Синтония | Искусство нашего времени

https://telegra.ph/Violet-Bond---Opasnaya-zavesa-mezhdu-zhiznyu-i-smertyu-01-29

Новая серия работ австралийской художницы Вайолет Бонд - «Nature Scans»: грибы, камни, кости, растения, раковины, насекомые и рыбы, объединенные в 12 композиций, выражающих единство жизни и смерти, взаимосвязь искусства человека и созданий природы, рукотворного и естественного. Серия создана с помощью старого сканера, найденного Бонд в доме своего отца-путешественника.

Вайолет Бонд - пример художницы, которая достигла широкой известности посредством работы в цифровом пространстве. Выросшая в коренной общине аборигенов Манингрида, поселившихся в Северной Территории Австралии более 40 тысяч лет назад, Бонд с детства впитывала атмосферу диких мест, где крокодилы встречаются чаще, чем коровы, а в климате царит жара и сухость.

В школе Бонд открыла для себя творчество Энди Голдзуорти (р. 1956), английского скульптора и фотографа, который создает инсталляции на природе из природных материалов. Она поняла, что «можно создавать прекрасные вещи и отправлять их обратно в пыль, и это все равно будет называться искусством». Имея опыт в дизайне и фотографии, Бонд стала изучать искусство керамики и скульптуры самостоятельно - по урокам на YouTube.

Выбрав местом своего эфемерного творчества буш, художница стала использовать найденные природные объекты и керамику из дикой глины для создания скульптур, а затем сделала свое собственное тело объектом перформансов, которые она запечатлевала на видео. И цифровая среда коллекционеров и художников помогла Бонд дорасти до художницы, имеющей за плечами персональные выставки в Париже, Нью-Йорке, Сеуле, Базеле, Лос-Анджелесе и Сан-Пауло.

Подробнее о работе Вайолет Бонд и ее взглядах на распространение искусства в современном мире - в материале ниже ⬇️



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Danielle King - серия «Mall of America» (2024):

«Mall of America» — это проект, соединяющий пост-фотографию с искусственным интеллектом и посещающий заброшенные торговые центры, которые когда-то определяли американскую потребительскую культуру. Я выросла в 1980-х годах и чувствую сложную тягу к этим пространствам — в равной степени ностальгию по их обещаниям и отвращение к излишествам, которые они представляют.

Джоан Дидион назвала торговые центры «пирамидами годов бума», и я вижу их именно так: памятники эпохе изобилия, которая сейчас кажется пустой. Их распад вызывает в памяти Ruinenlust, странную привлекательность руин — острое напоминание о непостоянстве и неизбежности упадка.

Использование искусственного интеллекта для переосмысления этих пространств добавило этому исследованию сюрреалистическое, сказочное измерение. Технология превращает мои воспоминания, уже фрагментированные временем, в жуткие пейзажи, одновременно знакомые и тревожные.

Эта серия размышляет о потерях, как личных, так и коллективных. Эти разрушающиеся торговые центры становятся размышлениями о скорби - не только из-за детства, сформированного их привлекательностью, но также из-за экологических и культурных последствий нашего бесконтрольного потребления».



✨ Синтония AI

На канале часто пишется про художников и фотографов, в центре внимания которых находится природа: от живописцев до цифровых экспериментаторов, старающихся методами программирования раскрыть новые грани естественного мира. Сегодня хочу поделиться с вами впечатлениями от путешествия, во время которого я в очередной раз убедился и в полной мере прочувствовал, что природа - это величайший художник.

7 дней я провел без связи в Горном Алтае - в районе поселка Усть-Кокса и на Красной горе. Я искушенный путешественник, но эти магические места поразили меня до глубины души. И открытия, которые я там сделал, случились не только благодаря месту, но и людям, которые были рядом.

У каждого путешествия есть своя цель: для меня было важно понять, где я хочу жить, что дает мне жизнь за рубежом и в каком направлении мне дальше двигаться. И в Горном Алтае я осознал, что хочу жить в России, изучать ее, строить здесь свою жизнь и делиться опытом с людьми, которые находятся рядом. Красота, которая меня наполняла меня каждый день, вселяла уверенность в моем решении. Я слушал рассказы спутников о путешествиях по могучей и огромной России и убеждался, что сила этой страны - в природе и уникальных людях, любящих свою родину.

Разглядывая девственную природу гор, я вернулся к мыслям, может ли искусство создать то, что создает природа. Произведения без авторства завораживали и давали понимание, что в природе есть ответы на все вопросы - главное уважать и любить ее. Природа не стремится к завершенности, а существует в непрерывном процессе созидания и преображения. Отсутствие авторства учит нас смирению перед силами природы и принятию ее спонтанности, мы не можем контролировать ее процессы - только наблюдать и восхищаться. Бесконечно разворачивающееся произведение природы - это бесценный дар, который учит нас ценить гармонию и величие мира, в котором мы живем.

