Interpretazione D'arte

Café de nuit

🖌 Paul Gaugin
⏰ Arles, Francia, 1888
📌 Museo Pushkin, Mosca, Russia

🎨 L'opera è un dipinto realizzato ad olio della caffetteria “Cafe la Gare” della stazione di Arles, in Francia.

🥂 Gaugin lo realizzò grazie al pittore Vincent Van Gogh che, deciso a creare uno studio di artisti La Casa Gialla, lo convinse a raggiungerlo nella città di Arles. Se ne vede l’influenza se osserviamo le figure del fondo, le stesse che soleva usare Van Gogh nelle proprie opere.

🖼 Gaugin in verità non dipinse l’opera sul posto, ma ne elaborò la composizione nella Casa Gialla a partire da un ritratto a carboncino di Madame Ginoux.realizzato in persona: si trattava della compagna del proprietario della stessa caffetteria; il pittore venne spinto a ritrarre un’Arlesiana perché proprio all’epoca, era diventato il prototipo di bellezza di tutta la Provenza.

🎨 L'opera è un dipinto realizzato ad olio, un'istantanea che Manet realizza per catturare uno dei momenti della sua vita quotidiana.

🥂Ci troviamo a Parigi, nel locale conosciuto come le Folies-Bergère, un locale che a suo tempo veniva riconosciuto come uno dei locali più alla moda della città. Infatti, possiamo riconoscerne le caratteristiche dai dettagli del dipinto come le bottiglie di champagne, i calici, le decorazioni.

🖼 La cameriera è il soggetto principale dell'opera, mentre la folla rispecchiata alle sue spalle funge da fondo e da ambientazione. È interessante notare la scelta di Manet nel mettere al centro dell'attenzione proprio lei, la unica spettatrice della serata. Questo dettaglio si rivela di particolare importanza in quanto l'obiettivo del pittore non vuole essere quello di criticare la società, ma di raccontare e forse riflettere sulla fugacità di un attimo che poi, come ogni serata, giungerà al termine.

Il bar delle Folies-Bergère

🖌 Édouard Manet
⏰ 1881
📌 The Court auld Gallery

Considerata l'opera più importante del periodo olandese di Van Gogh questo dipinto mostra, all'interno di una piccola e povera stanza, alcuni contadini che si accingono a consumare la cena servendosi da un unico piatto di patate, mentre una di loro versa il caffè.
L'artista é molto legato a questo quadro perché si sente uno di loro e trova ingiusto che i contadini lavorando cosi tanto debbano vivere una vita cosi misera.
Viene sottolineato che loro stessi lavorando la terra si procurano il cibo per sopravvivere in modo onesto e faticoso.
Con la luce si evidenziano i volti e i vestiti in un quadro quasi monocromatico che forse appaga poco l'occhio ma fa trasparire l'essenza della scena, ciò che vuole dimostrare.

I mangiatori di patate
1885
Van Gogh

🖼️ L’opera è un dipinto realizzato ad olio che rappresenta una vera e propria illusione ottica. Infatti, nonostante lo spazio venga occupato quasi interamente dalla figura di un cane, l’immagine che risalta a colpo d’occhio è invece quella di un volto.

‼️Ciononostante, se prestiamo maggior attenzione, ci accorgiamo che queste stesse figure sono composte da altri elementi che all’apparenza non hanno nulla a che vedere tra di loro. In questo modo viene data molta più importanza al fondo: non si tratta solo di un paesaggio, ma di elementi che allora volta danno vita e corpo alle figure che risaltano in primo piano, si tratta di un’interazione continua tra fondo e forme. Come? Per esempio, percepiamo un tunnel tra le rocce come l’occhio del cane o, allo stesso modo, un ponte ad archi come il collare.

🤯 Curiosità: Dalì crea queste immagini seguendo quello che lui stesso definisce come metodo “paranoico-critico”. Ciò significa che rappresenta con l’arte e traduce in realtà immagini che nascono inconsciamente da fantasie, ansie, allucinazioni. Per lui, sono proprio queste immagini assurde a creare una fonte di ispirazione e conoscenza continua.

😏 Una piccola sfida. Nel dipinto, oltre al volto/vaso di frutta, è presente anche un corpo femminile vestito, seduto sulla spiaggia, riesci a riconoscerlo?

Apparizione di viso e vaso sulla spiaggia

🖌️ Salvador Dalì
⌚1938
📍The Wadsworth Atheneum, Hartford (Connecticut), USA

🫣 L’opera è un dipinto realizzato ad olio tutt’oggi avvolto da un certo mistero. Si conosce con diversi nomi come: “La Ragazza con il turbante” e la “Gioconda olandese”.

