" (de Des songes et des paroles)
En "Cygne sur l'eau", la primera de estas canciones, "El cisne negro nada hacia lo desconocido que huye".
En "Reflets dans l'eau", el acompañamiento silenciosamente ansioso, ondulante y oscilante de "Cygne sur l'eau" se vuelve sereno, aunque armonizado con una sutil picante cuando el cisne se enfrenta a "las profundidades azules del tiempo pasado", simplemente, de manera reveladora, las ondas se reflejan en el piano. Este raro efecto pictórico puede escucharse como una metáfora de las últimas palabras del compositor a sus hijos: "Cuando ya no esté aquí, oirán que se dice de mis obras:" ¡Después de todo, eso no era mucho para escribir! " No debes dejar que eso te lastime o deprima, es la forma del mundo ... Siempre hay un momento de olvido.
En la tranquila quietud del "Jardín nocturno", las delicias terrenales, "Tus aromas de iris, jazmines y rosas, tus sombríos encantos del deseo y el aburrimiento", se encuentran por última vez.
La mélodie final, "Danseuse", evoca como desde una gran distancia el atractivo de lo erótico la danza evocada poderosamente con un lacónico chasquido de ostinato para terminar cuando "la humedad brilla, un beso vano, a lo largo de tus muslos suaves, vano ¡bailarín!"
Presentada a Fauré por su profesor en el Conservatorio a principios de 1919, Madeleine Gray aprendió la difícil La Chanson d'Eve rápidamente y con la agudeza suficiente para ganarse la admiración del compositor cuando la interpretó en una Gala de Fauré el 30 de mayo, el compositor al piano. Fauré compuso los Mirages específicamente para ella, y Madeleine Gray dio su estreno en un concierto de Société Nationale, acompañada por Fauré, su última actuación en ese lugar.
@ClasicaAlAtardecer
🎼 CLÁSICA AL ATARDECER 🎻
30 Aug, 13:00
#Requiem #Lacrimosa #Mozart #DonkaMiteva
Título: Requiem – Lacrimosa
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Interpretacion:
Orquesta Sinfónica y Gran Coro del Collegium Musicum de Berlín
Directora:
Donka Míteva
@ClasicaAlAtardecer
Título: Requiem – Lacrimosa
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Interpretacion:
Orquesta Sinfónica y Gran Coro del Collegium Musicum de Berlín
Directora:
Donka Míteva
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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