Артём Андреев



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Внимание американского фотографа Мишель Мори сосредоточено на красоте геологических формаций. Снято на Sony A7rIII и Sony A7rIV + Mavic Pro 3 Drone, цветокоррекция - Lightroom.

На You-Tube-канале Гранта Суинборна Мишель Мори подробно рассказывает о том, как геология повлияла на ее фотографию: https://www.youtube.com/watch?v=5eAAom82xRI



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

«Bamboo Landscape» - генеративная серия немецкого программиста и разработчика Bewelge, имитирующая китайский рисунок тушью, но с некоторыми намеренно стилизованными элементами, чтобы подчеркнуть цифровую природу изображения, созданного кодом.



▫️Sintonia Digital Art▫️

Фотограф Лола Хабнер, снимая природу родной Австралии с дрона, сосредоточена на поиске «неземных» текстур и сюрреалистичных образов. Совершая длительные путешествия по стране (до 6 месяцев), Хабнер особенно любит посещать соленые озера Южной Австралии, которые каждый раз удивляют ее новыми открытиями:

«Я провела много дней, путешествуя по бесплодной местности, и каждый шаг делал меня все более взволнованной. Сухая и пустая земля глубинки вселила в меня еще большую решимость раскрыть скрытые тайны природы.

Когда мой дрон пролетал над соленым озером на закате, я не могла не быть мгновенно завороженной захватывающим видом. Это было идеальное сочетание всех моих любимых элементов в фотографии - минимализма, захватывающих текстур, уникальной красоты упавших деревьев и взрыва ярких красных и розовых оттенков. 

Еще до того, как я просмотрела изображения, я почувствовала волнение от того, что запечатлела полное сочетание элементов, которые изначально привлекли меня к фотографии соленых озер. Это был момент чистой художественной ясности и свидетельство первозданной, нетронутой красоты природы».



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Новые работы мексиканского художника Эдгара Орлайнеты (р. 1972), который в своих скульптурах и ассамбляжах возрождает наследие авангарда 20 века. Истоки творчества Орлайнеты - сюрреализм, послевоенный дизайн и архитектура и идеи Марселя Дюшана:

«Меня привлекает неоднозначное состояние моих работ; все они предполагают какую-то функцию, но не выполняют ее, или если выполняют, то неоднозначно или эксцентрично. Я стремлюсь раскрыть их объектность, что помогает мне исследовать все их возможные способы существования. Когда вы лишаете объект функции, как это делал Дюшан, вы предлагаете ему новые возможности существования. 

Мне нравится идея «использования» в моей работе. Иногда я говорю, что создаю вещи, а не искусство. Я не пытаюсь создавать метафоры или наводящие на размышления объекты, а скорее вещь, которая занимает место в реальности — что-то, что может иметь применение».

Художник отталкивается от концепции универсального конструктивизма Хоакина Торреса-Гарсии (1874 - 1949): структура (геометрия), символ (вещь) и дух. 
В «не-функциональных вещах» Орлайнеты сочетаются предметы коллекционирования, повседневные объекты без исторической и художественной ценности и авторские органические формы, которые служат архетипами. Объекты художника - сложные сборки, включающие в себя дерево, китайскую тушь, акрил, проволоку, металлические листы, веревки, фанеру, керамогранит, винтажные фотографии и страницы книг, авторский рисунок.

«Я совершенствуюсь технически с каждой созданной работой, изучая и развивая новые навыки, которые, как я считаю, позволяют нам оставаться в диалоге с реальностью. Когда вы работаете напрямую с материалами, невозможно не оставаться скромным; у материи есть своя собственная воля, и иногда она ведет себя не так, как вы ожидаете. 

Я думаю о своих фигурах как о идеограммах, позволяя воспринимать их форму как трехмерный объект или сводить ее к графическому символу. Эта универсальность отражает реальность и язык, где есть вещь и также ее символ».



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Серия «Tela d’ombro» («Холст тени») итальянского фотографа Сильвии Гаффурини (р. 1965). 

Творчество Гаффурини связано с идеей восстановления культурного и духовного наследия европейской цивилизации: получив образование в сфере живописи в Академии изящных искусств Брера (Милан), она долгое время работала реставратором фресок и картин. В 2014 году Гаффурини занялась фотографией, делая акцент на техниках печати и восстановлении фрагментов картин прошлого, с помощью цифровых технологий соединяя их с современными изображениями.

Отличительной особенностью «отпечатков» Гаффурини является ручное тиснение хлопковой бумаги и бумаги из тутового дерева:
«Выбирая ручное тиснение, я создаю визуальную и тактильную телесность концепции восстановления, а прошлое становится наследием и стимулом для размышлений о современных обществах и новых возможностях для трансформации и обновления».

Фотограф постоянно расширяет свои знания и умения, включая в свою практику фото- и 3D-редакторы, искусственный интеллект и новые технологии. Все эти новшества она сочетает со старыми реставрационными техниками (техника сшивания, горячая микросварка). 