👁 Ciò che cattura l’attenzione è il contrasto con lo sfondo scuro e lo sguardo affascinante della ragazza. Il dipinto si distingue per la sua eleganza e delicatezza: lo sguardo rivolto all’osservatore, le labbra leggermente socchiuse, il copricapo dai toni azzurri e gialli.

👂Da notare anche un piccolo dettaglio: l’orecchino. L’orecchino è sicuramente un’ottima strategia per creare un punto luce e risaltare maggiormente il volto, ma non solo. A differenza del soggetto, la tecnica utilizzata per dipingere l’orecchino richiama le pennellate usate per lo sfondo: si tratta solo di due, se non tre, pennellate che creano dei volumi cosicché che l’occhio umano le possa percepire come una sfera intera.

📸 Inoltre, si pensa che Vermeer possa essersi servito anche di una camera oscura per realizzarlo. Questo gli avrebbe permesso infatti di proiettare l’immagine capovolta su una parete oscura in modo tale da poterne tracciare i lineamenti.

🎞 Un’altra curiosità. Nel 2003 è stato prodotto un film con lo stesso titolo per raccontare la storia del dipinto. Tuttavia, la mancanza di informazioni rispetto sia alla vita di Vermeer, sia al dipinto in sé, non permette di affermare con certezza se il dipinto è effettivamente un ritratto piuttosto che la rappresentazione di un volto idealizzato.

Ragazza con l'orecchino di perla

🎨 Jan Vermeer
🕐 1665-1666 circa
📍Mauritshuis dell'Aia, Den Haag, Paesi Bassi

💃🏻 Il dipinto rappresenta un gruppo di ballerine che si prepara per andare in scena; proprio per questo viene chiamato anche “Ballerine dietro le quinte”. La scena sembra rappresentare una vera e propria coreografia, un riscaldamento, un ripasso spontaneo prima dell’esibizione vera e propria. Ciononostante si tratta di una composizione pittorica ben studiata, dove la naturalezza viene data dall’intenzione di catturare l’istante. Inoltre, non è certo se si tratti veramente di un gruppo o di un’unica ballerina riprodotta in pose distinte.

📚 Degas è conosciuto come “Il pittore delle ballerine”: le ballerine sono per lui un tema ricorrente: sono fonte d’ispirazione per lo studio del movimento e dei tessuti. Spesso si afferma che il pittore cercasse di cogliere l’autenticità, l’introspezione, che è possibile cogliere solo nei momenti di tensione, quando si è soli o quando si pensa di non essere visti da nessuno. Pur lavorando spesso con sketch dal vivo nei caffè e nei circoli letterari, Degas chiedeva alle ballerine di posare per lui anche nel suo studio.

👀 Anche se lui stesso affermava di “Disegnare con il colore, Degas non si è mai voluto identificare con il movimento degli Impressionisti: la sua pittura non mira a catturare l’impressione, bensì il movimento; inoltre il suo studio avveniva prevalentemente in spazi chiusi, non “en plein air".

📸 Ciò che differenzia Degas è l’approccio fotografico alla pittura. Degas si ispira alla fotografia, cerca un’inquadratura decentrata e una composizione equilibrata, uniforme.

Quattro ballerine in blue

👨‍🎨 Edgar Degas
🕰️1980 circa
📍Musée d’Orsay, Parigi, Francia

🌅 Quest’opera rappresenta una tra le navi da guerra inglesi più potenti dell’epoca. Uscita vittoriosa dalla battaglia di Trafalgar (1805), la “Temeraria” viene colta nel momento in cui un rimorchio la sta trainando verso la demolizione. Il romanticismo dell’opera si percepisce maggiormente grazie ad alcune libertà pittoriche: in realtà la nave allora appariva molto più spoglia, trainata da più rimorchi e diretta verso la direzione opposta. Turner invece la rappresenta maestosa, mentre naviga verso il tramonto della sua carriera, ma con la fierezza di un combattente.

👉 L’opera quindi, più che rendere omaggio alla vittoria storica, mira a trasmettere un sentimento.

🎨 Pittoricamente, si caratterizza per una pennellata istintiva e pittoresca; sarà la base per la nascita di altri movimenti artistici successivi quali l’impressionismo e l’astrattismo.

⛵Turner si guadagnò la fama per rappresentare il mare in ogni condizione climatica; si racconta che una volta si fece addirittura legare all’albero maestro di una nave per poter disegnare il mare in tempesta.

La valorosa Téméraire

👨‍🎨 Joseph Mallord William Turner
👉 1839
📍The National Gallery, Londra

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Buonasera a tutti!

Il canale dopo quasi un anno ha voglia di tornare attivo. 🖼🎨

Se sei un appassionato ed hai voglia di dare una mano scrivimi pure, senza timore. 🖌

@mirdie

🌓 La luce fa emergere con una potente volumetria dal fondo scuro la figura l’uomo. Il modello è visto di tre quarti e guarda l’osservatore. E’ uno scorcio che tende più verso il profilo che verso la frontalità, come indica la posizione in angolo dell’occhio, completamente girato per poterci guardare.

☄️ L’analisi delle fattezze individuali è molto accurata e arriva a registrare dettagli come i capillari nella sclera degli occhi, le sopracciglia scompigliate, il tono bluastro della pelle rasata.

👁 Il ritratto vuole instaurare una comunicazione con lo spettatore. Attraverso lo sguardo diretto, l’uomo ritratto, si sente superiore all’osservatore e mostra la sua fierezza. Il diverso orientamento degli occhi rispetto al busto, unito al movimento della testa verso l’alto, dà vivacità alla figura e volizione allo sguardo del modello.

✌🏻Nella situazione italiana, dominata dal ritratto aulico di profilo di matrice classica (vedi i dipinti del Pisanello e Antonio Pollaiolo), i ritratti di Antonello diedero un grande impulso alla diffusione del ritratto di tre quarti che emerge dall’oscurità, di derivazione fiamminga (vedi Jan van Eyck, Petrus Christus e Robert Campin).

Ritratto Trivulzio

👨🏻‍🎨 Antonello da Messina
👉🏻 1476
📍 Museo civico d'arte antica, Torino

⌛️ Questo straordinario specchio (composto da sette cristalli, era alto un metro e ottanta centimetri e largo quasi altrettanto) inventato e disegnato da Gian Lorenzo Bernini per il palazzo romano della regina Cristina di Svezia, e materialmente realizzato dallo scultore Ercole Ferrata, nel 1662. Gli inventari e i visitatori secenteschi leggevano nello specchio il famoso concetto del Tempo (la figura barbuta in alto) che scopre la Verità (rappresentata dallo specchio). Potremmo considerarlo un “ritratto allegorico” di Cristina, il cui ritratto era appunto la sua viva immagine riflessa, in un’interpretazione estrema e acuta del ritratto vivente, o parlante. La verità, in questo caso, era che la regina era davvero brutta: il tempo infieriva sul suo volto come su quello di tutti i comuni mortali.

🪞Quindi l'opera d’arte è completata non solo nel concetto ma anche dalla presenza dello spettatore (in questo caso di una sola, specialissima, spettatrice). Ciò che sappiamo sul rapporto tra quest’ultimo e Cristina permette di dare per scontato che i due abbiano condiviso l’invenzione dell’opera.

(Testo tratto dall'articolo sul "Il Venerdì" di T. Montanari del 9/07/2021)

Disegno per lo specchio di Cristina di Svezia

👨🏻‍🎨 Gian Lorenzo Bernini
👉🏻 1662 circa
📍 Collezioni della Regina Elisabetta II Windsor Castle (Inghilterra)

🎈 La tavola raffigura un uomo ubriaco ed eccitato, che rappresenta l'allegoria del Vizio; mentre 3 donne lo infastidiscono e lo deridono. La donna a sinistra tiene in mano dei serpenti, simbolo del peccato e della Lussuria. La donna in alto a destra suona il flauto, posizionato molto vicino all'orecchio. La donna in basso a destra gli fa il solletico alla gamba.
Un piccolo fauno guarda l'osservatore con aria furbesca.

🌱 Un'altra interpretazione vede l'influenza di Virgilio, un poeta latino al tempo di Ottaviano Augusto. La Sesta Egloga racconta che Sileno (un satiro) dormiente viene legato da due pastori, Cromi e Marsillo, i quali, assieme alla ninfa Egle, lo costringono a cantare per loro.

🌴 La scena è ambientata in un bosco, luogo tipico per le raffigurazioni mitologiche.

🌳 Correggio crea delle figure morbide, leggiadre, quasi palpabili. Il suo talento per i volumi e il chiaroscuro lo rendono uno dei migliori artisti del 500.

🌷 La tavola è stata commissionata da Isabella d'Este per il suo studiolo.

Allegoria del Vizio

👨🏻‍🎨 Antonio Allegri detto Correggio
👉🏻 1531 circa
📍 Louvre, Parigi