В серии «Tela d’ombro» автор соединяет печать фотографии с холстом, который становится слоем-барьером. Работы серии обретают трехмерное измерение, полноценно увидеть эффекты «фотоскульптуры» Гаффурини можно только вживую при ярком свете:

«Свет, исходящий от произведений искусства, является лакмусовой бумажкой для измерения того, кем мы были, кем мы могли бы быть и кем мы являемся сегодня. «Tela d’ombra» размышляет о ненадежности и хрупкости мира, в котором мы находимся. Как только тени рассеются, единственное, что останется, — это наследие, которое мы оставим будущим поколениям. 

Став тенью, я была уже не собой, а коррелятом человечества. Однако впереди истинная реальность, которую я хотела бы ухватить и, вставив произведения искусства, вызвать иллюзию нового осознания. Мои жесты становятся указанием на то, что мне ближе всего: окружающая среда, произведения искусства и женское начало».



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

«Vertigo» - название серии работ южноафриканской художницы Деборы Пойнтон (р. 1970) - отражает взгляд автора на существование человека. Состояние головокружения «отражает разрыв между мифом, в котором мы живем и который рассказываем себе, и тем, что мы на самом деле делаем в мире». Пойнтон вспоминает грехопадение Адама и Евы, после которого человек получил способность к саморефлексии. Этот акт восприятия мира человеческим сознанием и исследует художница в своей работе.

Живопись Пойнтон гиперреалистична, но парадоксальным образом - и отрицает реальность, и отражает ее. Отрицает - понятие объективной реальности в человеческом мире и восприятии. Отражает - субъективное видение мира, формируемое взглядом и сознанием:

«Для меня красота заключается в переходе от того, что мы называем реальностью, к иллюзии реальности. Как художник, я отражаю нелепость акта живописи, который неизбежно является неудачной попыткой контролировать реальность. Красота - это утешение перед лицом пустоты».

Работая в своей кейптаунской студии, расположенной в старой церкви, Пойнтон создает большие холсты, отражающие современное общество, пребывающее в состоянии «наваждения»:

«Головокружение — это ошеломляющее осознание того, что я умру, и при этом такое поведение, будто этого не произойдет.
Это непреодолимая пропасть между этим моментом, в котором я балансирую, и бесконечными мгновениями до и после.
Это резкий разрыв между фантазиями в моем воображении и гоминидом из плоти и костей, которым являюсь я.
Это беспокойство, которое я испытываю, когда ищу рай на земле, разрушая при этом этот земной рай.
Цепляясь за весь этот смысл и отрицание, цель и инерцию, моя голова кружится. Нет ничего ниже меня. Я не могу посмотреть вниз, чтобы спасти свою жизнь.
Вместо этого я вползаю в безопасные объятия образов. Я привязываю себя к иллюзиям и чуть-чуть отпускаю свою хватку. Возможно, если я останусь здесь достаточно долго, я смогу открыть глаза.»



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

«Синтония» поздравляет всех подписчиков с Наступающим Новым годом! Огромное спасибо всем, кто читает канал, оставляет свои реакции и комментарии, - это очень важно.

За полгода существования канал успел познакомить вас с более чем 500 художниками, живущих и творящих рядом с нами: живописцами и фотографами, цифровыми и генеративными художниками, скульпторами и рисовальщиками. Всех их объединяет постоянный поиск: смыслов, красоты, гармонии, полноты жизни. Желаем всем, чтобы в новом году ваше личное путешествие в поисках правды, красоты и любви сопровождалось успехами.

После небольшого перерыва «Синтония» вернется с новым содержанием и новыми рубриками - в современном мире искусства еще очень много интересного! Оставайтесь с каналом, делитесь тем, что по-настоящему вас увлекает, расширяйте границы. С Наступающим Новым годом - всем счастья, гармонии, удачи, и пусть красота и смысл всегда будут рядом с вами! 👁❤‍🔥



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Зимняя фотография немецкого фотографа Яна Эрика Вайдера, специализирующегося на съемке абстрактных пейзажей северных широт и текстур воды и льда.

«Моя работа направлена ​​на раскрытие скрытой красоты в деталях природного мира. Я люблю открывать необычное в, казалось бы, обыденном, будь то у подножия ледника в Исландии или на пороге моего дома в лесу. Запечатлеть и поделиться этим опытом с помощью фотографий для меня очень важно. Меня всегда пленял Север. Изучение холодной, суровой красоты его ландшафтов и странствия с камерой приносят мне счастье и чувство полного присутствия».



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Друзья, в преддверии новогодних праздников позволю себе рассказать о петербургских дизайнерах, которых я считаю настоящими художниками - Алексее Фищеве и Ане Општейне. Под маркой бренда Lick My Brick они выпускают мелкосерийные изделия из террацио, выходящие за рамки интерьерного дизайна:

«Террацо, смесь модифицированного бетона на цементном вяжущем, пигментов и каменных заполнителей различных пород — одновременно довольно старый и современный материал, позволяющий изготавливать предметы интерьера и экстерьера разных форм и размеров, с присущими натуральному камню прочностью, износостойкостью, и исключительным многообразием текстур и цвета. Использование натуральных компонентов и отходов каменного производства отвечает актуальным принципам заботы об окружающей среде». 

С Алексеем я познакомился случайно в кофейне: завязался разговор о современном искусстве, - и вот он уже показывает работы, которые напомнили мне о генеративном искусстве: дизайн-проекты для частных и общественных интерьеров, изготовленные вручную столешницы, подсвечники, раковины, плиты и многое другое. По моему мнению, творчество Lick My Brick достойно представления в мире российского искусства, что и подтвердилось через год после нашего знакомства, когда по моему совету Алексей и Аня приняли участие в Cosmoscow и Blazar (2023).

Lick My Brick - это индивидуальность + технология + юмор. Каждый объект, вручную созданный Алексеем и Аней, неповторим и имеет свои рисунок, текстуру и цвет. Если вы думаете об оригинальном и уникальном подарке (а дуэт художников может изготовить что-то лично под ваш вкус), советую ближе познакомиться с их творчеством тут: www.lickmybrick.com и тут: t.me/lickmybrickplease Тем более, что для подписчиков «Синтонии» у их магазина действует 10% скидка (промокод DEALARTS) до 9 января💎✨ : shop.lickmybrick.com




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Бо Бартлетт (р. 1955) - художник, продолжающий традиции американского реализма Эдварда Хоппера, Нормана Рокуэлла и Эндрю Уайета. Начав свою карьеру в 70-х годах, когда в мире искусства доминировали минимализм, абстракция и концептуализм, Бартлетт оставался верным реалистическому подходу, прославляя частную жизнь простых людей. Но углубляясь в дух «американы» - культурного наследия страны - художник приходит к сценам, где обыденное заключает в себе нечто большее - миф, сверхъестественное, веру в чудо.

Самым важным событием в своей творческой жизни Бартлетт называет дружбу с выдающимся живописцем Эндрю Уайетом (1917 - 2009). В 18 лет Бартлетт отправился во Флоренцию, чтобы изучать искусство фрески. Вернувшись в США в 1974 году, художник поступил в Пенсильванскую академию изящных искусств:

«Я хотел учиться у Уайета, но он не брал учеников. Я рад, что не учился у него в молодости, - если бы я это сделал, я бы поддался соблазну попытаться скопировать его технику. Но встретившись с ним позже, когда я разработал свой способ работы, я смог оценить его искусство на более глубоком уровне».

Закончив академию, Бартлетт в 80-х поступил в Нью-Йоркский университет на факультет кинопроизводства, что оказало влияние на живопись: повествование, масштаб и освещение его картин кинематографичны. В начале 90-х годов он познакомился с женой Эндрю Уайета и по ее просьбе приступил к съемкам фильма о творчестве художника, сблизившись со своим кумиром:

«Энди считал, что «свобода» имеет первостепенное значение для художника. Это чувство свободы воспитывается ежедневной практикой. Он был бесстрашен и рисовал все, что хотел. Это ключ. Никаких правил. Это выходит за рамки стиля. Он сказал: «Ваше искусство проникает так же глубоко, как и ваша любовь».

Главная тема работ Бартлетта - американский Юг: «Даже в Пенсильвании я писал картины Юга. Когда я работал над картиной, я словно возвращался на задний двор своего дома. Я представлял себя в поле рядом с домом. Я сидел там ребенком, смотрел на траву, смотрел на закат, и это было мое место».


▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Xalted - генеративная серия «Agharta»:

«Для некоторых это может показаться неразборчивой картой. Для других это может быть поперечным сечением подземной пещеры. Или жутким ландшафтом вулканической активности, диаграммой геологических слоев. Также можно увидеть некую смутную структуру - это остатки древней цивилизации? Или, может быть, проблеск нашего собственного завтра?

В «Agharta» я стремился создать изображения, которые могли бы пригласить зрителя исследовать глубины своего воображения и раскрыть скрытые структуры внутри, казалось бы, хаотичной композиции. Идея пришла мне в голову, когда я исследовал шум и смещение пикселей в Cables.jl - инструменте визуального программирования интерактивного контента. Я был удивлен возникающими структурами, которые появлялись, когда некоторый набор параметров сочетался с правильной текстурой.

Название работы отсылает к мифическому подземному миру, который, как говорят, находится в ядре земли. Эта идея скрытых глубин и тайных миров внутри земли резонирует с абстрактной и загадочной природой результата, созданного шумом. Образы ландшафта, неопределенных структур или геологических особенностей могут появляться, но никогда не выделяться сами по себе; они существуют в состоянии постоянного потока и пересечения, как будто их видят из другого измерения. И точно так же, как сам миф, который порождает многочисленные теории, эти картины намекают на эту идею неуловимого воображаемого царства, но никогда не представляют его полностью.»



▫️Sintonia Digital Art▫️

Стивен Гилл (р. 1971) - британский фотограф, работающий на стыке документальной, экспериментальной и концептуальной фотографии. Гилл занимался фотографией с детства: сначала использовал линзы и микроскопы для изучения организмов в лесу близ дома в Бристоле, в 12 лет начал экспериментировать с коллажами и двойной экспозицией.

«Я научился выражать себя визуально довольно рано. Я думаю, что нашел некое убежище в этих «мирах» — это было удивительно. Быть ребенком безгранично. Я все еще создаю и реагирую на мир таким же образом или реагирую инстинктивно».

После переезда в Лондон он получил работу в агентстве Magnum Photos: зарабатывая на съемке заказных портретов, он сосредоточился на изучении жизни Восточного Лондона. Стараясь «вызвать дух места», Гилл использовал в своих сериях экспериментальные подходы: помещал в корпус камеры найденные на улицах объекты («Обращаясь к муравьям»), наклеивал цветы и семена поверх фотографий повседневной жизни («Цветы Хэкни»), закапывал изображения в землю, чтобы стимулировать разложение, погружал их в пруд или энергетические напитки.

В 2014 году Гилл переехал в Швецию: «Я пристрастился к визуальному хаосу Лондона. Мне пришлось покинуть город, потому что я чувствовал, что он меня прикончит. Я просто не останавливался. Это было здорово для моей работы, но не здорово для моего здоровья».

В сельской студии в Мальмё фотограф погрузился во взаимодействие с природой: «Ночная процессия» отражала жизнь животных и птиц через камеру с датчиком движения. Серия «Столб» неожиданно для самого автора запечатлела 24 вида птиц, которые посещали установленный Гиллом столб в нескольких километрах от дома. В этих сериях природные существа контролировали процесс съемки и определяли конечный результат.

«С возрастом я стал увереннее отступать и поощрять объект продолжать делать шаги вперед - в конечном итоге я просто полностью вышел и позволил объекту вести меня и формировать работу. Это, наверное, самое веселое, что я когда-либо получал от фотографии»



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Американский художник Дин Байингтон (р. 1958) в своем творчестве развивает такое явление в изобразительном искусстве как horror vacui («страх перед пустым пространством»): вся поверхность художественного пространства заполняется деталями, оставляя как можно меньше пустоты.

Искусство Байингтона имеет множество корней: ксилография Дюрера, ужасы Босха, лабиринты Эшера, викторианские иллюстрации, коллажи Макса Эрнста, кинематограф немецкого экспрессионизма, шелкография Уорхола и Раушенберга и психоделика 60-х годов 20-ого века.

Художник пишет свои большие картины, показывающие последствия влияния человечества на окружающий мир и природу, маслом на льне, а также соединяет рисунок и коллаж. Совмещая свои рисунки и вырезанные образы из старых книг, он сканирует полученный результат и печатает изображение методом шелкографии. После этого дополнительно прорисовывает детали и иногда добавляет цветовые поля.

Одна из недавних выставок Байингтона называлась «Кассандра: Правда и Безумие»: его картины - исполнение пророчеств о мире, который балансирует на грани краха. И виной всему человек: главная тема художника - антропоцен, эпоха глобального изменения окружающей среды человечеством.

Его картины похожи на ширмы или фасады, не скрывающие, а наоборот выставляющие свою «плотность ужаса» напоказ, плоские густые пространства без четких различий между первым и вторым планом. На первый взгляд безобидные сцены наполнены дикими конфликтами и процессом разрушения, скрытым в деталях. Байингтон размывает границы между прошлым, настоящим и будущим: используя старые техники гравюры и рисунка, - через отражение современных проблем изменения климата, разрастания городов, деградации культуры, - он показывает постчеловеческое или постапокалиптическое будущее.

Монументальные ландшафты, геологические формации, промышленные объекты, заброшенные машины - объекты художника хранят память о виде, который был занят «бесконечным» проектом общей утопии, не заметив, как построил прямо противоположное.



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Американский художник Пол Руфэйл (р. 1987) в своих натюрмортах пользуется литературным приемом просопопеи - олицетворения предмета, когда понятию или вещи приписываются качества или действия, присущие человеку. Но Руфэйл идет дальше простого уподобления или аллегории: он включает в свои работы отсылки к произведениям классической живописи и мотивам европейской и американской культуры.

Последняя выставка художника называется «Hammer» («Молоток»): на картине «Pieta» молотком представлен усопший Христос, в то время как скорбящая Дева Мария - это ваза с цветами. На картине «Ритм заходящего солнца» метроном отсылает к работе Джорджо де Кирико «Сон Тобиаса», где слово «Aidel» происходит от греческого «eidolon» («призрак»).

В свои, казалось бы, минималистичные натюрморты Руфэйл умудряется включить большой пласт ссылок на историю искусства и человеческой культуры - от религиозной живописи Средневековья до американских комиксов. Искусство становится лекарством от скуки, которая поглощает человека, смотрящего на мир из окон своего дома. Главным источником преображения внутреннего ландшафта является свет: полуденное или клонящееся к закату солнце, лучи, прорезающие полутьму комнаты, боке, превращающееся в волшебный источник света.

Глубина пространства, возникающая за счет освещения и включения в работы традиций классического пейзажа, способствует погружению зрителя в размышление о «мире за окном», где всегда таится опасность и враждебность, но без которого не было бы той красоты и смысла, которые хранит история искусства и культуры.




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

https://telegra.ph/Studiya-YAna-Pajpersa-11-29

Сегодня на канале была опубликована серия фоторабот Яна Пайперса «Nightgardeners».

Весной 2024 года его персональная выставка открылась в Contour Gallery (Роттердам), где были представлены первые работы из новой серии «Diorama». А летом этого года Пайперс победил в престижном конкурсе Hasselblad Masters в категории «Искусство».

О том, как создает свои изображения фотограф, вдохновляющийся кино, - в небольшом интервью ниже 👇👁




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Monotau - генеративная серия «Omega Point» (2022)

Используя код, шейдеры, трассировку пути (path tracing), шум (noise) и фрактальные структуры, художник-программист создает картины прохождения кибернетических организмов через Точку Омега, представляющую сингулярность. В этой точке достигают своего предела все накопленные знания, информация и вычислительные ресурсы, в этом моменте уничтожения вселенной все ее организмы сталкиваются с опытом ощущения бесконечности жизни.



▫️Sintonia Digital Art▫️

Серия «Nightgardeners» (2020 - 2024) бельгийского художника и фотографа Яна Пайперса (р. 1982).




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

«Watercolor Dreams» - генеративная серия американского математика и художника-программиста Мэтта Якобсона, посвященная традиционным техникам акварели. Якобсон создает компьютерный алгоритм, позволяющий случайности управлять движением линий и красок на цифровом холсте.

Все серии генеративного художника фокусируются на математической эстетике. Работая с алгоритмами и плоттерами, Якобсон изучает, как они могут помочь исследовать и раскрыть часто запутанные правила, которые управляют миром вокруг нас.



▫️Sintonia Digital Art▫️

Корейский фотограф Сундон Чой (р. 1961) в своем творчестве отражает классические традиции азиатской живописи и восточной философии, ища гармонию и покой в природном мире:

«Моя работа основана на восточной философии и культуре. Простота через черно-белые (чернила и тушь) цвета и пространство полей. Это пространство тишины, пространство запятых и пространство медитации.

Сквозь пустоту цвета, пустоту пространства, Стихотворение, нарисованное прекрасной природой, песня. Спокойствие тишины, покой запятой, мирный образ медитации.»



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Созданная в 2021 году серия «Percept» («Восприятие») ирландского художника Колма Мака Атлаоиха (р. 1980) состоит из трех частей: «Pathos», «Logos» и «Ethos». 

Каждая часть берет начало в фотографии: «Pathos» отталкивается от раскрашенных фотопортретов иммигрантов начала 20 века, прибывающих в США через остров Эллис. «Logos» пишется на основе документальных фотографий палестино-израильского конфликта. «Ethos» рассматривает фотографии флагов стран, включая флаг беженцев, созданный для Олимпийских игр в Токио.

Пафос, логос и этос - это понятия из классической риторики Аристотеля. Древнегреческий философ формулирует, что есть три способа убеждения, которые современный художник соотносит с конкретным материалом: пафос убеждает через эмоции и повествование (раскрашивание старых фото, иммиграция); логос - через факты и логику (война, «доказательства» каждой стороны); этос - через авторитет того, что убеждает (символика государственного флага).

Суть метода работы Атлаоиха заключается в поиске и отборе фотографий из Сети и личного архива для последующей деконструкции документальных изображений с помощью живописи и лишения их однозначного смысла и пропагандистского потенциала. Художник переворачивает представления и концепции, которые непосредственно считываются зрителем, смотрящим на фотографии. Задача Атлаоиха - написать живописное дестабилизирующее сообщение зрителю, которое тот сможет интерпретировать, не находясь под «гнетом» факта, эмоции или авторитета.

Художник здесь - проводник, который присваивает чужие изображения реальности, чтобы в процессе наложения слоев и удаления, покраски, царапания и соскабливания лишить их убеждающей силы и дать зрителю возможность найти свое собственное восприятие природы вещей, происходящих здесь и сейчас в мире.



▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Пейзажная фотография шведского фотографа Маттиаса Сьёлунда. Основав в 2017 году платформу Foto Magica, Сьёлунд сосредоточился на съемках природы, руководствуясь одним принципом: пусть свет диктует, что ты снимаешь. Встречаясь с величественными видами природного мира, Сьёлунд старается соблюсти баланс между субъективными восприятием пейзажей и объективным отражением их красоты.

Его компания Foto Magica организует специальные туры в северные страны Европы для фотографов, во время которых они учатся искусству пейзажной фотографии, непосредственно сталкиваясь с естественными условиями съемки.




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

“Caustic Obstacles” (“Разъедающие препятствия”) - генеративный проект американской художницы-программиста Эллы Хоппер. Серия была задумана как эксперимент по переносу света и метода трассировки лучей (ray tracing) из 3d на двухмерную плоскость. 

Используя продвинутый алгоритм path tracing (трассировка пути), Хоппер с помощью кода создаёт картины,  в которых свет взаимодействует с абстрактными объектами, сливаясь с ними и размывая их границы. 

Трассировка пути - метод рендеринга, который симулирует физическое поведение света настолько близко к реальному, насколько это возможно. Path tracing естественным способом воспроизводит множество оптических эффектов, которые тяжело достижимы или вообще недостижимы другими методиками рендеринга: построение теней, глубина резкости, motion blur и каустика (отсюда игра слов в названии серии). 

“Caustic Obstacles” использует прогрессивный рендеринг Монте-Карло, что означает, что сначала при генерации изображение кажется шумным, но со временем оно становится более гладким. Часть итераций никогда не «завершает» рендеринг, всё более и более углубляя взаимодействие “едких” объектов и цифрового света.




▫️Sintonia Digital Art▫️

«Lucky Oracles» - генеративная серия швейцарского художника-программиста Жан-Жака Дюкло, работающего под псевдонимом Eko33. 773 итерации серии были получены коллекционерами цифрового искусства в рамках ярмарки современного искусства Art Basel 2022.

Дюкло занимается цифровым искусством, основанным на программировании, с 1999 года. 2022 год вывел Дюкло в ряды значимых генеративных художников, пользующихся признанием серьезных институтов: участие в Art Basel и Венецианской биеннале, персональная выставка в Kate Vass Gallery, включение в статью Forbes «Лучшее на Art Basel 2022».

Прежде чем приняться за программирование проекта, Дюкло много рисует, определяет цветовые палитры и собирает референсы (из своей коллекции старых журналов и книг по искусству и дизайну). При программировании создаются алгоритмы, призванные наилучшим способом выразить замысел и в то же время видоизменить его с помощью элемента «случайности». 

Художник сосредоточен на четких геометрических структурах, включая алгоритмические формы. Серьезно изучая развитие компьютерного искусства 20 века, Дюкло уделяет главное внимание линиям, цвету и текстуре. Его цель - с помощью математики создавать чистое абстрактное искусство, избавленное от фигуративности и нарративов.




▫️Sintonia Digital Art▫️

Парижский фотограф Хлоя Милос Аццопарди (р. 1994) сплетает свои фотографии в сложные концептуальные экосистемы, отражающие взаимодействие человека с природным миром.

Работы Аццопарди передают моменты близости с природой во всех ее проявлениях, приобретая сюрреалистический отттенок. Фотография здесь является средством борьбы с состоянием диссоциации, от которого автор страдала с подросткового возраста. Чтобы преодолеть отстраненность от своего тела и мыслей, Аццопарди пристально вглядывается в окружающие природные формы, ища с ними связь и свое место в сложной экосистеме мира:

«Я сохранила ощущение того, что меня видят, и что я могу смотреть в глаза существу, совершенно отличному от меня. В тот момент мир словно стал немного больше».

Долгосрочные проекты фотографа сочетают фотографию с перформансом и инсталляцией, наделяя изображения концептуальным смыслом. Аццопарди ищет и документирует инаковость и метаморфозы, включая в экосистему и мир технологий: ее сюрреалистическая серия «Не технологические девайсы» иронично отражает присущее человеку восприятие окружающих объектов как инструментов.

Вместо подобного антропоцентризма французский фотограф предлагает мир, где люди, минералы, растения, камни остаются на одном уровне и во взаимосвязи друг с другом. Руки человека служат главной метафорой этой связи: через прикосновение к природным объектам человек познает самого себя, через нажатие на спуск затвора фотограф воссоединяется с огромной экосистемой.




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Уличную фотографию нью-йоркского фотографа Билли Дина отличают кинематографичность и драматизм. Будучи профессиональным художником-иллюстратором, Дин стал всерьез заниматься фотографией, когда у него украли его DSLR камеру, на которую он снимал свои иллюстрации.

Купив новую камеру, он стал брать ее в путешествия по миру, посетив более 50 стран:

«Вскоре мне стало интересно, как люди живут, а не только как они выглядят. Как они взаимодействуют друг с другом и своим окружением. Мне стали интересны их истории, их жизни и маленькие повседневные моменты, которые делают их такими, какие они есть, независимо от того, где они находятся или откуда они родом.

Я ищу интересных людей, цвета, текстуры, слои, освещение, формы и интересные способы расположения людей и объектов в сцене. Вещи, которые привлекают глаз.

Вторая категория, которую я ищу, — это то, что происходит с субъектами. Я ищу интересные и уникальные взаимодействия между людьми и объектами в их окружении. Мне нравится иметь элемент истории и скрытые сообщения в моих фотографиях. Мне нравятся фотографии, которые заставляют вас думать и удивляться.

Третье — общее ощущение от того, что я вижу. Иногда вы можете увидеть сцену, разворачивающуюся перед вашими глазами, и она заденет какую-то струну эмоционально или вызовет ностальгию. Есть что-то личное, когда фотография может напомнить вам о чем-то из прошлого, будь то хорошее или плохое.

И последнее, что мне нравится снимать, — это то, что выглядит и ощущается как нечто из другого места, времени или мира. Мне нравятся фильмы, в которых берут сцены из реальной жизни и делают так, что их воспринимаешь как сцены из иного мира.»




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

https://telegra.ph/Intervyu-s-II-hudozhnikom-Ivonoj-Tau-10-31

Нидерландская художница Бобби Эссерс (р. 2000) только в 2022 году закончила Утрехтскую высшую школу искусств, еще во время учебы получив премию Buning Bronger Award - крупнейшую частную художественную премию Нидерландов для молодых художников. А в 2023 году получила Королевскую премию за современную живопись - старейшую нидерландскую арт-премию  (с 1871 г.).

В лондонской галерее Unit сейчас проходит уже четвертая персональная выставка Эссерс под названием «Мир в нашем распоряжении». Художница выражает мироощущение нового поколения, которое избегает масштабных замыслов и манифестов со стремлением изменить мир. Эссерс выбирает рассказ о тесных дружеских связях и близости, подчеркивая их платоническую природу.

Ее картины напоминают коллаж, собранный из фотографий, сделанных на вечеринке в тесном кругу друзей. Эссерс и правда сначала делает фото, проводя время с близкими. Затем пишет маслом на холстах, которые можно переставлять местами, каждый раз пересобирая большую картину.

Принципиально избегая показа лиц, что резонирует с желанием анонимности поколения, выросшего в эпоху Интернета, Эссерс выражает тесное взаимодействие различных эмоций через крупные планы частей тел, иногда перекрывающих друг друга. 

«Лицо не имеет для меня большой силы. Есть гораздо больше способов понять близость людей, чем через выражение их лиц»

Эссерс убеждена, что фиксирует дух времени, когда молодые люди ищут смыслы в радости живого общения, в то же время осознавая всю хрупкость связей и отношений в предельно нестабильном мире.




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Нью-йоркский художник-самоучка Логан Сильв (р. 1995) в своем творчестве смешивает элементы сюрреализма, экспрессионизма, стрит-арта и мультипликации. Отталкиваясь от образов поп-культуры и работ таких художников как Баскиа и Фрэнсис Бэкон, Сильв сосредоточен на вскрытии оболочек западной (а конкретнее, американской) культуры.

Внутренние эмоции, желания и конфликты разрушают маски и социальные роли, выворачивая на поверхность буйство неуправляемого воображения. Фигуры сбрасывают кожу, обнажая внутреннюю форму, далекую от демонстрируемой другим людям. Отражая свои психологические состояния в импровизации с краской, чернилами и карандашом, Сильв передает двойственность человеческого существования: между жизнью и смертью, неприглядной правдой и красивой ложью.

Художник утверждает, что рисует, «чтобы запечатлеть то, что видел». Можно сказать, что в своей живописи он материализует фантазмы - обманчивые видимости, порожденные воображением, - показывая, как не имеющие физической реальности силы управляют поведением и действиями человека в современном мире.




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

Американский генеративный художник Райан Белл создал экспериментальный проект «Hyper Drive», исследующий рекурсию - изображение какого-либо объекта или процесса внутри самого этого объекта или процесса, то есть ситуация, когда объект является частью самого себя. Масштабная симметрия используется для создания узоров, которые повторяются все с меньшими интервалами, создавая иллюзию бесконечной глубины и сложности. 

Серия состоит из двух частей: «Hyper Drive: Side A» представляет собой итерации математической абстракции, построенной на приеме рекурсии, «Hyper Drive: Side B» использует ИИ-генерации портретов, чтобы применить к ним тот же алгоритм. 

Идея Белла - визуализировать с помощью кода многоуровневое сетевое пространство, где существуют бесконечно множащиеся границы и связи. Человек движется сквозь это пространство, пока пространство движется через него.

Подчеркивая свою идею, Белл размещает две части проекта на разных блокчейнах, устанавливая новые связи между разными площадками генеративного искусства.




▫️Арт-проект "Синтония"▫️

https://telegra.ph/Kolya-Pitc---Kak-dizajnery-budut-ispolzovat-II-i-kod-dlya-sozdaniya-odezhdy-10-27